Les ambassadeurs, Hans Holbein:
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La description

Nom: Les ambassadeurs (1533)
(Double portrait de Jean de Dinteville, Georges de Selve)
Artiste: Hans Holbein le Jeune (1497-1543)
Medium: huile et tempera sur chêne
Genre: Portrait d’art
Mouvement: Art renaissance nordique
Emplacement: National Gallery, Londres

Pour une interprétation d’autres exemples célèbres de portrait, voir: Tableaux célèbres analysés (1250-1800).

Comprendre l’art
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Hans Holbein le Jeune était sans aucun doute l’un des meilleurs artistes de portrait du Renaissance allemande, et – avec des artistes tels que Albrecht Durer (1471-1528) – a contribué à enrichir tardivement Art gothique allemand (illustré par le travail de Matthias Grunewald) avec les caractéristiques plus progressistes de la Renaissance florentine (c.1400-1500). Au début de sa période à Bâle (environ 1515-26), il produisit de nombreuses types d’art, allant du grand format peinture mythologique et Art de la réforme protestante à gravures sur bois et peinture miniature. Mais ce sont les portraits créés pendant son séjour en Angleterre (1526-28 et 1532-153), pour lesquels il est le plus célèbre. Il était un maître absolu de dessin, et ses portraits ont été admirés par les contemporains pour leur caractère réaliste. En fait, c’est en grande partie grâce aux photos de Holbein que nous avons un enregistrement visuel des célébrités de son époque, notamment Desiderius Erasmus de Rotterdam (1469-1536), Sir Thomas More (1478-1535), Thomas Cromwell (1485-1540). et bien sûr le roi Henri VIII (règne 1509-1547). En outre, au grand amusement des érudits et des historiens de l’art, Holbein enrichit son portrait de nombreux symboles, allusions et motifs ironiques. Les ambassadeurs ont été peints lors du deuxième séjour de Holbein en Angleterre (1532-1543), qui coïncidait avec la rupture de Henri VIII avec Rome – suite à sa décision d’annuler son mariage avec Catherine d’Aragon – et la formation de l’Église protestante anglaise. En plus d’être peintre du roi, Holbein a également décrit de nombreux nobles et femmes, membres du clergé, propriétaires terriens et hommes d’État. Cent ans plus tard, le virtuose flamand, lui aussi de courte durée Anthony van Dyck (1599-1641) répète l’exemple de Holbein et s’installe en Angleterre en tant que peintre de la cour de Charles Ier (1600-49).

Un de plus grands portraits Au cours de sa deuxième visite en Angleterre, Holbein a peint The Ambassadors, un double portrait à taille réelle du riche propriétaire terrien Jean de Dinteville (1504-1555), ambassadeur du roi de France, et de son ami Georges de Selve, évêque de Lavaur (1508-141). L’œuvre est imprégnée de significations cachées et de traits symboliques, dans la plus pure tradition de la Renaissance nordique et plus tard. Vanitas peinture du 17ème siècle.

Le travail a été commandé par Jean de Dinteville, le jeune ambassadeur, pour commémorer la visite à Londres de son ami de Selve – qui, incidemment, ne porte pas de robe épiscopale car il n’a pas été consacré avant l’année suivante. Les deux hommes se trouvaient dans une mission diplomatique difficile et finalement sans succès visant à remédier à la division entre Henri VIII et l’Église de Rome, d’où son nom (au pluriel) "Les ambassadeurs". Il se peut donc que le thème principal de la La peinture – à savoir qu’aucune richesse matérielle, aucun pouvoir ni aucun savoir ne peuvent empêcher la mort -, disait Holbein (c’est-à-dire Thomas Cromwell), qu’aucun homme, pas même le pape, n’avait le pouvoir réel de freiner ce qui était inévitable. Dans ce cas, l’inévitable était la décision de Henry de créer sa propre église.

