Métiers:
définition, types, histoire Automatique traduire

Le terme «artisanat» désigne les compétences ou le savoir-faire typiquement appliqués aux branches des arts décoratifs (par exemple, la céramique) ou aux pratiques artistiques connexes (par exemple, la dentelle). Une caractéristique essentielle des métiers d’art est qu’ils impliquent un degré élevé d’habileté «manuelle» (d’où le terme familier «d’artisanat») plutôt qu’une simple habileté sur une machine.

Certains métiers pratiqués par des artistes travaillant seuls sont parfois désignés par le terme vague « d’artisanat d’atelier». Le travail du métal, le tournage sur bois, le soufflage du verre et la verrerie sont des exemples d’artisanat d’atelier «», tout comme la poterie - en particulier le mouvement des potiers d’atelier illustré par Bernard Leach au Royaume-Uni.

Art contre artisanat

Depuis la Renaissance, lorsque le statut des peintres et des sculpteurs (qui étaient auparavant considérés comme des artisans) a été élevé au rang d’«artiste», le terme d’«artisanat» a été classé comme une activité moins créative que l’«art». Pourquoi? Parce que, ostensiblement, un artisan peut prédire ce qu’il va créer, alors qu’un artiste ne peut le faire avant de l’avoir créé. Dans la pratique, cependant, la frontière entre l’art «» et l’artisanat «» est souvent si mince qu’elle n’a pas de sens. Par exemple, il est peu probable qu’un céramiste soit jamais en mesure de prédire comment une glaçure particulière affectera une sculpture en argile en cours de création. (Voir également Arts visuels et Beaux-arts)

Arts décoratifs et appliqués

L’étymologie et les significations distinctes de termes tels que «art» et «artisanat» sont encore plus compliquées et confuses en raison de l’expansion de domaines étroitement liés tels que «arts décoratifs» et «arts appliqués».

«Les arts décoratifs» sont traditionnellement considérés comme comprenant les œuvres décoratives et fonctionnelles en céramique, en verre, en métal, en bois et en textile. Le terme couvre la céramique, le mobilier, l’ameublement, la décoration intérieure et l’architecture et est utilisé par les historiens de l’art pour distinguer ces domaines des «beaux-arts», tels que le dessin, la peinture et la sculpture : «les beaux-arts» sont créés purement pour des raisons esthétiques («l’art pour l’art»).

«Les arts appliqués» décrivent les domaines d’activité créative qui appliquent le design et l’esthétique à des objets utilitaires d’usage quotidien. (Rendre belles des choses fonctionnelles). Les activités telles que l’architecture, l’architecture d’intérieur, le graphisme, le design de mode, le design industriel ou commercial, les arts décoratifs et les arts fonctionnels sont considérés comme des arts appliqués. Un exemple est les tapisseries de Bayeux .

Comme vous pouvez le constater, il existe un chevauchement marqué entre les trois domaines : arts décoratifs, arts appliqués et métiers d’art, ainsi que (dans la pratique) entre l’artisanat unique et la sculpture d’art. En outre, le mouvement « Arts and Crafts» du tournant du 19e siècle a exercé une influence majeure sur tous ces domaines artistiques, tout comme les mouvements «Art nouveau» et «Art déco».

Types d’artisanat

Il existe des centaines, voire des milliers de variétés de métiers. La liste suivante est donnée à titre d’exemple.

Textiles
Appliqué, crochet, broderie, feutrage, tricot, dentelle, macramé, quilting, tapisserie, tissage.

Travail du bois
Sculpture sur bois, tournage sur bois, ébénisterie, fabrication de meubles, laque .

Artisanat de papier
Modelage du papier, collage, découpage, origami, pliage du papier, papier mâché.

Poterie et artisanat du verre (voir aussi Poterie ancienne)
Céramique (argile, pierre, porcelaine), Art de la mosaïque, Perles de verre, soufflage du verre, gravure sur verre, (voir Matériaux et techniques de l’art du vitrail).

Bijouterie
Inclut le travail des métaux, y compris les procédés tels que le repoussage, le travail en relief, la gravure, la plique-à-jour, l’émaillage (les types incluent le champlevé, la basse taille, le cloisonné), la granulation et la décoration en filigrane. Pour plus de détails, voir : Bijouterie : histoire, technique .

