Scrovegni (Arena) Fresques de la Chapelle, Giotto:
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Fresques de la chapelle Scrovegni
Par Giotto di Bondone.
Considéré comme une partie de la
Les plus belles peintures de tous les temps.

La description

Peinture : Scrovegni (Arena) Fresques de la chapelle
Date : c.1303-10
Artiste : Giotto (1267-1337)
Moyen : Peinture fresque
Genre : religieux peinture d’histoire
Mouvement : Proto-Renaissance
Lieu : Cappella degli Scrovegni, Padoue, Italie.

Pour la signification d’autres chefs-d’œuvre, voir: Tableaux célèbres analysés .

Giotto Posters
Affiches d’art
par Giotto, comme le
Chapelle de l’arène
Les fresques sont largement
disponible en ligne.
Voir également: Art de l’affiche.

Appréciation d’art
Pour comprendre Giotto
Peinture de la Renaissance:
voir: Évaluation de l’art:
Comment apprécier l’art.

Les fresques de la chapelle Scrovegni sont le plus grand chef-d’œuvre de Giotto art religieux et marquer un tournant décisif dans Peinture pré-Renaissance du 14ème siècle. En termes simples, il a abandonné les règles et conventions du style hiératique et plat Art byzantin, en faveur d’un plus grand naturalisme à la fois ses personnages et ses histoires. En conséquence, Giotto (1266-1337) est non seulement considéré comme le peintre le plus important de l’art proto-renaissance (c.1300-1400), mais aussi comme la plus grande influence sur les peintres de la Début de la renaissance (c.1400-90), tels que Masaccio (1401-1428), Piero della Francesca (1420-92) et Fra Angelico (c.1400-55). Le cycle de fresques dans la chapelle des Scrovegni a été grandement admiré même par Duccio di Buoninsegna (1260-1319), artiste principal de l’école de peinture siennoise, plus traditionaliste, se range aux côtés des fresques de la chapelle Sixtine, comme l’une des œuvres les plus influentes de Art chrétien de l’ère de la Renaissance.

Le baiser de Judas.

Voir également:
Comment apprécier les peintures.

Plus d’analyse de la chapelle Scrovegni (Arena)

La chapelle des Scrovegni, ou Cappella degli Scrovegni – un bâtiment sans prétention construit en brique rose – a été commandée par Enrico degli Scrovegni en tant que chapelle de famille sur le site d’une ancienne arène romaine – d’où son surnom parfois de chapelle de l’arène. Située à Padoue, en Vénétie, en Italie, ses murs intérieurs sont décorés d’une série de fresques successives illustrant la vie de la Vierge Marie et la vie du Christ . Peint approximativement au cours des années 1303-1010, le thème pictural est le salut – peut-être parce que la chapelle était destinée à expier les péchés accumulés par la famille Scrovegni à la suite de leurs affaires d’usure. La traduction du Jugement dernier par Giotto, occupant tout le mur ouest autour de l’entrée de la chapelle, comprend un portrait dévotionnel d’Enrico lui-même. Les murs restants sont recouverts de trois niveaux de fresques: le dernier étage est consacré à des scènes de la Vie de la Vierge Marie (à qui la chapelle est dédiée); les niveaux intermédiaire et inférieur représentent des scènes de la vie de Jésus; Au total, 39 scènes au total.

Le naturalisme de Giotto

Contrairement au style byzantin plat et très stylisé de peinture murale pratiqué par d’autres artistes italiens du Trecento Les fresques de Giotto dans la chapelle de l’Arena illustrent son approche naturaliste de l’art basée sur l’expérience et l’observation personnelles.

Les peintures byzantines étaient basées sur des attributs fixes – les membres de la Sainte-Famille étaient toujours dessinés plus grands que les saints et autres personnes; les figures étaient généralement positionnées en fonction des exigences du récit, plutôt que des règles de la perspective; caractérisation était minime, à laquelle on faisait allusion par l’utilisation de certains pigments de couleur, attributs personnels ou autres caractéristiques du jeu; en bref, les caractères picturaux étaient placés dans des positions conventionnelles rigides et peints selon un style rigide. icône -comme la formule.

