Peinture de genre: définition, caractéristiques Automatique traduire

La peinture de genre est l’un des cinq principaux types de peinture qui constituent la hiérarchie traditionnelle des genres . Ces cinq genres comprennent la peinture d’histoire, la peinture de portrait, la peinture de genre, le paysage et la nature morte .

Définition et caractéristiques de la peinture de genre

Dans les beaux-arts, le terme peinture de genre (également appelée scène de ménage) désigne les peintures représentant des situations et des scènes de la vie quotidienne. Les sujets traités sont généralement la vie domestique, les intérieurs, les repas, les fêtes, la vie à la taverne ou la vie paysanne, les marchés et autres scènes de rue.

En général, une caractéristique clé de la peinture de genre est que la scène est présentée d’une manière non idéalisée, contrairement à l’approche classique traditionnelle qui consiste à représenter des scènes aux caractéristiques héroïques, nobles ou dramatiques. Comparez, par exemple, les personnages non peints des scènes paysannes de Courbet avec les garçons des rues idéalisés représentés par le peintre sévillan Bartolomé Esteban Murillo. Les meilleurs exemples de ce milieu sont peut-être apparus dans l’école réaliste néerlandaise de peinture de genre du XVIIe siècle, dirigée par le grand peintre de Delft Johannes (Jan) Vermeer (1632-1675).

Il y a une certaine confusion : le terme «genre», est utilisé seul pour désigner «une catégorie» de peinture, comme la peinture d’histoire, le portrait, le paysage, la nature morte, ou les scènes de genre . Pour plus d’informations, voir : Les genres de peinture .

La différence entre les scènes de genre, les paysages et les natures mortes

Quand un paysage devient-il une peinture de genre et vice versa? Il n’y a pas de réponse définitive à cette question, car la frontière entre ce type d’art visuel et les autres genres est souvent floue. Par exemple, le célèbre chef-d’œuvre de Joseph Wright, Derby «Experiment with a Bird in an Air Pump» (1768), est à la fois une peinture de genre, une peinture de portrait et une peinture d’histoire. Le grand réaliste français Jean François Millet (1814-1875) a peint un certain nombre de scènes rurales (par exemple «Angelus») qui peuvent être interprétées comme des paysages, des peintures de genre, ou les deux. De même, les peintures d’intérieur - par exemple «Interior» de Peter Wilhelm Ilsted (1896) - peuvent être considérées comme des natures mortes plutôt que comme des peintures de genre.

En règle générale, la peinture de genre est une représentation d’événements normaux dans lesquels des personnages individuels jouent généralement un rôle important. En revanche, un paysage typique ne contient aucun élément figuratif significatif, tandis qu’un «intérieur» ou une «nature morte» est en réalité une scène domestique contenant un arrangement artificiel d’objets (y compris, moins souvent, un personnage). Néanmoins, on peut affirmer que «Petite rue» (1658) de Vermeer est à la fois un paysage urbain et une peinture de genre.

Des buts narratifs et décoratifs

La hiérarchie des genres mentionnée ci-dessus était le système de classement officiel «», adopté par l’Académie des Arts de France . Selon ce système, la peinture de genre occupe la troisième place, après la peinture d’histoire et le portrait. En effet, les peintures de genre n’étaient pas considérées comme «inspirantes», comme l’art de l’histoire ou du portrait, en raison de leur absence de «message» ou de «narration». Certes, de nombreuses scènes de genre ont été commandées et appréciées pour leurs qualités de bien-être, de décoration ou de nostalgie, ainsi que pour la virtuosité de l’artiste. Mais (comme pour les natures mortes) un nombre important de peintures de genre contiennent une morale. Celle-ci doit parfois être déchiffrée en examinant le symbolisme de la toile. En tout état de cause, contrairement à la vision «académique», les peintures de genre sont tout à fait capables de véhiculer des messages moralisateurs.

Comment est née la peinture de genre?

L’art de la Renaissance, sur lequel reposent la plupart des arts visuels occidentaux, était principalement un art public, commandé par les papes, les églises et les dirigeants laïques pour inspirer aux masses des valeurs religieuses et morales. Ainsi, la plupart des œuvres d’art (fresques, retables, sculptures) étaient délibérément des présentations picturales à grande échelle de messages inspirants qui pouvaient être facilement vus et compris par les spectateurs. Les belles églises italiennes disposaient d’un vaste espace pour des présentations à grande échelle, et le beau temps était idéal pour l’utilisation des fresques.

