Jean-Baptiste-Camille Corot, peintre paysagiste français Automatique traduire
Jean-Baptiste-Camille Corot était l’un des grands représentants du français du 19ème siècle peinture de paysage . Bien qu’il ait réalisé de nombreux portraits, peintures de personnages et gravures à la gravure – aspects de son art très négligés -, il est surtout connu pour la clarté lumineuse de son travail. peinture en plein air . Une influence énorme sur ses contemporains ainsi que sur les artistes de la suite, y compris le grand peintre suisse Ferdinand Hodler (1853-1918), le style poétique de Corot inchangé naturalisme combler le fossé entre la tradition arcadienne romantique Art néoclassique et la pureté en plein air de Impressionnisme français . Il reste l’un des plus populaires et des plus populaires au monde. peintres célèbres .
Une journée dans la vie de Jean-Baptiste-Camille Corot
Il est trois heures du matin. Le soleil n’est pas encore levé. Le peintre est assis sous un arbre. Il est petit, trapu, alerte, avec un visage sillonné, un éclat d’humour dans les yeux, une lèvre inférieure saillante, des poignets et des muscles en acier et le cœur d’un enfant. Il regarde le drap gris de l’aube et chante. Simple, indifférent, joyeux à l’idée même d’être en vie, il chante comme les oiseaux du jour à venir.
Il chante et il attend. Dans la brume grise, les contours vagues des choses sont à peine visibles. Il y a un léger parfum dans l’air. Les petites herbes minces tremblent dans la brise. Et puis, les premiers rayons du soleil! Les fleurs se réveillent, chacune avec sa goutte de rosée tremblante. Les oiseaux, toujours invisibles dans la cathédrale de la forêt, entrent dans l’hymne matinal. Le brouillard se lève, comme le rideau d’un nouveau jeu, révélant la lame de la rivière d’argent, les arbres, les cottages et le ciel légèrement teinté. La scène est maintenant étendue devant les yeux du peintre.
Et maintenant le soleil est levé. Les cieux sont en flammes. Mais la lumière sur la terre est encore pâle et caressante. Au bout du champ, un paysan avec sa charrette et ses bœufs. Le tintement de la cloche de mouton. Un voyageur sur un cheval grimpant se lève au-dessus du front de la colline puis disparaît dans le creux. Bouleaux blancs, herbe verte, bleu air-frais, délicat, vivant. Et l’artiste, toujours en train de chanter, peint tout.
Il est midi. Le soleil a allumé le monde. L’air est lourd, somnolent, encore. Les fleurs penchent la tête. Les oiseaux se taisent. Un seul son est entendu: le marteau du forgeron du village. Ding! Ding! Comme il bat rythmiquement l’enclume! Et maintenant le marteau est silencieux. L’heure de repos. Le peintre va déjeuner à la ferme. Une épaisse tranche de pain et beurre, fromage, œufs, jambon. Ah, mais c’est bon! Et puis, après ce déjeuner sain, une brève sieste. Il rêve de ses peintures. Plus tard, il peindra ses rêves.
Le soleil se dirige vers l’horizon. L’air vibre, comme brisé par le battement lointain d’un tam-tam. Travailler encore! Le même paysage dans une humeur différente, vu sous un jour différent. Quel changement de traits, de contours, de nuances, d’harmonies – de pensées. Car, sous le pinceau de ce magicien, le paysage parle et pense.
Et maintenant, le soleil se couche à l’ouest. Il descend dans une éclaboussure de jaune, orange, écarlate, cerise, violet. Un affichage prétentieux et vulgaire. Pas une scène pour cet artiste. Car il préfère la nature dans ses humeurs plus calmes. Et alors il s’assied sous un peuplier et attend.
Le dernier rayon du soleil est maintenant plongeant au-delà de l’horizon. Une traînée d’or et de pourpre frangeant le nuage. Ah, c’est plus comme ça! Crépuscule, tendresse, paix. Le soleil est parti. Le ciel est voilé d’une vapeur teintée de jaune pâle, dernier reflet du soleil. Et maintenant, alors que la réverbération se confond avec la nuit, le ciel est une texture délicate de verts et de turquoises et de gris et de bruns. Les eaux de la rivière reflètent les tons doux du ciel. Tout est vague, confus – le moment essoufflé où le visible se fond dans l’invisible. La nature est assoupie. Coucher de soleil, calme, nuit. Une étoile plonge du ciel dans l’étang. Et l’eau reflète la lumière dans une ondulation de sourires argentés. Tout est noir sauf les étoiles et l’étang – un essaim d’abeilles d’or se reflétant dans l’eau. Nuit, illusion, rêves. Plans pour le lendemain. Nouveaux paysages, nouveaux Couleur teintes, nouveaux secrets de la nature à capturer et à interpréter sur la toile. Mais pour aujourd’hui, le travail est terminé.
