Le classicisme dans l’art: définition, histoire, exemples Automatique traduire

Qu’est-ce que le classicisme? Qu’est-ce que le néoclassicisme?

Dans les arts visuels, le terme «classicisme» (adjectif : classiciste) désigne généralement l’imitation de l’art de l’Antiquité classique (c. 1000 av. J.-C. - 450 ap. J.-C.), en particulier l’imitation «de l’art grec»».), en particulier l’imitation de «l’art grec» et «l’art romain», ainsi que des prototypes antérieurs tels que «l’art égéen» (vers 2500-1100 av. J.-C.) et «l’art étrusque» (vers 700-100 av. J.-C.). Ainsi, par exemple, toute architecture, peinture ou sculpture réalisée au Moyen Âge ou ultérieurement et inspirée par l’art de la Grèce antique ou de la Rome antique est un exemple de classicisme (ou peut être considéré comme tel).

Il est assez étrange que le «classicisme» soit souvent utilisé de manière interchangeable avec le mot «néoclassicisme». Ainsi, par exemple, le style architectural du Capitole des États-Unis peut être décrit comme «classique» ou «néoclassique» ; de même, la statue de David de Michel-Ange peut être décrite comme un exemple de «classicisme» ou de «néoclassicisme».

Cependant, le terme «néoclassicisme» est le plus souvent utilisé pour décrire le renouveau particulier de l’art grec et romain qui s’est produit en Europe et en Amérique entre 1750 et 1860 après JC. Ainsi, le Capitole des États-Unis (construit entre 1793 et 1829) et la statue de Michel-Ange, qui sont décrits comme «néoclassiques», sont probablement mieux décrits comme un exemple de «classicisme».

NOTE : la sculpture grecque et la poterie grecque, et la peinture grecque, sont généralement reconnues comme étant supérieures à la peinture romaine. L’architecture grecque est également à la base de l’architecture romaine, bien que les ingénieurs romains aient fait des progrès significatifs dans l’utilisation des matériaux et des méthodes grecs. Néanmoins, une grande partie des sculptures et autres œuvres grecques ne nous sont connues que par des copies romaines, tandis que les bâtiments romains ont aussi largement survécu aux structures grecques. Connaître l’art romain, c’est savoir beaucoup de choses sur l’art grec.

Caractéristiques du style classique

Bien qu’il varie d’un genre à l’autre, l’art classique est réputé pour son harmonie, son équilibre et son sens des proportions. Dans sa peinture et sa sculpture, il utilise des figures idéalisées et traite ses sujets d’une manière non anecdotique et émotionnellement neutre. La couleur est toujours subordonnée à la ligne et à la composition. Elle est généralement sobre - le traitement est impersonnel jusqu’à l’anonymat - et tend à obtenir un effet harmonieux et contemplatif. L’architecture classique est strictement régie par des proportions mathématiques. Les concepteurs grecs, par exemple, utilisaient des calculs mathématiques précis pour déterminer la hauteur, la largeur et d’autres caractéristiques des éléments architecturaux. De plus, ces proportions étaient légèrement modifiées - par exemple, certains éléments (colonnes, chapiteaux, plate-forme de base) étaient rétrécis - pour créer un effet visuel optimal plutôt qu’une sculpture. Parmi les plus grands représentants du classicisme : (1) Architecture : Donato Bramante et Andrea Palladio ; (2) Peinture : Raphaël, Jacques-Louis David, Jean Auguste Dominique Engr ; (3) Sculpture : Michel-Ange et Antonio Canova.

Histoire du classicisme

Classicisme médiéval (800-1400 AD)

L’art médiéval a connu plusieurs vagues de classicisme. La première vague est appelée «Renaissance carolingienne» (vers 750-900). Elle débute sous le règne du roi Charlemagne (768-814). Le classicisme culturel de l’époque carolingienne a donné naissance à l’architecture de la chapelle palatine d’Aix-la-Chapelle (792-805), qui s’inspire du style octogonal de l’église San Vitale de Ravenne, datant du VIe siècle, ainsi qu’à de nombreux manuscrits à enluminures latines. Il s’agit notamment de Évangile de Lorsch, Psautier d’Utrecht et Evangelisches Godescalk . Un second renouveau du classicisme, l’ère de l’art ottoman (vers 900-1050), s’épanouit sous l’Empire ottoman d’Otton le Grand, couronné empereur romain à Rome en 962. Il a été influencé en particulier par l’héritage carolingien et le regain d’intérêt pour l’art de l’Italie du Nord, ainsi que par les contacts croissants avec l’art byzantin de l’Empire romain d’Orient. Jusqu’en 1050, la plupart des œuvres du classicisme ont été produites dans des monastères chrétiens. Au cours des trois cents années suivantes, l’Église chrétienne s’est concentrée sur un certain nombre de programmes de construction de cathédrales et de temples. Cela a commencé par l’adoption du style de l’architecture romane (vers 1000-1150), qui reprenait les arcs arrondis romains, les murs massifs et les voûtes, mais de nombreux éléments architecturaux de l’antiquité classique ont été rapidement oubliés. Ces tendances se sont accélérées au cours de l’ère suivante de l’architecture gothique (c.1120-1400).

