J Alden Weir:
impressionniste américain, artiste paysagiste Automatique traduire

Biographie

Une figure importante dans Impressionnisme américain, J Alden Weir est célèbre pour son Peinture de paysage impressionniste et comme son ami proche John H Twachtman (1853-1902), était membre de la colonie d’art Cos Cob, près de Greenwich, dans le Connecticut. Cependant, il est également noté pour son conservateur nature morte peinture et portrait. Weir est un membre fondateur de "The Ten", un groupe de peintres américains aux mailles lâches qui s’intéressent à Impressionnisme insatisfait des deux principales organisations d’artistes – la National Academy of Design et la Society of American Artists – qui se sont réunis en 1898 pour exposer leurs peintures au public. La principale contribution de Weir au mouvement impressionniste en Amérique fut d’être son patriarche – pas à cause de son âge avancé: il n’était pas plus âgé que nombre de ses collègues du groupe "The Ten", bien qu’il ait survécu à plusieurs de ses amis proches, comme Twachtman et Theodore Robinson (1852-1896). Et non pas parce qu’il a adopté l’impressionnisme avant ses collègues: le fait est que son engagement envers le mouvement n’a jamais été aussi total que celui de Childe Hassam (1859-1935) ou Robinson; il avait moins de contact avec les peintres français que Mary Cassatt (1845-1926) ou Robinson; il avait moins de talent que John Singer Sargent (1856-1925); moins d’un enseignant que William Merritt Chase (1849-1916); et son exploration de l’avant-garde esthétique était minime par rapport à Twachtman. Weir, cependant, était un personnage totalement sympathique, un ami chaleureux de plusieurs de ses collègues, un pont vers certains des principaux collectionneurs d’art de la période qu’il a conseillé, et sympathique aux artistes, critiques d’art et des mouvements de points de vue très divers. En plus de cela, et de ses nombreux chefs-d’œuvre artistiques, notamment The Red Bridge (1895, Metropolitan Museum of Art, New York), sa valeur Art américain de son époque a encore été renforcée par ses capacités organisationnelles et il a souvent été persuadé d’occuper des postes administratifs dans les organisations artistiques de son époque.

Education artistique: New York et Paris

Weir est né à West Point, le fils de Robert Walter Weir, professeur de dessin à l’Académie militaire, dont les premiers élèves comprenaient des artistes tels que James McNeill Whistler (1834-1903). Le contact du père avec la communauté d’artistes, écrivains et mécènes Knickerbocker, ainsi que sa vaste collection de livres d’art rares et des gravures ont été très bénéfiques pour son jeune fils, à l’exemple de son frère aîné, John Ferguson Weir, paysagiste réputé, qui avait déjà entamé une carrière artistique à New York lorsque J. Alden s’y rendait à l’hiver de 1867-68, étudier à la National Academy of Design schools. John Ferguson Weir était un artiste aux talents considérables, qui est devenu à la tête de la Yale University Art School pendant de nombreuses décennies et dont l’art ne semble avoir été influencé que marginalement par l’impressionnisme, étant davantage influencé par l’esthétique de l’art. Hudson River School et le École de Barbizon de la peinture de paysage. J Alden Weir a noué des contacts à New York durant ses premières années et est resté avec lui toute sa vie, établissant des amitiés avec Albert Pinkham Ryder (1847-1917) en 1868 et avec William Merritt Chase (1849-1916) l’année suivante. Pourtant, il était naturel qu’il ressentît l’attraction de Paris au début des années soixante-dix, et donc en 1873, encouragé par son frère aîné et assisté financièrement par Mme Bradford R. Alden, Julian Weir partit pour Paris où il s’inscrivit au Ecole des Beaux-Arts, sous Jean-Léon Gérôme (1824-1904). Gerome lui fournit les fondements de son art futur, une forte préoccupation pour le dessin et la modélisation structurelle de la forme; le art académique que Weir peint sous Gérôme est l’un des plus raffinés de tous les Américains. Weir était impressionné par la recherche de la vérité représentationnelle chez des maîtres français tels que Gérôme et Léon Bonnat (1833-1922), et il compléta ses études par un examen de Maîtres Anciens comme le portraitiste allemand du XVIe siècle, Hans Holbein (1497-1543), pour qui la préparation esquisse était primordiale.

