Portrait Art: Histoire, Types Automatique traduire

En outre, au milieu du XVIe siècle, à la suite de la scission entre l’Église catholique de Rome et le mouvement protestant provoquée par la Réforme de Luther (vers 1520), le Conseil catholique de Trente a décidé de lancer une grande campagne pour regagner la loyauté des paroissiens désillusionnés. Cette campagne, connue sous le nom de Contre-Réforme, a utilisé l’art comme arme de propagande et a donc commandé un grand nombre de peintures et de sculptures religieuses, souvent à une échelle monumentale, y compris des portraits emblématiques. Voir, par exemple, les remarquables chefs-d’œuvre d’El Greco «Portrait d’un cardinal» (1600) et «Portrait de Felix Hortensio Paravicino» (vers 1605). Voir aussi : Portraits baroques . Pour les artistes du XVIIe siècle qui se sont spécialisés dans les portraits de rois, voir par exemple Hyacinthe Rigaud (1659-1743), peintre connu pour ses portraits de Louis XIV.

L’école du réalisme hollandais est une période unique de la peinture de portrait

Parallèlement à l’essor de la peinture catholique, une mini-renaissance émerge dans la Hollande protestante, alimentée par un nouveau type de client, très matérialiste : le riche marchand ou professionnel de la classe moyenne, qui souhaite acheter des peintures qui le mettront en valeur, lui et sa famille. Les tableaux devaient être suffisamment petits pour être accrochés au mur de la maison et suffisamment détaillés pour paraître réalistes. C’est ainsi qu’est né le style unique de peinture du réalisme hollandais. Parmi les plus grands peintres réalistes hollandais figurent de remarquables portraitistes tels que Frans Hals (1582-1666), Jan Vermeer (1632-1675) et, bien sûr, Rembrandt.

Note : La peinture de portrait s’est développée plus tardivement en Russie que dans le reste de l’Europe. Ce n’est qu’à l’époque de l’art pétrinien sous Pierre le Grand (1686-1725) que les portraits de style académique deviennent courants.

L’expansion de la peinture de portrait : la photographie d’hier (1700-1900)

La peinture de portrait en tant que genre s’est considérablement développée aux XVIIIe et XIXe siècles. Cela est dû à plusieurs facteurs, notamment l’utilisation généralisée de l’huile et de la toile, la croissance du commerce, qui a créé un groupe important de riches hommes d’affaires et de propriétaires terriens de la classe moyenne, et l’utilisation de la peinture de portrait comme moyen de créer (immortaliser) un document visuel sur les individus et les familles. Quoi qu’il en soit, l’art du portrait a connu un essor considérable au cours de cette période, qui ne s’est interrompu qu’avec l’avènement de l’appareil photo au 20e siècle. Pour les œuvres du XVIIIe siècle, voir : Portrait rococo et néoclassique . Les deux meilleures femmes portraitistes du XVIIIe siècle sont probablement l’artiste suisse Angélique Kaufmann (1741-1807), qui a travaillé à Londres et à Rome, et Élisabeth Vigée-Lebrun (1755-1842), peintre de la cour de la reine Marie-Antoinette. Parmi les autres portraitistes notables du XVIIIe siècle, citons Jean-Baptiste Grèze (1725-1805), connu pour ses œuvres rococo exquises telles que «Le Chapeau blanc» (1780, Museum of Fine Arts, Boston).

Sur les peintures du XIXe siècle, voir : Les portraits du XIXe siècle . En ce qui concerne les écoles spécifiques, les caractéristiques de la peinture de portrait anglaise sont abordées dans La peinture figurative anglaise des XVIIIe et XIXe siècles, et vous pouvez également voir des exemples de portraits impressionnistes célèbres , tels que ceux d’Édouard Manet et d’autres dans notre galerie .

Le genre spécialisé du portrait romantique, très populaire dans l’Angleterre du XIXe siècle, est représenté par les peintures de Sir Edwin Landseer (1802-1873), dont les portraits sentimentaux de chiens expriment quelques-unes des vertus majeures de l’ère victorienne.