Le classicisme de la Renaissance (1400-1600)

Il n’est pas surprenant que l’Italie - le cœur de l’Empire romain, qui avait adopté de nombreuses colonies grecques avec leurs traditions d’art hellénistique - ait été le témoin du plus grand de tous les renouveaux classiques en Europe. Un processus qui a débuté à Florence au début du «quatre cent» (XVe siècle), connu sous le nom de Renaissance italienne - ou peut-être plus précisément, Renaissance florentine - est d’abord menée par l’architecte Filippo Brunelleschi (1377-1446), le théoricien de l’art Leon Battista Alberti (1404-1472), le sculpteur Donatello (1386-1466) et le peintre Masaccio (1401-1428). Brunelleschi s’intéressait particulièrement aux proportions mathématiques des anciens édifices romains, qu’il vénérait. Alberti, pour qui le classicisme est synonyme de beauté, devient célèbre pour ses traités «De Statua», «Della Pittura» (1435) et «De Re Aedificatoria» (1452) et s’efforce de rendre les principes de la perspective accessibles à un large éventail d’artistes désireux de s’initier à cette nouvelle technique. Donatello utilise les mêmes principes pour imiter les statues grecques , tandis que Masaccio incorpore des éléments classiques, y compris sa propre technique de perspective, dans le contenu de ses peintures. Le classicisme a continué à dominer l’art de la Renaissance à Rome, connu sous le nom de Haute Renaissance, - incarné par les proportions classiques de la Madone Sixtine (1513-1514) Raphaël (1483-1520) ; et l’homme de Vitruve (1492), Léonard de Vinci, dans les proportions du corps humain (masculin) décrites autrefois par l’architecte romain Vitruve (c. 78-10 J.-C.). L’art de la Renaissance à Venise a également été fortement influencé par l’antiquité classique en raison des liens étroits de la ville avec Constantinople (Byzance), l’ancien siège des empereurs romains d’Orient et toujours un centre de la culture grecque antique. Les mosaïques de style byzantin étaient particulièrement vénérées. L’architecture vénitienne de la Renaissance s’est également inspirée d’exemples classiques - voir notamment : l’architecte classiciste Andrea Palladio (1508-1580), dont les projets étaient basés sur les valeurs de l’architecture classique décrites par Vitruve et d’autres.

Les principes fondateurs classiques de la Renaissance italienne se sont répandus vers l’ouest, en France et en Espagne, et vers le nord, en Allemagne et «dans les Lowlands». Avec l’avènement de livres imprimés relativement bon marché, l’étude de la littérature classique est devenue plus courante et, à la fin du XVIe siècle, elle était la norme dans la plupart des programmes d’études universitaires.

Le classicisme baroque (1600-1700)

L’harmonie et les proportions équilibrées de l’art classique de la Renaissance se sont finalement révélées insuffisantes pour répondre aux impulsions créatives du début du XVIIe siècle et ont été remplacées par l’art baroque, un langage beaucoup plus complexe et dramatique dont les plus grands maîtres ont été, par exemple, Le Caravage (1573-1610) et Andrea Pozzo (1642-1709). Mais un ou deux courants du classicisme subsistent. Annibale Carracci et son École bolonaise, par exemple, ont été particulièrement influents - voir : Classicisme et naturalisme dans la peinture italienne du XVIIe siècle, Nicolas Poussin (1594-1665) et Claude Lorrain (1600-1682). En effet, c’est à la fin du XVIIe siècle que la tradition classique est devenue une caractéristique intégrale de l’art occidental grâce à l’ouverture d’un certain nombre d’académies officielles «» dont les programmes d’études étaient conçus pour enseigner aux étudiants les principes classiques préconisés par les maîtres de la Renaissance italienne.

