Métiers: définition, types, histoire Automatique traduire
Définition et signification
Le terme "artisanat" désigne une compétence habituellement utilisée dans les domaines des arts décoratifs (par exemple la céramique) ou dans une pratique artistique associée (par exemple la fabrication de dentelles). Une caractéristique essentielle de l’artisanat est qu’il implique un degré élevé d’artisanat (d’où le terme familier «artisanat») plutôt qu’une simple maîtrise de la machine.
Certains métiers qui sont pratiqués par des artistes travaillant seuls sont parfois désignés par le terme vague "artisanat de studio". Le travail du métal, le tournage du bois, le soufflage du verre et l’art du verre sont des exemples d "artisanat de studio", de même que la poterie – notamment le mouvement de la poterie de studio illustré par Bernard Leach en Grande-Bretagne.
Arts versus artisanat
Depuis le Renaissance À l’époque où le statut de peintre et de sculpteur (auparavant considéré comme un artisan) a été transformé en "artiste", le terme "artisanat" a été classé dans la catégorie "activité créatrice moindre". Pourquoi? Parce que, supposément, un artisan peut prédire ce qu’il va créer, alors qu’un artiste ne peut prédire ce qu’il va créer avant de l’avoir créé. Dans la pratique, cependant, la ligne de démarcation entre un "art" et un "métier" est souvent assez fine pour ne pas avoir de sens. Un céramiste, par exemple, a peu de chances de prédire l’impact d’un vernis particulier sur la sculpture en argile produite. (Voir également l’art visuel et beaux arts.)
Arts décoratifs: Arts appliqués: Versus artisanat
L’étymologie et les significations distinctives de termes comme "arts" et "artisanat" sont encore compliquées et confondues par l’expansion de domaines étroitement liés tels que "Arts décoratifs" et "Arts appliqués".
" Art décoratif "est traditionnellement considérée comme englobant les œuvres décoratives et fonctionnelles en céramique, verre, métal, bois et textiles. Le terme englobe la poterie, le mobilier, l’ameublement, l’aménagement intérieur et l’architecture. Il est utilisé par critiques d’art distinguer ces domaines des "beaux-arts" tels que le dessin, la peinture et la sculpture: les "Beaux-Arts" sont créés uniquement pour des raisons esthétiques ("l’art pour l’art").
" Art appliqué "décrit des domaines d’activité créative qui appliquent le design et l’esthétique à des objets utilitaires d’usage quotidien. (Rendre les choses fonctionnelles plus belles). Il comprend des activités comme l’architecture, la décoration d’intérieur, le design graphique, le design de mode, le design industriel ou commercial, l’art décoratif et l’art fonctionnel. sont considérés comme des arts appliqués. Tapisserie de Bayeux.
Comme vous pouvez le constater, il existe un chevauchement notable entre les trois domaines: les arts décoratifs, les arts appliqués et l’artisanat, et (en pratique) entre les objets uniques fabriqués et la sculpture artistique. En outre, le " Mouvement des arts et de l’artisanat " du début du XIXe siècle a exercé une influence majeure sur toutes ces différentes branches de l’activité artistique, de même que les mouvements " Art Nouveau " et " Art Déco ".
Types de métier
Il existe des centaines, voire des milliers de différentes variétés d’artisanat. La liste d’artisanat suivante est incluse uniquement à des fins d’illustration.
Textiles
Appliqué, Crochet, Broderie, Feutre, Tricot, Dentelle, Macramé, Quilting, Art de la tapisserie, Tissage.
Woodcraft
Sculpture sur bois, Tournage sur bois, Ébénisterie, Fabrication de meubles, laque.
Papercraft
Modélisation du papier, collage, découpage, Pliage de papier origami, Papier maché.
Poterie et objets en verre (voir aussi Poterie ancienne )
Céramique (faïence, grès, porcelaine), Art de la mosaïque, Fabrication de perles de verre, soufflage du verre, gravure sur verre, (voir Vitrail Art Matériel / Méthodes).
Bijoux
Comprend ferronnerie impliquant des processus comme le gaufrage, le repoussé, la gravure, émaillage (types incluent champlevé, basse taille, cloisonné plique à jour), granulation et décoration en filigrane. Pour plus, voir: Bijoux: Histoire, Techniques.