Le portrait au XXe siècle

Le XXe siècle s’intéresse peu à la hiérarchie classique des genres et se préoccupe de nouvelles manières de représenter la réalité à une époque de guerres mondiales et d’incertitudes morales. Après une série de portraits expressionnistes, les progrès de la photographie, du cinéma et de la vidéo ont fait du portrait classique un anachronisme de peu de valeur. Au contraire, les portraitistes du XXe siècle ont simplement utilisé le genre comme un autre moyen de promouvoir leur style d’art. Les exceptions comprennent les portraits de Picasso, comme le Portrait de Gertrude Stein (1906), et les portraits expressionnistes de Modigliani : voir, par exemple, le Portrait de Juan Gris (1915) et le Portrait de Jeanne Ebuterne (1918). Les œuvres d’après-guerre ont également été influencées par d’autres matériaux artistiques, les médias informatiques et les nouvelles formes d’impression, ce qui a permis de réaliser de nouvelles œuvres avec de la peinture acrylique, de la peinture aluminium, des collages, de la sérigraphie, de l’impression par ordinateur et des médias mixtes, ainsi qu’une variété de nouveaux matériaux sculpturaux. Cette tendance est illustrée, par exemple, par le Pop Art d’Andy Warhol (1928-1987), dont les portraits imprimés d’Elvis, de Marilyn Monroe, de Jacqueline Kennedy, d’Elizabeth Taylor et de Mao Tse-Tung sont devenus des icônes de la fin du vingtième siècle. Le dernier style moderne de portrait, connu sous le nom de photoréalisme (hyperréalisme), est représenté par des artistes tels que, par exemple, l’Américain Chuck Close (né en 1940).

Caractéristiques de l’art du portrait

Comme tout autre genre, l’art du portrait reflète le style dominant de la peinture. Dans l’Égypte ancienne, les portraits peints et les sculptures en relief ne représentaient le sujet que de profil. Un portrait peint à l’époque baroque aurait été plus flamboyant que les dignes peintures de style néoclassique, mais aucun n’était aussi terre-à-terre que les portraits des réalistes . De même, les portraits romantiques étaient plus vivants que les portraits impressionnistes, tandis que les portraits expressionnistes du début du XXe siècle tendent à être les plus vifs et les plus colorés de l’époque. Néanmoins, en termes très simples, on peut distinguer deux styles ou approches principaux en matière de portrait : le «grand style», dans lequel le sujet est représenté sous une forme plus idéalisée ou «plus grande» ; et le style réaliste, prosaïque, dans lequel le sujet est présenté d’une manière plus réaliste et terre à terre.

Les styles des différents portraitistes

Bien que les plus grands portraitistes, tels que Léonard, Michel-Ange et Rembrandt, aient possédé les deux styles, la plupart des artistes tendent à n’illustrer qu’une seule tradition. Par exemple, parmi ceux qui ont peint dans le style Grand Classique, on trouve Peter Paul Rubens (1577-1640), Sir Antonis Van Dyck (1599-1641), Sir Joshua Reynolds (1723-1792), Goya (1746-1828), et John Singer Sargent (1856-1925). William Orpen (1878-1931), l’un des grands portraitistes irlandais, a également peint dans le grand «style académique». D’autres se sont spécialisés dans des portraits plus terre à terre, comme Jan van Eyck (1390-1441) et Jan Vermeer (1632-1675), qui ont tous deux peint des œuvres assez précises. Le style réaliste a été expérimenté par Théodore Géricault (1791-1824), qui a réalisé des représentations réalistes de malades mentaux, le génie russe Ivan Kramskoï (1837-1887), connu pour son réalisme humaniste, et d’autres artistes russes tels que Vassili Perov (1833-1882). Les portraitistes impressionnistes comprennent les Français Édouard Manet (1832-1883), Claude Monet (1840-1926), Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), Edgar Degas (1834-1917) et Paul Cézanne (1839-1906), ainsi que Valentin Serov (1865-1911) et l’Américain John Singer Sargent - voir Valentin Serov (1865-1911). son Portrait de Madame X (1884). Le portrait expressionniste est représenté par l’émotivité de Van Gogh (1853-1890), les portraits urbains de Pablo Picasso (1881-1973), le primitivisme lyrique d’Amedeo Modigliani (1884-1920) et l’humour noir d’Otto Dix (1891-1969) et d’Oskar Kokoschka (1886-1980). Les portraitistes plus contemporains sont, par exemple, Graham Sutherland (1903-1980), connu pour ses portraits d’ambiance ; David Hockney (né en 1937) pour sa précision et sa forme ; et Lucien Freud (né en 1922) pour son naturalisme brutal. Quant au maître de l’empâtement Frank Auerbach (né en 1931), il continue à créer des œuvres d’une extraordinaire intensité.