Telle est la journée type de Corot, le poète peintre qui a réussi à représenter non seulement la forme mais la psychologie de la Nature. Comme Bonsels, Corot a investi chaque arbre, chaque fleur, chaque brin d’herbe d’une personnalité et d’une âme vivantes.
Premiers jours
La vie même de Corot était un doux poème de générosité et de génie. Pourtant, sa vie a commencé dans une période orageuse de l’histoire du monde. En 1796, année de sa naissance, il s’agit de la période de transition entre la tempête de la Révolution française et l’holocauste tumultueux des guerres napoléoniennes. Il a grandi dans une génération de sang et de tonnerre, d’ambition et d’intolérance, de haine, de malhonnêteté et de vengeance. Mais son caractère est resté intact avec les stupidités sauvages de son âge. En effet, il a eu de la chance dans l’environnement sain et amical de son domicile. Son père était un perruquier et sa mère couturière – des artistes à la mode et des gens d’une âme splendide. Ils ont adoré leur enfant et, bien qu’ils aient désapprouvé son "bricolage au pinceau", ils étaient tolérants et lui permettaient de suivre son chemin. Peu de temps avant la naissance de Corot, son père avait abandonné son activité de perruquier et était devenu directeur de l’établissement de couture de son épouse, rue du Bac, l’un des quartiers les plus en vogue de Paris. L’entreprise prospère et le père espère que son fils deviendra également un homme d’affaires. Il l’envoya à l’école et au collège, puis il lui trouva un emploi de vendeur de draperies. Corot a collé à son travail pendant six ans et l’a ensuite abandonné pour sa peinture. Son père fit une dernière tentative pour transformer le jeune artiste en marchand. Il proposa de l’installer dans une entreprise à part entière avec un capital de cent mille francs (environ vingt mille dollars). Corot a refusé cette offre pratique. Il voulait peindre. Sa mère a essayé de le ramener à la raison. "Mon Dieu, Camille", s’écria-t-elle, "qui aurait pensé qu’un de mes fils se révélerait si vulgaire!" Mais Corot persistait toujours dans son envie de peindre. Après quoi, les parents l’ont mis dans une "folle aventure" avec un haussement d’épaules bienveillant et un généreux revenu de douze cents francs par an.
Au cours de ces premières années (1820), la peinture de paysage était divisée en deux écoles ou styles: l’ école néoclassique à l’ italienne de l’Europe du Sud qui promouvait des vues imaginaires idéalisées souvent peuplées de figures mythologiques ou bibliques; et une école plus réaliste dérivée de la Réaliste hollandais tradition – plus populaire en Angleterre et en Europe du Nord – qui est restée fidèle à la vraie nature plutôt que la version idyllique. Dans les deux cas, les artistes commençaient généralement par quelques croquis extérieurs et études préliminaires, qui étaient ensuite terminés en studio. le Ecole anglaise de peinture de paysage – dirigé par John Constable et JMW Turner – était particulièrement influent dans sa préférence pour le réalisme sur le néoclassicisme.
Corot étudia brièvement (1821-1822) auprès du peintre et enseignant Achille-Etna Michallon (1796-1822) ainsi que de Jean-Victor Bertin (1767-1842), tous deux élèves de Pierre-Henri de Valenciennes (1750-1819).) un passionné de Nicolas Poussin , et Claude Lorrain et la tradition classique. Travaillant en plein air dans les forêts de Fontainebleau et dans des villages tels que Ville-d’Avray, à l’ouest de la capitale française, ainsi que dans son atelier, Corot a rapidement absorbé ce style classique dessin , dessinant et composant, mais a ajouté sa propre poésie et naturel non affecté à sa peinture. Mais cette poésie était empreinte de réalisme – ses cahiers révèlent de nombreuses études sur les arbres, les rochers et les formes de plantes, démontrant ainsi son intérêt pour la réalité de la campagne.
