Jean-Michel Basquiat:
artiste graffeur de New York Automatique traduire

introduction

L’artiste new-yorkais Jean-Michel Basquiat a joué un rôle important dans la transition du art de graffiti d’une activité de rue clandestine à intégrer art postmoderniste. En dépit de son décès prématuré d’une overdose d’héroïne à l’âge de 27 ans, la réputation de son style brut néo-expressionnisme – avec ses références au jazz et Art africain – reste élevé, et il est considéré par ’cool’ critiques d’art comme l’un des plus importants artistes postmodernistes de l’Amérique urbaine. Les prix de ses toiles ont augmenté en conséquence. Bien que sa position au 20ème siècle Art américain semble relativement sûr, que ce soit le cas ou non, est une question ouverte. Basquiat était un contemporain du peintre au pistolet new-yorkais ayant suivi une formation formelle. Keith Haring (1958-90), décédé du SIDA deux ans plus tard et l’artiste de collage David Wojnarowicz (1954-92), qui est également mort du sida dans les années 1990.

Jeunesse

Né à Brooklyn, Jean-Michel Basquiat était l’aîné de trois enfants. Sa mère, Matilde Andrades, était d’origine portoricaine, tandis que son père, Gérard Basquiat, était haïtien. Apprenti rapide, il a rapidement démontré un don naturel pour l’art et les langues, encouragé par sa mère ainsi que par ses professeurs. À l’âge de 7 ans, Basquiat a été grièvement blessé après avoir été heurté par une voiture et a subi une splénectomie. C’est pendant cette période que ses parents se sont séparés. Jean-Michel et ses frères et soeurs ont été pris en charge par leur père. À l’âge de 15 ans, Basquiat s’est enfui de la maison à Washington Square Park pendant plusieurs jours avant d’être arrêté et renvoyé chez son père. Peu de temps après, il quitta l’école et quitta définitivement la maison, gagnant de l’argent en vendant des t-shirts et d’autres objets.

Carrière en tant qu’artiste graffiti

En 1976, Basquiat et ses amis Al Diaz et Shannon Dawson ont commencé à peindre des dictons énigmatiques sur des bâtiments et des rames de métro autour de Manhattan, en les signant du nom SAMO © (Same Old Shit). Cette peinture murale s’est avéré être une tactique de publicité très efficace. En décembre 1978, le Village Voice a publié un article sur le graffiti. Puis, en 1979, Henry Geldzahler (1935-94) remarqua quelques-uns de ses tableaux, qui figuraient dans une galerie «alternative» du Lower East Side. Ce dernier, un observateur précoce bien connecté du art contemporain La scène qui était devenue conservatrice du 20th Century Arts au Metropolitan Museum of Art de New York était Commissaire aux affaires culturelles de la ville. La même année, Basquiat a commencé à faire des apparitions régulières à l’émission télévisée en direct sur le câble, TV Party, animée par Glenn O’Brien. Il a également co-fondé le groupe de rock Gray, qui a joué dans plusieurs établissements nocturnes notables. Après avoir été "découvert" par Geldzahler et O’Brien, Basquiat a joué dans le film de O’Brien Downtown 81, intitulé à l’origine New York Beat, et a été présenté à Andy Warhol. Il a également participé à The Times Square Show, une exposition de groupe organisée par Collaborative Projects Incorporated et Fashion Moda. En 1981, sa peinture fut chaleureusement commentée dans le magazine influent Art in America. En outre, il a fait l’objet du profil de René Ricard The Radiant Child dans le magazine Artforum. Ces deux articles ont généré une énorme quantité de publicité supplémentaire.

Le style de peinture basquiat

Vivant dans cette atmosphère intense, Basquiat a développé sa marque de peinture énergique et hautement commercialisable. Choquante, laide, expressive, controversée, mais néanmoins extrêmement visuelle, c’était un mélange de art tribal, motifs égyptiens anciens, symboles de rue, pictogrammes, logos, collage, texte, ’matériaux trouvés’ et autres junk art, ainsi que des références tirées des cahiers de Leonardo Da Vinci et du Henry Dreyfuss Symbol Sourcebook. Le message général était convenablement anti-bourgeois, anti-raciste, anti-policier, afro-américain et illustré d’images iconographiques de la conscience noire et du ghetto. Devenu une célébrité et sous la pression qui le poussait à produire, il faisait le plein de cocaïne et de marijuana, peignait jusqu’à 18 heures d’affilée, puis faisait appel à l’héroïne pour s’endormir.