En plus d’être un portrait, The Ambassadors est aussi un nature morte peinture comportant de nombreux objets méticuleusement rendus. Bien sûr, de nombreux portraits d’hommes instruits du XVIe siècle contiennent des objets qui reflètent leurs occupations et leurs intérêts, mais le tableau de Holbein est particulièrement impressionnant en raison de son extraordinaire attention aux détails et de la quantité d’informations qu’il contient. Cela montre clairement que, outre l’art gothique et de la Renaissance, Holbein a également été fortement influencé par le réalisme méticuleux des premiers temps. Peinture flamande, illustré par Jan van Eyck et Robert Campin (1375-1444), le maître de Flemalle.

Signification et symbolisme

La représentation des deux personnages est à la fois techniquement brillante et symbolique. De Dinteville, à gauche, est vêtu de somptueux vêtements séculaires – un lourd manteau noir méticuleusement rendu, doublé de fourrure de lynx, par-dessus une tunique en soie rose. Sur son chapeau figure l’image d’un crâne – son insigne personnel – qui est sans aucun doute un mémento mori. L’évêque et érudit classique Georges de Selve est vêtu de vêtements de bureau moins ostentatoires. De manière significative, sa position est moins affirmée que celle de son collègue, et il occupe en réalité moins d’espace dans le cadre. Certains experts soulignent également que les racines laïques de Dinteville et les racines cléricales de De Selve symbolisent le dysfonctionnement de l’alliance entre la France et le Vatican, ainsi que le conflit général entre l’Église (pape) et l’État (Henri VIII). En outre, l’image du luth avec une corde cassée (tablette inférieure) est un symbole populaire de discorde, renforçant l’idée d’un conflit entre l’Angleterre et Rome ou faisant allusion au schisme continental entre protestants et catholiques.

Le cadre du portrait est une zone de profondeur relativement faible, entourée de rideaux de couleur verte ornés de motifs complexes de style héraldique. Le sol est recouvert de carreaux de mosaïque, inspirés de la conception du «pavé Cosmati» situé devant l’autel majeur de l’abbaye de Westminster, ce qui laisse présager de la nature primordiale de la liturgie anglaise.

Sur les deux étagères qui se trouvent entre les deux personnages se trouvent de nombreux autres objets auxquels ils et leur époque sont associés. Comprenant un mélange d’instruments de navigation, d’astrologie et de musique, ils comprennent deux globes (un céleste, un terrestre), un quadrant, un torquetum, un cadran solaire polyhédral, un carré en T, un livre de maths allemand et un livre d’hymnes luthériens.

En surface, le tableau semble être une glorification des réalisations de l’homme, jusqu’à ce que l’on prenne conscience de la signification de l’image floue en forme de diagonale planant juste au-dessus du sol. Holbein a délibérément déformé l’image afin que sa signification ne devienne évidente que si elle est vue de haut en haut à droite ou de bas en bas à gauche. Vue sous ces angles, cette image anamorphique est immédiatement reconnaissable en tant que crâne humain – le rappel séculaire de la mort et la nature fondamentalement transitoire des valeurs humaines. Pourquoi Holbein lui a-t-il donné une telle importance n’est pas clair. Il a été suggéré que le tableau était destiné à être suspendu dans une cage d’escalier, de sorte que quiconque monterait les escaliers et passerait le tableau à sa gauche serait choqué par l’apparition soudaine du crâne.

Bien que The Ambassadors soit un rappel clair de la mortalité humaine – un État qui prime sur toutes les questions terrestres – ce n’est pas une image pessimiste. Car dans le coin supérieur gauche se trouve un crucifix – un symbole clair que la foi en Jésus-Christ nous aide à échapper à la mort et à assurer le salut éternel.

Remarque: Holbein a réalisé d’autres portraits au cours de cette période, notamment ceux de: Robert Cheseman (1533, Mauritshuis, La Haye); William Reskimer (1534, Collection royale); Sir Brian Tuke (1535, Galerie d’art nationale, Washington DC), Charles de Solier, Sieur de Morette (1535, Gemaldegalerie Alte Meister Dresden) et Derich Berck (1536, Metropolitan Museum of Art, New York).