Autres exemples d’artisanat
Tissage de paniers, fabrication de bières, reliure, fabrication de poupées, émaillage, design floral, ikebana, fabrication de bijoux, fabrication de couteaux, travail du cuir, travail du métal, fabrication de modèles, conception de tatouages, fabrication de jouets.
Histoire et développement de l’artisanat
Guildes d’artisanat (c.1250-1850)
Initialement inventé à l’époque médiévale en Europe, le terme "Craft Guild" désigne une association professionnelle qui comprend généralement tous les artisans (et parfois les fournisseurs, détaillants et grossistes) impliqués dans une branche spécifique de l’industrie ou du commerce. Largement développées après 1250, les guildes d’artisanat médiéval (par exemple pour l’orfèvrerie et le travail du métal) ont peu varié dans leur organisation générale. Chacun avait une assemblée de tous les membres, qui possédait un certain pouvoir de réglementation, mais le contrôle réel appartenait à quelques hauts fonctionnaires et à un conseil de conseillers. Une guilde typique était divisée en trois catégories: maîtres, compagnons et apprentis. Dans les métiers les plus riches, une guilde peut également compter un cercle restreint de maîtres artisans. L’objectif économique principal des guildes d’artisanat était de réaliser un monopole total sur toutes les personnes impliquées dans la profession, afin de protéger et de promouvoir les intérêts financiers de leurs membres, mais cela a rarement été réalisé. En règle générale, il y avait trop de guildes concurrentes et l’intérêt de l’État pour que cela se produise. Par exemple, à partir du 15ème siècle, les règles relatives à l’apprentissage et les domaines clés de la politique de la guilde sont devenus la cible de l’intervention de l’État. En conséquence, à partir de la fin du XVIe siècle, le pouvoir et l’activité des corporations artisanales ont commencé à décliner: un processus accéléré par les techniques de normalisation et de production en série introduites par la révolution industrielle, ainsi que par l’émergence de sociétés réglementées et d’autres associations.. Les guildes furent finalement supprimées en France (1791), à Rome (1907), en Espagne (1840) en Angleterre (1835), en Autriche et en Allemagne (1860) et en Italie (1864).
La disparition de guildes artisanales a marqué la fin du savoir-faire artisanal en tant que partie intégrante de l’industrie et du commerce, et son remplacement par une dextérité de machine-outil dans les usines et les ateliers. Cette question – la redondance des compétences artisanales individuelles à la main et l’émergence de méthodes de production de masse pour produire des produits plus rapides, moins chers mais moins "beaux" – alimente une grande partie du débat entourant la valeur inhérente de l’artisanat. La première réaction contre cette mécanisation a été le mouvement Arts and Crafts , qui a pris de l’ampleur à la fin de l’ère victorienne.
Arts et métiers de l’Asie orientale
Art asiatique – comprenant des œuvres d’Inde, de Chine, de Corée et du Japon – se distingue par sa maîtrise de différents types d’art. Laque, la sculpture sur jade, les bronzes, la poterie, la porcelaine, la sculpture bouddhiste, la soie et autres textiles ne sont que quelques-unes des formes d’art maîtrisées en Asie orientale. Pour plus, voir: Art chinois (vers 1700 av. J.-C. – 2000); Art coréen (environ 3 000 AEC) et Art japonais.
Mouvement des Arts et Métiers (Epanoui vers 1850-1900)
le Mouvement des arts et métiers C’était un mouvement social et esthétique de la fin du 19ème et du début du 20ème siècle qui prônait un design et un savoir-faire de qualité à une époque de mécanisation croissante et de production de masse. Principalement préoccupé par l’architecture et les arts décoratifs, ce mouvement est né en Grande-Bretagne mais a également eu un impact significatif sur le continent et en Amérique. Aucun style particulier n’était associé au mouvement, à part le général " art folklorique ", mais l’accent a été mis sur" l’honnêteté "- sur la fabrication de produits qui montrent clairement de quoi ils sont faits et comment ils fonctionnent. Cela impliquait souvent l’utilisation de matériaux et de surfaces lisses et avait une influence durable sur le design moderne.