Influences artistiques

Pourtant, au cours de ses quatre années à l’étranger, les préoccupations et la sympathie de Weir témoignent d’un certain changement subtil qui n’est pas inhabituel pour un jeune artiste conscient mais fondamentalement conservateur. Déjà en 1874, il révéla un intérêt coloriste que son entraînement avec Gerome ne soutint pas. En hiver 1874-1875, un voyage en Belgique et en Hollande suscita une nouvelle admiration pour le travail de Franz Hals (1582- 1666), lui-même une idole des artistes les plus avancés de Munich; Weir devait également admirer le travail de Frank Duveneck. De retour à Paris, il s’intéresse au travail brillant et lumineux des "petits maîtres" contemporains tels qu’Ernest Meissonier (1815-1891), mais une amitié décisive se noue avec le jeune artiste français naissant. Jules Bastien-Lepage (1848-84), que Weir avait rencontrés en 1873. L’équilibre de Bastien entre correct dessin de la figure et une peinture spontanée en plein air, distincte par sa lumière et son atmosphère grises lumineuses et par son contrôle spatial ferme qui menait à un horizon haut, et qui représentait la paysannerie française à une échelle monumentale, devinrent un modèle pour la recherche de jeunes artistes d’Europe et d’Amérique pour les années à venir. une décennie et demie, se poursuivant même après la mort prématurée de Bastien en 1884. Bien que la peinture de Weir reflète un engagement total pour les préceptes de Bastien pour une courte période seulement – contrairement à celle de ses compatriotes tels que Charles Sprague Pearce (1851-1914) ou de ses propres proches Des amis parisiens, comme Will Low (1853-1933) – des éléments du style de Bastien devaient rester des repères, voire des limitations, tout au long de la carrière de Weir. Et il devait faire connaître et promouvoir la réputation de Bastien auprès des collectionneurs et des artistes américains, même réticents comme John Twachtman.

À cette époque, Weir absorbait donc des éléments de l’art moderne et de ses adversaires plus conservateurs. A côté de son appréciation du pinceau riche et fluide de Hals et Carolus-Duran (1838-1917), ainsi que du plafond de Paul Baudry pour l’Opéra de Paris, qui devint un modèle pour la contribution de Weir à l’exposition colombienne de Chicago en 1893 – sam son admiration pour les maîtres académiques de ligne: Gerome, Bonnat et JADIngres (1780-1867). Gerome, pas si opposé aux notions esthétiques alternatives alors dans l’air que des historiens l’ont expliqué, persuada Weir d’aller en Espagne, mais il fut étonnamment déçu du tableau de Velazquez et pensa encore pire à Goya.

Peinture de genre rurale, Bretagne

En France, les œuvres de Weir suivent le parcours de nombreux jeunes peintres français, britanniques et américains de son époque, évitant à la fois les grandioses récits historiques et les artistes radicaux et appliquant son nouveau savoir-faire en matière de peinture de personnages à des scènes de la vie paysanne. Comme beaucoup, il choisit les paysans les plus traditionnels et les plus pittoresques de Bretagne. peintures de genre comme Un intérieur de Bretagne (1875), un tableau présenté au Salon de Paris, et une paysanne bretonne (1875). L’attrait de la Bretagne repose sur un certain nombre de facteurs. Il existait une colonie d’art où de jeunes artistes de nombreux pays, notamment des Américains, se sont rassemblés dans les villages de Concarneau et de Pont-Aven en été, lorsque les écoles et les studios parisiens ont été fermés. Weir, attiré par Pont-Aven par l’exemple de Robert Wylie (1839-1877), de courte durée et très admiré, y travailla en 1874, exerçant sa profession. peinture de genre de la vie paysanne. Ces villages offraient de la camaraderie, des sujets pittoresques, une vie et des modèles extrêmement bon marché – une nécessité pour les étudiants en art impécunieux. En même temps, ils ont permis à de jeunes artistes ambitieux d’explorer un thème majeur à la fois critique et artistique: la vie paysanne immuable, simple, pure et supposée immunisée contre le rythme effréné et les valeurs changeantes du monde moderne, même alors que cette existence traditionnelle était de plus en plus menacée par la mécanisation et l’agglomération. Quoi qu’il en soit, Weir, Wylie et d’autres peintres américains de la paysannerie tels que Joseph Oriel Eaton (1829-1875) et Charles Sprague Pearce rejoignaient ainsi la deuxième génération d’artistes tels que les Français Jules Breton, Bastien-Lepage et Léon Lhermitte (1844-1925) en monumentalisant les figures introduites pour la première fois dans l’art français moderne par le pionnier Jean-François Millet (1814-1875).

