Retable du portinari, Hugo Van Der Goes:
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Retable Portinari (détail)
Par Hugo Van Der Goes.
Considéré comme l’un des
Les plus belles peintures de tous les temps.

La description

Artiste : Hugo Van Der Goes (1440-1482)
Moyen : Peinture à l’huile sur bois
Genre : Retable art
Mouvement : Renaissance néerlandaise
Lieu : Galerie des Offices, Florence.

Appréciation d’art
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Évaluation de l’art et
Comment apprécier les peintures.

Ce retable de Hugo Van Der Goes, un des trésors de Art renaissance nordique, se range aux côtés des meilleurs art religieux du 15ème siècle par Peintres flamands comme Broederlam (1350-1411), Robert Campin (maître de Flemalle) (c.1378-1444), Hubert et Jan van Eyck (1390-1441), Roger Van der Weyden (1400-1464), Dieric Bouts the Elder (1420-75) et Hans Memling (c.1433-94). Également connu sous le nom de triptyque Portinari, il représente l’adoration des bergers et de la Sainte Famille selon le récit biblique de Luc (2: 10-19). Peint à Bruges puis expédié à Florence, le peintures sur panneaux eu un impact significatif sur Art de la Renaissance dans la ville et au-delà, y compris l’école de peinture ombrienne, ainsi que l’illustration manuscrite. Malheureusement, peu de temps après avoir achevé ce chef-d’œuvre, Hugo Van Der Goes a eu une dépression mentale totale. En 1482, un an avant l’installation du tableau, il mourut. L’œuvre – maintenant considérée comme l’une des œuvres les plus influentes de Art chrétien du 15ème siècle – réside dans le Galerie des Offices, Florence.

La Commission

Le retable de Portinari a été commandé par le financier italien Tommaso Portinari, résident de longue date de l’important centre commercial flamand de Bruges, où il était directeur de la succursale de Bruges du Famille Médicis Banque. Destiné à commémorer son succès en Flandre, le triptyque devait être installé sur le maître-autel de St Egidio, l’église de l’hôpital Santa Maria Nuova de Florence, chapelle de la famille Portinari, fondée en 1288 par Folco Portinari, un des ancêtres de Tommaso. C’est exactement pourquoi il a choisi le peintre gantois Hugo van der Goes pour peindre l’œuvre reste incertaine: on sait très peu de chose de sa vie avant 1467, date à laquelle il devient maître d’artisan de la guilde des peintres de la ville à 27 ans. Il reçut quelques commandes mineures de la ville de Gand et devint doyen de la guilde en 1475. Quelles que soient ses réalisations précédentes, Van der Goes a produit un chef-d’œuvre de Peinture flamande ce n’était pas seulement un hommage grandiose à Portinari, mais aussi une vision très personnelle de la Nativité, inspirée peut-être de la vision de sainte Brigitte de Suède. Vers 1479, les peintures sur panneaux sont acheminées par bateau en Sicile, puis par barge jusqu’à Porta San Frediano à Florence, où elles arrivent en mai 1483.

Composition

La scène centrale célèbre la joie de la naissance de Jésus, mais souligne également l’humilité de la famille et des paysans. Trois silhouettes réalistes de bergers sont agenouillées devant l’enfant Christ, qui – très inhabituellement – ne repose pas dans un berceau, mais sur le sol, entouré d’une lumière dorée. (Pour une autre représentation naturaliste des bergers, voir Adoration des bergers [Metropolitan Museum of Art, New York] de la précocité Andrea Mantegna.) Pour ses figures, Van der Goes introduit une hiérarchie d’échelle démodée: la Sainte Famille sont étant donné les plus grandes dimensions, alors que les anges et les donateurs sont plus petits. Les figures sont disposées selon des axes diagonaux autour de la Vierge Marie, dont les mains constituent le centre du tableau. Cet arrangement inhabituel produit un sens du mouvement plutôt déséquilibré.