Autres exemples d’artisanat

Vannerie, fabrication de bière, reliure, fabrication de poupées, émaillage, décoration florale, ikebana, fabrication de couteaux, menuiserie, travail du cuir, travail du métal, modélisme, tatouage, fabrication de jouets, fabrication de meubles, etc.

Histoire et développement de l’artisanat

Les corporations d’artisans (c. 1250-1850)

À l’origine, le terme «corporation artisanale» est apparu à l’époque médiévale en Europe et désignait une association professionnelle qui se composait généralement de tous les artisans (et parfois de fournisseurs, de détaillants et de grossistes) engagés dans une branche particulière de l’industrie ou du commerce.

Les guildes artisanales médiévales (par exemple, les orfèvres et les métallurgistes) sont apparues principalement après 1250 et différaient peu les unes des autres dans leur organisation générale. Chacune disposait d’une assemblée de tous les membres, qui avait certains pouvoirs de réglementation, mais le véritable contrôle était entre les mains de quelques hauts fonctionnaires et d’un conseil de conseillers.

La guilde typique était divisée en trois catégories : les maîtres, les compagnons et les apprentis. Dans les métiers les plus riches, la guilde pouvait également disposer d’un cercle interne de maîtres artisans. Le principal objectif économique des guildes d’artisans était de parvenir à un monopole complet sur tous les acteurs de la profession afin de protéger et de promouvoir les intérêts financiers de ses membres, mais cet objectif était rarement atteint. Il y avait généralement trop de guildes concurrentes et trop d’intérêts étatiques pour y parvenir.

Par exemple, à partir du quinzième siècle, les règles relatives à l’apprentissage et les domaines clés de la politique des guildes ont fait l’objet d’une intervention de l’État. En conséquence, à partir de la fin du XVIe siècle, le pouvoir et les activités des guildes artisanales ont commencé à décliner : ce processus a été accéléré par les technologies de standardisation et de production de masse introduites par la révolution industrielle et par l’émergence d’entreprises réglementées et d’autres associations. Les guildes ont finalement été abolies en France (1791), à Rome (1907), en Espagne (1840), en Angleterre (1835), en Autriche et en Allemagne (1860) et en Italie (1864).

La disparition des corporations de métiers a marqué la fin de l’artisanat en tant que partie intégrante de l’industrie et du commerce et son remplacement par la fonctionnalité des machines dans les usines et les ateliers. Cette question - la redondance des compétences artisanales individuelles basées sur le travail manuel et l’émergence de méthodes de production de masse produisant des produits plus rapides, moins chers mais moins «beaux» - est au cœur de nombreux débats sur la valeur intrinsèque de l’artisanat. La première réaction contre cette mécanisation a été le mouvement Arts and Crafts, qui a pris de l’ampleur à la fin de l’ère victorienne.

Arts et métiers de l’Asie orientale
Les arts de l’Asie - qui englobent les œuvres de l’Inde, de la Chine, de la Corée et du Japon - se caractérisent par l’excellence dans divers arts. La laque, la sculpture sur jade, le bronze, la céramique, la porcelaine, la sculpture bouddhique, la soie et d’autres textiles ne sont que quelques-uns des arts maîtrisés en Asie de l’Est. Pour plus de détails, voir Art chinois (c.1700 BC-2000 AD) ; Art coréen (c.3000 BC) et Art japonais .

Le mouvement Arts and Crafts (florissant vers 1850-1900)

Le mouvement Arts and Crafts est un mouvement social et esthétique de la fin du XIXe siècle et du début du XXe siècle qui prône la qualité du design et de l’artisanat à une époque où la mécanisation et la production de masse sont de plus en plus importantes. Principalement concerné par l’architecture et les arts décoratifs, le mouvement est né en Grande-Bretagne mais a également eu une influence significative sur le continent et en Amérique.

Le mouvement n’était pas associé à un style particulier autre que l’art populaire général «», mais l’accent était mis sur «l’honnêteté» - la production d’objets qui montraient clairement de quoi ils étaient faits et comment ils fonctionnaient. Cela impliquait souvent l’utilisation de matériaux et de surfaces simples et a eu une influence durable sur le design moderne.