Contact avec l’impressionnisme

Le premier contact de Weir avec le nouveau mouvement de l’impressionnisme a eu lieu à Paris lors de sa visite au troisième salon des impressionnistes en avril 1877. Il présentait environ 230 œuvres Peintres impressionnistes, comprenant Claude Monet (1840-1926), Camille Pissarro (1830-1903), Renoir (1841-1919), Alfred Sisley (1839-1899), Paul Cezanne (1839-1906) et Dégazer (1834-1917), à laquelle le public et les critiques restent largement indifférents. (Pour plus, voir: Expositions impressionnistes à Paris: 1874-86.) Pour un artiste comme Weir, qui a horreur de l’utilisation sans restriction de la couleur, de l’absence de construction et de tout objectif moral par l’impressionnisme, le nouveau style était tout simplement horrible. Evoquant les artistes comme des "impressionnistes", il écrit à ses parents: "Je n’ai jamais vu de choses aussi horribles. Ils n’observent ni dessin ni forme, mais vous donnent une impression de ce qu’ils appellent la nature. C’était pire que le Chambre des Horreurs. "

Art impressionniste en France
Pour ses débuts, voir: L’impressionnisme: origines et influences.
Pour ses artistes, voir: Impressionnisme: Histoire ancienne.

Société des artistes américains

À la fin de 1877, Weir est rentré en Amérique. Il est rentré à New York à un moment particulièrement propice pour un jeune peintre formé à la parisienne, car c’était l’année de la création de la Society of American Artists. Weir a participé à la nouvelle organisation et son travail a été distingué par le critique influent de Tribune, Clarence Cook, dans la critique de la première exposition de la Society en 1878. Son œuvre majeure présentée à l’exposition de la Society en 1879, In the Park, était: une scène figurale "contemporaine" sombre et dramatique, découpée par la suite en trois parties distinctes par l’artiste, peut-être à cause de la critique de l’œuvre, encombrée et énigmatique.

Weir est devenu un personnage important de la vie artistique new-yorkaise. En 1878, il prend un studio dans le bâtiment de l’Université puis, en 1880, dans le nouveau bâtiment du Benedict à Washington Square East, accompagné de nombreux amis artistes tels que Eaton, Ryder et le sculpteur Olin Warner, dont le buste est celui de Weir. des plus beaux portraits américains de la fin du 19ème siècle. Il a été membre du Tile Club au cours de ses dix années d’existence, de 1877 à 1877. Il a été actif au sein de la Société et de la National Academy, ainsi que de l’American Water Colour Society et, plus tard, dans les années 1880, avec The Painters in Pastel. Il a enseigné à la Art Students ’League, à la Cooper Union et à titre privé.

Weir conseillait également les collectionneurs américains sur l’acquisition de l’art européen, maîtres plus anciens et peintres plus récents, assistant Henry Marquand et plus particulièrement Erwin Davis. Davis devint un collectionneur important, possédant des œuvres de Weir, Twachtman, Eaton, Géricault, Delacroix, Millet, Corot, Monticelli, Bastien-Lepage et d’autres. Weir l’a aidé à acquérir, entre autres œuvres, Femme au perroquet et Garçon à l’épée, par Edouard Manet (1832-1883). De plus grande importance pour Weir, il aida Davis à assurer la grande Jeanne d’Arc de Bastien-Lepage en 1880, présentée lors de la quatrième exposition de la Society of American Artists en 1881. Ce rôle lui permit de retourner en Europe, voyageant avec frère John et avec Twachtman en Hollande en 1881.

