Jeune femme à la cruche d’eau, Jan Vermeer:
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Jeune femme avec un
Cruche d’eau
Par Jan Vermeer.
Vu comme l’un des
Les plus belles peintures de tous les temps.

La description

Peinture : Jeune femme avec une cruche d’eau
Date : c.1662
Artiste : Jan Vermeer (1632-75)
Moyen : Peinture à l’huile
Type : Genre gainting
Mouvement : Réalisme hollandais
Lieu : Metropolitan Museum of Art, New York.

Pour des explications sur d’autres images, voir: Tableaux célèbres analysés .

Éducation artistique
Apprécier des peintres comme
Johannes Vermeer, voir
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Évaluation de l’art
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Comment apprécier les peintures.

Cette exquise Peinture de genre réaliste néerlandaise est l’un des cinq Vermeers appartenant au Metropolitan Museum of Art de New York: les autres étant Fille endormie à la table (c. 1657), Femme jouant du luth près d’une fenêtre (c. 1664), Tête de fille (c. 1672-4) et allégorie de la foi (c.1673-4). Une illustration parfaite du style intime de Vermeer Art baroque hollandais, il montre le traitement virtuose de l’artiste en matière de lumière et de son reflet, ainsi que les tons nacrés de sa palette de couleurs bleue et jaune. Avec ses détails minutieux, ses tissus riches et son symbolisme complexe, il est l’un des plus grandes peintures de genre de la période et – avec Woman Holding a Balance (1662-163, National Gallery of Art, Washington DC), l’un des deux plus beaux Vermeers d’une collection américaine. Stylistiquement, le travail présente sa série de "photos de perles".

Composition

Comme plusieurs autres peintures à l’huile Vermeer, l’œuvre représente une jeune femme debout dans le coin d’une pièce, faisant face au spectateur et ouvrant une fenêtre à sa droite. En même temps, elle tient un pichet ou un pichet en laiton / argent avec sa main gauche. Le pot se trouve dans une bassine du même matériau métallique, à côté de plusieurs autres objets disposés sur une table recouverte d’un tapis rouge exotique. La jeune femme, une femme au foyer apparemment modèle – qui n’a d’ailleurs aucune ressemblance avec la servante active terrestre La laitière (vers 1868, Rijksmuseum, Amsterdam) – porte une coiffe de lin blanc croquant et une grande coiffe ou un col, ce qui la distingue des murs larmoyants du mur derrière elle, à la manière de l’éphémère Carel Fabritius (1622 -54). La composition générale est empreinte de simplicité et de calme, caractéristique de son style en pleine évolution.

Provenance

Compte tenu de la maîtrise apparente de ce travail, il semble approprié que Vermeer ait été élu à la tête de la guilde des artistes de Delft au cours de l’année au cours de laquelle il l’a probablement produite. Malgré tout, malgré son style caractéristique et sa qualité technique, ce tableau d’une simplicité trompeuse n’a pas toujours été reconnu comme une œuvre du grand peintre de Delft. En effet, il a été exposé pour la première fois à Londres en 1838 sous le nom de Gabriel Metsu. Ce n’est que quarante ans plus tard, après la renaissance de Vermeer dans les années 1860, qu’elle fut identifiée lors de la Royal Academy Winter Exhibition de Londres comme l’œuvre de Jan van der Meer de Delft. Néanmoins, pour une raison quelconque, cette attribution ne tient pas et après avoir passé entre les mains d’un autre marchand d’art londonien, Thomas Agnew, et du marchand d’art parisien Pillet, elle fut acquise en 1887 par Henry G. Marquand pour seulement 800 dollars. de Pieter de Hooch, un contemporain de Delft. L’année suivante, Marquand le présente au Metropolitan Museum of Art de New York, ce qui en fait le premier Vermeer à entrer dans une collection publique américaine.

Similitudes de style

Stylistiquement, ce travail représente un point critique dans le développement de Vermeer. peinture d’art. Il peut être daté à peu près au même moment que Une femme et deux hommes (c.1661, Herzog Anton Ulrich-Museum, Brunswick), et probablement juste après l’ homme et la femme au verre de vin (c.1661, Gemaldegalerie, Berlin). En effet, il s’agit de la dernière des images de la «fenêtre ouverte» de l’artiste, qui présente la même configuration de meneaux de verre que l’on retrouve dans les œuvres de Berlin et de Brunswick. De manière significative, la figure révélatrice de la tempérance trouvée dans la vitre des deux autres œuvres est remplacée ici par un reflet du ciel.

Priorités de Vermeer

Il est clair que Vermeer s’intéresse davantage à capturer la qualité de la lumière qui pénètre par la fenêtre partiellement ouverte et à son reflet sur la surface métallique superbement restituée qu’à la description de l’action physique exacte de la femme. En effet, on pourrait dire que le modèle a été complètement immobilisé par la fenêtre, la table et la carte. Des éléments secondaires – tels que le mur de fenêtre ombragé et la chaise – aident également à la fixer étroitement dans l’espace – ou on peut également dire que sa silhouette est un élément vital, voire dynamique, car elle unit fenêtre, table et mur du fond. En tout état de cause, ses mouvements, si ce terme peut être utilisé en relation avec son immobilité, ne sont jamais clairement expliqués. Ni le pichet et la bassine superbement rendus, ni le coffret à bijoux contenant un collier de perles à peine visible avec un ruban bleu, ne suggèrent immédiatement une action unifiée. Peut-être, cependant, il y avait un lien thématique ou iconographique entre cette toile et une image maintenant perdue qui a été décrite dans la vente de 1696 Vermeer comme représentant "un monsieur se lavant les mains dans une pièce".

Symbolisme

Cette scène de genre domestique est un exemple typique de Peinture hollandaise du 17ème siècle, et concerne la valeur morale de la bonne gestion, une question qui correspond parfaitement à la nouvelle esthétique de Art de la réforme protestante du 17ème siècle. Des vêtements propres et empesés symbolisent la pureté et la vertu, ainsi qu’un pot et une bassine. En outre, l’acte de se laver et les ustensiles qui y sont associés ont de longues associations avec la pureté spirituelle et physique. Nombreuses Artistes réalistes hollandais Gerrit Dou, par exemple, a utilisé ces mêmes objets avec cette signification précise et Vermeer a peut-être voulu que ces éléments portent la même association morale. Cette lecture est étayée par la tenue vestimentaire modeste de la femme et par le reflet magnifiquement capté du ciel dans la fenêtre. En outre, elle tourne le dos à la carte du monde, qui ne la touche pas. Remarque: pour d’autres œuvres vantant la pureté, voir une fille avec une boucle d’oreille (1664-6, Mauritshuis, La Haye) et La dentellière (c.1669, musée du Louvre).

Le coffret à bijoux et le collier de perles deviennent tous deux des motifs significatifs, bien que, avec l’œuvre dans son ensemble, leur signification ne soit pas toujours claire pour le spectateur moderne. Les images de perles, cependant, tirent leur nom non seulement de la présence de ce bijou, mais aussi, comme ici, de la tonalité fraîche et lumineuse, semblable à une perle, qui domine.

Jan Vermeer

Après une courte carrière de peintre (il n’aurait produit que 45 peintures au cours de ses 43 ans) au cours de laquelle il obtint un succès raisonnable, Vermeer tomba dans l’obscurité pendant deux siècles avant d’être redécouvert et réintégré dans la liste. meilleurs peintres de genre en Europe du Nord et l’un des meilleurs peintres hollandais du XVIIe siècle.

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