École réaliste néerlandaise de peinture de genre 
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Les origines et l’histoire du réalisme néerlandais
L’extraordinaire épanouissement de la peinture néerlandaise du XVIIe siècle a été influencé par plusieurs facteurs. Tout d’abord, en 1520, une scission ecclésiastique se produit entre la Rome catholique et le mouvement religieux protestant du nord de l’Europe. Cela a conduit à l’émergence d’un nouveau style d’art de la Réforme protestante, connu sous le nom de «Réalisme hollandais», et à une forte baisse du mécénat ecclésiastique pour la peinture religieuse à grande échelle dans les pays protestants tels que la Hollande.
Les autorités catholiques romaines ont réagi avec la Contre-Réforme baroque, destinée à restaurer la primauté de l’art religieux monumental (et à regagner ainsi son prestige perdu), mais les événements politiques étaient au rendez-vous. L’empire catholique espagnol commence à perdre son emprise sur les Pays-Bas, dont le désir d’indépendance est alimenté par l’essor du commerce et de la richesse.
Un nouveau type d’art pour un nouveau type de mécène bourgeois
Il en résulte, du moins en Hollande, l’apparition d’un nouveau groupe de clients pour un nouveau type d’art . Ces clients étaient les nouveaux membres de la classe moyenne protestante néerlandaise - propriétaires immobiliers, propriétaires d’usines, marchands, maîtres artisans et autres citoyens respectables de villes riches telles qu’Amsterdam, Leyde, Haarlem et Delft.
Ils voulaient (et ont reçu) de petites œuvres d’art portatives à caractère nettement séculier et bourgeois, reflétant leur statut et leur réputation grandissants.
Il s’agit de portraits - individuels et de groupe - ainsi que de peintures de genre, (scènes domestiques) natures mortes et paysages représentant leurs maisons de campagne et leur bétail.
Ils craignaient peut-être Dieu, mais s’ils payaient, ils voulaient en avoir pour leur argent. Cette demande d’un nouveau type d’art de chevalet était plus que satisfaite par les artistes habitués à la tradition picturale de Jan van Eyck, qui mettait l’accent sur la brillance de la peinture à l’huile, le naturalisme précis et le dessin minutieux.
Tout cela a pris de l’ampleur à partir du début du XVIIe siècle sous la forme d’un nouveau style d’art que nous appelons aujourd’hui le réalisme néerlandais, bien que ce style n’ait en fait prospéré que pendant quelques décennies - de 1648 environ, lorsque la Hollande est devenue une république indépendante, jusqu’en 1672, date de l’invasion française du pays et de l’effondrement de l’économie néerlandaise qui s’ensuivit.
Malgré cela, grâce à des artistes tels que Rembrandt et Jan Vermeer, le mouvement a pu produire certaines des images les plus inoubliables de l’histoire de l’art .
Le nouveau mécène des peintres réalistes néerlandais
Qui était ce nouveau mécène néerlandais? En règle générale, c’était un citadin et un homme d’affaires. Le service dans l’armée et les complexités d’un commerce outre-mer en pleine expansion ont aiguisé son esprit et lui ont donné une rare confiance en lui. C’était un patriote, mais il ne s’intéressait pas à ce qui ne servait pas sa dignité et son confort. Par-dessus tout, il était fier, à juste titre, de sa maison et de sa ferme. Il y a chez lui une merveilleuse combinaison d’économie et de générosité. Aucun costume n’est trop élaboré ou trop cher pour lui, aucun plat ou vin n’est trop onéreux pour son estomac. Il est socialement actif, adhérant constamment à des guildes de commerçants et de marchands, à des chambres rituelles et à des sociétés de bienfaisance. Il se marie prudemment et est fier de la propreté de sa maison de ville. Pour la décorer, il est prêt à dépenser de l’argent en poteries et en peintures, ainsi qu’en tissus fins pour sa femme et ses enfants.