Au premier plan, l’exquis nature morte – constitué de deux vases de fleurs et d’une gerbe de blé – est une référence à l’Eucharistie et à la Passion. Le blé fait allusion à la dernière cène, quand Jésus a rompu le pain. Les feuilles de vigne et les raisins sur le vase se rapportent au vin. Les iris blancs symbolisent la pureté, tandis que les lis orangés font référence à la Passion (les oeillets rouges représentent les ongles ensanglantés de la croix du Christ); les iris pourpres et les tiges colombines représentent les sept douleurs de la Vierge Marie. Ainsi, pris dans son ensemble, cette scène de la Nativité du Christ préfigure le salut ultérieur qu’il réalise par sa mort.

Sur les panneaux latéraux, les donneurs agenouillés sont accompagnés de leurs saints patrons. Portinari, par exemple, est représenté sur le panneau de gauche avec ses deux fils, Antonio et Pigello. En face, à droite, son épouse Maria di Francesco Baroncelli est représentée avec leur fille Margarita. Tous les donateurs, à l’exception de Pigello, sont représentés avec leurs saints patrons: saint Thomas (avec lance), saint Antoine (avec cloche), Mary Magdalen (avec pommade) et saint Margaret (avec livre et dragon).

Le fond du triptyque est peint de scènes en rapport avec le thème principal. Ainsi, à gauche, nous voyons Joseph s’enfuir en Égypte avec sa femme enceinte; dans le panneau central, les bergers sont visités par l’ange; et à droite, les Trois Mages sont montrés sur le chemin de Bethléem.

Lorsque les deux panneaux latéraux sont fermés, nous voyons l’ Annonciation avec ses deux personnages – la Vierge de l’Annonciation et l’Archange Gabriel – entièrement peints en monochrome. grisaille technique. Les énormes personnages, rendus de manière trompeuse pour ressembler à des sculptures de pierre (d’où la grisaille), sont apparemment encastrés dans leurs propres recoins arqués et enveloppés dans des robes épaisses et fluides. L’ensemble trompe l’oeil effet était quelque chose d’assez inconnu dans Art de la Renaissance à Florence, et de nombreux peintres italiens ont cherché à imiter son naturalisme méticuleux. Voir par exemple l’ Adoration des bergers (1485, chapelle Sassetti, Santa Trinita, Florence) de Domenico Ghirlandaio.

Les nouvelles techniques de peinture de Van der Goes

Le retable de Portinari est considéré comme l’un des plus grandes peintures de la Renaissance, notamment à cause de ces caractéristiques révolutionnaires. (1) Tout d’abord, Van der Goes n’a pas regroupé les personnages principaux autour d’un point central centralisé, mais a pris la décision unique de les organiser selon un schéma en diagonale. La tension résultante a été encore accrue par la clair-obscur effets et mouvements expressifs des figures. (2) Deuxièmement, il a été le premier artiste à inclure dans sa peinture des «types de paysans» authentiques, laids ou du moins non idéalisés, sur un pied d’égalité avec les saints devant Dieu. Dans la plupart des représentations de l’ adoration, les bergers et les mages adorent Jésus tous ensemble. En revanche, Van der Goes accorde une importance particulière aux bergers et présente leur visage avec caractère et individualité, ce qui contraste nettement avec les caractéristiques idéalisées conventionnelles de nombreux autres participants.

Autres retables flamands célèbres du XVe siècle

Autres exceptionnels peintures religieuses parmi les artistes flamands incluent:

Retable de Dijon (1393-99) de Melchior Broederlam.
Seilern (Mise au tombeau) Triptyque (1410) de Robert Campin / Maître de Flemalle.
Retable merode (1427) de Robert Campin.
Le retable de Gand (1432) de Hubert / Jan van Eyck.
Descente de la croix (1435-40) de Roger Van der Weyden.
Le jugement dernier (c.1450) de Roger Van der Weyden.
The Last Supper (1464-14) de Dieric Bouts the Elder.
Triptyque du Jugement Dernier (c.1471) de Hans Memling.
Donne Triptych (1477-80) de Hans Memling.