Art contemporain: Arts visuels postmodernistes Automatique traduire

Personne n’est d’accord sur la signification exacte de l’art proprement dit. Les critiques, les conservateurs et les historiens le définissent de différentes manières. L’une des raisons de cette confusion est que «l’art actuel (contemporain)» précède «l’art moderne (contemporain)», et qu’il n’y a pas d’accord précis sur la date à laquelle «l’art moderne» s’est terminé et «l’art actuel» a commencé.

Pour compliquer encore les choses, le troisième terme «Art postmoderne» est parfois utilisé comme synonyme de «Art actuel». Le postmodernisme désigne la principale tendance stylistique après le modernisme, mais il se réfère également à des dizaines d’autres disciplines, notamment l’architecture, la musique, le cinéma, la littérature, la sociologie, le design, la mode et la technologie, qui ont toutes des calendriers différents, de sorte qu’il est difficile de déterminer avec précision le moment où le postmodernisme commence. En outre, le postmodernisme n’est pas synonyme d’art postmoderne proprement dit. Ce dernier fait référence à une époque (période), tandis que le postmodernisme est davantage une attitude et un style à l’intérieur de cette période. Avec le temps, le postmodernisme sera supplanté par un nouveau «-isme», mais tous deux seront des formes d’art actuel.

Mais ce n’est pas tout. La compréhension est encore compliquée par le fait que les différentes sources se réfèrent différemment à ces périodes.

Ce que nous appelons ici «l’art actuel» est très souvent désigné comme «l’art contemporain», et la phase précédente comme, par exemple, «l’époque moderne». Ce n’est pas faux si l’on comprend le contexte et ce que l’auteur a voulu dire. De plus, c’est plus familier si l’on considère que le mot «moderne» conviendrait mieux à notre époque actuelle qu’à celle qui s’est finalement achevée en 1970. C’est pourquoi nous n’appelons explicitement l’art postmoderniste «actuel» (et l’art moderniste «contemporain») que lorsque la division en époques est pertinente. Cela ne nous empêche pas, bien sûr, d’utiliser le mot «moderne» également dans son sens normal, en référence aux personnes et aux phénomènes dont nous sommes les contemporains.

Quelle est une définition simple de l’art actuel?

Théorisation mise à part, il y a trois sens ou usages principaux du terme «art actuel».

Dans cet article, nous considérons les années 1960 comme une période de transition entre le modernisme et le postmodernisme, bien qu’il serait correct de dire que la décennie comprenait les deux types d’art. Après tout, les artistes du monde entier ne se sont pas levés un jour pour devenir des postmodernistes. C’est pourquoi nous avons choisi 1970 comme date butoir, car la transition était alors pratiquement achevée. Pour des informations chronologiques plus détaillées, voir : Chronologie de l’histoire de l’art (800 av. J.-C. à nos jours).

En quoi l’art actuel diffère-t-il de l’art contemporain?

La réponse à cette question nécessiterait un livre entier. Nous ne disposons que d’un paragraphe, alors commençons. Tout d’abord, un peu d’histoire. La Renaissance a jeté les bases de l’art occidental après le Moyen Âge. Les idées et les règles de la Renaissance se sont répandues en Europe par le biais de diverses académies des beaux-arts, telles que l’Académie florentine Accademia dell’Arte del Dizenio (fondée en 1562), l’Académie romaine Accademia di San Luca (fondée en 1583), Académie française ) Académie des Beaux-Arts), la Royal Academy de Londres (fondée en 1768) et, plus tard, la Royal Hibernian Academy et la Royal Ulster Academy of Arts en Irlande. Ces académies enseignaient l’art selon un ensemble immuable de canons que les artistes devaient suivre pour gagner leur vie. Au début du XIXe siècle, cette approche académique avait perdu de sa pertinence.

L’ère moderne

Au début des années 1860, Édouard Manet, avec les impressionnistes français, dont le style de peinture subjectif révolutionnaire a lancé l’ère moderne, l’art moderne. Cette période a vu l’émergence d’une succession de mouvements artistiques modernes, dont l’expressionnisme, le cubisme, le surréalisme, l’expressionnisme abstrait et l’Op Art, pour n’en citer que quelques-uns. (Pour plus de détails, voir Mouvements et styles artistiques). Presque tous ces styles reflètent les tendances politiques et sociales de l’époque, telles que la Première Guerre mondiale, la dépression économique des années 1920 et 1930, la Seconde Guerre mondiale et ses conséquences postcoloniales. Bien qu’ils aient reconnu la fragmentation croissante et le manque de sens de la société pendant cette période, «les artistes contemporains» ont continué à croire que les œuvres d’art pouvaient apporter une réponse - l’art pouvait faire ce que d’autres institutions humaines ne pouvaient pas faire - et fournir la cohérence et le sens qui avaient été perdus. Dans les années 1960, cependant, cet optimisme des artistes a commencé à s’émousser, et c’est cette perte d’optimisme qui marque le début du postmodernisme et l’émergence de l’art actuel.

L’ère postmoderne

Les postmodernes rejettent l’idée que l’art puisse donner du sens. Si la vie n’a pas de sens, disent-ils, très bien - ne prétendons pas que l’art peut l’améliorer. Acceptons simplement qu’elle n’a pas de sens, comme tout le reste, et poursuivons notre vie. La nouvelle philosophie du postmodernisme a donc donné naissance à un ensemble de nouvelles priorités, aidées en grande partie par l’émergence fortuite de nouvelles technologies telles que la télévision, la vidéo et les ordinateurs. Les mouvements artistiques actuels se sont concentrés sur «la manière dont» l’art était créé et distribué, plutôt que sur «ce qui» était produit. Ils mettent l’accent sur les idées et les concepts plutôt que sur les objets de valeur et les compétences nécessaires pour les produire.