Un tel homme ne demande à l’artiste qu’une seule faveur : se représenter lui-même, et au sens large, sa propriété et sa famille. Cela signifie, tout d’abord, qu’il veut être représenté dans tout son courage viril ; il est également prêt à payer pour son portrait dans les groupes et les corporations auxquels il appartient. Ensuite, il veut que ses femmes soient représentées, ainsi que ses enfants. Il aime la tranquillité de sa maison et accueille volontiers les images des pièces où se trouvent ses femmes. Il chérit sa ville, sa rue, et est prêt à payer pour une bonne peinture sur ces sujets. Il aime la fête et la gaieté et commandera une image de sa famille fêtant seule ou avec des amis dans une taverne appropriée. Il est fier de sa cuisine et de sa vaisselle et est donc un excellent client pour un artiste peignant des natures mortes. En ce qui concerne les paysages, ses goûts sont limités. Il préfère voir des images de sa propre maison de campagne, avec ou sans bétail. En outre, il aime les croquis de la mer calme ou en colère, le destin des bateaux et des navires.
Développement de l’art réaliste néerlandais (portraits et œuvres de genre)
Le nouveau goût hollandais pour l’art - surtout pour le portrait et la peinture de genre - modifie à la fois la nature du mécénat et la peinture de genre elle-même. Le tableau devait être de nature à plaire à la moyenne des gens aisés, ne pas être trop grand pour entrer dans une maison modeste, et offrir la possibilité d’une revente rentable. En bref, les conditions économiques auxquelles était confronté l’artiste à Amsterdam à l’époque de Rembrandt étaient très semblables à celles auxquelles il est encore confronté à New York, Londres ou Paris.
Aux yeux des mécènes hollandais, un tableau se vend, en règle générale, en raison de sa fidélité aux apparences naturelles saisies par l’œil ordinaire, et de son exécution franchement fine et soignée. Rembrandt, qui ne remplissait qu’exceptionnellement l’une des conditions de la popularité, mourut inévitablement dans la pauvreté.
Si la fidélité à l’apparence est requise, le problème est de créer un style dans le cadre de cette contrainte. Ici, il n’y a pas vraiment de précédent. Les grandes peintures de tavernes et de bordels d’Aertsen et d’Hemessen ont été peintes dans le style de l’exotisme italien. Les histoires et spectacles populaires de Pieter Bruegel l’Ancien ont développé leurs propres lois, inapplicables aux sujets intimes et familiers à la mode. Le style hollandais a dû être créé de toutes pièces. De manière caractéristique, il a été possible de le faire dans le cadre des contraintes familières au peintre de genre hollandais.
Peignant principalement des intérieurs, il voit la figure humaine, solitaire ou en groupe, avec sa construction curviligne contrastant étrangement et heureusement avec les formes rectangulaires qui abondent dans la pièce hollandaise. La chose évidente à faire pour un artiste de bon goût était simplement de jouer sur ce contraste, en faisant des sélections, des exclusions et des réarrangements qui pouvaient servir les objectifs de la composition.
En pratique, cela signifiait jouer habilement avec les contours architecturaux donnés - des quadrilatères de toutes les formes imaginables, les rectangles fondamentaux étant déformés en perspective - la même variété de formes cubiques et losangiques dans les meubles, les encadrements de fenêtres, les entrées de portes et la pièce elle-même. Bien que l’agencement de ces formes géométriques soit en grande partie modelé, les mêmes éléments sont considérés comme des facteurs de composition en profondeur. La pièce s’ouvre sur la pièce, l’extérieur s’ouvre sur l’intérieur de la pièce et vice versa. Tout ce jeu stylistique doit être mené au moyen d’un éclairage et d’une coloration qui, en dépit d’une convention subtile, doivent paraître tout à fait naturels.
Dans ce cadre rigide, les petits maîtres hollandais ont produit en une quarantaine d’années, de 1630 à 1670, des milliers de petits tableaux dont la perfection, simple en apparence mais très complexe en réalité, désespère les artistes modernes.
On constate que cette formule était déjà à la base de la composition des meilleurs groupes corporatifs de Frans Hals et de Rembrandt, superbement élaborée dans les compositions simples de Gabriel Metsü et de Gerard Terborch, et développée avec la plus grande sophistication par Jan Vermeer de Delft. Bien sûr, cette manifestation de goût dans la composition est généralement inconsciente. Mais nous pouvons être sûrs que lorsque Pieter de Hooch développe en profondeur ses éléments cubiques ou en forme de diamant, ou que Vermeer crée une composition de moulage complexe aussi réussie, comme nous le voyons dans «La leçon de musique», et «La lettre d’amour», les deux artistes savaient exactement de quoi ils parlaient.