Types de portraits

Portrait religieux

Tout au long de l’histoire de l’art occidental, les peintres portraitistes ont été employés pour de nombreuses raisons. Tout d’abord, dans la Grèce, l’Égypte et la Rome antiques (ainsi que dans les cultures mycénienne, minoenne et autres cultures méditerranéennes), les peintres et les sculpteurs étaient employés pour représenter un large éventail de dieux et de déesses dans diverses œuvres d’art publiques. Par exemple Aphrodite de Praxitèle (vers 350 av. J.-C.) ; Vénus de Milos (vers 100 av. J.-C.) ; Frise de Pergame (vers 180 av. J.-C.), ainsi que les bustes de Zeus, Pan, Eros, et d’autres.

A la Renaissance, ce type d’art religieux survit à travers les fresques chrétiennes représentant les Prophètes, Jésus-Christ, la Vierge Marie et les Apôtres. Entre-temps, «la» Cène de Léonard de Vinci, fresque de Michel-Ange «Genèse» (1508-12) et fresque «Jugement dernier» (1536-1541) - sur le plafond et les murs de la chapelle Sixtine à Rome - contiennent quelques-uns des plus grands portraits religieux jamais créés. Autres portraits religieux et mythologiques remarquables de la Renaissance : portraits de Jan van Eyck «Adam et Ève» dans son chef-d’œuvre Retable de Gand (1425-32) ; Lamentation de Mantegna pour le Christ mort (ca. 1490) ; la Vierge à l’Enfant et Sainte Anne de Léonard (1502) ; la Madone Sixtine de Raphaël (1514) ; et la Vénus d’Urbino du Titien (1538). Bien que nombre de ces œuvres ne se limitent pas à un seul visage ou à une seule figure et que certaines d’entre elles ne puissent être vues que de loin, leur but était de représenter le christianisme sous une forme personnelle et elles doivent donc être considérées comme faisant partie du genre du portrait. L’époque de la Renaissance accordait une grande importance au fait que la peinture transmette un récit ou un message et les artistes intégraient généralement leurs «portraits» dans de grandes scènes narratives.

Le portrait historique

Les portraitistes ont également représenté des personnages historiques vénérés. Par exemple, tous les empereurs romains (Jules César, Auguste, Marc Aurèle) ont été représentés dans des œuvres d’art public telles que des statues, des bustes et des frises pour glorifier l’Empire romain. Les pharaons égyptiens ont également été largement représentés sur divers supports, tels que des portraits-bustes, des sculptures de tombeaux et des portraits de momies. Plus tard, les papes, les rois et les présidents ont également fait l’objet de portraits, un procédé qui s’est développé à partir de la Haute Renaissance.

Exemples : Doge Leonardo Loredan (1502) par Giovanni Bellini ; Pope Leo X with Cardinals (1518) par Raphael ; Sir Thomas More (1527), Thomas Cromwell (1534), et Henry VIII (1536.) de Hans Holbein ; L’empereur Rodolphe II en Vertumne (1591) de Giuseppe Arcimboldo ; Le roi Charles Ier d’Angleterre à la chasse (1635) d’Antonis Van Dyck ; Portrait du pape Innocent X (1650.) et Ménines (1656) de Diego Velázquez ; Le suicide de Lucrèce de Rembrandt ; George Washington (1796) de Gilbert Stuart ; Napoléon franchissant les Alpes (1801) de Jacques-Louis David ; Wellington (1816.) Francisco Goya ; Théodore Roosevelt (1903) par John Singer Sargent ; American Gothic (1930) par Grant Wood ; Étude d’après «le pape Innocent X» par Velázquez (1951) par Francis Bacon. Un autre type de portrait historique, le «portrait politique», est représenté par Femme en pleurs (1937, Tate Modern, Londres), symbole universel de la souffrance féminine.