Dans une tentative de populariser et d’accroître l’accès à l’art visuel, ils ont introduit (ou affiné) un certain nombre de nouvelles formes d’art telles que le conceptualisme, la performance, le happening, l’installation, les travaux de terrassement, l’art de la projection, et dans le processus ont tiré pleinement parti des nouveaux médias tels que la vidéo, les ordinateurs et la technologie numérique. Tout cela est bien loin de Claude Monet et de son travail de toute une vie pour capturer les différents effets de la lumière du soleil.

Quelles sont les principales tendances de l’art actuel?

Voici une courte liste d’écoles et de styles d’art contemporain sélectionnés, classés par ordre chronologique approximatif. Les dates sont approximatives.

Pop Art (depuis les années 1960)
Bien qu’il ait commencé comme une expression du modernisme tardif, il a rapidement développé de fortes tendances postmodernistes ainsi qu’une nouvelle importance accordée à la présentation et au style. Voir Le Pop Art d’Andy Warhol, par exemple.
Word Art (depuis les années 1960)
Type de peinture ou de sculpture centré sur les mots, les phrases ou les images textuelles. Les principaux artistes associés à ce mouvement sont Robert Indiana (né en 1928), Jasper Johns (né en 1930), On Kawara (1932-2014) et Christopher Wool (né en 1955).
Art conceptuel (depuis les années 1960)
Forme d’art postmoderne classique dans laquelle une idée sous-jacente (concept) est considérée comme la composante principale. un bon exemple de conceptualisme est l’exposition «Spécialiser la sensibilité à l’état de matériau brut en une sensibilité picturale stabilisée» (2009), qui s’est tenue au Centre Pompidou à Paris. L’exposition comprenait neuf salles entièrement vides.
Art de la performance (à partir du début des années 1960)
Forme d’art d’avant-garde basée sur la performance en direct d’un artiste ou d’autres personnes devant un public. Les exemples incluent les événements de nudité de masse organisés par Spencer Tunick.
Happenings (1960)
Type d’art de la performance en Amérique dont le pionnier est Allan Kaprow (1927-2006). Inspiré par dada et fluxus, le heppening est un événement artistique théâtralisé. Le flash mob en est un développement récent.
Fluxus (années 1960)
Mouvement néo-Dada anti-artiste fondé par George Maciunas, qui a d’abord émergé en Allemagne avant de s’installer à New York. Associé aux Happenings et autres événements de rue «».
Art de l’installation (depuis les années 1960)
Type d’art d’avant-garde installé dans un espace physique (par exemple une pièce). En enveloppant le spectateur ou en envahissant son espace, ce médium artistique permet à l’artiste de transmettre un message avec plus de force. L’assemblage de Schwitters «par Merzbaugh», qui a fini par remplir un bâtiment entier, en est un exemple prototypique.
Art vidéo (depuis les années 1960)
Genre postmoderne de plus en plus populaire dont les œuvres peuvent aller d’un film de longueur relativement normale à une courte boucle vidéo contenant quelques minutes ou même quelques secondes de contenu artistique. Parfois, plusieurs moniteurs sont utilisés. Les clips vidéo sont souvent utilisés dans le cadre d’installations plus vastes.
Minimalisme (depuis les années 1960)
Catégorie de peinture ou de sculpture abstraite caractérisée par une extrême simplicité des formes et dépourvue de toute référence «émotionnelle, historique ou artistique». Le style est surtout illustré par des peintures monochromes (ou entièrement noires ou entièrement blanches) ou des sculptures composées de matériaux géométriques, souvent fabriqués industriellement. Parmi les minimalistes importants, citons Agnes Martin (1912-2004), connue pour ses grilles au crayon, et Ad Reinhardt (1913-1967), connu pour ses peintures noir sur noir.
Photoréalisme (années 1960, 1970)
Style de peinture ou de sculpture (également connu sous le nom d’hyperréalisme ou de superréalisme) exécuté avec des détails photographiques. Les œuvres photoréalistes sont souvent créées directement à partir de photographies. Parmi les photoréalistes notables, on peut citer Chuck Close, qui s’est spécialisé dans les immenses autoportraits, et Richard Estes, connu pour ses reflets dans les fenêtres des villes.
Land art (années 1960)
Forme d’art animalier popularisée par Robert Smithson, impliquant l’utilisation de matières premières naturelles telles que la terre et les pierres pour interagir avec le paysage et créer des formes d’art. Bien que le mouvement ait commencé comme un mouvement idéaliste contre l’art commercial, il s’est rapidement dégradé lorsque les artistes ont découvert que seules les personnes fortunées pouvaient se permettre de visiter les œuvres d’art créées. Pour les travaux de terrassement à micro-échelle, voir : la sculpture sur glace, et diverses formes d’art du sable .
Photographie (à partir des années 1960)
Le travail contemporain de la caméra s’est développé principalement à travers la photographie de portrait (Annie Leibovitz), la photographie de mode (Helmut Newton), la photographie de rue (Garry Winogrand) et la photographie documentaire (Don McCullin).
Arte Povera (1966-71)
Style artistique anti-commercial associé à un groupe d’artistes d’avant-garde en Italie et soutenu par Enzo Sperone et Germano Celant, qui se préoccupait principalement des qualités physiques des matériaux utilisés. Parmi les membres du groupe figuraient Piero Manzoni, Michelangelo Pistoletto, Giuseppe Penone et d’autres.