Voir aussi les peintures architecturales d’intérieurs d’églises de Pieter Senredam (1597-1665) et d’Emanuel de Witte (1615-1692), qui prennent la forme de peintures de genre, surtout dans le cas de de Witte.
Il n’y a que quelques mots à dire sur le traitement des peintures hollandaises elles-mêmes. A l’exception de l’utilisation de préparations brunes au lieu de blanches et de l’apparition d’une nouvelle «manière sombre» - la méthode artistique reste la même que celle des grands pionniers gothiques de la peinture à l’huile. Par exemple, la différence technique entre la peinture de Hubert van Eyck et celle de réalistes tels que Gabriel Metsü, Jan Vermeer ou Gerhard Terborch est très légère. La surface est finie avec un poli translucide très fin. Quelques touches de pigment sont appliquées avec parcimonie, ce qui est très important pour la texture et les points lumineux.
À partir des Van Eyck, les peintures hollandaises ont été poncées mécaniquement avec une ponceuse en agate ou similaire, puis quelques touches d’apprêt ont été ajoutées pour supprimer la monotonie du lustre et donner de la vivacité à l’effet. À cet égard, il est intéressant de noter à quel point le traitement plus audacieux, plus grossier et optiquement plus efficace de Frans Hals et de ses disciples a été rapidement rejeté. Il a cédé en partie à la nouvelle «manière plus sombre», en partie à la conviction générale du mécène néerlandais qu’un tableau qui brille moins que ses propres bottes bien entretenues est une affaire négligée. C’est ainsi que l’artiste hollandais a préparé ses produits alléchants et qu’il a généralement prospéré. (Voir aussi : Les plus grands tableaux de genre .)
Une dernière chose à noter : indépendamment de son nom, le réalisme hollandais a incorporé de nombreux fils de symbolisme complexe dans ses peintures, complétant le naturalisme précis avec de la narration et de la morale. Il ne s’agit donc en aucun cas d’un art purement sentimental ou décoratif.
Les écoles du réalisme néerlandais
Les historiens de l’art subdivisent parfois le réalisme néerlandais en plusieurs «écoles», dont les écoles d’Utrecht (fondée vers 1610) et de Delft (vers 1650), ainsi que les écoles de Haarlem, de Leyde ou d’Amsterdam . Il convient toutefois de noter que la plupart des artistes néerlandais n’étaient ni statiques géographiquement, ni engagés stylistiquement dans l’une ou l’autre interprétation.
L’école réaliste néerlandaise d’Utrecht
L’école d’Utrecht ayant été précoce, assez influente et quelque peu exotique, nous pouvons la présenter brièvement. Utrecht était, et est toujours, exclusivement catholique en Hollande. En matière de religion et d’art, elle était étroitement liée à l’Italie. La continuité d’Utrecht avec la tradition classique de la Renaissance a été maintenue par l’artiste peu important Cornelis van Polenberg (1586-1667). Il travaille avec l’Italien Abraham van Blomaert, puis passe trois ans à Rome, où il étudie assidûment Elsheimer, Raphaël et l’Antiquité. Ces études aboutissent à des paysages miniatures animés par des groupes de nymphes ou de déesses nues. Ces peintures inoffensives et idylliques gagnent immédiatement en popularité dans de nombreux pays. Il a travaillé jusqu’en Angleterre. Ses tableaux se trouvent dans des musées de Madrid à Saint-Pétersbourg. En réalité, leurs motifs arcadiens aux finitions lisses n’ont que peu d’importance. Ils sont symptomatiques de la nostalgie de la beauté antique qui a survécu dans les avant-postes catholiques de l’empire.
Gerrit van Honthorst (1590-1656) est un personnage beaucoup plus important. Il est né en 1590, a étudié avec le peintre italien Blomaert en 1610 et s’est rendu peu après en Italie, où il est resté dix ans. Le Caravage venait de mourir, mais Honthorst a examiné ses peintures et celles de ses nombreux imitateurs. Adoptant les ombres lourdes des peintres d’ombres et leurs dessins simples, Honthorst poursuivit «la manière sombre» dans ses propres expériences.