Portraits de personnes célèbres

Les personnes célèbres ont toujours été le sujet (ou la cible) des artistes professionnels, de la Renaissance au Pop Art. Parmi les exemples de portraitistes et de représentations de célébrités, citons Jan van Eyck : Portrait d’Arnolfini (1434.) ; Lucas Cranach l’Ancien : Diptyque avec les portraits de Luther et de sa femme Katerina von Bora (1529) ; John Singleton Copley : Les trois jeunes filles de George III (1785, Buckingham Palace, Londres) ; Johann Heinrich Wilhelm Tischbein : Goethe en Campanie (1787) ; Joseph Lange : Mozart au piano (1789) ; Sir Henry Raeburn : Sir Walter Scott (1823.) ; Ilya Repin : Portrait de Léon Tolstoï (1887) ; Juan Gris : Portrait de Pablo Picasso (1912) ; Graham Sutherland : Portrait de Somerset Maugham (1949) ; Willem De Kooning : Marilyn Monroe (1954) ; Andy Warhol : Huit Elvis (1963). Parmi les autres peintures de personnages célèbres, citons : la poétesse Anna Akhmatova par Kuzma Petrov-Vodkin ; l’acteur Charlie Chaplin - Fernand Léger et le leader bolchevique Lénine par Isaac Brodsky.

Un autre type de photographie de portrait moins formel est les caricatures, généralement de politiciens et de célébrités, publiées dans des journaux et autres périodiques tels que Time magazine, Vanity Fair, et The New Yorker .

Portraits de nus

De l’Antiquité au XXe siècle, en passant par la Renaissance, les nus masculins et féminins ont été utilisés dans la peinture, la sculpture et la gravure de portraits. La Naissance de Vénus de Botticelli (1485) est l’un des plus grands portraits. Parmi les autres portraits de nus célèbres, on peut citer La Vénus endormie (1510, Dresde) de Giorgione ; La Vénus d’Urbino (1538, Offices) de Titien ; La Vénus de Rokeby (1647) de Velazquez ; La Baigneuse de Valpincon (1808, Louvre) et La Grande Odalisque (1814, Louvre) d’Engra. Pour d’autres exemples célèbres, voir : Les femmes nues dans l’histoire de l’art (top 20) et Les hommes nus dans l’histoire de l’art (top 10).

Le portrait artistique

Les portraitistes étaient également sollicités par des petits nobles, des artistes et des hommes d’affaires qui souhaitaient une image flatteuse d’eux-mêmes reflétant leur position dans la société. Ce type d’art de chevalet s’est épanoui pendant la Haute Renaissance italienne et la Renaissance nordique au sein des écoles hollandaises et flamandes, car les supports d’art portables tels que les panneaux et les toiles ont commencé à remplacer les fresques murales. Parmi les exemples, citons Le duc Federico da Montefeltro et son épouse Battista Sforza (vers 1466) de Piero Della Francesca ; La famille et la cour de Ludovic II Gonzague (vers 1474) d’Andrea Mantegna ; La dame à l’hermine (Portrait de Cecilia Gallerani) (vers 1490.)et Mona Lisa (ca. 1503), épouse de Francesco del Giocondo par Leonardo ; portrait de Raphaël Baldassare Castiglione (1515) ; La jeune fille du chancelier de Rolen par Jan van Eyck (1436) ; Erasme de Rotterdam (1523, National Gallery, Londres), Le marchand Georg Giese (1532, SMPK, Berlin) et Les ambassadeurs (1533, National Gallery, Londres) de Holbein ; Le cavalier rieur (1624) de Frans Hals ; La garde de nuit ou «La milice de la compagnie du capitaine Frans Banning Coke» (1642.) et Syndics de la guilde des drapiers (Stalmeisters) (1662.) de Rembrandt ; Master Thomas Lister (1764) de Joshua Reynolds ; Mrs Richard Sheridan (1785) de Thomas Gainsborough ; Portrait de Monsieur Bertin (1832) et Portrait de Madame Moissier (1844-65) d’Engr. Portrait de Miss Amelia Van Buren (1891) par Thomas Eakins ; Portrait de Miss Dora Wheeler (1883, Cleveland Museum of Art) par William Merritt Chase (1849-1916).