En 1883, Weir a épousé Anna Baker. Elle avait une maison à Windham, dans le Connecticut, et Weir était en mesure d’obtenir une maison d’été à Branchville, dans le Connecticut, auprès de Davis en échange d’un tableau. La maison Weir à Branchville est devenue le centre d’une colonie d’artistes informels, avec des peintres tels que Robinson, Ryder, Hassam et John Weir qui viennent fréquemment y peindre. Twachtman loua une place près de Weir en 1887, puis acheta sa propre maison à proximité de Cos Cob. Le travail exécuté par ces artistes, dont certains parmi les impressionnistes américains, témoigne d’un intérêt pour l’indigène et le local: un paean sobre au paysage rural de la Nouvelle-Angleterre. Lors de sa visite en 1897, Ryder déclara n’avoir jamais vu la beauté du printemps, des paysages et de l’air si prometteurs.

Années 1880: peintures de style Whistler, images de fleurs

La peinture de Weir des années 1880, la première décennie après son retour de Paris, consiste en une peinture de personnages conservatrice mais forte et des natures mortes. En outre, en plus d’enseigner et de conseiller en art, il a produit des œuvres de premier ordre portrait d’art, en particulier de sujets masculins, dont beaucoup étaient des amis artistes artistes (Olin Warner, Arthur Quartley, Albert Pinkham Ryder) ou des mécènes tels que le colonel Charles Wood de Portland, ancien West Pointer. Weir a également peint bon nombre de peintures représentant des personnages, en utilisant souvent des membres de sa famille, mettant généralement l’accent sur le thème de la domesticité. Weir a réalisé dans de tels travaux une remarquable combinaison de structure monumentale à l’ambiance délicate, peut-être plus proche de Whistler que toute autre source; De l’une de ces peintures, un critique a écrit sur "l’harmonie noire coutumière noire et grise" de Weir, qui pourrait aussi bien décrire une figure ou une nocturne de Whistler. Moins connus aujourd’hui sont plusieurs œuvres plus proches de Bastien-Lepage, telles que le Bon Samaritain de Weir ou L’ enterrement de l’oiseau, ainsi que plusieurs figures idéales telles que Le Muse de la musique de 1884, qui, deux ans plus tard, Charles De Kay appelé le plus de succès de Weir La peinture, sauf pour ses photos de fleurs. Ces dernières, une grande série d’images de fleurs commencées dans les années 1880, étaient les œuvres les plus recherchées de Weir. Weir était l’impressionniste le plus impliqué dans la nature morte, mais ses peintures sur ce thème, bien qu’incontestablement parmi les plus belles peintures de fleurs américaines, sont des œuvres sombres et dramatiques, contrastant le plus souvent des roses claires délicates et fragiles avec des vases en métal et en céramique brillants. La production de natures mortes de Weir a fortement chuté à peu près au moment où il est passé à une forme modifiée d’impressionnisme, bien qu’il n’ait pas complètement abandonné le thème, et certaines images de pivoines et de chrysanthèmes – des fleurs douces et aériennes facilement adaptées à la nouvelle esthétique – sont: interprété par Weir de manière différente.

En 1884, Bastien-Lepage mourut, coupant les liens de J. Alden Weir avec ses débuts parisiens, alors qu’il devait écrire la section sur Bastien dans Les Maîtres français modernes de John Van Dyke en 1896. Deux ans plus tard, en 1886, il était impressionné par le spectacle envoyé à New York par Paul Durand-Ruel (1831-1922), et il a trouvé une partie de ses Peintures impressionnistes remarquable, conseillant à son frère John de ne pas rater le spectacle. Dans le même temps, il se tourna de plus en plus vers peinture de paysage pastels et loin des portraits et des natures mortes, il expose de nombreuses toiles lors de l’exposition et de la vente aux enchères à deux qu’il partage avec Twachtman aux Ortgies Galleries en 1889. Il commence à très bien vendre, exposant souvent avec Twachtman, et parfois persuader les collectionneurs d’acquérir une photo de son collègue avec l’une des siennes.

Années 1890: le style de l’impressionnisme

En 1891, Weir développait une affinité pour l’impressionnisme. Il a fait une exposition personnelle aux Blakeslee Galleries à New York, où les critiques ont noté son nouveau pinceau brisé et sa palette plus claire de couleurs pastel. Weir est de plus en plus reconnu en 1893, lorsque l’American Art Association associe ses photographies et celles de Twachtman à celles des impressionnistes français Claude Monet et Paul Besnard. (Voir également: Caractéristiques de la peinture impressionniste 1870-1910.)