Ses scènes nocturnes réussies avec un éclairage artificiel sensationnel lui ont valu le surnom de «Gérard de la nuit» , «Gérard des nuits». Sa «Nativité» à Florence est assez caractéristique. Ses tableaux se vendent facilement en Italie et il retourne à Utrecht, où il jouit d’une grande notoriété. Là, il continue à peindre à grande échelle des tableaux italiens, des sujets de genre et de superbes portraits. Ses peintures attirent la nouveauté et jouissent d’une grande influence. Sans l’exemple de Honthorst, on peut difficilement imaginer le jeune Rembrandt adopter «la manière sombre», et ce choix de Rembrandt a déterminé le caractère d’une grande partie de la peinture de genre hollandaise.
Honthorst fut l’un des premiers peintres cosmopolites, et il travailla très loin, servant pas moins de cinq souverains - la Toscane, la Pologne, le Danemark, la Hollande et l’Angleterre - et recevant partout des éloges et de l’argent. Il meurt à Utrecht en 1656. L’importance de son évolution est considérable. Il a lancé la mode que Rembrandt et ses meilleurs imitateurs ont transformée en style. Pour plus de détails sur sa vie, voir : Gerrit van Honthorst : Biographie .
Mais le principal peintre de l’école d’Utrecht du réalisme néerlandais est de loin Hendrik Terbruggen (1588-1629). Pour en savoir plus sur sa vie et son œuvre, voir : Hendrik Terbruggen : Biographie .
L’école réaliste néerlandaise de Haarlem
Les premiers et meilleurs artistes néerlandais qui ont représenté des scènes de la vie modeste et bourgeoise étaient d’une manière ou d’une autre associés à l’école de Haarlem . Parmi eux, on peut citer Adriaen Brouwer, Adriaen Ostade et Jan Steen .
Adriaen Brouwer (1605-1638), l’un des plus grands talents naturels de la peinture réaliste néerlandaise du XVIIe siècle, s’est spécialisé dans les scènes d’ivresse dans la basse société. Rubens et Rembrandt étaient des collectionneurs actifs de ses œuvres. Pour plus de détails sur sa courte carrière, voir Adriaen Brouwer : Biographie .
Adriaen Van Ostade (1610-1685) s’est spécialisé dans les scènes de genre représentant des paysans chez eux ou dans une taverne. Parmi ses œuvres majeures, citons «Le concert de village» (1638), «Un paysan s’occupant d’une vieille femme» (1653), et «L’alchimiste» (1661). Pour plus de détails, voir Adriaen van Ostade : Biographie .
Jan Sten (1626-1679), tavernier, a peint des scènes de foule bruyantes dans des maisons et des auberges, contenant souvent des appels francs aux vices de l’oisiveté, de l’ivrognerie et de la promiscuité. Des exemples de ses beaux-arts sont «Une jeune femme jouant du clavecin» (1659), «Joueurs de quilles dans une auberge» (vers 1660), et «Fête de baptême» (1664). Ensemble, ils couvrent, à l’exception de la phase patricienne, toute la gamme de la peinture de genre hollandaise. Pour en savoir plus sur ses peintures et son style réaliste, voir : Jan Steen : Biographie .
Gerard Terborch (1617-1681), un autre artiste influencé par le style de Haarlem, fut l’un des plus célèbres peintres de genre et figuratifs de l’école néerlandaise du réalisme, peignant avec un œil vif et un grand amour pour ses sujets. Parmi ses œuvres, citons «L’épître» (1658) et «La dame à la toilette» (1668). Pour plus de détails, voir Gérard Terborch : Biographie .
David Teniers le Jeune (1610-1690), l’un des maîtres anciens les plus fiables de la Hollande du XVIIe siècle, fut également un adepte précoce de l’école de Haarlem. Pour en savoir plus sur sa vie et son œuvre, voir David Teniers le Jeune : biographie .
L’école réaliste néerlandaise de Leyde
L’école de Leyde s’est développée de manière incongrue à partir de la pratique laborieuse et laide du jeune Rembrandt, poursuivie par son élève Gerard Dawe (1613-1675). Ce modelage minutieux avec des effets de lumière sensationnels était tout à fait approprié pour un jeune talent qui se découvrait, et Rembrandt abandonna rapidement cette méthode. Mais l’installation de Rembrandt à Amsterdam vers 1630 a donné à son élève de dix-sept ans des bases techniques permanentes qu’il n’a jamais modifiées.