Supports-Surfaces (1966-72)
Groupe conceptuel d’artistes français de gauche qui a exposé un type de peinture» ultra-minimaliste «en 1966-72.
Réalisme moderne (années 1970)
Style de peinture qui dépeint des sujets terre-à-terre de manière naturaliste. Il englobe tous les peintres et sculpteurs postmodernes qui se concentrent sur l’imagerie figurative pour dépeindre «le réel» plutôt que l’idéal. La peinture figurative de Lucian Freud en est un exemple.
Postminimalisme (années 1970)
En réaction contre le formalisme aride de l’art minimaliste, les postminimalistes ont eu tendance à se concentrer sur les processus physiques et créatifs. Un exemple majeur du postminimalisme est Eva Hesse (1936-1970).
Art féministe (années 1970)
Mouvement artistique impliquant des femmes artistes qui abordent des questions de genre spécifiques telles que la maternité ainsi que des questions plus générales telles que le racisme et les conditions de travail. Les figures de proue sont Nancy Spero (1926-2009), Miriam Shapiro (1923-2015), Judy Chicago (née en 1939), Barbara Kruger (née en 1945), Joan Jonas (née en 1936), Louise Bourgeois (1911-2010), et d’autres encore.
Nouvelle subjectivité (années 1970)
Style d’art traditionnel (anti-abstraction, anti-conceptualisme) associé aux participants à la «Nouvelle subjectivité», une exposition internationale organisée en 1976 au Centre Pompidou à Paris. Parmi les artistes participants figuraient David Hockney, R.B. Kitaj, Christian Zeimert, Michel Parré, Sam Safran et d’autres.
École de Londres (années 1970)
Groupe d’artistes figuratifs associés à Londres au milieu des années 1970. Il comprend Francis Bacon, Lucian Freud, Howard Hodgkin, Frank Auerbach et Leon Kossoff.
Graffiti (1970)
Forme populaire d’art marginal apparue dans le métro de New York et qui s’est ensuite répandue en Europe et au Japon. Les graffeurs peignent avec des pochoirs et des bombes aérosols sur les rames de métro, les murs des villes, les toits et les panneaux d’affichage. Parmi les principaux artistes, citons David Wojnarowicz, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring et Banksy.
Néo-expressionnisme (depuis 1980)
Vaste mouvement de peinture apparu en opposition au minimalisme ennuyeux, qui utilisait la couleur, l’émotion, le symbolisme et la narration (c’est-à-dire toutes les choses que les minimalistes tentaient d’éradiquer de leurs œuvres). En Allemagne, les néo-expressionnistes les plus connus sont Georg Baselitz, Anselm Kiefer et Gerhard Richter. Dans d’autres pays, les néo-expressionnistes comprennent Robert Morris (né en 1931), connu pour sa série «Firestorm» des années 1980 (États-Unis).
Transavanguardia (Transavantgarde) (à partir de 1979)
Variante italienne du néo-expressionnisme, associée à Francesco Clemente, Enzo Cucchi, Sandro Chia et Mimmo Paladino.
Young British Artists (Britart, YBA) (1980)
Groupe d’artistes d’avant-garde, soutenu par le collectionneur millionnaire Charles Saatchi, qui s’est emparé de l’art contemporain dans les années 1980 et 1990. Parmi les YBA notables figurent Damien Hirst, Rachel Whiteread, Tracey Emin, Glenn Brown, Sam Taylor-Wood, Jake et Dinos Chapman, Mark Wallinger, Mark Quinn, Steve McQueen, Chris Ofili et d’autres. Voir aussi Artistes irlandais contemporains (21e siècle) et Artistes irlandais du 20e siècle (1900-2000).
Déconstructivisme (1985-2010)
Style d’architecture visuellement impressionnant lancé par Frank O’Geary, illustré par le bâtiment de la Nationale Nederlanden (Prague).
Néo-pop (à partir de la fin des années 1980)
Reprise des formes du Pop Art (objets reconnaissables, images de célébrités), le néo-pop a également emprunté des éléments à Dada et au conceptualisme. Les créations sculpturales de Jeff Koons en sont des exemples, le mouvement est également associé au travail d’Ashley Bickerton, d’Alan McCollum et de Haim Steinbach.
Body art (1990)
Forme d’art dans laquelle le corps devient une «toile». Le plus souvent observé dans l’art de la «performance» par des artistes tels que Marina Abramović, ou dans l’art corporel contemporain , illustré par la peinture illusionniste de Joan Gair d’une Demi Moore nue ) Vanity Fair août 1992). Comprend également le mime, «les statues vivantes», les tatouages et l’art des ongles, et les peintures faciales de divers types.
Réalisme cynique (Chine) (années 1990)
Style sardonique de peinture de personnages critiquant les autorités chinoises après la place Tiananmen, dont les principaux représentants sont Yue Mingjun, Fang Lijun et Zhang Xiaogang.
Stuckism (à partir de 1999)
Groupe artistique britannique dirigé par Billy Childish, dont les membres ont rejeté le conceptualisme, la performance et l’installation en faveur des styles représentatifs traditionnels de la peinture et de la sculpture. Ils ont fondé une exposition d’art annuelle connue sous le nom de «Turner Prize Real Show».
Nouvelle école de Leipzig (depuis 2000)
École d’art traditionnelle spécialisée dans le réalisme classique au sein du courant principal de l’art académique.
Art de la projection (Projection Mapping) (21e siècle)
L’art d’afficher des images vidéo sur des bâtiments ou d’autres grandes surfaces à l’aide de programmes informatiques.
Art informatique (21e siècle)
Également connu sous le nom d’art numérique ou d’art Internet, cette catégorie comprend un large éventail de formes d’art liées aux logiciels informatiques.

Qui sont les meilleurs artistes actuels?