Un aperçu de l’évolution de la peinture de portrait

Les chefs-d’œuvre de la peinture européenne, du XVe siècle à nos jours, comptent de nombreux portraits, qui constituent une caractéristique importante de l’œuvre de maîtres qui ont excellé dans d’autres genres. Goya (1746-1828), peintre de la vie espagnole, de la tauromachie, des fêtes populaires, des mauvais présages, des calamités de la guerre, voire des sujets religieux, serait incomplet, à notre avis, sans ses brillantes études d’individualité.

Pendant une grande partie de la période médiévale, dans l’art consacré à la religion, de telles études (si elles pouvaient être faites) auraient semblé une invasion des frontières de la foi et même une impertinence, si ce n’est rien d’autre. Les représentations sculpturales des rois et des reines étaient des abstractions mémorielles du pouvoir. Jusqu’à la fin du Moyen Âge, les enluminures des manuscrits étaient des symboles plutôt que des images. Les débuts de la caractérisation sont évidents dans les portraits royaux du quatorzième siècle, le Diptyque de Wilton, par exemple. Néanmoins, une belle œuvre dans un style de miniature fine, apparemment associée à l’œuvre du peintre franco-flamand André Boneveu (ca. 1330-1403), pose un problème dans l’image d’un Richard II jeune et imberbe. Certains éléments indiquent que le panneau a été peint plus tard, lorsque Richard était barbu et prématurément vieilli. Quelle qu’en soit la raison, cela signifie que la ressemblance avec la réalité n’était pas aussi importante que l’attitude et le contenu religieux.

Dans la peinture flamande du XVe siècle, le portrait réaliste apparaît avec une soudaineté surprenante. La pratique consistant à incorporer l’image d’un donateur - prélat, noble ou riche marchand - dans un retable destiné à une église ou à un monastère est superbement utilisée par Jana van Eyck (1390-1441), Rogier van der Weyden (1400-1464) et Hans. Memling (1433-1494). Ils peignent avec la même vigueur des portraits purement profanes et comptent parmi leurs clients des visiteurs étrangers dans les villes flamandes. L’agent des Médicis à Bruges, Tommaso Portinari, apparaît avec sa femme et ses enfants dans «La Grande Adoration» de Hugo van der Goos (1440-1482, aujourd’hui aux Offices). Sir John Donne, anobli par Édouard IV pendant la guerre des Deux-Roses, est représenté avec sa femme et sa fille dans le Triptyque de Donne (1477) de Hans Memling, aujourd’hui à la National Gallery de Londres. L’Anglais Edward Grimston de Rishangles, dans le comté de Suffolk, avait déjà été représenté dans une peinture purement profane de l’artiste Petrus Christus (c. 1410-1473), un disciple de Van Eyck à Bruges. L’amitié entre l’Angleterre et les Pays-Bas méridionaux s’est donc étendue à l’art et a dû se prolonger dans la longue série d’œuvres d’artistes flamands qui se sont installés à Londres aux XVIe et XVIIe siècles.

L’humanisme, la Renaissance et la Réforme ont favorisé le développement du portrait en tant que genre à part entière. Le principe de la philosophie humaniste selon lequel l’étude propre de l’humanité est la personne a logiquement donné au portrait une place importante. Les artistes de la Renaissance ont non seulement souscrit à ce point de vue, mais, grâce aux progrès technologiques, ils ont amélioré le rendu du caractère dans les peintures. La peinture à l’huile, introduite à Venise par Antonello da Messina (1430-1479), a donné à l’art une nouvelle chaleur et un nouveau pouvoir de modelage. Léonard de Vinci (1452-1519) a démontré comment la lumière et l’ombre pouvaient contribuer à la représentation de la personnalité et de la psychologie ) sfumato). La Réforme a donné l’impulsion à un autre type de portrait. La suppression de l’imagerie religieuse dans les pays réformateurs a incité les artistes à proposer leurs services en tant que portraitistes.