Réforme

En 1517, la Réforme - la révolte des pays protestants tels que la Hollande, l’Allemagne et la Flandre contre l’Église romaine - a vu les œuvres d’art religieuses ou quasi-religieuses perdre considérablement de leur importance dans une grande partie de l’Europe du Nord. Cependant, alors que la demande de grandes peintures religieuses diminuait au XVIe siècle, un nouveau type de mécène - appartenant à la classe prospère des marchands - est progressivement apparu, qui souhaitait un nouveau type de peintures de petite taille à accrocher dans ses maisons. Ce nouveau type de mécène était particulièrement visible dans la Hollande protestante, où les portraits de chevalet, les peintures de genre et les natures mortes sont devenus très populaires. Parmi les premiers exemples de scènes de genre, citons Quentin Massis (vers 1465-1530) - «Le prêteur et sa femme» (1514) - Marinus van Reimerswale (1490-1567) - qui s’est spécialisé dans les scènes de genre mettant en évidence les péchés d’avarice et de vanité ; Lucas van Leyden (1494-1533) - cf. ses Joueurs de cartes (1517) et Pieter Bruegel l’Ancien (1525-69) - voir Noces paysannes (1568) et Danse paysanne (1568).

En effet, la peinture de genre n’était pas inconnue en Italie - on en trouve de petites touches dans des œuvres de l’art italien des XIVe et XVe siècles, comme la Vénitienne de Vittore Carpaccio - voir, par exemple, Deux dames vénitiennes (1510, musée Correra, Venise) - mais elle y était davantage un arrière-plan ou un contexte pour les thèmes religieux prédominants. Bien qu’il ait été développé un peu plus tard par des Italiens tels que Caravage, Giuseppe Maria Crespi et Curuti, il joue un rôle mineur jusqu’à l’apparition du peintre vénitien du XVIIIe siècle Pietro Longhi (1702-1785).

Le réalisme hollandais - l’âge d’or

La peinture de genre s’est développée comme une forme d’art indépendante dans les villes de l’Europe du Nord protestante. Les premiers grands représentants de la peinture de genre furent les peintres réalistes hollandais du XVIIe siècle, dont le style inégalé «Le réalisme hollandais» s’est développé à partir de cinq écoles principales.

❶ École d’Utrecht, dirigée par Hendrik Terbruggen (1588-1629), qui comprend également d’autres artistes, comme Gerrit van Honthorst (1592-1656), qui fut l’un des principaux disciples du Caravage.

❷ L’école de Harlem avec Adrian Brauer (1605-1638), spécialisé dans les scènes d’ivresse ; Adrian Van Ostade (1610-1685), qui peint des scènes de genre représentant des paysans dans leur maison ou dans des tavernes ; Jan Wall (1626-1679), un maître de taverne qui crée des scènes de foule ; Gerard Terborch (1617-1681) et David Teniers le Jeune (1610-1690).

❸ École de Leyde, dont font partie Gerard Dawe (1613-1675), qui réalise de nombreuses petites études de personnages, et ses élèves Gabriel Metsu (1629-1667) - connu pour ses œuvres de genre intimiste - et Frans van Mieris (1631-1681) - qui peint des scènes de plaisir et de dissipation de contemporains très fortunés.

❹ École de Delft sous la direction de Jan Vermeer (1632-1675), probablement le plus grand des peintres de genre néerlandais, et de Pieter de Hooch (1629-1684), connu pour ses images de paysans et de soldats. Pour une analyse spécifique des œuvres de Vermeer, voir : Analyses de peintures célèbres .

❺ L’école de Dordrecht, dont la figure principale est Nicholas Mas (1634-1693), connu pour ses premières scènes de la vie des domestiques «Sous l’escalier».

Vue d’ensemble : La peinture hollandaise du XVIIe siècle (1600-80).

Créée par les réalistes du baroque néerlandais, la peinture de genre se répand en Flandre, en Angleterre, en Espagne, en Italie et en France, où elle est développée par de nombreux artistes de différentes écoles. En Espagne, par exemple, les artistes de Bamboccianti ont introduit une forme sombre de peinture de genre appelée bodegon, illustrée par «Le Vendeur d’eau à Séville» (1618-1622) de Vélasquez.