La période allant du milieu des années 1960 à nos jours a vu l’émergence de nombreux artistes postmodernes talentueux, travaillant dans une variété de genres. Voici une brève sélection des personnalités les plus connues dans les différentes catégories d’art visuel. Certains, comme Francis Bacon ou Andy Warhol - les artistes les plus précieux de notre époque - pourraient être classés parmi les «modernistes» avant 1970, mais sont inclus ici en raison de leur approche essentiellement «postmoderniste».

Artistes

Inclut le surréaliste Francis Bacon (1909-1992) ; R.B. Kitaj (b.1932) ; artiste de la caricature pop Roy Lichtenstein (1923-1997) ; artiste pop et artiste du pochoir Andy Warhol (1928-1987) ; dessinateur pop David Hockney (né en 1937) ; artiste semi-abstrait.) ; empâtement semi-abstrait et portraitiste Frank Auerbach (né en 1931) ; peintre figuratif Fernando Botero (né en 1932) ; néo-expressionnistes Gerhard Richter (né en 1932) et Georg Friedrich Schulz (né en 1932).) et Georg Baselitz (né en 1938) ; le peintre d’objets Jack Vettriano (né en 1951) ; et le peintre de figures Jenny Saville (née en 1970). Pour les œuvres abstraites contemporaines, voir Cy Twombly (1928-2011), connu pour son style de peinture caractéristique qui combine des éléments de calligraphie et de graffiti ; Frank Stella (né en 1936), pionnier du minimalisme expérimental ; et Sean Scully (né en 1945), connu pour ses abstractions de grand format.

Sculpteurs

Il s’agit notamment du conceptuel Sol LeWitt (né en 1928) ; du nouveau réaliste Arman (1928-2005) ; des minimalistes Donald Judd (1928-1994) et Carl Andre (né en 1935) ; du sculpteur à grande échelle Richard Serra (né en 1939) ; «du féministe (né en 1932) ; «de l’artiste

.) ; «sculpteur féministe» Louise Bourgeois (1911-2010) ; superréalistes John De Andrea (né en 1941) et Carole Feuerman (née en 1945) ; sculpteur et artiste d’installation) ; sculpteur et installateur Anthony Gormley (né en 1950) ; muraliste Anish Kapoor (né en 1954) ; artiste néo-pop Jeff Koons (né en 1955).

Architectes

Principales figures de l’architecture de la fin du XXe siècle : Frank O. Gehry (né en 1929), pionnier du déconstructivisme ; Daniel Libeskind ; le cabinet Coop Himmelblau (fondé par Wolf Prix, Helmut Swicinski et Michael Holzer) ; Lars Spybrook, Cass Oosterhuis, Peter Cook et Colin Fournier. Parmi les autres grands architectes américains contemporains, citons Robert Venturi, Denise Scott Brown, John Rauch, Michael Graves, Peter Eisenman, Charles Gwathmey, John Hejduk, Richard Meier, Rem Koolhaas, Zaha Hadid et Bernard Tshumi.

Les conceptualistes

Parmi les principaux représentants du conceptualisme figurent le nouveau réaliste Yves Klein (1928-1962) - voir aussi : L’art postmoderne d’Yves Klein (1956-62) ; et l’artiste installateur et sculpteur postmoderne Damien Hirst (né en 1965).

Performance

Y compris l’influent artiste allemand d’avant-garde Joseph Beuys (1921-1986), dont les performances comprennent la performance d’avant-garde «How to Explain Paintings to a Dead Hare» (1965) ; et les sculptures vivantes postmodernes «» de Gilbert Proesch (né en 1943) et George Passmore (né en 1965). 1943) et George Passmore (né en 1942), plus connus sous le nom de Gilbert et George . Parmi les formes plus extrêmes de l’art de la performance, on peut citer le genre de l’art corporel pratiqué par l’artiste serbe Marina Abramović et l’artiste allemand Ulaj (Frank Uwe Laysiepen). Parmi les autres artistes de performance notables, on peut citer l’artiste japonaise d’avant-garde Yayoi Kusama (née en 1929), connue pour ses Happenings ; Joan Jonas (née en 1936), connue pour ses vidéos de performance ; et l’artiste expérimental brésilien Helio Oiticica (1937-1980), fondateur du Grupo Neoconcreto .

Photographes

La photographie postmoderne est illustrée par les œuvres controversées de Robert Mapplethorpe (1946-1989), Andreas Gursky (né en 1955) et Cindy Sherman (née en 1954). La photographie de portrait actuelle est mieux illustrée par les travaux de Diane Arbus (1923-1971) et Annie Leibovitz (née en 1949). La photographie de mode actuelle est représentée par les travaux de Helmut Newton (1920-2004), David Bailey (né en 1938), Mario Testino (né en 1954), Patrick Demarchelier (né en 1943), Nick Knight (né en 1958) et David LaChapelle (né en 1963). La photographie documentaire est représentée par les travaux de Don McCullin (né en 1935), James Nachtwey (né en 1948) et Steve McCurry (né en 1950), tandis que la photographie de rue est illustrée par les travaux de Garry Winogrand (1928-1984), Ed Ruscha (né en 1937) et Nan Goldin (née en 1953). Un exemple de pictorialisme postmoderne est le travail de Jeff Wall (né en 1946) de l’école de Vancouver, spécialisé dans la «photographie mise en scène». Voir également les fascinantes photographies d’architecture en noir et blanc de Bernd/Hilla Becher (1931-2007).