La carrière de Hans Holbein le Jeune (1497-1543) montre l’influence de trois forces. Né à Augsbourg, il choisit dans sa jeunesse de travailler dans la ville germano-suisse de Bâle qui, outre sa prospérité, est un centre d’humanisme scientifique. C’est là qu’il réalise ses illustrations pour «l’Éloge de la folie d’Érasme». A la Renaissance, il est doué pour des travaux variés, de la décoration de fresques et d’autels à la création de bijoux et de vitraux, bien que son penchant pour le portrait ait déjà été remarqué. Mais la montée du protestantisme à Bâle mit fin à ses activités catholiques.

Comme d’autres peintres, il était «sans pain», ainsi que le remarque Erasme en le recommandant à Thomas More à Londres. L’intérêt de ces amis (qu’il compense par d’excellents portraits d’eux) permet à Holbein de rencontrer et de représenter en peinture et en dessin une grande partie de la société Tudor pendant les deux années de son premier séjour en Angleterre, jusqu’en 1528.Son second séjour en Angleterre dure onze ans.De 1532 à sa mort en 1543, il entre plus définitivement dans la sphère de la cour royale. Il devient le peintre d’Henri VIII en 1536. Aucun visage dans l’histoire n’est mieux connu que le formidable visage aux yeux méfiants et à la petite bouche cruelle peint par Holbein dans un tableau (collection Thyssen) - parmi de nombreuses versions - qui appartient sans aucun doute à ses propres mains.

À une époque de changements, de relations et d’alliances entre souverains despotiques, le portrait remplit sa fonction diplomatique. En plus de rappeler aux fonctionnaires et aux courtisans le pouvoir en place, l’image du souverain était un symbole d’échanges internationaux et l’artiste lui-même une figure internationale. C’est le cas de Titien (1485-1576), qui représente Charles Quint et Philippe II, roi d’Espagne, et d’Antonis More (1519-1576), le latin Antonio Moreau, qui deviendra plus tard Sir Anthony More et peindra Mary Tudor et Sir Thomas Gresh.

Avant l’invention de la photographie - ou à l’époque où la connaissance personnelle était considérée comme une condition préalable, même pour un mariage royal - un portrait peint servait à communiquer la forme physique de la future mariée. Holbein fut envoyé sur le continent pour apporter son témoignage pictural sur la jeune mais veuve duchesse Anne de Milan, fille du duc de Clèves, afin d’aider Henri à faire son choix. Son tableau de la duchesse (Londres, National Gallery) n’est pas une simple description mais un chef-d’œuvre, dont l’attrait est renforcé par des traits d’une splendide simplicité.

Un autre objectif du portrait de cour était de montrer le pouvoir et la position par la splendeur du costume et l’abondance des bijoux. C’est une caractéristique forte de la période élisabéthaine, qui peut avoir exigé que les traits du visage du commanditaire soient rigides et cérémoniellement inexpressifs, tandis que la richesse des accessoires indiquait le statut. La Reine elle-même semble avoir pensé à cela dans ses injonctions contre l’ombre donnée à Nicholas Hilliard, c’est-à-dire contre le modelage de l’ombre du visage.

La richesse formelle presque byzantine d’une œuvre comme le «Portrait de Ditchley» de Marcus Gerarts le Jeune (1561-1636) était moins exigée par les dames de la cour. Les artistes flamands qui sont venus en Angleterre pour échapper aux persécutions religieuses aux Pays-Bas et qui ont formé une colonie flamande à Londres étaient des maîtres qui répondaient à une exigence qui limitait leur indépendance en tant qu’artistes. Le genre du portrait miniature échappe au poids des restrictions par son échelle intime, l’art de Nicholas Hilliard (1547-1619) par la clarté de ses couleurs, la vivacité de ses contours et sa poésie symbolique est aussi mélodique qu’un sonnet élisabéthain caresse l’oreille. Hilliard transmit à son tour ses secrets à un autre des meilleurs miniaturistes anglais, le plus contemporain Isaac Oliver (1568-1617).

Le XVIIe siècle est la grande époque du portrait en Europe. Le statut de l’artiste a changé, il peut prétendre à une plus grande autonomie de méthode et de conception. Le respect dont Titien a bénéficié de la part des souverains les plus puissants a laissé une impression durable. Dans les cercles de la cour, l’artiste n’est pas perçu comme un ouvrier à gages, mais comme un maestro qui leur donne du lustre. Là où il n’y avait pas de cour - dans les Provinces-Unies du nord des Pays-Bas - la richesse et la liberté nationale nouvellement acquises exigeaient une abondance de portraits. On dit que chaque artiste flamand est un portraitiste né et une étude du courant de la peinture flamande de Van Eyck à Rubens et Van Dyck montre clairement à quel point cette observation est vraie.