Histoire et développement de la peinture de genre

Peintures de genre du dix-huitième siècle

En France, l’un des premiers maîtres de la peinture de genre fut Louis Lénine (v. 1563-1648) en compagnie de ses frères Antoine (v. 1588-1648) et Mathieu (v. 1607-77). Les frères Lénine sont connus pour leurs petits portraits intérieurs de groupes de paysans, tels que Paysage avec paysans (1640) et Quatre personnages autour d’une table (vers 1643). Ils sont suivis par Jean Chardin (1699-1779), l’un des plus grands artistes du 18e siècle, qui a produit de nombreuses natures mortes exquises et des représentations de genre d’un réalisme incroyable, telles que «Bulles de savon» (1734), «Jeune institutrice» (c.1735), «Jeune institutrice» (c.1735).), Dessinateur (1737), Gouvernante (1739) et Messager (1739). Son contemporain Jean-Baptiste Grèze (1725-1805) s’est d’abord spécialisé dans les tableaux à la morale sentimentale, comme «Les œufs cassés» (1756), «Le geste napolitain» (1757), «Le garçon au manuel» (1757), et «La blanchisseuse» (1761). Voir aussi : Balançoire (Fragonard) (1767) Jean-Honoré Fragonard.

Bien que l’Italie soit restée fortement influencée par les grandes traditions humanistes de la Renaissance, la peinture de genre émerge enfin au XVIIIe siècle, notamment grâce au peintre vénitien Pietro Longhi (1702-1785), qui lui consacre sa vie, dépeignant des scènes d’aristocrates et de petites gens dans des tableaux tels que : Scène de théâtre Scène d’amour : Scène de théâtre (1752) et Présentation d’un éléphant (1774).

En Angleterre, un des premiers représentants de la peinture de genre est William Hogarth (1697-1764). Ses scènes de la vie moderne, telles que les séries The Adventures of a Hanging Man et A Fashionable Marriage, dépeignent le comportement humain avec un message moral clair. En comparaison, les peintures de Thomas Gainsborough (1727-1788) appliquent des motifs de raffinement à des scènes de noblesse rurale bourgeoise et de contentement.

Peintures de genre du XIXe siècle

Alors que la peinture religieuse et historique décline au XIXe siècle, de plus en plus d’artistes s’inspirent de la vie quotidienne des gens ordinaires. Les réalistes, surtout en France, vont plus loin en plaçant leurs scènes de genre quotidiennes sur des toiles de grande taille, auparavant réservées à des œuvres historiques plus turbulentes ou plus subtiles.

En Angleterre, les peintres de genre les plus populaires du XIXe siècle étaient le peintre écossais David Wilkie (1785-1841), dont les œuvres comprenaient The Blind Fiddler (1806, Tate Gallery, Londres) ; Lettre de bienvenue (1813, National Gallery) ; Arrestation d’un bien à louer (1815, National Gallery) ; et Lecture d’un testament (1820, Pinakothek, Munich) - voir Le violoniste aveugle (1820, Pinakothek, Munich). ses œuvres et celles de et William Powell Frith (1819-1909) dans National Gallery of Scotland, Edinburgh. Admiré par la reine, Frith était un chroniqueur de la vie victorienne aux courses, en mer et en voyage, dans des peintures telles que Derby Day (1858) et Railway Station (1862). Walter Sickert (1860-1942), le principal peintre britannique des époques impressionniste et post-impressionniste, préférait les sujets plus modestes tels que les scènes de rue, les intérieurs miteux, les prostituées et les music-halls, qu’il représentait sans éclat dans une palette de couleurs boueuses.

En France, dans la première moitié du XIXe siècle, les deux grands peintres de genre sont les réalistes Jean-François Millet (1814-1875) et Gustave Courbet (1819-1877). Fils de paysan, Millet se concentre sur des scènes de la France rurale dans lesquelles il dépeint la vie dure mais digne de la paysannerie dans des œuvres telles que Moissonneurs (1857), Angélus (1859) et Homme à la houe (1862). Courbet élargit le propos à des scènes de la vie provinciale : ses œuvres les plus connues sont Stonelomes (1849) et Enterrement à Ornans (vers 1850). Honoré Daumier (1808-1879), observateur attentif et caricaturiste du Second Empire français, utilise l’eau-forte, l’aquarelle et le croquis pour rendre compte de la vie quotidienne des hommes et des femmes. Parmi son vaste corpus, citons La blanchisseuse (1860) et Les lieux de la troisième classe (1864). Voir aussi les exquises miniatures d’Ernest Meissonier (1815-1891), exécutées dans un style académique. Un autre type de peinture de genre exploré par les artistes français au XIXe siècle est l’orientalisme, qui dépeint généralement des scènes domestiques en Algérie, en Égypte et dans d’autres pays d’Afrique du Nord. L’un des principaux orientalistes fut Jean-Léon Jérôme (1824-1904).

Un autre peintre important de scènes de genre était le peintre allemand Adolf Menzel (1815-1905), dont les intérieurs calmes ont précédé l’impressionnisme de 25 ans.