C’est peut-être parce que Leyde était une ville universitaire et un centre d’édition de livres que ses artistes se tournaient rarement vers la vie paysanne, le quotidien du trottoir ou de la taverne. Ils ont suivi l’exemple du pionnier Gerard Dawe, qui s’intéressait aux classes moyennes solides. Les meilleurs, ou plutôt les moins mauvais, de ses tableaux sont peut-être ses nombreuses petites études de personnages uniques, de bustes ou de demi-femmes. Il a ainsi peint le père et la mère de Rembrandt, son propre portrait, des représentations d’ermites, de philosophes, etc.
Du prospère, participe activement à la fondation de la guilde des peintres de Leyde en 1648 et a de nombreux élèves, dont certains, comme Gabriel Metsu et Frans Mieris, atteignent la célébrité. Ses grandes peintures de genre étaient et sont toujours populaires. En effet, le touriste qui se promène dans une grande galerie est heureux de découvrir un style d’art qui plante le décor, met les points sur les i et les t et ne demande que peu d’efforts pour l’apprécier. Certains grands tableaux, comme «Young Mother» et «Drop Woman», ont un attrait mineur en raison de l’amour évident de Dawe pour son matériau et de la fierté qu’il éprouve à l’égard de son travail. Il n’y a pas de contemplation derrière ses peintures, et c’est peut-être pour cela qu’il les aime.
Dou a transmis ses petites et gracieuses manières à ses élèves, mais les meilleurs d’entre eux les ont dépassées. S’il fallait choisir un peintre de genre hollandais, on pourrait se contenter de Gabriel Metsjou (1629-1667). Bien que son goût et son imagination n’appartiennent pas au premier rang, il ne tombe jamais en dessous d’un haut niveau de professionnalisme ; sa bonne humeur astucieuse ne se dément pas ; sa curiosité et son intérêt s’étendent à tous les aspects de la vie domestique, du marché et de la cuisine au salon et à la salle de musique. À travers ses peintures, on peut voir la vie d’une famille hollandaise prospère, qui est paisible pour de nombreuses raisons. Le bon sens et l’agrément de la vie domestique sont les thèmes de Metsü, qu’il illustre avec beaucoup de variété et de bonne volonté. Pour en savoir plus sur sa vie et son œuvre, voir : Gabriel Metsü : Biographie .
Le style lisse de Gérard Dou est conservé, mais avec une meilleure perception des couleurs, dans les œuvres d’un autre de ses élèves, Frans van Myris (1631-1681). Miris ne s’intéresse qu’aux gens riches, à leur vie facile, à leur aristocratie plus ou moins dévalorisée, à leurs plaisirs mondains, à leur dissipation. Dans la représentation des choses, des soies, des satins, des bordures de fourrure, il se dépense sans compter, produisant un littéralisme heureusement exceptionnel pour les peintres hollandais de son talent. Il s’intéresse vraiment aux surfaces, et la Hollande prospère produit activement une surface française dans le costume, les manières et les mœurs. Cette surface, Frans van Meeris l’a superbement dépeinte - aussi bien qu’elle le méritait. Mais il s’agit d’un art peu viable et pas du tout raciste. Ses nombreuses femmes richement vêtues et à forte poitrine jouant du luth ou recevant de l’attention se trouvent dans les musées publics du monde entier, car Frans van Mieris était populaire et prolifique.
Il est né à Leyde en 1631, a été admis à la guilde en 1658 et est mort en 1681 en pleine possession de ses droits. C’est peut-être dans une peinture de son propre atelier que nous le voyons le mieux. Le tableau est digne d’admiration, mais la composition est détendue. L’intérêt est passé de la création d’une composition claire et expressive dans le style hollandais à la création d’un sentiment général de luxe et d’aristocratisme. Après tout, Frans van Myries était le type parfait du peintre à la mode. On peut en dire autant de ses contemporains tels que Jacob van Auchtervelt, Eglon van der Neer et le Heidelberg Caspar Netscher.
La pleine profondeur de la décadence n’est atteinte qu’à la génération suivante et dans les dernières décennies du siècle, lorsque le fils de Frans van Mieris, Willem, et Adrian van der Werf n’ont plus qu’une technique désagréablement huileuse et glissante appliquée indistinctement aux femmes vêtues et non vêtues, qu’une subtile impartialité rend tout aussi insignifiante dans l’un ou l’autre état. Chez d’éminents élèves de Rembrandt comme Ferdinand Bol et Nicolas Mas, la même dégradation est observée dans les portraits plus tardifs. Il perd de sa force et de son caractère et acquiert une élégance empruntée à Van Dyck.
