Victor Vasarely:
artiste peintre, artiste cinétique Automatique traduire

Biographie

Né en Hongrie, le peintre abstrait, sculpteur et graphiste français Victor Vasarely, a été le pionnier du Mouvement Op-Art. Après des études à l’Académie de peinture Poldini-Volkman et à la Muhely School à Budapest, il s’installe à Paris en 1930. Pendant les dix premières années de sa carrière artistique, il travaille comme artiste commercial. art de l’affiche et illusion d’optique. En 1943, il se tourna vers La peinture et a eu sa première exposition personnelle en 1944. À la fin des années 1940, il développa la forme géométrique rigide art abstrait, pour lequel il est célèbre. Ses images sont conçues pour donner des effets optiques assez puissants et des illusions, qui peuvent parfois être activées en se déplaçant autour du tableau. Vasarely a également expérimenté l’art cinétique et tapisserie. Influencé par de nombreux artistes dont le Hongrois Sandor Bortnyik (1893-1976), le Russe Wassily Kandinsky (1866-1944) et le peintre français Auguste Herbin (1921-1960), le travail de Vasarely est novateur, mais limité, et il est surpassé à certains égards par son jeune artiste contemporain. Bridget Riley (b.1931). Malgré tout, il reste l’un des meilleurs artistes modernes de l’école hongroise.

Première vie à Budapest

Vasarely est né à Pecs, en Hongrie, en 1906. En 1925, il fut accepté à l’Académie de peinture Poldini-Volkman, qui enseignait la art académique. Auparavant, il avait étudié la médecine pendant quelques années et avait toujours été attiré par les sciences tout au long de sa vie. En effet, il a ensuite appliqué la méthodologie scientifique et l’objectivité à ses dessins et à ses peintures. En tant qu’étudiant, il passa une grande partie de son temps dans les cafés situés le long du Danube, discutant art d’avant-garde. C’est là qu’il a entendu parler pour la première fois de la Muhely Academy, considérée comme le Bauhaus de Budapest. Il s’inscrit à l’école en 1929, à l’époque dirigée par Sandor Bortnyik (1893-1976, alias Alexander Bortnyik), graveur, peintre et concepteur d’affiches local. Bortnyik était un membre éminent de l’avant-garde hongroise et s’intéressait à l’utilisation abstraite de la couleur pour le symbolisme et la forme. Il a également expérimenté Constructivisme et abstraction géométrique. À l’académie, Vasarely a été initiée aux œuvres d’optique couleur de Josef Albers (1888-1976) et Johannes Itten (1888-1967), ainsi que des artistes russes Kasimir Malevich et Kandinsky. Le Muhely a été couru dans le même sens que le École de design Bauhaus en Allemagne, et Vasarely a été distingué comme un élève exceptionnel. Dans son peinture à l’huile à partir de 1929, il y a plusieurs études de couleurs réfléchies avec des formes cubiques géométriques. En 1930, à la suite de sa première exposition personnelle à la galerie Kovacs Akos de Budapest, Vasarely quitte la ville et s’installe à Paris – toujours à cette époque le centre incontesté de l’art mondial.

Paris: Design graphique

Pendant la décennie suivante, Vasarely travailla comme artiste publicitaire, spécialisé dans art graphique et la typographie. (Voir également: Histoire de l’art de l’affiche.) Il travailla la nuit sur ses propres peintures, espérant un jour gagner sa vie comme artiste. Son intérêt pour la conception graphique et typographique était peut-être une conséquence du sujet qu’il a étudié à Muhely, qui se concentrait plus sur le graphisme que sur beaux arts. En tout état de cause, l’utilisation du design linéaire et de l’espace pour créer des effets optiques est devenue une de ses passions. Il a travaillé avec des effets 3D, superposant des couches de cellophane à motifs pour donner l’illusion de profondeur. Bien que l’essentiel de son travail dans les années 1930 soit essentiellement figuratif, il contient les germes de l’art cinétique, qui apparaîtront dans ses œuvres ultérieures. Le jeu d’ échecs (1935) est un bon exemple de sa peinture de cette époque. Parmi les autres travaux importants, citons Harlequin, où il déforme une grille pour donner vie à la figure animale émergente. Il a également créé des tigres et des zèbres, démontrant que des lignes ordinaires pouvaient créer des effets dramatiques et dynamiques.