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L’histoire de Jean-Michel Basquiat

À l’instar de son ami Keith Haring, Jean-Michel Basquiat a établi son réseau de relations dans le monde de l’art à travers des clubs du centre-ville tels que CBGB, le Mudd Club et Hurray, où il s’est produit avec son propre "groupe de bruit" en 1979 et 1980. Haring et Basquiat ils ont également fait leur entrée sur la scène artistique avec une célébrité instantanée en 1980 (ils étaient respectivement vingt-deux et vingt), puis ont disparu aussi soudainement qu’ils étaient apparus: Haring est mort du sida en 1990 à l’âge de trente et un ans et Basquiat de une surdose de drogue en 1988 à l’âge de vingt-sept ans. Enfin, Basquiat avait également un lien formateur avec les graffitis, mais il avait pour lui la valeur particulière de constituer une coterie d’autres artistes noirs. Il était particulièrement proche de Rammellzee, Fab 5 Freddy et Toxic.

Basquiat a toutefois grandi dans un quartier de classe moyenne à Brooklyn. Son père était un comptable d’origine haïtienne et sa mère, une Portoricaine noire à la sensibilité artistique, mais au caractère fragile, qui l’avait conduite à être institutionnalisée alors qu’il était encore enfant. Basquiat était bilingue en espagnol et en anglais et était un lecteur assidu depuis l’enfance, bien qu’il ait abandonné ses études secondaires et se soit largement éduqué. À dix-sept ans, il a quitté la maison et a vécu de 1977 à 1979 dans la rue (parfois littéralement, parfois dans des bâtiments abandonnés ou chez des amis).

Au cours de cette période de sans-abri, Basquiat a collaboré avec un camarade de classe appelé Al Diaz sur une séquence de textes "SAMO" (issus d’une combinaison de "Sambo" et de "même vieille merde"), qu’ils ont gravés dans le D-train et les murs autour de SoHo et de l’East Village. Contrairement à d’autres graffitis, les textes "SAMO" étaient des aphorismes énigmatiques tels que "SAMO en tant que but ultime, religion, nulle part la politique et la fausse philosophie" ou "Plush safe il pense; SAMO". En 1980, Basquiat avait repris les écrits de SAMO et acquis à travers eux une certaine notoriété personnelle dans le monde des arts du centre-ville. Il a également établi une adresse fixe et a montré son art pour la première fois (dans la contre-culture "Times Square Show" de 1980).

En février 1981, Basquiat a installé un mur de peintures et de dessins dans l’importante exposition "New York / New Wave" au PS. 1, un espace alternatif très visible du côté de Long Island du 59th Street Bridge. Cette exposition réunissait quelques graffeurs, ainsi que Warhol, Haring et son ami Kenny Scharf. La contribution de Basquiat a attiré l’avis de la concessionnaire SoHo Annina Nosei, qui lui a confié le sous-sol de sa galerie en tant qu’atelier et a commencé à le représenter en septembre de la même année. Il a également gagné l’allégeance de Bruno Bischofberger, un important distributeur suisse, qui le représentait en Europe.

À partir de ce moment, la carrière de Basquiat suit une trajectoire météorique, tirée par sa productivité sans relâche. Annina Nosei lui a donné un spectacle solo en mars 1982 qui a beaucoup attiré l’attention, mais à l’automne, il s’était séparé de Nosei et avait organisé un spectacle à la Fun Gallery. Ce n’est qu’en mars 1984 qu’il a signé avec un autre distributeur new-yorkais, Mary Boone, et bien que cette relation se soit détériorée aussi en 1986, elle a fermement établi son marché. Pendant ce temps, Basquiat avait noué une amitié étroite avec Andy Warhol et était devenu une célébrité de l’art à part entière. Lors de la vente du printemps 1984 à Christie’s (une des deux plus grandes maisons de vente aux enchères d’art à New York), un tableau de Basquiat se vendit 19 000 dollars – un prix extraordinaire pour un artiste de 23 ans – et en février 1985, sa photographie couverture du New York Times Magazine.

Basquiat a été un brillant succès presque au début, mais déchiré par des doutes sur lui-même jusqu’à la fin. Dans son tableau comme "Garçon et chien dans un Johnnypump" (1982), on ressent immédiatement l’épuisement exalté d’un Jack Kerouac ou d’Allen Ginsberg. La beauté de la couleur et le pinceau sublimement expressif submergent le spectateur. Au même instant, on ressent le vertige terrifiant de ce que le philosophe du XVIIe siècle, Pascal, appelait "le silence éternel de ces espaces infinis"; Les peintures de Basquiat décrivent une absence existentielle à couper le souffle. En tant qu’artiste noir dans un monde blanc, il était encore plus seul que les autres artistes majeurs.

Dans cette peinture, le garçon noir se tient, paumes ouvertes, dans un geste de supplication et de déguisement spirituel avec un familier au halo rouge à ses côtés. Il a un sourire ingrat, mais le visage est un masque vide avec la personne intérieure de l’artiste cachée. Pendant ce temps, les dreadlocks du garçon brillent d’un rouge brillant, comme s’ils étaient éclairés de l’intérieur; les os scintillent contre le noir, animant le squelette comme un esprit ressuscité. Basquiat a relevé chaque couleur et chaque coup de pinceau à son intensité maximale, comme dans la structure rythmique du jazz, donnant à l’œuvre ce que l’historien de l’art Robert Farris Thompson a appelé une "vivacité afro-atlantique".