Néoclassicisme (c.1780-1850)

Au début et au milieu du XVIIIe siècle, l’art baroque est remplacé par le rococo, décadent et fantaisiste . Plus tard, vers 1780, ce style frivole a été remplacé par le grand renouveau de l’art classique, connu sous le nom de néoclassicisme. Défendu par l’érudit Johann Winckelmann (1717-1768), ce nouveau style est illustré par la peinture néoclassique de Jacques-Louis David (1748-1825) ; par les œuvres de son suiveur Jean Dominique Engré (1780-1867) ; la sculpture néoclassique d’Antonio Canova (1757-1822) ; et l’architecture de créateurs tels que Jacques Soufflot (1713-1880), Thomas Jefferson (1743-1826), et d’autres.

Le classicisme des 19e et 20e siècles

Le classicisme a défendu les réalisations de la Grèce et de la Rome antiques - l’idéal classique - comme norme pour juger la société moderne. Mouvement scientifique et monastique élitiste à l’origine, il s’est progressivement appliqué à tous les aspects de la vie, et pas seulement aux arts visuels et à l’architecture. Néanmoins, à partir du XVIIIe siècle, les découvertes de la science moderne, ainsi que les progrès de la théorie sociale et politique, ont progressivement commencé à révéler ce que les Grecs et les Romains ne pouvaient pas savoir . Par conséquent, à l’exception du style classique de l’art académique, approuvé par l’Académie française et par la Fraternité préraphaélite (1848-1855), le classicisme n’a plus jamais été aussi répandu dans l’art et dans d’autres domaines au cours des 19e et 20e siècles qu’il ne l’avait été.

Pour le dernier élan du classicisme, voir Le renouveau classique dans l’art moderne (c.1900-1930). Ce retour à l’imagerie de style classique inclut l’œuvre de Picasso (1881-1973). voir Picasso (1881-1973). voir Picasso (1881-1973). Egalement les dessins néoclassiques de Picasso - ainsi que d’artistes aussi divers que André Doeren (1880-1954), Henri Matisse (1869-1954), Fernand Léger (1881-1955), Giorgio de Chirico (1888-1978) et Giorgio Morandi (1890-1964) pour n’en citer que quelques-uns.

NOTE : Toutes les périodes du classicisme partagent une certaine vénération pour les valeurs artistiques de l’Antiquité, bien qu’elles varient considérablement dans leur interprétation de ces valeurs, selon l’époque et le genre (architecture, peinture, sculpture). Par ailleurs, certains classicistes modernes admirent moins les formes matérielles de l’Antiquité et beaucoup plus son essence . Par exemple, le cubisme est considéré comme un idiome classique en raison de l’accent qu’il met sur la structure et la forme, de sa base géométrique et de l’effet recherché, qui est généralement harmonieux et contemplatif.

Exemples célèbres d’art classique

La peinture

Le serment d’Horace (1784) Jacques-Louis David.
Louvre, Paris.

Mort de Marat (1793) Jacques-Louis David.
Louvre, Paris.

La baigneuse de Valpincon (1808) de Jean Dominique Engr.
Louvre, Paris.

Grande Odalisque (1814) par Jean Dominique Engr.
Louvre, Paris.

Les Grandes Baigneuses (1894-1905) de Cézanne.
National Gallery, Londres ; Museum of Art, Philadelphie ; Barnes Foundation, Merion, Pennsylvanie.

Jeune femme italienne appuyée sur son coude (1900) Cézanne.
Musée Paul Getty.

Deux nus (1906) Picasso.
Musée d’art moderne, New York.

Incertitude du poète (1913) de Chirico.
Tate Collection, Londres.

Chant d’amour (1914) de Chirico.
Musée d’art moderne, New York.

Le mystère et le désir de la rue (1914) De Chirico.
Collection privée.

Le gentleman ivre (1916) Carlo Carra.
Collection particulière.

Femme assise (1920) Picasso
Musée Picasso, Paris.

Grande baigneuse (1921) Picasso.
Musée de l’Orangerie, Paris.

Deux femmes courant sur la plage (Course) (1922) Picasso.
Musée Picasso, Paris.

Le Mécanicien (1920) Fernand Léger.
Musée des beaux-arts du Canada.

Trois femmes (Le Grand Déjeuner) (1921) Fernand Léger.
Musée d’art moderne, New York.

Nu sur fond rouge (1923) Fernand Léger.
Musée d’art, Bâle.

Deux sœurs (1935) Fernand Léger.
Galerie des vieux maîtres, Berlin.