Auteurs d’installations

L’artiste du texte Jenny Holzer (née en 1950) ; l’artiste multimédia Bruce Nauman (né en 1941) ; l’artiste de la performance et cinéaste Rebecca Horn (née en 1944) ; l’artiste français Christian Boltanski (né en 1944).).), connu pour ses installations à partir de photographies ; le célèbre YBA Damien Hirst (né en 1965) ; l’artiste et commissaire d’exposition Tracey Emin (née en 1963) ; et Christo et Jeanne-Claude (Yavacheffe) (née en 1935), fondateurs de l’art de l’empaketage .

Vidéo

L’artiste multi-moniteur sud-coréen Nam June Paik (1932-2006) ; et Bill Viola (né en 1951), connu pour ses œuvres impressionnantes.

Graffiti

Surtout connu pour le pochoiriste Banksy (né en 1973) et l’artiste de l’aérosol Jean-Michel Basquiat (1960-88).

Art numérique

Les pionniers de l’art informatique Harold Cohen (né en 1928), John Lansdowne (1929-1999) et Manfred Mohr (né en 1938), ainsi que Michael Noll (né en 1939), Mark Wilson (né en 1943), Orlan (né en 1947), Gary Hill (né en 1951), Christa Sommerer (née en 1947), Christa Sommerer (née en 1947).), Christa Sommerer (née en 1951) et autres), Christa Sommerer (née en 1964), Christoph Bruno (né en 1964), Dirk Paesmans (né en 1965), Olga Kiseleva (née en 1965), Feng Manbo (né en 1966), Laurent Mignonot (né en 1967), Sam Taylor-Wood (né en 1967), Joan Heemskerk (né en 1968) et Li Wei (né en 1970).

Quelle est l’œuvre d’art moderne la plus chère?

est la plus chère?

Si l’on en juge par les prix de vente aux enchères, l’œuvre d’art moderne la plus chère au monde est : «Three Studies of Lucian Freud» (1969) de Francis Bacon, vendue lors de la vente aux enchères de Christie’s à New York en 2013 pour 142,4 millions de dollars. En deuxième position, on trouve Silver Car Crash (Double Crash) (1963), une peinture d’Andy Warhol, vendue aux enchères (Sotheby’s New York) en 2013 pour 105,4 millions de dollars. En troisième position, on trouve Orange, Red, Yellow (1961), une peinture de Mark Rothko vendue pour 86,9 millions de dollars lors de la vente aux enchères (Christie’s New York) en 2012. La quatrième place est occupée par Triptych (1976), une peinture de Francis Bacon vendue 86,3 millions de dollars chez Sotheby’s New York en 2008. L’une des œuvres de sculpture «contemporaine» les plus chères est «For the Love of God», de Damien Hirst . Un crâne humain, recréé en platine et serti de 8 061 diamants, a été vendu à un consortium comprenant l’artiste et la White Cube Gallery pour 50 millions de livres sterling.

Ces informations deviennent rapidement obsolètes et, au moment où vous lirez cet article, notre compte rendu des records de vente aux enchères d’œuvres d’art sera peut-être, pardonnez la tautologie, sans objet.

Liste d’œuvres d’art actuelles sélectionnées

Peinture

«A Bigger Splash» (1967) Collection privée
Peinture acrylique Pop Art de David Hockney (né en 1937)

«Mao» (1973) Art Institute of Chicago.
Portrait expressionniste d’Andy Warhol (1928-1987)

«Gerard Philip Theatre» (1975) Unterlindenmuseum, Colmar
Peinture à l’huile art-informel de Maria Elena Vieira da Silva (1908-1992)

Trois études pour un autoportrait (1979-80) Metropolitan Museum of Art, New York
Peinture à l’huile de style surréaliste et expressionniste de Francis Bacon (1909-1992)

«Cabeza» (1982) Collection privée
Peinture néo-expressionniste acrylique/crayon de Jean-Michel Basquiat (1960-88)

«Apocalypse Today» (1988) Collection particulière
Peinture à l’alkyde et au lavis sur aluminium et acier de Christopher Wool (né en 1955)

«Lot’s Wife» (1989) Cleveland Museum of Art.
Un exemple de peinture néo-expressionniste de l’Holocauste, par Anselm Kiefer (né en 1945)

«Chambre à coucher à Arles» (1992) Fitzhugh Farm, Robert/Jane Meyerhoff Collection
Peinture à l’huile et magna carta de Roy Lichtenstein (1923-1997)

«The Singing Butler» (1992) Collection privée
Peinture à l’huile figurative de Jack Vettriano (né en 1951)

«No Woman, No Cry» (1998) Tate Modern, Londres
Peinture néo-expressionniste de Chris Ofili (né en 1968)

«Dancers at a Bar» (2001) Metropolitan Museum of Art, New York
Peinture à l’huile de style primitif de Fernando Botero (né en 1932)

«Femme enlevant la chemise d’un homme en deux étapes» (2003) Collection privée
Peinture à l’huile figurative de style minimal de Julian Opie (né en 1958)

«1000 Thread Count» (2004) Gagosian Gallery, New York
Peinture à l’huile gestuelle de Cecily Brown (née en 1969)

«Rainbow City» (2006) Collection privée
Peinture acrylique expressionniste de Marja Van Kampen (née en 1949)

«The Englands» (2008) Collection particulière
Peinture à l’huile aux couleurs vives d’Ashley Hanson (né en 1960)

Sculpture

«Obélisque brisé» (1969) Museum of Modern Art, New York
Sculpture abstraite de type obélisque de Barnett Newman (1905-1970) en acier revêtu de Cor-Ten

«Love» Sculpture (original) (1970) Indianapolis Museum of Art
Sculpture en acier inoxydable en forme de lettres L.O.V.E. de Robert Indiana (né en 1928)

«Fourgon de glace» (1970) Collection privée
Sculpture surréaliste d’un fourgon avec de la glace fondue de Salvador Dalí (1904-1989)

