Thomas Gainsborough:
portraitiste anglais, peintre paysagiste Automatique traduire

Formation et début de vie

Comme les trois autres célèbres peintres paysagistes anglais John Crome (1768-1821), John Constable (1776-1837), et John Sell Cotman (1782-1842), Gainsborough était originaire d’East Anglia et, comme eux, il devait sa première inspiration aux maîtres paysagistes néerlandais.

Né à Sudbury dans le Suffolk, fils d’un drapier et d’un fabricant de linceul, il a très tôt manifesté un amour pour l’art nourri par la beauté des paysages qui l’entouraient. Avant ses quinze ans, ses talents étaient si évidents qu’en 1741, son père l’envoya à Londres et le confia à la garde d’un orfèvre dont le nom est maintenant oublié. Pendant son séjour à Londres, Gainsborough aurait d’abord étudié sous le graveur français Gravelot, puis à la St. Martin’s Lane Academy, puis sous la direction de Francis Hayman (1708-76), peintre de portraits et de tableaux historiques du Devonshire. l’un des membres fondateurs de la Royal Academy. Un peu plus tard, il s’installa à Hatton Garden en tant que peintre de portraits et paysagiste, ainsi que pour le modeleur d’images d’Italie.

Ipswich et Bath

Vraisemblablement, il n’y parvint pas, car en 1745, il retourna dans sa ville natale. La même année, il épouse Margaret Burr, la sœur de l’un des voyageurs de son père, puis se rend peu après à Ipswich, où il reste jusqu’en 1760, peignant des paysages et des portraits de la population locale. À Ipswich, il fit la connaissance de Philip Thicknesse, gouverneur de Landguard Fort, qui le parraina et se lia d’amitié avec lui. En 1760, sur les conseils de Thicknesse, il quitte Ipswich pour chercher un plus grand champ de compétences et installe son studio dans le nouveau Cirque de Bath à Bath. Il connut bientôt la popularité et le succès et, en 1768, il avait acquis une réputation suffisante pour devenir l’un des trente-six membres fondateurs de la Académie royale.

En 1774, il déménage à nouveau et s’installe à Londres à Schomberg House, Pall Mall, où il devient immédiatement le rival le plus sérieux de Reynolds. Accablé par les commandes, il devint le peintre préféré de la famille royale: George III, la Reine Charlotte, le château de Windsor, par exemple. En 1783, une dispute au sujet de la pendaison d’une de ses peintures à la Royal Academy le conduisit à retirer ses œuvres et il ne les exposa plus jamais.

En 1788, il développa un cancer au cou et mourut la même année. Il fut inhumé à sa propre demande à Kew Churchyard, où une pierre très simple marque sa tombe.

Style de carrière et de peinture

La vie professionnelle de Gainsborough se divise naturellement en trois périodes de quatorze ans: de 1746 à 1760 à Ipswich, de 1760 à 1774 à Bath et de 1774 à 1788 à Londres. Chacune de ces trois périodes a ses caractéristiques distinctes, mais la distinction entre la première et la deuxième période est beaucoup plus nette que celle entre la deuxième et la troisième période.

Au début de sa première période, son traitement est étroit et précis, à la fois dans ses portraits et ses paysages, et doit probablement beaucoup à l’exemple de Peintres réalistes hollandais, beaucoup de ses œuvres faisaient partie de collections privées dans des maisons d’East Anglian. Les paysages de Gainsborough sont examinés plus en détail ailleurs, et ici, il suffira de dire que dans ceux-ci, ainsi que dans ses premiers portraits, il fait preuve d’une minutie et d’un soin méticuleux qui sont tout à fait dans l’esprit des Pays-Bas. Mais même à cette époque précoce, avant que ses qualités les plus individuelles se soient développées, il existe une délicatesse et une élégance qui lui sont propres. Certains de ses premiers portraits montrent une certaine ressemblance avec ceux de Francis Hayman, ce qui confirme la tradition de la scolarisation de Gainsborough. Mais Gainsborough était un peintre si naturel et instinctif que l’influence des autres sur lui ne donna jamais lieu à une imitation, et ses réactions à l’art et à la nature étaient également personnelles. Il n’a jamais cherché l’originalité, et n’a certainement jamais été un révolutionnaire conscient, et pourtant, à certains égards, son peinture d’art était plus original que celui de tout autre peintre anglais. Dans une lettre, il s’est décrit une fois comme "un original" en ce sens que l’on peut appeler un homme "un personnage" en raison de certaines caractéristiques personnelles irresponsables qui font de lui un homme à part. Dans le même sens, il était également un original dans sa peinture, qui est imprégnée d’une qualité de personnalité unique et indéfinissable, mais aussi indiscutable que l’écriture ou les traits d’un homme.