Le mouvement tire son nom de la Arts & Crafts Exhibition Society, fondée en 1888, mais ses origines remontent aux idées de 1850 John Ruskin (1819-1900). Ruskin détestait le type de produits hautement décorés fabriqués à la machine qui ont dominé la grande exposition de 1851 (qui a conduit à la fondation du Musée Victoria et Albert) et a estimé que la beauté de art médiéval jailli de la fierté artistes médiévaux eu dans l’artisanat individuel. Ses idées ont eu une influence énorme sur William Morris (1834-96) qui, via son entreprise d’arts décoratifs, entreprit de reconstituer l’industrie de la main à l’ère de la machine en produisant une gamme de textiles, de livres imprimés, de papiers peints, de meubles et d’autres articles. Sur le plan commercial et esthétique, son travail fut un triomphe, mais il échoua complètement dans son idée de produire de l’art pour les masses car seuls les riches pouvaient se permettre d’acheter ses produits. Malgré tout, ses idées ont fortement influencé les artisans et les enseignants, menant à la fondation dans les années 1880 de divers organismes chargés de promouvoir les idées sur les arts et l’artisanat, notamment Artworkers Guild (1884), qui visait à accroître la compréhension et la collaboration entre les différentes branches des arts visuels.
Artisanat du 20ème siècle
Le mouvement Arts and Crafts a également inspiré des designers, comme Henry van de Velde, ainsi que des styles tels que l’Art Nouveau, l’Art Déco, la construction de la chapelle Honan (1916) à Cork, la De Stijl groupe de design, le mouvement viennois de sécession, le Deutscher Werkbund, le Wiener Werkstätte, et finalement le Ecole de design Bauhaus. Certains historiens de l’art le considèrent même comme un précurseur de Minimalisme, dont les formes pures ont trouvé leur chemin dans l’architecture, la peinture, la sculpture et de nombreux domaines de l’art appliqué.
En Amérique, il y avait une série de styles inspirés des Arts et Métiers. "The Craftsman", un magazine publié par l’ébéniste Gustav Stickley a exposé un certain nombre de concepts d’artisanat américains qui ont une influence significative sur Frank Lloyd Wright et plus tard des artisans, artistes et architectes américains. Le mouvement Roycroft, créé en 1895 par Elbert Hubbard, constitue un autre style d’artisanat en tant que communauté d’artisans à l’image d’une guilde européenne médiévale située dans le nord de l’État de New York. Principalement concerné par la création de livres ornés, il a également produit une gamme de meubles et de produits métalliques. Le mouvement d’artisanat de studio du XXe siècle trouve son origine dans un certain nombre de nouveaux programmes d’artisanat mis en place au cours des années 1900. En 1901, par exemple, la première école d’art céramique a été fondée à l’Université Alfred de New York. La même année, la première promotion d’art du métal a été lancée à la Rhode Island School of Design de Providence, suivie deux ans plus tard par la première promotion du textile.
Après la fin de la Première Guerre mondiale, l’Europe a donné naissance à une variété de nouveaux conception styles, y compris: De Stijl, The Bauhaus School et Art Deco; ce dernier étant embrassé par de nombreux Architectes américains et les concepteurs. En outre, pendant la période de dépression des années 1920 au début des années 1930, l’administration fédérale américaine du progrès des travaux continua à financer des travaux manuels ainsi que des travaux publics et des peintures murales afin de maintenir les travailleurs occupés. Cela a permis aux métiers d’art de survivre au niveau local, tandis que l’incorporation d’un plus grand nombre de cours d’artisanat dans les programmes d’arts de troisième niveau a contribué à promouvoir l’artisanat au niveau national.
L’essor de l’artisanat américain d’après-guerre
Pendant et après la Seconde Guerre mondiale, qui a vu le remplacement de Paris par New York en tant que capitale mondiale de l’art, un mouvement important d’artistes européens qualifiés, d’anciens designers de Bauhaus et d’artisans d’Europe à destination de l’Amérique. En outre, en 1943, l’ American Craft Council a été créé pour défendre les compétences et le bien-être des artisans. Le CAC fonda ensuite sa propre publication – le magazine "American Craft" – et développa le Museum of Art and Design (alors appelé Museum of Contemporary Crafts). D’autres centres d’innovation et d’excellence ont émergé, notamment le Black Mountain College en Caroline du Nord, le Otis College of Art and Design à Los Angeles, le California College of Art and Crafts, le Toledo Museum of Art, la Haystack Mountain School of Crafts, le Penland School of Crafts et la Pilchuck Glass School. Ainsi revitalisés, les artisans américains de l’après-guerre ont été mieux formés et leur art de studio plus performant, processus accéléré dans les années 60 et 70 par mouvement artistique féministe – voir, par exemple, le travail de Judy Chicago (b.1939) – et par la tendance anti-industrialisme chez les jeunes. En 1972, la Renwick Gallery – située dans le Corcoran Gallery of Art, près de la Maison Blanche à Washington DC – a été créée en tant que département d’artisanat du Musée national de l’art américain et est devenue une vitrine distinguée pour les objets d’artisanat de studio américains.. En 1993, désignées "Année de l’artisanat américain", 70 artisans ont offert à la Maison Blanche d’inaugurer la collection d’artisanat américain de la Maison Blanche.
