La dentellière, Jan Vermeer:
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La dentellière
Par Jan Vermeer.
Considéré comme l’un des
Les plus belles peintures de tous les temps.

La description

Artiste : Jan Vermeer (1632-75)
Moyen : Peinture à l’huile
Type : Peinture de genre réaliste néerlandaise
Mouvement : Peinture hollandaise du 17ème siècle
Lieu : musée du Louvre, Paris.

Pour plus de chefs-d’œuvre, voir: Tableaux célèbres analysés .

Éducation artistique
Apprécier les peintures de
Artistes réalistes hollandais comme
Vermeer, Pieter de Hooch
et Carel Fabritius, voir
nos essais pédagogiques:
Évaluation de l’art
et aussi:
Comment apprécier les peintures.

La dentellière est la plus petite peinture de genre produit par l’artiste néerlandais Johannes (Jan) Vermeer. Achevé quelque temps après 1670, au cours des dernières années de l’artiste, il mesure environ 9 pouces sur 8 pouces et réside dans la Musée du Louvre, Paris. Malgré sa petite taille, il est considéré comme l’un des plus grandes peintures de genre créé au cours de l’âge d’or de Réalisme hollandais (1600-80). Il représente une jeune fille vêtue d’une veste jaune avec un col blanc, la tête baissée, en train de coudre les fils d’une robe. Une composition intime, relativement peu profonde, dont le sujet est placé contre un mur blanc pour minimiser les distractions, sa Couleur Schéma est conçu pour attirer le spectateur dans la toile, un engagement encore encouragé (avec l’aide d’une camera obscura) par le premier plan flou de l’œuvre. La restitution des détails de marque de Vermeer, ainsi que son traitement exquis de la lumière afin d’améliorer le contour tridimensionnel du visage et des mains de la jeune fille, nous fournissent une autre classe de peinture d’art.

Comparaison avec les autres œuvres de Vermeer

Pour commencer, comme pour ses toiles sur des sujets spécifiques tels que The Astronomer (1668, Collection Rothschild, Paris) et The Geographer (1669, Stadelsches Kunstinstitut, Frankfurt), Vermeer a évidemment déployé des efforts considérables pour se familiariser avec le sujet de son travail. – dans ce cas, le métier de dentellière.

Bien que la tapisserie sur la table soit la même que celle trouvée dans The Astronomer (1668), la manipulation de la surface à peindre et l’intensité de la concentration de la femme sont plus étroitement liées aux qualités qui apparaissent dans Woman Writing a Letter, with Her Femme de ménage (c.1672, Collection Alfred Beit). Des éléments stylistiques parallèles sont également présents dans une autre image tardive, The Guitar Player (c.1672, Kenwood House, London): à savoir le rendu des plans de la figure, le coiffeur élaboré et le fait que la lumière pénètre dans l’image de droite. côté. Vermeer ne compte que quatre œuvres dans lesquelles la lumière entre de cette direction; les deux autres sont les minuscules panneaux de portrait Fille au chapeau rouge (c.1666) et Fille à la flûte (1666-1667) à la National Gallery of Art, Washington DC.

Autres éléments

Lorsque l’on compare cette image à d’autres œuvres tardives, il semble évident que le petit format et la vue rapprochée de la figure conviennent mieux à la vision picturale tardive de Vermeer. Cela est peut-être dû au fait que Vermeer lui-même a dû travailler à son propre métier avec une intensité égale à celle qu’il a capturée ici. À cet égard, il convient de noter que plusieurs écrivains néerlandais du XVIIe siècle ont comparé l’aiguille d’une femme à un pinceau de peintre. Quoi qu’il en soit, les fils richement colorés qui sortent de la boîte à couture en forme d’oreiller et sont peints avec une peinture épaisse mais fluide, semblent confirmer cette comparaison.