«Modèle en pose» (1981) National Gallery of Modern Art Edinburgh
Sculpture surréaliste de John De Andrea (né en 1941)

«Le temps de tous» (1989) Gare Saint-Lazare, Paris
Sculpture assemblée de cadrans d’horloge d’Armand (1928-2005)

«Chiot» (1992) Musée Guggenheim Bilbao
Sculpture topiaire postmoderne de Jeff Koons (né en 1955)

«Noyau de pomme» (1992) Musée d’Israël, Jérusalem
Sculpture géante Pop Art de Claes Oldenburg (né en 1929)

«Air Dogs» (1994-2000)
Série de 5 sculptures pop en acier inoxydable poli par Jeff Koons (né en 1955)

«Aspiration» (1995) Treasury Building, Dublin
Sculpture d’une femme nue grimpante de Rowan Gillespie (né en 1953)

«Cloud Gate» (2006) AT&T Plaza in Millennium Park, Chicago, Illinois
Sculpture publique en acier inoxydable d’Anish Kapoor (né en 1954)

«Pour l’amour de Dieu» (2007)
Moulage en platine d’un crâne humain constellé de 8 601 diamants, dont un diamant «Skull Star» de Damien Hirst (né en 1965)

Architecture

Centre Pompidou (Beaubourg, Paris) (achevé en 1978)
Centre culturel conçu par Renzo Piano (né en 1937), Richard Rogers (né en 1933)

Bâtiment national des Pays-Bas, Prague (1992-97) (également connu sous le nom de «Ginger et Fred»)
Exemple phare du déconstructivisme, conçu par l’architecte Frank O. Gehry (né en 1929)

«Égyptienne» Pyramide du Louvre (1998) Cour Napoléon, Louvre, Paris
Série de pyramides de verre et de métal conçues par I.M. Pei (né en 1917)

Experience Music Project (1999-2000) Seattle
Centre musical déconstructiviste conçu par Frank O. Gehry (né en 1929)

London Eye (2000) South Bank, Londres (plus haute roue d’observation d’Europe)
Grande roue en porte-à-faux conçue par les architectes Frank Anatole, Nick Bailey, Steve Chilton, Malcolm Cooke, Mark Sparrowhawk et les époux Julia Barfield et David Marks.

Spire of Dublin (Monument of Light) (2002-3) O’Connell Street, Dublin
Monument en acier inoxydable de 400 pieds conçu par Ian Ritchie (né en 1947)

Photographie

«Couple d’adolescents sur Hudson Street, New York» (1963)
Portrait photographique contemporain de Diane Arbus (1923-1971)

«Se prélasser dans la cuisine» (1977) Museum of Modern Art, New York
Autoportrait photographique surréaliste de Cindy Sherman (née en 1954)

«Misty et Jimmy» (1980)
Photographie contemporaine en gros plan de travestis par Nan Goldin (née en 1953)

Double portrait de John Lennon et Yoko Ono (1981)
Photographié 5 heures avant l’assassinat de Lennon par Annie Leibovitz (née en 1949)

«They’re Coming» (1981)
Paire de photographies de mode érotiques réalisées par Helmut Newton (1920-2004)

«Afghan Girl» (1984)
Célèbre portrait en couleur de Steve McCurry (né en 1950)

«Paris Montparnasse» (1993)
Photographie architecturale d’un immeuble d’habitation de style Le Corbusier par Andreas Gursky (né en 1955)

«Coup de vent (d’après Hokusai)» (1993)
Pictorialisme postmoderne de Jeff Wall (né en 1946)

«Autoportrait suspendu» (2004)
Photographie pictorialiste contemporaine du jeune artiste britannique Sam Taylor-Wood (né en 1967)

Installations

«Impossibilité physique de la mort dans l’esprit des vivants» (1991) Installation «Tiger Shark» de Damien Hirst (b.1965)

«Champ» (1991)
Installation de sculptures d’Anthony Gormley (né en 1950)

«Controller of the Universe» (2007)
Installation (explosion orchestrée d’une boîte à outils spatiale) de Damian Ortega (b.1967)

Land art

«Cercle brisé» (1971) Emmen, Pays-Bas
Exemple de land art composé d’eau, de sable et de pierre, Robert Smithson (1938-1973)

Affiche

«Tennis Girl» (1976)
Affiche photographique en couleur de Martin Elliott (1946-2010)

Art corporel

«Le costume d’anniversaire de Demi-Moore» (couverture du magazine Vanity Fair , août 1992)
Portrait de l’illusionniste Annie Leibovitz dessiné par Joanne Gair.

Graffiti

«Shop Until You Drop» (2011) Mayfair, Londres
Graffiti au pochoir de Banksy (né en 1973)

Art de la projection

Art de projection de la cathédrale de Milan (Noël 2008) Milan
Projection d’images bibliques sur la façade de la cathédrale par Paolo Buroni (né en 1964)

Art graphique

«J’achète, donc je suis» (1990)
Slogan photolithographique iconique de Barbara Kruger (née en 1945)

«Steve Jobs, patron d’Apple, démissionne» (2011)
Dessin humoristique à l’acrylique et à la craie de Bryant Arnold (né en 1970)

Quels sont les prix les plus célèbres de l’art actuel?

Il existe de nombreux prix décernés par des fondations, des musées et des organismes artistiques gouvernementaux pour récompenser des œuvres d’art exceptionnelles dans une grande variété de catégories. En voici une brève sélection.

Prix Artes Mundi
Décerné deux fois par an lors de l’exposition Artes Mundi à Cardiff, au Pays de Galles, pour récompenser des artistes émergents du monde entier dont l’œuvre traite de la condition humaine et de l’homme à partir de diverses perspectives culturelles.