Malgré cela, la peinture de portraits dans l’Italie de la Renaissance a établi une norme selon laquelle les artistes ont continué à travailler jusqu’au XVIIe siècle. Le portrait de Baldassare Castiglione par Raphaël (1483-1520), que Rembrandt (1606-1669) a vu à Amsterdam, lui a suggéré le style de composition qu’il a adopté dans son autoportrait de 1640 (Londres, National Gallery). Les huit années que Rubens (1577-1640) passe en Italie au service du duc de Mantoue, où il copie les grands Vénitiens pour le duc mais aussi pour son propre plaisir, sont des années où son originalité est renforcée par l’exemple italien. Pendant les six années qu’Antonis Van Dyck (1599-1641) passa en Italie à peindre des portraits et à étudier les Vénitiens, il apprit beaucoup de la dignité de la pose et de la richesse du coloris de Titien.

Van Dyck peut être considéré sous deux aspects différents. Il y a le peintre de compositions religieuses émouvantes de la période baroque, qui rivalise avec Rubens dans les églises d’Anvers, et il y a le portraitiste, plus sensible à l’atmosphère psychologique que son maître Rubens. L’équanimité et la retenue de l’Angleterre ont eu leur influence. L’élégance et le raffinement de l’art de Van Dyck ont dominé pendant un siècle en Angleterre, bien que William Dobson (1610-1646) soit parvenu indépendamment à un style vigoureux basé sur son étude des Vénitiens, et que Samuel Cooper (1609-1672) se soit distingué comme un homme capable de réduire de façon exquise l’effet d’un grand portrait à l’huile à l’échelle d’une miniature. Le déclin «de l’art de cour» est perceptible dans les œuvres de Sir Peter Lely (1618-1680) et de Sir Godfrey Kneller (1646-1723). Une race d’aristocrates parlementaires et de gentilshommes campagnards furent les mécènes de la période de la plus grande maîtrise de l’art du portrait en Angleterre, le XVIIIe siècle.

Le XVIIIe siècle a donné naissance à une informalité et à une intimité que l’Europe n’avait jamais connues auparavant. Les exemples incluent «des fragments de conversation», pratiqués par un certain nombre d’artistes, notamment William Hogarth (1697-1764). Constitués d’un groupe familial ou d’un groupe d’amis, ils diffèrent des groupes de l’art hollandais ou français en ce sens qu’ils représentent des sujets engagés de manière informelle dans une occupation ou un amusement ordinaire dans leur environnement habituel. Les plaisirs de la propriété à la campagne sont illustrés dans les portraits en plein air peints par Thomas Gainsborough (1727-1788). La fraîcheur de la beauté anglaise contrastait harmonieusement avec le maquillage élaboré des dames de cour d’autrefois, tandis que les enfants n’étaient plus représentés comme de petits personnages en costume d’apparat, mais avec des mouvements et des expressions naturels. Les courtisans sont remplacés par un large éventail de types et de personnages. Hogarth préfère peindre le capitaine Coram, philanthrope de la classe moyenne, ou un groupe de ses serviteurs. Sir Joshua Reynolds (1723-1792) dessine l’acteur, l’actrice, l’écrivain - Garrick, Mrs Siddons, Dr Johnson, ainsi que des lords et des ladies. George Stubbs (1724-1806) et d’autres représentent des écuyers sportifs en train de chasser ou de tirer.