L’école réaliste hollandaise de Delft
Delft, peut-être la ville hollandaise la plus soignée et la plus attrayante, a trouvé en Jan Vermeer un grand maître et en Pieter de Hooch un talent considérable, mais n’a jamais développé d’école cohérente. Comme la plupart de ses peintres ont suivi «la manière sombre» de Rembrandt, on peut à juste titre leur attribuer cette place. En la personne de Michiel Jans Mirevelt (1567-1641), Delft possédait un excellent portraitiste, travaillant plutôt dans l’ancien style cosmopolite. En Hollande et en Angleterre, il a fait le portrait de nombreuses célébrités avec fidélité et distinction. Grâce à lui, nous voyons aujourd’hui des héros de la libération tels que Guillaume le Silencieux et Jean de Barnevelt. Mais Mirevelt, à une distance considérable de Delft, n’avait pas grand-chose à apprendre au jeune artiste des années 1640. Des peintres comme Karel Fabricius et Leonard Bramer se tournent instinctivement vers la nouvelle merveille de Rembrandt à l’époque de La Ronde de nuit.
Il est possible que Fabritius et Bramer aient tous deux participé à la formation de Vermeer, bien que nous ne disposions d’aucune preuve définitive à cet égard. Karel Fabricius (1624-1654) a peint plusieurs portraits très sensibles dans le style de Rembrandt, à partir de 1645. Parmi eux, un buste d’un jeune homme vigoureux mais quelque peu mélancolique, qui pourrait bien être un autoportrait, occupe une place de choix. Il a également réalisé un beau tableau «Le pinson sur sa maison» , signé et daté de 1654. À partir d’un motif aussi insignifiant, Karel Fabricius a créé un chef-d’œuvre inoubliable en capturant simplement le jeu de lumière sur le mur, la texture et les nuances du plumage du petit oiseau, ainsi que sa démarche joyeuse et confiante.
Il est peu probable que Karel Fabricius ait été longtemps associé à Vermeer, car Fabricius est mort dans une explosion de poudre à canon en 1654, alors que Vermeer n’avait que vingt-deux ans. La liste plus ou moins généralement acceptée des peintures de Fabritius repose moins sur des signatures ou des documents que sur des attributions stylistiques, et elle est loin d’être univoque. On entrevoit un don exquis sans être sûr de son expression spécifique.
Léonard Bramer (1596-1667) est un personnage d’une importance au moins considérable. Il a fait ses études en Italie, a subi l’influence de l’idyllisme d’Elsheimer et a été à plusieurs reprises à la tête de la guilde des peintres de Delft jusqu’en 1665, date à laquelle Vermeer a probablement poursuivi ses études. Bramer était un homme très cultivé, et s’il faut supposer un intermédiaire pour expliquer l’italianisme transitoire de Vermeer, Bramer convient parfaitement à cet objectif.
En ce qui concerne les peintures de Bramer, à l’exception de quelques œuvres caravagesques précoces, il n’y a pas d’influence italienne, mais des traces de la veine fantastique et théâtrale du Rembrandt du début des années 1640. Ils utilisent sa lumière vive et empruntent quelque chose de sa magie. Il n’y a rien qui ressemble à l’attrait ambigu de Vermeer ou d’autres artistes.
Bramer est né à Delft en 1596. Dès l’âge de dix-huit ans, il étudie pendant plusieurs années en France et en Italie. À Rome , le ténébrisme du Caravage est nouveau et Bramer succombe un temps à ses charmes. En 1625, il retourne à Delft et, quatre ans plus tard, il entre à la guilde. Il devient ainsi un peintre accompli avant même que Rembrandt n’ait développé son propre style. Cependant, Bramer étudie attentivement les peintures de Rembrandt de la fin des années 1630 - 1640 et en tire son style. Et il l’a fait avec plus de talent et d’originalité que la plupart des élèves directs de Rembrandt. Dans les tableaux rembrandtiens de Bramer tels que Salaman et la reine de Saba ; Siméon au temple ; Présentation au temple ; Déposition de croix, il y a du glamour et de la romance, peut-être un peu trop insistants. D’un point de vue évolutif, Bramer partage avec Karel Fabricius le mérite d’avoir introduit le style de Rembrandt à Delft.