Globalement, son art évolue vers un style plus personnel, marqué toutefois par l’enthousiasme croissant de Weir pour l’impressionnisme. Cependant, il est resté plus prudent dans son travail de figure traditionnel que dans le nouvel enthousiasme pour le paysage. La majorité de ses paysages sont des scènes rurales, des terres autour de son domaine du Connecticut: des terres agricoles fertiles et vivables. De 1895 à 1910 environ, Weir produisit ses plus belles peintures dans un style impressionniste modifié, avec des coups de pinceau cassés mais pas agressifs, et un impressionnisme plus tonal que chromatique, mettant l’accent sur une palette limitée de teintes variées – travailler avec son bleu préféré -à-jaune-vert plutôt que d’un spectre complet. Dans un hommage à lui, Edwin Blashfield a écrit que Weir préférait les repaires verts et la solitude; Duncan Phillips, qualifiant Weir de meilleur paysagiste américain depuis George Innes (1825-1894), parla de sa préférence pour la montagne, vue vers midi et pour le milieu de l’été.

Le pont rouge

L’art de Weir était celui d’une douce modernité, et le thème du travail moderne et de l’industrie était harmonieusement intégré dans certaines de ses plus belles peintures de manière unique et réussie. Sa série d’usines de moulin peintes à Willimantic vers 1897 fut un tour de force de beauté et d’harmonie. Les cheminées industrielles et les poteaux téléphoniques coexistent avec la nature verdoyante, les usines modernes et les églises de la Nouvelle-Angleterre, un sujet moderne interprété dans un style moderne que des critiques tels que Royal Cortissoz ont loué pour leur américanisme.

Deux ans auparavant, Weir avait peint son tableau le plus acclamé par la critique: Le pont rouge (1895, Metropolitan Museum of Art, New York). Représentant un pont en treillis qui enjambait la rivière Shetucket près de la ferme Windham de Weir, il contraste le pont avec son environnement environnant en juxtaposant la peinture rouge du pont au vert du bois et au bleu de l’eau et du ciel, ainsi qu’en opposant le structure de fer avec les formes naturelles sinueuses des arbres.

Peinture de la figure

Weir était plus lent à abandonner les tonalités sombres et l’esthétisme Whistlerian dans son peinture de la figure : dans les œuvres qu’il a contribué à la première exposition de The Ten American Painters en 1898, des paysages tels que The Factory Village affichent une approche beaucoup plus légère et colorée que les peintures de personnages plus solides. Mais dans des œuvres telles que The Grey Bodice et The Green Bodice, il commence à interpréter la forme humaine avec davantage de coups de pinceau, bien que les tonalités soient encore beaucoup moins variées et plus neutres que dans son travail non figuratif; L’Orchidée de 1899 est probablement la plus belle de ces peintures. La femme et les fleurs partagent le même sentiment de douceur et de délicatesse. Les critiques ont loué ces images pour leur pureté lyrique. À la toute fin du siècle, il commence à peindre de grands tableaux figuratifs en plein air, comme In the Sun (1899), The Donkey Ride (1899) et Visiting Neighbours (1903), dans lesquels la peinture est appliquée sur une tapisserie. comme de la sorte: longs traits grossiers avec un minimum de chiarascuro et une tendance à la réduction spatiale des formes en un seul plan plat. Le traitement de surface indifférencié permet de réaliser une unité abstraite globale, dans une esthétique originale Peinture post-impressionniste et préfigurant la dernière technique en Amérique d’Ernest Lawson (1873-1939) et de Maurice Prendergast (1858-1924). La technique de base est toutefois impressionniste, avec de longs coups de pinceau visibles et une forte préoccupation avec le plein soleil.

Murales

Weir était l’un des nombreux artistes impliqués dans la décoration murale du Manufactures and Liberty Arts Building lors de l’exposition colombienne de 1893. C’était un événement marquant de l’histoire de l’Américain. peinture murale en raison de l’ampleur de la commande et de la collaboration de nombreux peintres, sculpteurs et architectes, mais les peintures murales elles-mêmes étaient éphémères et, compte tenu du manque d’expérience fresque par de nombreux artistes impliqués, leur manque de succès critique n’est pas surprenant. Certains des peintres impliqués se sont tournés en grande partie vers la peinture murale après la commission de Chicago, mais Weir n’en faisait pas partie. Néanmoins, ses décorations au plafond représentant les déesses de la poterie, de l’ orfèvrerie, de la décoration et de l’ impression ont été parmi les plus favorablement accueillies, louées pour leur simplicité de trait et leur délicate et évanescente coloration pourpre, bleu et vert pâles – encore Intérêts impressionnistes.