Un étudiant de la nature
Au cours de la période de formation de son art, il s’est rendu deux fois en Italie pour étudier les techniques utilisées dans Art de la Renaissance (c.1400-1530), mais – malgré son respect pour Léonard de Vinci – s’est trouvé beaucoup plus absorbé par les Jardins Farnèse , la campagne italienne et la beauté du ciel italien. Son premier séjour en Italie (1825-1828) a été une expérience très productive au cours de laquelle il a appris à utiliser l’ombre et la lumière pour représenter le volume et la solidité requis des bâtiments. peintures à l’huile Dans le processus. Mais comme il l’a fait tout au long de sa vie, il n’a reconnu d’autre enseignant que la nature. Il n’a jamais copié. Il a toujours peint en direct de la vie. "Ne suivez pas les autres", dit-il. "Celui qui suit est toujours en retard… Vous devez interpréter la Nature en toute simplicité et selon votre sentiment personnel, tout en vous détachant de ce que vous savez des vieux maîtres ou des contemporains. Ce n’est qu’ainsi que vous ferez un travail de réel sentiment "
Soumissions au salon parisien
À la fin des années 1820 et au début des années 1830, Corot s’est concentré sur la production de grands paysages à soumettre au Salon de Paris , qui préfère encore peinture réaliste dans un style académique classique. Il a commencé par retravailler et élargir ses croquis à l’huile italienne pour y incorporer des éléments néoclassiques, comme dans sa première soumission, View at Narni (1827). Ceci est dérivé d’un rapide dessin à l’huile naturelle d’un aqueduc romain en ruine, sous un soleil poussiéreux, qu’il a retravaillé dans un cadre pastoral idyllique. Bien que le Salon ait accepté cet ouvrage et d’autres soumissions de sa part en 1831 et 1833 (un portrait et plusieurs paysages), l’accueil réservé à ses travaux par la critique a été généralement cool. Corot s’est donc rendu deux fois de plus en Italie pour développer son style. Le résultat fut son tableau biblique, Hagar dans le désert (1835), représentant Hagar et l’enfant Ismaël sauvés par un ange de la déshydratation dans le désert. Bien que dérivé d’une autre de ses études italiennes, l’audace de sa composition et de sa méthode picturale a impressionné les critiques.
Fournit un soutien financier à d’autres peintres
Malgré ces hauts et ces bas, Corot a continué à sa manière, n’écoutant personne et se liant d’amitié avec tous. Son père avait augmenté ses revenus à deux mille francs. Mais Corot a tout dépensé – pour les autres. Il était le frère extravagant de tous les jeunes artistes nécessiteux de Paris. Il les a nourris, vêtus et même plus tard, a acheté une maison pour l’un d’eux. Pour rencontrer ces œuvres de bienfaisance – il ne les a jamais appelées oeuvres de bienfaisance, mais le gage de ses amitiés – il était obligé d’emprunter à son père d’importantes sommes d’argent en plus de son allocation. "Un jour, dit-il, je vendrai mes peintures et je te rembourserai." Mais son père a simplement ouvert les cordons de sa bourse et a souri. Qui a jamais entendu parler d’un artiste capable de payer de l’argent à un homme d’affaires? De quel bien étaient les artistes, de toute façon? Jusqu’à la fin de ses jours, il était convaincu que Camille resterait un enfant stupide, peu pratique et imprévoyant.
Non pratique et imprévoyant, oui – dans une certaine mesure. Mais idiot? Pas Corot. Il était sage avec la sagesse d’un grand coeur. Frugal au point de s’abstenir, Corot pourrait être "gay sur un pain", pour citer son biographe, Everard Meynell. Car son pain était assaisonné du piment de joie à la pensée qu’un autre pauvre démon d’artiste était en train de savourer un copieux repas à ses dépens. Son plus grand plaisir était de prêter sans espoir de remboursement.
Amis artistes et contemporains
Les images de Corot étaient super parce qu’elles sont sorties de la bonté de son coeur. Et petit à petit, le public a compris la grandeur de ses images et la bonté de son cœur. Ils ont commencé à acheter ses toiles et il a donné ses gains à ses amis. Et quels amis! Il y avait Charles-François Daubigny (1817-1878), l’un des tout premiers représentants de la peinture en plein air, qui l’a peint, joué et plaisanté tout au long de sa vie et qui, sur son lit de mort, a murmuré: "Adieu. Je vais au paradis pour voir si l’ami Corot m’a trouvé des sujets de paysages." Il y avait Henri Rousseau , Le Douanier, (1844-1910) de la tête massive et de la lourde barbe, l’artiste dont le visage joyeux porte encore les traces d’une faim précoce – une faim à laquelle la générosité de Corot avait contribué à mettre fin. Il y avait Diaz – Narcisse Virgile Diaz de la Pella (1807-1876) – dont les peintures richement colorées correspondaient à la richesse colorée de son nom, l’homme à la jambe estropiée et au cœur énergique, un Espagnol qui ressemblait à un pirate et était peint dieu, John Silver aux cheveux noirs qui avait mendié dans les rues, qui profitait maintenant de la coupe du succès jusqu’au bout et qui, un jour tragique, allait mourir de morsure de serpent. Il y avait Baudelaire, l’apôtre du romantisme dont le génie frôlait la folie – ou, comme le voudraient certains de ses critiques les plus malins -, dont la démence frisait le génie. Et puis il y avait Gustave Courbet , dont la vanité était encore plus grande que son génie.