La peinture de genre a atteint un autre sommet à l’époque de l’impressionnisme et du post-impressionnisme. À l’exception des puristes comme Monet, Pissarro et Sisley, la plupart des impressionnistes se sont concentrés sur les scènes quotidiennes de la vie parisienne. Exemples :

Frédéric Bazille (1841-1870)
Bazille Studio (1870)

Mary Cassatt (1845-1926)
Jeune femme cousant dans un jardin (1886)

Paul Cézanne (1839-1906)
Joueurs de cartes (1892-6)

Gustave Caibotte (1848-1894)
Rue de Paris, jour de pluie (1877)
Gratteurs (1875)

Edgar Degas (1834-1917)
Chevaux de course devant les tribunes (1866-8)
Classe de ballet (1871- 4)
Absinthe (1876)
Salle de repassage (1884)
Femme se brossant les cheveux (1887-90)

Édouard Manet (1832- 1883)
Déjeuner sur l’herbe (1863)
Balcon (1868)
Ouvriers de la rue de Berne (1878)
Bar à Foley- Berger (1882)

Claude Monet (1840-1926)
Femmes au jardin (1867)
La Grenouillère («La Grenouille», 1869)

Berthe Morisot (1841-1895)
Berceau (1873)

Pierre Auguste Renoir (1841-1919)
Danse au Moulin de la Galette (1876)
Déjeuner à la fête du bateau (1880- 1)
Balançoire (1876)

Georges Cera (1859-1891)
Dimanche après-midi sur la Grande Jatte (1886)
Baigneurs à Agnières (1884)

John Singer Sargent (1856-1925)
El Haleo (1882, Isabella Stewart Gardner Museum).

Dans Toulouse-Lautrec (1864-1901)
Sur le Moulin Rouge (1892)

En Russie , les plus grands peintres de genre sont Ilya Repin (1844-1930), surtout connu pour Burlaks sur la Volga (1870-73) et Procession religieuse dans la province de Koursk (1883) ; Konstantin Savitsky (1844-1905) est connu pour Réparation d’un chemin de fer (1874) ; et Abram Arkhipov (1862-1930), connu pour les peintures Visite (1915), Blanchisseuses (1899), Ouvriers dans une fonderie de fer (1896) et Le long de la rivière Oka (1890).

En Amérique, l’école dominante de la peinture de genre était réaliste, avec comme fondement la guerre civile et les peintures de mer de Winslow Homer (1836-1910) et des tableaux tels que Gross’s Clinic de Thomas Eakins (1844-1916), Défaite «Cowboy» (1895-6) Frederic Remington (1861-1909), Deer at Sharkey’s (1909) de George Wesley Bellows (1882-1925), et plus tard les peintures de genre nostalgiques de l’illustrateur de magazines Norman Rockwell (1894-1978), telles que Freedom from Want (1943). Parmi les autres artistes influents, citons les membres du mouvement américain «Scenic Painting», comme Edward Hopper (1882-1967), et une ramification, l’American School of Regionalism, dont les peintres de genre étaient Thomas Hart Benton (1889-1975) et John Stuart Curry (1897-1946).

Pour l’interprétation des peintures de genre du XIXe ou du XXe siècle, voir : Analyse de la peinture moderne (1800-2000).

Peintures de genre du XXe siècle

Au début du 20e siècle, des artistes de différentes écoles ont continué à produire des scènes de genre de grande qualité, allant de peintures calmes telles que : Intérieur avec une jeune fille au clavier (1901) du peintre d’intérieur danois Wilhelm Hammershøj ; Café royal à Londres (1912) de Sir William Orpen ; Jeune fille de Dalécarlie prenant un bain (1908) d’Anders Zorn ; et des chefs-d’œuvre expressionnistes tels que : Scène de rue à Berlin (1913) d’Ernst Ludwig Kirchner . D’autres styles artistiques uniques sont apparus, tels que «Matchsticks» L. S. Lowry, comme dans Coming from the Mill (1930). Le coloriste Pierre Bonnard a produit des œuvres remarquables, voir Blouse verte (1919) et Terrasse à Vernon (1939). Par ailleurs, des écoles d’un genre particulier voient le jour, comme les mouvements londoniens : le Camden Town Group et les Euston Road Painters.

Le milieu et la fin du XXe siècle et le début du XXIe siècle ont été marqués par la montée de l’abstraction stylistique, qui a entraîné la dégradation de l’art de genre. Edward Hopper (1882-1967) est une rare exception, avec des chefs-d’œuvre tels que Night Hawks (1942), tout comme Alex Colville (né en 1920), avec des œuvres telles que Swimming Race (1959). Jack Vettriano était un artiste écossais à succès qui travaillait dans des idiomes similaires, bien que sans les qualités picturales de Hopper et de Colville.