Peinture abstraite

En 1944, Vasarely a organisé sa première grande exposition personnelle à la galerie Denise Rene à Paris. Il affiche principalement des graphismes et des dessins, et le spectacle est un tel succès qu’il le convainc de devenir un artiste à temps plein. Au même moment, il est entré en contact avec les œuvres de Piet Mondrian (1872-1944), un contributeur important à la De Stijl mouvement art & design et fondateur de Néo-plasticisme. Vasarely était également impressionné par Auguste Herbin (cofondateur du Salon des Surindépendants et par l’association d’artistes Abstraction-Création), dont la phase géométrique radicale mettait en cause le statut de la peinture sur chevalet. Le travail de Herbin avait été accueilli avec une telle incompréhension par même ses critiques favorables, qu’il revint brièvement à un style de représentation en 1922. En 1945, Vasarely était pleinement engagé dans l’abstraction. En 1945 et 1946, il expose au Salon de Surindependants, puis à nouveau en 1948 à la Denise Rene Gallery. Il devint peu à peu accepté comme peintre mais, malgré ses expériences avec plusieurs mouvements d’art moderne comme le cubisme, le futurisme, le symbolisme, le surréalisme et l’expressionnisme, il n’avait pas encore découvert son style.

Art optique

Entre 1947 et 1951, Vasarely finit par accomplir sa quête et trouva le style d’abstraction géométrique pour lequel il est le plus connu. Il a commencé à peindre principalement en noir et blanc, dans un langage que nous appelons maintenant Op Art (Optical Art). Dans ses premières peintures de ce type, le spectateur est confronté à des données contradictoires de diagonales, de cercles et de carrés. Les peintures semblent se dilater, se contracter, se dilater et vibrer. Cela a conduit à des expériences avec Art cinétique – une forme d’art qui s’appuie sur le mouvement pour son effet. Ondho en est un exemple (1956, Museum of Modern Art, New York). En sculpture, l’art cinétique incorpore le mouvement principalement par le biais de moteurs, d’électricité, de vapeur ou d’horlogerie, comme on peut le voir dans les œuvres de Naum Gabo (1890-1977), Marcel Duchamp (1887-1968) et Jean Tinguely (1925-1991). Parmi les autres artistes ayant expérimenté l’art cinétique, citons Bridget Riley (1931), Nadir Afonso (1920) et Getulio Alviani (1939). En 1955, la galerie Denise Rene présente une exposition pionnière sur l’art cinétique intitulée Le Movement, à laquelle Vasarely participe. La même année, Vasarely publie son Manifeste jaune sur le cinétisme, pour lequel il reçoit la médaille d’or à la Triennale de Milan.

Peintures Op-Art

Entre 1960 et 1965, Vasarely a produit une série de peintures appelée l’ Alphabet du plastique. Ce type de art non objectif était basé sur un système de grille et marquait la réintroduction de Couleur dans son travail. Chaque travail était basé sur 15 formes de racine, dérivées du carré, du cercle et du triangle. Ces formes ont ensuite été développées à l’aide d’échelles de couleurs. Chaque unité de la grille a un premier plan et un arrière-plan. En 1965, une grande exposition intitulée The Responsive Eye a eu lieu à la Musée d’Art Moderne, New York, qui comprenait des œuvres de Frank Stella (b.1936), Ellsworth Kelly (né en 1923), Alexander Liberman (1912-99), Richard Anuszkiewicz (né en 1930), Bridget Riley et Vasarely. L’exposition portait sur l’illusion du mouvement et l’interaction de la couleur. Le public a adoré, mais les critiques ont rejeté l’op Art comme simplement rien de plus que trompe l’oeil . À la suite de l’exposition, Vasarely fut immédiatement surnommé le «père de l’art op». Le mouvement a fait son chemin dans le monde commercial, à travers la publicité, l’impression, les matériaux, la mode et le design de meubles. En 1969, il produit sa série populaire Vega en utilisant des grilles sphériques et polychromatiques. La surface semble être déformée, comme si quelque chose essayait de reculer ou de sortir de la toile. Les autres séries importantes comprennent ses peintures de Vonal et de Gestalt.

Prix ​​et Collections

Reconnu comme l’un des plus intéressants Peintres du 20ème siècle, Vasarely a reçu plusieurs récompenses et commandes importantes, notamment le prix Guggenheim (1964) et le chevalier français (1970). Il a également travaillé sur la conception d’espaces extérieurs, créant ainsi le logo officiel en forme de spirale des 20es Jeux olympiques tenus à Munich en 1972. Il est décédé en 1997. Des œuvres de Vicor Vasarely sont exposées dans le monde entier. meilleurs musées d’art, y compris le Museum of Modern Art de New York; La Tate, Londres; le Museo de Belles Artes, Bilbao; et le musée d’art moderne au Centre Pompidou, Paris.

Héritage

Son importance en tant qu’artiste découle de son expérience pionnière des effets optiques du style géométrique. art concret, qui a ouvert la voie à des mouvements tels que Op-Art, Art cinétique et autres styles associés de art contemporain tel que Minimalisme. À l’avenir, les travaux de Vasarely seront probablement approfondis par art informatique et d’autres formes de création d’images numériques.