Carnegie Art Award
Prix annuel récompensant les peintures exceptionnelles d’artistes nés ou vivant dans les pays nordiques. Lancé en 1998, il offre trois prix de 1 000 000, 600 000 et 400 000 SEK ainsi qu’une bourse de 100 000 SEK à un jeune artiste. Le prix est décerné sur la base des nominations de 30 experts en art des pays nordiques.

Prix de la photographie Deutsche Borse
Décerné à un photographe contemporain de toute nationalité qui a apporté la contribution la plus significative à l’art de la photographie en Europe au cours de l’année précédente. Créé en 1996 par la Photographers’ Gallery de Londres pour récompenser le meilleur de la photographie. Le prix est doté de 30 000 livres sterling.

Prix Hugo Boss
Prix biannuel de 100 000 $ décerné par le musée Guggenheim à un artiste contemporain (ou à un groupe d’artistes) travaillant dans n’importe quel médium, partout dans le monde. Les candidats sont sélectionnés par un jury de conservateurs, de critiques et d’universitaires.

Prix de peinture John Moores
Nommé d’après le philanthrope de Liverpool, ce concours de peinture ouvert à tous est organisé tous les deux ans et les œuvres présélectionnées sont exposées à la Walker Art Gallery Liverpool.

Prix Kandinsky
Prix destiné à promouvoir l’art russe exceptionnel, parfois comparé au prix Turner, qui récompense les artistes britanniques. Les candidats sont sélectionnés par un jury composé d’artistes et de conservateurs russes et internationaux de renom, ainsi que d’artistes célèbres.

Prix Larry Aldrich
Nommé en l’honneur du philanthrope américain, ce prix annuel de 25 000 dollars est décerné par le Aldrich Museum of Modern Art et récompense des artistes américains dont l’œuvre a eu un impact significatif sur la culture visuelle au cours des dernières années. Les candidats sont présélectionnés et évalués par un jury indépendant composé d’artistes, de collectionneurs, de critiques, de conservateurs et de galeristes.

Prix Marcel Duchamp (Prix Marcel Duchamp)
Ce prix annuel est décerné à un jeune artiste exceptionnel résidant en France et travaillant dans tous les domaines des arts visuels, y compris la peinture, la sculpture, l’installation, la photographie et la vidéo. Le lauréat reçoit 35 000 euros à titre personnel et 30 000 euros supplémentaires pour financer une exposition personnelle de son œuvre au Musée national d’art moderne du Centre Pompidou à Paris.

Preis der Nationalgalerie fur Junge Kunst
Créé en 2000 par le Verein der Freunde der Nationalgalerie (Amis de la Galerie nationale), ce prix de 50 000 euros récompense le travail exceptionnel de jeunes artistes vivant en Allemagne.

Prix Roswitha Haftmann
Ce prix récompense une œuvre exceptionnelle dans le domaine des arts visuels, généralement réalisée par un artiste vivant. Les candidats sont sélectionnés uniquement sur la base de la valeur artistique de leur travail, sans tenir compte de leur nationalité, de leur âge ou de la discipline choisie. Le prix est officiellement remis au Kunsthaus de Zurich.

Prix Turner
Nommé en l’honneur du remarquable peintre paysagiste du XIXe siècle J. M. W. Turner. Turner, ce prix annuel, créé en 1984, est décerné à un artiste britannique de moins de 50 ans. Présenté par la Tate Gallery et organisé à la Tate Britain Gallery, ce prix est aujourd’hui le plus célèbre des prix d’art au Royaume-Uni. Récemment, il a été dominé par des artistes conceptuels, ce qui a suscité une certaine controverse. Voir aussi Les lauréats du prix Turner (1984-2009).

Prix Vincent van Gogh pour l’art contemporain en Europe
Décerné tous les deux ans à un artiste européen jugé «comme ayant eu un impact significatif et durable sur l’art». Créé en 2000 et financé par la Broere Charitable Foundation en mémoire de Monique Seifen. Les œuvres des candidats sélectionnés sont exposées au Stedelijk Museum, Amsterdam, et le jury du concours est présidé par le directeur du musée.

Prix Wolfgang Hahn
Créé en 1994 par la Society for Contemporary Art et administré par le Ludwig Museum de Cologne, ce prix d’un montant de 100 000 euros est décerné à des artistes exceptionnels vivant en Allemagne.

Où peut-on trouver des collections exceptionnelles d’art actuel?

Les deux principales expositions d’art actuel sont : la Biennale de Venise (Biennale di Venezia), une exposition internationale d’œuvres d’artistes du monde entier, qui se tient tous les deux ans en même temps que le Festival du film de Venise ; et la Biennale du Whitney à New York, qui présente des œuvres d’art américain, généralement d’artistes émergents, au Whitney Museum of American Art à New York, aux États-Unis. L’exposition est considérée comme un événement majeur dans le calendrier de l’art actuel. Pour d’autres expositions postmodernes, voir Meilleurs festivals .

Quels sont les musées d’art actuel?

Les galeries privées ont tendance à réagir plus rapidement aux œuvres d’art d’avant-garde que les musées municipaux ou nationaux. De plus, les collections publiques officielles ont tendance à être limitées par des espaces plus conservateurs ou obsolètes. Voici une brève sélection des meilleures galeries .

Questions sur l’art visuel actuel

Depuis les années 1960 «, l’establishment artistique» (c’est-à-dire les fonctionnaires qui contrôlent les budgets artistiques, les directeurs et propriétaires de galeries, les commissaires d’exposition, les comités qui dirigent d’importantes organisations d’artistes, le personnel enseignant des écoles d’art, etc.), et l’art qui est aujourd’hui pratiqué et encouragé, se sont considérablement radicalisés. Cela soulève les questions suivantes :

Est-ce de l’art?