Le mouvement tire son nom de la Society of Arts and Crafts, fondée en 1888, mais ses origines remontent aux idées de John Ruskin (1819-1900) (années 1850). Ruskin désapprouvait les objets hautement décorés fabriqués à la machine qui dominaient la Grande Exposition de 1851 (qui a conduit à la création du Victoria and Albert Museum), et pensait que la beauté de l’art médiéval provenait de la fierté des artistes médiévaux pour le travail artisanal individuel.

Ses idées ont eu une grande influence sur William Morris (1834-1896) qui, par le biais de son entreprise d’arts décoratifs, a entrepris de recréer l’industrie manuelle à l’ère de la machine, en produisant une variété de textiles, de livres imprimés, de papiers peints, de meubles et d’autres articles. Son travail fut un triomphe sur le plan commercial et esthétique, mais il échoua complètement dans son idée de créer de l’art pour les masses, car ses produits ne pouvaient être achetés que par les riches. Malgré cela, ses idées ont eu une forte influence sur les artisans et les enseignants, ce qui a conduit à la création de diverses organisations dans les années 1880 pour promouvoir les idées de l’art et de l’artisanat, y compris la Craftsmen’s Guild (1884), qui visait à améliorer la compréhension et la coopération entre les différentes branches des beaux-arts.

L’artisanat au XXe siècle

Le mouvement Arts and Crafts a également inspiré des designers tels que Henry van de Velde, ainsi que des styles tels que l’Art nouveau, l’Art déco, la construction de la Honan Chapel (1916) à Cork, le groupe de design néerlandais De Stijl, le mouvement viennois de la Sécession, Deutsche Werkbund, le Wiener Werkstätte , et enfin l’école de design Bauhaus . Certains historiens de l’art le considèrent même comme le prédécesseur du Minimalisme, dont les formes pures ont trouvé leur place dans l’architecture, la peinture, la sculpture et de nombreux domaines des arts appliqués.

Il y a eu un certain nombre de styles inspirés par l’art et l’artisanat en Amérique. Le magazine «The Craftsman», publié par l’ébéniste Gustav Stickley, a articulé un certain nombre de concepts artisanaux américains qui ont eu une influence significative sur Frank Lloyd Wright et d’autres artisans, artistes et architectes américains.

Le mouvement Roycroft, fondé en 1895 par Elbert Hubbard en tant que communauté d’artisans sur le modèle des guildes européennes médiévales dans le nord de l’État de New York, est un autre style d’artisanat. Principalement engagé dans la création de livres ornés, ce mouvement a également produit une variété de meubles et d’objets en métal.

Le mouvement de l’artisanat de studio du 20e siècle trouve son origine dans un certain nombre de nouveaux programmes d’artisanat créés dans les années 1900. Par exemple, en 1901, la première école de céramique a été créée à l’université d’Alfred à New York. La même année, la première classe d’arts métalliques a été ouverte à la Rhode Island School of Design de Providence, suivie deux ans plus tard par la première classe de textiles.

Après la fin de la Première Guerre mondiale, de nombreux nouveaux styles de design ont vu le jour en Europe, notamment : De Stijl, l’école du Bauhaus et l’Art déco ; ce dernier a été adopté par de nombreux architectes et designers américains. En outre, pendant la période de dépression de la fin des années 1920 et du début des années 1930, l’Administration fédérale des travaux des États-Unis a continué à financer l’artisanat, ainsi que les travaux publics et les peintures murales, afin de maintenir les travailleurs occupés. Cela a permis à l’artisanat de survivre au niveau local, et l’inclusion d’un plus grand nombre de cours d’artisanat dans les programmes artistiques a contribué à promouvoir l’artisanat au niveau national.

L’essor de l’artisanat américain après la guerre

Pendant et après la Seconde Guerre mondiale, au cours de laquelle Paris a été remplacée par New York en tant que capitale mondiale de l’art, il y a eu un important mouvement d’artistes européens qualifiés, d’anciens designers du Bauhaus et d’artisans d’Europe vers l’Amérique. En outre, en 1943, le American Crafts Council a été créé pour protéger les compétences et le bien-être des artisans.

Avec le temps, le Conseil a créé sa propre publication, le magazine «American Craft», et a créé le Museum of Art and Design (appelé à l’époque Museum of Modern Craft). D’autres centres d’innovation et d’excellence ont vu le jour, notamment le Black Mountain College en Caroline du Nord, l’Otis College of Art and Design à Los Angeles, le California College of Art and Crafts, le Toledo Museum of Art, la Haystack Mountain School of Crafts, la Penland School of Crafts et la Pilchuck School of Glass. Ainsi revitalisés, les artisans américains de l’après-guerre ont été mieux formés et leur art en atelier est devenu plus qualifié.