Portraits et oeuvres figuratives

Les premiers travaux connus de Gainsborough n’ont ni la liberté de manipulation ni le pouvoir vivant de dessin avec le pinceau qui devint plus tard si caractéristique, mais avant de quitter Ipswich, une transformation commençait à se produire, et la minutie néerlandaise fut remplacée par une touche plus vive mais non moins délicate, qui correspondait plus exactement à ses propres appréhensions de la nature.. Nous avons vu que Reynolds recherchait chez ses sujets une qualité permanente et durable, mais la sensibilité plus aiguë et plus délicate de Gainsborough le rendait particulièrement conscient de tout ce qui est transitoire et impermanent – des lueurs passagères qui ont disparu avant nous ne le savons. La précision prosaïque de la maniabilité néerlandaise ne pourrait jamais rendre ces moments rares et difficiles à appréhender, mais l’instinct de Gainsborough lui donna le moyen de les rattraper à l’aile. Les attraper sur l’aile – mais c’est moins que la vérité, car c’est la vertu de son art de ne jamais nous donner le sentiment de la vie arrêtée, mais de la vie qui passe, s’échappant sans cesse. C’est ce qui donne la tristesse poignante à sa peinture, un pathos insupportable souligné, comme Watteau ’s, avec une gaieté incomparable. Mais ce pathos n’a rien de sentimental. C’est non forcé, et même non intentionnel. Les images que Gainsborough a peintes de ses deux filles enfants, en particulier celle dans laquelle les deux filles poursuivent un papillon (1755, National Gallery London), illustrent cette qualité plus que ses autres premières images. Ils montrent également son extraordinaire sensibilité à la forme et la délicatesse avec laquelle il a pu observer et enregistrer les variations les plus subtiles de la surface et des contours. Ceux-ci et d’autres peintures à l’huile des enfants soulignent à nouveau le contraste avec Reynolds. Comparés à Gainsborough, les enfants de Reynolds sont grossiers et sentimentaux, et il leur impose sa propre conception de l’enfance heureuse. Ils sont souvent plus jolis, mais ils n’ont pas la fragilité et l’inconscience exquises des enfants de Gainsborough.

À la date à laquelle il peignait ces portraits de ses filles, les capacités de dessin au pinceau de Gainsborough étaient déjà très développées, mais une nouvelle liberté de manœuvre s’ensuivit après son déménagement à Bath.

Bath: Influence de Van Dyck: Maturité du style

À Bath, il est tombé sous le charme de van Dyck, dont l’influence, ainsi que celle de Rubens, est le plus important dans la dernière partie de sa carrière. Il est typique pour lui de ne trouver aucune trace d’imitation directe de Van Dyck dans son travail. Son admiration pour lui était sans bornes, et il tomba définitivement amoureux de ses images. Pourtant, cette admiration avait eu pour seul effet de stimuler et de développer les traits naturels de son génie. Une augmentation de la dignité dans la pose, un balayage plus royal dans la disposition des draperies, des compositions plus distinguées sont les signes extérieurs visibles de l’influence de Van Dyck, mais tout ce qui est le plus précieux dans son travail reste inaliénablement le sien. Parmi les œuvres notables de cette époque figurent: Mme Philip Thicknesse (1760), Mme William Henry Portman (1767)

À Bath, son style atteignit son développement le plus élevé, et la fragilité et l’insouciance qui entachent certaines de ses œuvres ultérieures n’étaient pas encore apparues. Son succès à Bath a été presque immédiat, et le stimulus du succès et l’afflux de belles, intelligentes et cultivées personnes ont probablement eu autant d’effet sur le changement de style que l’influence de Van Dyck. Il continua à peindre des paysages ainsi que des portraits, mais sa pratique grandissante de portraitiste lui laissait de moins en moins de temps. Après ses premières années à Bath, il n’avait probablement pas beaucoup d’opportunités pour étudier directement avec la nature.

Les traits caractéristiques de son travail mature sont une perception extraordinairement délicate de la beauté et de l’expression des visages des femmes, une compréhension subtile et non forcée du caractère, un sens de la vie fraîche et palpitante, le tout exprimé avec une liberté et une légèreté du toucher inégalées pigment liquide. Il avait le talent de retrouver une ressemblance qui manquait à Reynolds et de donner à un visage une vie vivante par une expression passagère qui ne devient jamais une grimace figée. Cette faculté d’expression expressive était pleinement reconnue à son époque, mais il a été critiqué pour son apparence de liberté insouciante. On a objecté qu’en examinant de près son travail, il se résolvait en égratignures de peinture sans signification. En réalité, les deux choses sont étroitement interdépendantes et la qualité vivante et respirante de sa peinture est obtenue en partie par la liberté de son toucher qui empêche toute rigidité dans l’apparence.

Reynolds, dans son quatorzième discours prononcé après la mort de Gainsborough, reconnut l’importance du travail de pinceau suggestif et lâche de son grand rival et exprima l’opinion que son don de se faire bien ressembler en dépendait largement: c’est-à-dire en suggérant plutôt déclaration définitive, il en a laissé tant à l’imagination que chacun a pu compléter la suggestion en fonction de sa propre idée de la personne. C’est à peine la vérité, car à la distance à laquelle les peintures sont destinées à être vues, les coups de pinceau se fondent dans l’unité et donnent une impression de complétude. La ressemblance provenait de sa compréhension infaillible de l’essentiel et de son appréciation délicate de la forme. Son toucher lui donnait ce scintillement indescriptible de la vie qui rend son travail si unique. Pour quelques-uns des meilleurs exemples du portrait de Gainsborough en Angleterre, voir le Galerie Nationale des Portraits à Londres.