Peu de pays ont connu un tel débat sur la valeur des œuvres d’art postmodernes que la Grande-Bretagne, où le prix Turner continue de susciter un débat animé entre les avant-gardistes et le reste d’entre nous. Parmi les œuvres primées, on trouve un mouton mort dans du formol (Damian Hirst), un portrait de la Vierge Marie «peint» avec de la bouse d’éléphant (Chris Ofili), et une pièce blanche avec une seule ampoule qui s’allume et s’éteint (Martin Creed). Une autre œuvre étrange (installation) qui a atteint la finale était «My Bed», un lit en désordre souillé de préservatifs et de tampons (par Tracey Emin). En 2002, lorsque le prix a été décerné à Keith Tyson pour sa création d’un grand bloc monolithique noir rempli d’ordinateurs hors d’usage, aucun artiste n’a (semble-t-il) été considéré comme un lauréat possible. Le jury a préféré les œuvres de Fiona Banner (un panneau d’affichage avec un texte pornographique) et de Liam Gillick (un plafond en plastique multicolore), pour ne citer que deux œuvres inhabituelles.

On peut raisonnablement s’interroger sur la sagesse de l’establishment artistique britannique lorsque de telles choses sont présentées comme des exemples exceptionnels d’art. C’est exactement ce qu’a fait Kim Howells, le ministre britannique de la culture, en 2002, lorsqu’il a déclaré (à propos des expositions des finalistes du prix Turner) :

"Si c’est ce que les artistes britanniques peuvent produire de mieux, alors l’art britannique est perdu. C’est une merde froide, mécanique et conceptuelle".

La question clé reste : «qu’est-ce que l’art ?». Ou, pour le dire autrement, qu’est-ce qui distingue l’art conceptuel proprement dit du théâtre, de la démonstration ou du divertissement?

Quelle est la différence entre les bons et les mauvais artistes actuels?

Quelles compétences artistiques l’art postmoderne souhaite-t-il encourager? Autrefois, un maître artiste - en peinture, sculpture, céramique, photographie et autres formes d’art - se distinguait par ses compétences théoriques et pratiques. Cependant, à l’ère du postmodernisme - une ère encore dominée par les artistes conceptuels - il est devenu beaucoup plus difficile de distinguer le bon artiste ou le bon art du mauvais. Ce manque de clarté continue de saper les efforts des écoles d’art qui tentent d’enseigner des principes de base qui ne semblent plus pertinents pour la réussite artistique. En conséquence, le succès et la célébrité sont utilisés pour mesurer le mérite d’un artiste, et le professionnalisme joue aujourd’hui un rôle nettement moins important.

L’art actuel risque-t-il de devenir élitiste?

Autrefois, l’art était réservé à une élite. Les gens ordinaires n’étaient pas considérés comme suffisamment cultivés «» pour pouvoir comprendre ou critiquer une œuvre d’art. À partir du début du 20e siècle, tout cela a commencé à changer, en même temps que la société elle-même évoluait. Et dans les années 1960, la révolution de la culture pop a déplacé une grande partie du traditionalisme restant, laissant le champ libre à une nouvelle génération de professionnels de l’art radicalisés «». Ces derniers ont facilité l’émergence de nouvelles formes d’art (installation, performance, vidéo, etc.), dont la plupart ont trouvé leur place dans les cours d’arts traditionnels de troisième cycle. Jusqu’à présent, tout va bien.

Cependant, dans le même temps, plutôt que de continuer à encourager l’excellence dans les disciplines traditionnelles telles que la peinture et la sculpture, le nouvel établissement artistique semble avoir favorablement accueilli les nouvelles formes, en oubliant les anciennes. Ainsi, on peut aujourd’hui visiter une exposition de fin d’études dans une école d’art prestigieuse et ne pas trouver un seul exemple de peinture à l’huile ou de sculpture sur pierre. Mais ce n’est pas une catastrophe. Après tout, les temps changent. Et peut-être que les formes d’art traditionnelles ne sont plus populaires.

Malheureusement, les nouvelles formes d’art (que les élèves trouvent extrêmement cool parce qu’elles ne nécessitent pas la moitié des compétences requises pour les formes traditionnelles) commencent à être jugées non pas en fonction de leur «attrait visuel», mais de leur «intellectualisme». Par exemple, une installation peut être tout à fait inintéressante sur le plan visuel, mais son idée intellectuelle sous-jacente (énoncée en jargon dans le catalogue de l’exposition) peut être jugée «importante» par les conservateurs et autres «experts» - la nouvelle «élite intellectuelle». Le problème, c’est que cela rappelle étrangement l’époque où l’on ne faisait pas confiance aux gens ordinaires pour donner leur avis sur ce qu’ils voyaient de leurs propres yeux, mais où ils devaient se soumettre à l’opinion des élites.

L’exposition «Nothing» qui s’est tenue au Centre Pompidou à Paris au printemps 2009 est un bon exemple de ce renouveau de l’élitisme. L’art contemporain de pointe qui y était exposé consistait en exactement 9 salles vides et rien d’autre. Les critiques d’art français ont qualifié cette exposition de plus radicale jamais organisée au Centre Pompidou. Selon Laurent Le Bon, conservateur du Centre Pompidou de Metz, l’exposition était "à la pointe de l’aventure artistique et de l’histoire de l’art"…

Et pour vous donner une idée du jargon élitiste utilisé par les organisateurs de l’exposition, voici son titre : «Spécialisation de la sensibilité à l’état de matière première en une sensibilité picturale stabilisée».