Au XVIIIe siècle, les liens avec le passé sont encore très forts. Gainsborough en arrive à redécouvrir Van Dyck et à remodeler l’élégance du maître flamand dans le style anglais, comme l’avait fait avant lui le maître écossais Allan Ramsay. Reynolds y ajoute ses commentaires picturaux érudits sur Rembrandt et Titien. Le XIXe siècle, moins protégé des canons antérieurs, est plus intermittent et plus varié dans le style des portraits qui peuvent être considérés comme des œuvres d’art, sans parler de la grande accumulation d’œuvres de nature banale et quasi-photographique générée par l’accroissement de la population et de la richesse de la classe moyenne. La tradition du XVIIIe siècle disparaît dans l’éclat du tempérament romantique de Sir Thomas Lawrence (1769-1830). L’ère victorienne présente des variations telles que les premiers portraits de Sir John Millais (1829-1896) avec leurs merveilleux détails préraphaélites ; les portraits de George Frederick Watts (1817-1904) qui, avec une certaine idéalisation, reflètent bien le sérieux profond des grands victoriens et la conception esthétique de James McNeill Whistler (1824-1903), qui considérait le portrait comme «une combinaison» de couleurs et de formes plutôt que comme une révélation du caractère. Parmi les impressionnistes, Edgar Degas et Renoir ont excellé dans le portrait - voir : La famille Bellelli (1858-67) et les scandaleux Portraits à la Bourse (1879). Voir aussi les beaux portraits tardifs de Cézanne, tels que Garçon au gilet rouge (1889-90), Homme fumant la pipe (1890-2), Femme à la cafetière (1890-5), Dame en bleu (1900), Jeune Italienne s’appuyant sur son coude (1900). Explication des portraits plus modernes réalisés au XIXe siècle : Analyse de la peinture moderne (1800-2000).

La photographie de portrait

Le XXe siècle a vu le déclin rapide du portrait pictural et l’essor concomitant du portrait photographique. Malgré le contexte technologique, la valeur artistique et l’esthétique de ce type de portrait ne sont en rien inférieures. Une liste sélective des plus grands photographes engagés dans le portrait photographique :

Julia Margaret Cameron (1815-1879)
Pionnière de la mise au point douce et de la photographie de portrait en gros plan, elle prend sa première photographie à l’âge de 48 ans. Son travail est très prisé des collectionneurs d’art.
Edward Steichen (1879-1973)
Son objectif comprenait Auguste Rodin, Constantin Brancusi, Paul Cézanne, Henri Matisse, Pablo Picasso et d’autres membres de l’École de Paris.
Man Ray (Emmanuel Radnitzky, 1890-1976)
A photographié de nombreux membres du monde artistique parisien, dont le surréaliste André Breton, le peintre polonais Balthus, l’écrivain dublinois James Joyce, la collectionneuse d’art américaine Gertrude Stein et d’autres.
Cecil Beaton (Sir Cecil Walter Hardy Beaton, 1904-1980)
Connu pour son style unique dans lequel le sujet n’est qu’un élément de la composition globale, au même titre que le costume, l’arrière-plan et la pose.
Yusuf Karsh (1908-2002)
Portraitiste arméno-canadien qui a photographié 51 des 100 personnes les plus célèbres du siècle, désignées par l’International Who’s Who, parmi lesquelles son célèbre portrait de Sir Winston Churchill.
Norman Parkinson (1913-1990)
Connu pour son style de portrait dynamique en extérieur connu sous le nom de «réalisme d’action».
Hans Namuth (1915-1990)
Surtout connu pour ses photographies de Jackson Pollock dans son atelier.
Richard Avedon (1923-2004)
Portraitiste inventif mais minimaliste dont les images ont contribué à définir le style et la beauté de l’Amérique de la seconde moitié du XXe siècle.
Don McCullin (né en 1935).
Connu pour ses portraits photojournalistiques tels que «US Marine, Hue, Vietnam» (1968) et «Albino Boy, Biafra» (1969).
David Bailey (né en 1938)
Bailey a révolutionné le portrait et la photographie de mode dans les années 1960 avec des clichés audacieux et stimulants de mannequins et de célébrités populaires.
Annie Leibovitz (née en 1949)
Une grande photographe qui a réalisé des portraits de célébrités populaires. Parmi ses œuvres les plus connues figurent les portraits de Meryl Streep, de John et Yoko, et de Demi Moore enceinte.
Steve McCarry (né en 1950).
Travaillant à l’intersection du portrait et de la photographie scénique, McCarry est surtout connu pour ses photographies en couleur pour National Geographic, notamment «Afghan Girl» (1985).

L’article suivant est consacré aux portraits de la Renaissance .

Sur les autres types de peinture (portraits, scènes de genre, natures mortes, etc.) : Genres de peinture .

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