L’art du paysage de Gainsborough

Le seul peintre à l’huile qui puisse de quelque manière être classé parmi Richard Wilson (1714-1782), Gainsborough est le père de la peinture de paysage anglaise. Son génie du paysage était peut-être égal à celui de Wilson, mais le fait qu’il soit obligé de consacrer la plus grande partie de son temps à la peinture de portrait l’empêcha de développer ses pouvoirs au même degré. Ses premiers travaux dans la manière néerlandaise prudente et élaborée sont atmosphériques et vrais. Le "Cornard Wood" (Galerie nationale) illustre cette phase de son travail. Il est rempli d’études approfondies et approfondies, de même que ses autres premiers paysages. Sur cette base d’étude détaillée, son style postérieur a été construit.

Après avoir déménagé d’Ipswich à Bath, l’influence de Rubens surpassa celle des peintres hollandais et, bien que la sincérité du sentiment subsiste, ses paysages deviennent de plus en plus artificiels. Couleur. Des arbres d’un brun riche et chaud donnent de la valeur aux bleus de son ciel, et les masses de son sujet sont arrangées avec un art plus délibéré. Pourtant, même lorsque influencé par les autres, Gainsborough reste un peintre instinctif. Bien que la manière puisse dériver de Rubens, il reste un sentiment inévitable qui est le sien. Le sujet de ses images est principalement tiré des scènes de jeunesse de l’est de l’Angleterre de l’Est et, dans ses œuvres ultérieures, ces scènes sont investies de l’association de la mémoire.

Gainsborough n’a jamais été attiré par l’école classique du paysage, pas plus qu’il ne l’était par le «grand style» de la peinture figurative. Pourtant, ces images sont idéales en un sens et elles sont vues à travers la brume dorée de souvenirs heureux, ce qui leur confère une tristesse semblable à celle de ses figures. C’était le monde où Gainsborough s’échappait des jarres quotidiennes et des irritations de sa vie de portraitiste. Il était plein d’une vie rustique innocente qui le différenciait nettement du monde de Richard Wilson. Wilson introduit parfois des figures dans ses paysages, mais ce ne sont en réalité que des taches de lumière ou d’obscurité, dont la fonction n’est que du design, mais à Gainsborough, les figures sont les vecteurs du sentiment et concentrent en elles-mêmes les vagues aspirations qui imprègnent ses peintures.

Dans son approche simple et innocente, Gainsborough était le précurseur de John Constable. Il a le même amour des grandes masses d’arbres et le même amour des cieux et des nuages ​​en mouvement. Si les chemins de sa vie avaient été différents, il aurait peut-être pu devancer les innovations de l’art de Constable, mais il a été laissé à Constable et aux tragiques expériences de courte durée. Richard Parkes Bonington (1802-28) pour traduire cet amour intime de la nature chaleureuse en des termes qui ont révolutionné l’art de l’Europe.

Gainsborough a travaillé dans aquarelles ainsi que les huiles, et ses croquis dans ce médium ont une délicieuse touche, de la spontanéité et de la largeur, mais ils ont aussi un élément de convention. Ils appartiennent à la tradition ancestrale de l’aquarelle et sont des croquis d’arrangement et de nuances préparant à la peinture à l’huile plutôt que des œuvres d’art finies en elles-mêmes. Mais cela n’enlève rien à leur charme, et à côté du charbon de bois de Gainsborough, craie, dessins à l’aquarelle et sol tendre eaux-fortes, les dessins des premiers dessinateurs topographiques semblent très timides et timides.

La vie plus tard

Plus tard, Gainsborough commença à peindre des thèmes idéalisés de la vie rurale, tels que "The Cottage Door" (1780), ainsi que des images d’enfants mendiants, de gitans et d’enfants travailleurs ruraux – tristes et en lambeaux, mais toujours bien nourris. Parfois, ses images devenaient fragiles et sans forme. En tout état de cause, le métier de portraitiste professionnel le contrariait. Il avait peu de patience avec des modèles ennuyeux et ennuyeux, et il était un peintre trop naturel et instinctif pour que cela ne se voit pas dans son travail. À l’occasion, il a peint de mauvais tableaux, et son génie n’est pas honoré que de les qualifier de chefs-d’œuvre. Thomas Gainsborough était, à son meilleur, un très grand artiste et ses images ont des qualités que l’on peut chercher en vain ailleurs. La qualité de son travail était inimitable et, sauf dans le paysage, il n’exerça que peu d’influence sur l’école anglaise. Du début à la fin, il a peint selon ses propres sensibilités exquises et sans autre moyen.

Son portrait est représenté dans le Tate et la National Gallery de Londres, et dans le meilleurs musées d’art dans le monde entier, comme le Frick Collection NY.