De Giotto peintures religieuses – influencé dans une certaine mesure par Cimabue (1240-1302) – était complètement différent. Ses personnages avaient la vie. Ils ressemblaient beaucoup plus à des personnes réelles, avec des visages naturels, éprouvant une réelle émotion. Les personnages se voyaient offrir un espace pour se déplacer, ainsi que des poses réelles, et ils étaient beaucoup plus positionnés conformément aux règles de base de perspective. Leurs corps sculptés étaient bien plus manifestement tridimensionnels et vêtus de vêtements qui pendaient naturellement et qui semblaient avoir une forme et un poids appropriés. Le résultat final était une illustration beaucoup plus sympathique et réaliste de la Bible. Dans le même temps, il a pris grand soin de garantir une clarté maximale. Après tout, les images étaient censées être faciles à "lire". Il choisit donc ses scènes avec beaucoup de soin. Chaque personne dans l’histoire est là pour une raison; chaque geste est important.

Les parties inférieures des murs – les zones à la portée de la congrégation – étaient décorées dans un faux schéma architectural ressemblant au marbre, comportant des statues imitant sept vertus le long d’un côté, contrastant avec sept vices de l’autre côté. Au début du XIVe siècle, ce type de peinture illusionniste était totalement révolutionnaire.

Les experts en art ont trouvé plusieurs sources pour l’interprétation particulière du récit évangélique par Giotto, notamment les Méditations sur la vie du Christ de la Pseudo-Bonaventure et la Légende dorée de Jacopo da Voragine à l’égard de la Vierge Marie.

Scènes bibliques

Deux des œuvres les plus émouvantes de Giotto Art biblique dans la chapelle sont la trahison du Christ et la lamentation.

Trahison du christ

L’un des tableaux les plus dramatiques de la chapelle des Scrovegni est la représentation par Giotto du baiser de Judas : le moment où Jésus fut trahi par Judas Iscariot dans le jardin de Gethsémani. L’image illustre l’intensité que Giotto a apporté à la représentation de scènes bibliques en mettant l’accent sur le drame de l’occasion. Bien que de nombreux autres artistes aient décrit le baiser actuel, Giotto montre la confrontation face à face entre les deux hommes.

Saisissant le chaos et la confusion de l’arrestation de Jésus, Giotto place les deux protagonistes au centre de la foule. Judas pose sa main sur l’épaule du Christ, soulevant son manteau jaune perfide. Cela a pour effet de placer momentanément les deux hommes dans une situation globale, comme pour démontrer que chacun a besoin de l’autre pour s’acquitter de sa destinée. Mais alors que le visage du Christ est parfaitement à l’aise, celui de Judas est bouffi de corruption.

Pendant ce temps, des soldats ont fait irruption dans la scène de droite, tandis que, à gauche, Peter coupe l’oreille de l’assistant du grand prêtre. En effet, Giotto utilise tous les dispositifs officiels à sa disposition pour souligner le drame du moment: l’éclairage nocturne; les hallebardes et autres armes levées; les expressions faciales, les gestes et les positions des personnages; et la diversité des plis de la draperie.

La lamentation

La Lamentation montre la réaction de chagrin d’amis et d’apôtres à la mort du Christ. Certaines femmes bercent tendrement le corps rigide, tandis que d’autres observent les événements dans un silence choqué. Chaque personne est une étude soigneusement observée dans le chagrin, tandis qu’au-dessus de lui dix anges sont déformés par le chagrin. Deux autres personnages sont assis près du Christ mort, dos à nous, comme pour renforcer l’intimité de leur malheur et exclure les étrangers comme nous. À l’arrière-plan, un paysage aride offre une distraction minime, tandis que la pente d’une colline dirige l’œil vers la tête du Christ. Surtout, contrairement aux artistes gothiques ou byzantins qui tendaient généralement à décrire la mort de Jésus comme un exemple de l’éternel conflit surhumain entre le bien et le mal, Giotto est beaucoup plus terre-à-terre. Sa principale préoccupation est simplement de souligner le chagrin et la tristesse de la mort d’une personne.

En conclusion, les fresques de la chapelle des Scrovegni de Giotto représentent un moment décisif dans l’évolution de peinture d’art. Ces images illustrent bien le nouveau style "moderne" – un style repris et perfectionné par des peintres de la Renaissance tels que Masaccio, Botticelli, Leonardo, Michel-Ange et Raphaël – dont aucun ne pouvait prétendre avoir réussi. ils l’ont fait sans Giotto di Bondone. Sans surprise donc, Giotto est considéré comme le fondateur de Art de la Renaissance.

Ressources supplémentaires

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