Méconnu de son vivant, le peintre de Delft Jan Vermeer (1632-1675) est considéré comme le chef de file de l’école de Delft et le plus grand de tous les peintres de genre néerlandais. Bien qu’on ne connaisse que 35 de ses peintures, elles comprennent des chefs-d’œuvre tels que Soldat et jeune fille riant (v. 1658, Frick Collection), Laitière (v. 1658, Rijksmuseum), Petite rue (v. 1657, Rijksmuseum), Jeune femme à la cruche (v. 1662, Metropolitan Museum of Art, New York), Femme à la balance (1662-3, National Gallery of Art, Washington), Femme au collier de perles (v. 1662, Staatliche Museen Preussischer Kulturbesitz, Gemaldegalerie, Berlin), Leçon de musique (Dame et monsieur avec les virginalistes) (v. 1665, British Royal Collection), Concert (v. 1665, Isabella Stewart Gardner Museum, Boston, PA - volé), Jeune fille à la boucle d’oreille en perle (v. 1665, Mauritshuis), «Allégorie de la peinture» (v. 1666, Historical Museum), «La dentellière» (v. 1669, Louvre), et «Jeune fille au chapeau rouge» (v. 1666, National Gallery of Art, Washington). Malgré ses capacités extraordinaires, Vermeer meurt endetté à l’âge de 42 ans. Il est resté dans l’ombre jusqu’à sa «redécouverte» au dix-neuvième siècle. Jan Vermeer : Biographie .
Peintre de genre de Delft Pieter de Hoch (1629-1683) commence par des scènes de paysans et de soldats, passe aux cours ensoleillées et aux intérieurs de la classe moyenne, et termine par des représentations des maisons de la haute bourgeoisie. Pour plus de détails, voir : Pieter de Hoch : Biographie .
Autres peintres de genre néerlandais
Nicholas Mas (1634-1693) de Dordrecht, connu pour ses premières représentations de la vie des domestiques «sous l’escalier», ainsi que des femmes endormies et des ustensiles de cuisine. Parmi les animalistes (peintres d’animaux) néerlandais notables, citons le grand peintre de natures mortes Frans Snijders (1579-1657) et Paulus Potter (1625-54) d’Amsterdam, connu pour ses représentations de vaches, de chevaux et de moutons, ainsi que pour ses vanités de natures mortes. Un exemple de son travail est «Jeune taureau» (1647).
Rembrandt Harmens van Rijn (1606-1669)
Paradoxalement, Rembrandt - le plus célèbre des peintres hollandais - n’était pas un représentant typique du réalisme hollandais pour la simple raison que son œuvre ne pouvait être enfermée dans le cadre du goût hollandais, comme l’illustre parfaitement son remarquable portrait de groupe «Veille de nuit» . Au contraire, il était à la fois un peintre de grand style, passionné par la représentation des moments dramatiques de l’histoire biblique, et un portraitiste affûté dont les portraits et autoportraits, d’une honnêteté stupéfiante, traduisent toute la gamme des émotions humaines. Pour l’article complet, voir : Rembrandt : biographie .
Liste des peintres réalistes néerlandais
Voici une liste chronologique des principaux artistes associés au réalisme hollandais du XVIIe siècle, classés selon leur principal type de peinture.
Peinture de genre et portraits
Frans Hals (1581-1666)
Le premier portraitiste réaliste néerlandais qui vécut à Haarlem.
Hendrik Terbruggen (1588-1629)
Peintre majeur de l’école d’Utrecht.
Gerrit van Honthorst (1590-1656)
Portraitiste et peintre de genre italien d’Utrecht, fortement influencé par le Caravage.
Leonart Bramer (1596-1667)
Peintre de Delft inspiré par Rembrandt.
Adrian Brouwer (1605-1638)
Peintre de Haarlem connu pour ses représentations de genre de tavernes.
Rembrandt (1606-1669)
Style unique de portraits, autoportraits, peintures figuratives.
Adrian van Ostade (1610-1685)
Peintre de scènes paysannes ayant vécu à Haarlem.
David Teniers le Jeune (1610-1690)
Paysan, scènes de garde. Exerce à Anvers, Rome, Bruxelles.