Dernière décennie

Vers 1910-11, Weir a peint deux scènes nocturnes inhabituelles du pont Queensboro et de la Plaza à New York, des excursions sur des sujets liés aux nocturnes de Whistler et les peintures urbaines de Hassam et Birge Harrison (1854-1929). En général, cependant, l’inspiration créatrice de Weir et, dans une certaine mesure, son lyrisme poétique ont également commencé à décliner au cours de sa dernière décennie, bien qu’il soit resté un peintre actif, bien que conservateur par la suite. Cependant, il était toujours une figure forte dans le monde de l’art contemporain et a été élu premier président de l’Association des peintres et sculpteurs américains, groupe qui devait former l’Exposition internationale d’art moderne, connue sous le nom de Spectacle d’arsenal de 1913. Il démissionna cependant lorsqu’il fut imputé à la constitution de l’association, opposée à l’Académie nationale du design, dont il était un membre dévoué. En fait, il a exposé à l’Armory Show et n’était pas indifférent à l’idée de peintures modernes de la période, bien qu’il ait été intrigué par Cézanne et offensé par Henri Matisse (1867-1954). En 1915, il devint président de l’Académie nationale et du Metropolitan Museum of Art, tout en continuant à exposer son travail avec The Ten American Artists, dont la dernière exposition a eu lieu en 1918-19. En 1919, une nouvelle révolte contre l’Académie nationale a été lancée par un groupe qui s’appelait la Nouvelle société de peintres, sculpteurs et graveurs américains qui recherchait la participation de Weir. Weir a rejoint ce groupe mais est décédé peu après.

Réputation d’artiste

Les hommages critiques à Weir abondèrent immédiatement après sa mort, bien que de nombreux auteurs semblaient déconcertés par un manque de cohérence, ne sachant pas si son art devait être jugé incompatible ou varié de manière inventive.

De son vivant et immédiatement après, Weir était une figure très admirée, bien que cela fût particulièrement apprécié des critiques eux-mêmes généralement conservateurs: Royal Cortissoz, Frank Jewett Mather et surtout Duncan Phillips. Après les hommages commémoratifs qui ont émergé dans les années qui ont suivi sa mort, cependant, l’art et la réputation de Weir sont tombés dans un semi-oubli dont il n’a commencé à émerger qu’au début des années cinquante. Il est maintenant considéré comme une figure majeure du mouvement des impressionnistes américains, un artiste poétique au charme saisissant, mais pas aussi excitant, coloré et original que ses principaux collègues. Et comme chez nombre de ses contemporains, tels que Dennis Bunker (1861-1890), Robert Vonnoh (1858-1933) et bien d’autres, les œuvres de Weir affichent une dichotomie, non seulement entre les styles antérieurs et ultérieurs, mais aussi entre les tableaux extérieurs et intérieurs. et entre paysage et sujets figuratifs.

Weir est également béni par le traitement biographique le plus perspicace des principaux membres du groupe des impressionnistes, à savoir la biographie de 1960 écrite par Dorothy Weir Young, l’une de ses trois filles, toutes consacrées à la mémoire de leur père et à son art., et qui étaient souvent les modèles pour sa peinture de figure. La force du volume réside dans le détail de la jeunesse et de la formation de l’artiste en France, où le lecteur découvre les suspicions et les malentendus du modernisme typique des artistes américains, opinions qui renforcent considérablement leur attachement et leur foi aux principes des Académies et aux standards du monde contemporain. Salon de Paris, qu’ils abandonneraient à contrecœur, même au moment où ils se convertiraient à l’esthétique opposée de Art moderne plus tard dans leur carrière.

Aujourd’hui, les peintures de Weir sont accrochées dans certains des meilleurs musées d’art en Amérique, y compris le Metropolitan Museum of Art de New York; le Collection Phillips, et le Smithsonian American Art Museum, Washington DC; le Wadsworth Atheneum, Hartford, Connecticut; et le musée d’art de l’université Brigham Young, à Provo, en Utah. La ferme et l’atelier de Weir à Branchville sont préservés en tant que lieu historique national de la ferme Weir.