Renommée et reconnaissance
Au cours des années 1840, Corot s’efforce de vaincre ses critiques et de masquer sa déception lorsque ses œuvres sont rejetées par le Salon . En 1845, Baudelaire déclara alors que Corot était le plus important membre de "l’école moderne de la peinture de paysages". En 1846, le gouvernement français lui décerne la croix de la légion d’honneur . "Incroyable!" s’exclama son père quand il entendit parler de cela. Corot lui-même est resté aussi indifférent à cette reconnaissance qu’à ses échecs antérieurs. Cela lui permettait simplement de vendre ses peintures à volonté et de remplir sa bourse au profit de ses amis. En 1848, il reçut une médaille de deuxième classe au Salon , mais de plus en plus de ses contemporains, notamment Eugene Delacroix (1798-1863), a commencé à reconnaître son statut artistique. En 1848, Corot fut élu membre du Salon et la reconnaissance publique fut rapidement suivie, augmentant considérablement sa valeur financière.
De temps en temps, il a exigé d’assez bons prix de la part des clients et art acheteurs: mille francs, trois mille francs, dix mille francs. Mais il évaluait généralement ses images en fonction de ses besoins du moment et non en fonction de leur mérite intrinsèque. Dans l’ensemble, il a plutôt sous-estimé sa valeur. Il aurait été un peu surpris d’avoir pu prévoir, lorsqu’il vendrait son lac de Garde huit cents francs, qu’au bout de trente ans, ce tableau coûterait deux cent trente et un mille francs!
Dernières années
Tout au long de la tempête de la guerre franco-prussienne, il resta calme, s’occupant de ses propres affaires: créer de la beauté, se lier d’amitié et se lier d’amitié. À la fin, il a continué à soutenir ses collègues peintres, intervenant souvent pour leur assurer des commandes. En 1871, il fait don de 10 000 dollars aux pauvres de Paris, bloqués par l’armée prussienne. Il a donné 10.000 francs à la veuve du grand Jean-François Millet (1814-1875), l’ancien chef de la École de peinture de paysage de Barbizon et a acheté un chalet pour le caricaturiste, peintre et sculpteur pauvre et presque aveugle Honoré Daumier . Même les habituels caustiques Edgar Degas appelé Corot "un ange qui fume une pipe."
Corot lui-même a refusé de vieillir. Comme il l’a dit, il espérait atteindre l’âge de cent quatre ans. Il avait un appétit insatiable pour le travail. À l’âge de 77 ans, il montait encore les quatre volées d’escaliers menant à son atelier d’art situé rue Paradis Poissonière . En hiver de l’année suivante, un de ses amis les plus chers, D’Aligny, décéda. Il y a eu une tempête de neige lors des funérailles au cimetière de Montparnasse. Mais le vieux peintre, la neige fouettée dans ses cheveux blancs, a refusé de partir avant la fin de la cérémonie.
Enfin, sa santé commença à se dégrader. Il se rend néanmoins régulièrement dans son atelier – non pas pour peindre mais pour figurer parmi ses tableaux préférés. "Si seulement j’avais la force maintenant!" il a dit à son ami Robaut. "Tu n’as aucune idée de ce que je pourrais peindre… Je vois ce que je n’ai jamais vu auparavant. De nouvelles teintes, de nouveaux cieux, de nouveaux horizons… Ah, si je pouvais te montrer ces immenses horizons!" Trois semaines plus tard, le 22 février 1875, il passa à ces nouveaux horizons. "Je continue d’espérer, dit-il juste avant de mourir, qu’il y aura de la peinture au paradis." Il a été enterré au cimetière du Père Lachaise à Paris.
Réputation
Le créateur de plusieurs peintures de paysages célèbres La popularité durable de Corot en tant qu’artiste paysagiste témoigne de sa capacité créative unique à représenter la nature dans toute sa beauté. Un contributeur important à la modernité Peinture française , merveilleux observateur de la lumière et des nuages et l’un des plus grands maîtres de l’esquisse à l’huile en plein air, il a également produit peintures de figures et des portraits (par exemple, le chef-d’œuvre Femme avec une perle , 1869). Il a exercé une forte influence sur l’art paysager du milieu du XIXe siècle, notamment Paysages impressionnistes , et sur les peintres, y compris Camille Pissarro (1830-1903, Alfred Sisley (1839-99), Eugène Boudin (1824-98), et Berthe Morisot (1841-1895). Laissez le dernier mot aller à Claude Monet (1840-1926), qui a déclaré un jour: "Il n’y a qu’un seul maître ici – Corot. Nous ne sommes rien en comparaison de lui, rien."
Les œuvres de Corot sont exposées dans de nombreux pays meilleurs musées d’art .
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