Ce processus est accéléré dans les années 1960 et 1970 par le mouvement féministe dans l’art - voir par exemple les œuvres de Judy Chicago (née en 1939) - et par la tendance anti-industrielle chez les jeunes. En 1972, la Renwick Gallery, située dans le bâtiment de la Corcoran Gallery of Art à côté de la Maison Blanche à Washington, D.C., a été fondée en tant que département de l’artisanat d’art du National Museum of American Art et est devenue la principale vitrine de l’artisanat d’art américain. En 1993, déclarée «Année de l’artisanat américain», le travail de 70 artisans a été donné à la Maison Blanche pour inaugurer la Collection de l’artisanat américain de la Maison Blanche.

Artistes et artisans

Malgré la résurgence générale du monde de l’artisanat et des arts décoratifs - en particulier la céramique, le soufflage de verre, le mobilier et le design de mode - la diversité même des disciplines artisanales a rendu pratiquement impossible l’établissement de normes communes en matière d’enseignement et de production. Inévitablement, il s’avère donc que l’artisan ressemble davantage à l’artiste et moins à l’artisan. Pourtant, la société continue de refuser aux artisans la parité avec les artistes.

Il est vrai que de nombreuses activités artisanales (production de beaux objets fonctionnels) peuvent être clairement distinguées des beaux-arts (production de beaux objets pour le plaisir de la beauté), mais un grand nombre d’artisans qui créent des produits uniques se considèrent à juste titre comme des artistes.

Par exemple, il n’y a aucune raison logique de classer une pièce unique de poterie, de vitrail, de sculpture sur bois ou de textile (par exemple, une tapisserie) comme «un produit de l’artisanat», plutôt que comme «une œuvre d’art». En fait, par rapport à de nombreux artistes conceptuels contemporains et à d’autres représentants de l’art contemporain, les céramistes, les tourneurs sur bois et les artistes du vitrail sont infiniment plus «artistiques». (Pour en savoir plus sur la signification de l’art, voir : Qu’est-ce que l’art?)

Pourquoi l’artisanat est si important

La valeur fondamentale de l’artisanat réside dans son opposition aux méthodes de production de masse. Nous avons besoin de ces dernières pour produire des biens rapidement et à bas prix, mais à moins que nous ne voulions devenir des gens qui connaissent le prix de tout mais la valeur de rien, nous avons également besoin des avantages esthétiques qui découlent des objets créés individuellement - tels qu’un foulard fait à la main, une belle chaise, un tapis ou un plat.

Une société sans beauté est sans esprit, comme l’a décrit George Orwell dans des œuvres telles que « 1984». Encourager l’artisanat est un moyen de préserver les compétences artistiques nécessaires pour rendre la vie visuellement plus agréable.

Si vous avez besoin d’une illustration visuelle du pouvoir et des avantages thérapeutiques qui peuvent être tirés d’un environnement visuellement plus agréable, visitez votre hôpital local, votre école ou votre mairie et regardez autour de vous. Si le bâtiment est terne et lugubre, c’est probablement parce qu’il présente un design inintéressant et des couleurs ternes, sans aucune touche de beauté visuelle. En revanche, s’il dégage une atmosphère joyeuse, c’est probablement parce qu’il a un design plus personnalisé et peut-être beaucoup de couleurs. Il en va de même pour votre lieu de travail et votre domicile. Le fait est que vivre dans un environnement bien aménagé, avec une certaine personnalité et de beaux objets, augmente considérablement notre joie de vivre. L’artisanat et les savoir-faire artisanaux contribuent largement à cet idéal, et c’est pour cette seule raison qu’ils méritent d’être préservés.

DÉVELOPPEMENT HISTORIQUE
Regardez comment les beaux-arts se sont développés :
Guide de l’histoire de l’art .

REMARQUES ET ART DÉCORATIF
Pour plus d’informations, voir :
Céramique
Vitrail
Calligraphie
Céramique chinoise
Céramique grecque
Sculpture sur bois .

CATÉGORIES D’ART ET D’ARTISANAT
Définitions, formes, styles, genres,
périodes voir : Types d’art .