Artistes contre artisans
En dépit d’une résurgence générale dans le monde de l’artisanat et des arts décoratifs – en particulier la céramique, le soufflage du verre, le mobilier et la création de mode -, la diversité des disciplines artisanales a rendu impossible l’établissement de normes communes de formation et de production. Inévitablement, l’artisan fonctionne donc davantage comme un artiste que moins comme un artisan. Cependant, la société continue de nier la valeur paritaire des artisans avec les meilleurs artistes.
Certes, de nombreuses activités artisanales (production de beaux objets fonctionnels) peuvent être clairement distinguées des beaux-arts (produire de beaux objets pour la beauté), mais un grand nombre d’artisans qui créent des pièces uniques se considèrent à juste titre comme des artistes. Par exemple, il ne semble pas qu’il soit logique de classer une pièce unique de poterie, de vitrail, de sculpture sur bois ou de textile (par exemple, une tapisserie) comme un "produit artisanal" plutôt que comme une "œuvre d’art". En fait, par comparaison avec de nombreux artistes conceptuels modernes et d’autres représentants de l’art contemporain, les céramistes, les tourneurs sur bois et les artisans du vitrail sont infiniment plus «artistiques». (Pour plus d’informations sur le sens de l’art, voir: Qu’est ce que l’art?)
Irlande: un cas d’espèce
Les artisans irlandais sont représentés par le Conseil des métiers d’Irlande, dont la position est un mini reflet du statut secondaire de l’artisanat. Contrairement aux "arts", qui bénéficient d’un généreux soutien financier du Département des arts, canalisé par le biais d’institutions d’État puissantes telles que le Conseil des arts, le Crafts Council est simplement une société à responsabilité limitée financée par le Département de l’entreprise. Les organismes locaux comprennent des groupes tels que Centre d’art potier Kinsale et Guilde d’artisanat et de design de West Cork.
Pourquoi l’artisanat est si important
La valeur fondamentale de l’artisanat réside dans son opposition aux méthodes de production en série. Nous avons besoin de ces derniers pour pouvoir produire des articles rapidement et à moindre coût, mais si nous ne voulons pas devenir des gens qui connaissent le prix de tout, mais la valeur de rien, nous avons également besoin des avantages esthétiques qui découlent d’articles conçus individuellement – comme un fait foulard, une belle chaise, tapis ou plat. Une société sans beauté est sans âme, comme George Orwell l’a décrit de manière vivante dans des travaux comme "1984". Promouvoir l’artisanat est un moyen de conserver le type de compétences artistiques nécessaires pour rendre la vie plus agréable visuellement. Si vous souhaitez obtenir une illustration graphique des avantages en termes de puissance et de thérapie d’un environnement plus agréable visuellement, visitez votre hôpital, votre école ou votre hôtel de ville et regardez autour de vous. Si le bâtiment est déprimant et terne, il y a de grandes chances que ce soit parce qu’il présente un design sans intérêt et des couleurs ennuyeuses sans aucune touche de beauté visuelle. D’autre part, s’il a un air joyeux, il y a de fortes chances que ce soit parce qu’il a un design plus individuel et probablement beaucoup de couleurs. La même chose vaut pour votre lieu de travail et à la maison. Le fait est que vivre dans un environnement magnifié avec une certaine individualité et de beaux objets ajoute énormément à notre joie de vivre. L’artisanat et les compétences artisanales contribuent de manière importante à cet idéal et, pour cette raison, méritent à eux seuls d’être préservés.
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