La ligne gestuelle noire dans l’avant-bras gauche de la figure dans "Garçon et chien dans un Johnnypump" est "écrite", comme dans le script d’un graffitero, et "NEEET" est inscrite comme sur un mur à gauche. Pourtant, les larges gestes de rouge, de jaune et de vert révèlent l’association de Basquiat avec le École new yorkaise, en particulier son endettement envers Franz Kline, ainsi que les premiers travaux de Jackson Pollock et les chiffres de Willem de Kooning des années soixante. "Charles Ier", lui aussi de 1982, montre un autre aspect caractéristique du style de Basquiat. La composition a une qualité notionnelle comme le graffiti, mais elle ressemble aussi aux peintures de Cy Twombly, que Basquiat avait scruté dans les musées et dans les livres.

"Charles Ier" est un couronnement du grand saxophoniste de jazz Charlie Parker et fait partie d’un ensemble récurrent d’hommages aux héros noirs avec lesquels Basquiat a particulièrement identifié: le joueur de baseball Hank Aaron; les boxeurs Sugar Ray Robinson, Cassius Clay (alias Muhammad Ali) et Jack Johnson; les musiciens de jazz Parker, Dizzy Gillespie et Louis Armstrong; et l’écrivain Langston Hughes.

Dans un carré blanc cassé à droite, Basquiat écrit "Cherokee", titre de l’un des airs les plus célèbres de Parker, tout en haut avec le mot "Opéra", suggérant un parallèle de stature artistique entre "Cherokee" et ce plus aristocratique genres musicaux. En dessous de celui-ci, il plaça une couronne, à la fois symbole de la royauté artistique de Parker et de la balise propre de Basquiat. (Dans un autre tableau de cette année, "Portrait de l’artiste en jeune abandonné", Basquiat écrivait ci-dessous son autoportrait: "Hic est rex, " latin pour "c’est le roi".) En haut à gauche – panneau de main de Charles le premier l’artiste a placé une couronne intitulée "Thor", suggérant un parallèle avec le roi mythologique des dieux nordiques. Les quatre plumes du tableau évoquent le surnom de "Bird" de Parker et la main noire évoque la puissante présence corporelle du joueur de cor et du peintre. Basquiat a également ajouté les mots "Marvel Comics" à deux endroits, dessiné l’emblème de Superman et écrit "X-Man" (un autre super-héros apparu dans Marvel Comics). Donc, ici, le monde fantastique des bandes dessinées se confond avec l’histoire en fournissant une généalogie spirituelle à l’artiste.

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Point de carrière et accident

À la fin de 1981, Basquiat conclut un accord avec la galerie Annina Nosei à SoHo, Manhattan, et expose rapidement ses peintures aux côtés de meilleurs artistes contemporains comme Francesco Clemente (1952), Julian Schnabel (1951), Enzo Cucchi (1919) et David Salle (1952). À Los Angeles, en Californie, il était représenté par la galerie Larry Gagosian, et en Europe par Bruno Bischofberger. Il a eu une brève relation avec la jeune pop star Madonna et a collaboré avec Andy Warhol et David Bowie. Des photographies de l’époque le montrent en costume d’Armani à 1 000 dollars, souvent éclaboussé de peinture.

Vers le début de 1986, Basquiat a opté pour la galerie Mary Boone à SoHo. En février de la même année, il est apparu en couverture du New York Times Magazine dans un article intitulé " New Art, New Money: le marketing d’un artiste américain ". Malheureusement, sa consommation de stupéfiants a augmenté au fur et à mesure de sa réputation. Au moment de la mort d’Andy Warhol, en février 1987, Basquiat était devenu de plus en plus paranoïaque et négligé, et sa dépendance à l’héroïne était en train de devenir incontrôlable. Malgré des tentatives de rééducation, il meurt d’une overdose le 12 août 1988 dans son studio d’art situé à Great Jones Street.

Rétrospectives

La première exposition importante consacrée à la vie et à l’œuvre de Basquiat s’est déroulée d’octobre 1992 à février 1993 à Whitney Museum of American Art. Il s’est ensuite rendu dans des musées du Texas, de l’Iowa et de l’Alabama (1993-1994). Le catalogue de l’exposition est un ouvrage de grande valeur et reste une référence importante pour Basquiat. art. Une autre exposition majeure sur le travail de Basquiat a été présentée au Brooklyn Museum de mars à juin 2005. Ce dernier s’est ensuite rendu à Los Angeles et à Houston. On peut voir des œuvres de Basquiat dans plusieurs des meilleurs musées d’art d’Amérique, y compris le Musée d’Art Moderne (MoMA) à New York.