L’une des techniques de composition les plus intéressantes de Vermeer est l’utilisation de contrastes visuels pour souligner une caractéristique particulière. La coiffure de la fille, par exemple (chignon serré et boucle fluide), exprime deux traits contradictoires de son personnage: une précision limitée et une ouverture créative. Un autre contraste évident est celui qui existe entre les fils étroitement tirés qu’elle tient dans sa main et les fils rouge et blanc qui coulent librement au premier plan.

Encore plus efficace est la focalisation structurée sur les doigts de la fille – les instruments de sa créativité. Signés par son regard baissé, et renforcés par de larges accents de lumière naturelle, ils constituent le centre actif de la peinture.

Comme plusieurs autres sujets peints par Vermeer, son expression reste assez impénétrable au fil de son travail. Pour d’autres figures ressemblant à des sphinx, voir: La laitière (1658, Rijksmuseum, Amsterdam), Femme tenant une balance (environ 1862, National Gallery, Washington DC), et Femme avec un collier de perles (c.1662), Gemaldegalerie SMPK, Berlin).

Message et signification

La filature, le tissage et les travaux d’aiguille de toutes sortes sont, depuis les jours bibliques, considérés comme des activités associées à la vertu féminine. Le livre des Proverbes (31: 10-13), par exemple, dans une section qui contient les lignes "Qui peut trouver une femme vertueuse? Son prix est bien supérieur au rubis", poursuit-il: "Elle cherche la laine, et lin, et travaille volontiers avec ses mains. " Dans l’Odyssée, pour citer un exemple classique, Pénélope met ses prétendants anxieux à l’écart, en attendant le retour d’Ulysse, en se tissant le jour et en défaisant son travail la nuit. Vermeer lui-même, dans The Love Letter (c.1667, Rijksmuseum, Amsterdam), décrit sa femme comme l’ayant abandonnée pour coudre au profit d’un luth. Ainsi, cette activité vertueuse est souvent décrite en contraste direct avec d’autres tentations plus frivoles. La concentration intense de la jeune fille, renforcée par sa pose confinée, ainsi que par l’utilisation d’un jaune dynamique, montre clairement que la vertu et l’industrie sont ce que recommande Vermeer. (Pour un travail de promotion de la chasteté, voir une fille avec une boucle d’oreille (1664-6, Mauritshuis).

Néanmoins, bien que Vermeer – conformément à la nouvelle esthétique de Art de la réforme protestante (c.1520-1700) – représente l’industrialisation comme un symbole de la vertu domestique – un thème renforcé par l’inclusion d’un livre de prières – on ne peut s’empêcher de penser qu’il est secondaire à la description du travail créatif de la dentelle. Ainsi, alors que L’art de peindre (1665-67, Kunsthistorisches Museum, Vienne) est considérée comme la grande allégorie de la peinture de Vermeer. Il se peut que la minuscule Dentellière offre un commentaire beaucoup plus perspicace sur l’acte créateur. Curieusement, le grand peintre impressionniste Renoir considérait The Lacemaker comme l’un des deux plus beaux tableaux du monde. (Voir également Peinture miniature.)

Jan Vermeer

Redécouvert en 1866 par l’écrivain et critique d’art français Theophile Thore (1807-1869), après s’être langui dans une relative obscurité pendant deux siècles, Vermeer est aujourd’hui considéré comme l’un des meilleurs peintres de genre – et éventuellement parmi les meilleurs artistes de tous les temps. Sa réputation d’exposant peut-être le plus important Art baroque hollandais est basé sur sa parfaite maîtrise de la lumière et des ombres, ses contours adoucis, sa conception spatiale, ses combinaisons de couleurs atmosphériques, sa capacité à éterniser une pose plutôt que de la capturer et, plus que tout, à un talent suprême pour créer un moment de calme et d’intimité.

Analyse d’autres peintures de Vermeer

Petite rue (1658)
Soldat et une fille qui rit (1658)
Jeune femme avec une cruche d’eau (c.1662)