Gerrit Dou (1613-1675)
Premier élève de Rembrandt, travaille à Leyde.
Govaert Flink (1615-1660)
Élève de Rembrandt qui vécut à Amsterdam.
Ferdinand Bol (1616-1680)
Un élève de Rembrandt qui vécut à Amsterdam.
Gerard Terborch (1617-1681)
Amsterdam, Haarlem
Karel Fabricius (1622-1654)
Le meilleur élève de Rembrandt, qui travailla à Amsterdam et à Delft.
Jan Sten (1626-1679)
Célèbre pour ses scènes moralisatrices dans les tavernes.
Samuel van Hoogstraten (1627-1678)
Peintre de genre qui créa des intérieurs en trompe-l’œil avec une profonde perspective linéaire.
Pieter de Hoch (1629-1683)
Un des grands peintres de genre qui vécut à Delft.
Gabriel Metsu (1629-1667)
Célèbre pour ses scènes de genre intimistes à petite échelle, travailla à Amsterdam
Jan Vermeer (1632-1675)
Le plus grand de tous les peintres de genre réalistes néerlandais. Chef de file de l’école de Delft.
Nicholas Mas (1634-1693)
Célèbre pour ses premières peintures de genre, a vécu à Dordrecht.
Nature morte
Frans Snyders (1579-1657)
Peintre flamand de natures mortes qui travailla à Anvers.
Willem Claes Heda (1594-1680)
Spécialiste des natures mortes, représentant de l’école de Haarlem.
Pieter Claes (1597-1660)
Principal peintre de natures mortes avec petit déjeuner ) ontbijtjes).
Jan Davids de Hem (1606-1684)
Célèbre peintre de natures mortes, représentant de l’école d’Utrecht du réalisme néerlandais.
Harmen van Steenwyk (1612-1656)
Principal représentant de la peinture de vanités (nature morte avec morale).
Willem Kalf (1619-1693)
Peintre naturaliste d’Amsterdam connu pour ses peintures pronkstyle / vanitas.
Rachel Ruysch (1664-1750)
Peintre coloriste d’Amsterdam, peut-être le plus grand peintre du baroque tardif.
Paysages
Hendrik Averkamp (1585-1634)
Connu pour ses scènes d’hiver, il travailla à Amsterdam.
Cornelis van Polenberg (1586-1667)
Peintre d’Utrecht connu pour ses paysages arcadiens.
Esaias van de Velde (1591-1630)
L’un des fondateurs de la peinture paysagère réaliste néerlandaise, qui vécut à Haarlem.
Jan van Goyen (1596-1656)
Un remarquable peintre paysagiste qui vécut à Leyde.
Salomon van Roeijsdal (1600-1670)
Connu pour ses vues typiquement hollandaises et ses paysages fluviaux, il travailla à Haarlem.
Philips Koninck (1619-1688)
Connu pour ses vues panoramiques de grand format, exécutées à Rotterdam et Amsterdam.
Aelbert Cuip (1620-1691)
L’un des principaux paysagistes néerlandais qui travailla à Dordrecht.
Jacob van Roijsdal (1628-1682)
Un des principaux peintres paysagistes néerlandais de la fin du XVIIe siècle qui vécut à Amsterdam.
Meindert Hobbema (1638-1709)
Le dernier des grands paysagistes réalistes néerlandais.
Peintres réalistes néerlandais qui se sont spécialisés dans d’autres genres
Pieter Jans Saenredam (1597-1665)
Peintre d’architecture qui vécut à Haarlem.
Paulus Potter (1625-54)
Important peintre de vaches et d’autres animaux, travailla à Amsterdam.
Willem van de Velde (1633-1707)
Peintre de marines, vécut à Leyde.
Pour les autres peintres de l’âge d’or néerlandais, voir : Peintres réalistes néerlandais .
- Gabriel Metsu: peintre de genre réaliste néerlandais
- Quentin Massys / Metsys: peintre de genre flamand, portraitiste
- Le musée Frans Hals a présenté un cadeau de plus de 100 millions d’euros
- Mauritshuis prêt à ouvrir après la reconstruction
- Gerard Terborch: peintre de genre réaliste néerlandais, école de Haarlem
- Adriaen van Ostade: peintre de genre hollandaise, école de Haarlem
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