Portrait Art: Histoire, Types Automatique traduire

À propos de l’art du portrait

Dans beaux arts , un portrait peut être un sculpture , une La peinture , une forme de la photographie ou toute autre représentation d’une personne dont le visage est le thème principal. Les portraits traditionnels de type chevalet représentent généralement la personne qui porte la tête, les épaules, la moitié du corps ou tout le corps. Il existe plusieurs variétés de portraits, notamment: le portrait traditionnel d’un individu, un portrait de groupe ou un portrait de groupe. autoportrait . Dans la plupart des cas, la photo est spécialement composée afin de représenter le caractère et les attributs uniques du sujet. Parmi les grands représentants de l’art occidental en matière de portrait, on trouve les anciens maîtres de la Renaissance tels que les Florentins. Léonard de Vinci (1452-1519), Michelangelo (1475-1564), et Bronzino (1503-72), le toscan Raphaël (1483-1520), et le vénitien Titien (1487-1576). Au nord des Alpes, il y avait Jan van Eyck (1390-1441), le fondateur de Peinture flamande de Bruges, et les portraitistes allemands Lucas Cranach l’Ancien (1472-1553) et Hans Holbein le Jeune (1497-1543). Parmi les derniers exposants figurait l’immortel Dutchman Rembrandt (1606-69) et le peintre baroque Anthony Van Dyck (1599-1641), peintre de cour espagnol Velazquez (1599-1660), et l’anglais Thomas Gainsborough (1727-1788). Les portraits modernes sont illustrés par Théodore Géricault, Edouard Manet; Paul Cezanne, Vincent Van Gogh, John Singer Sargent, Paul Gaugin, Pablo Picasso, William Orpen, Amedeo Modigliani, Otto Dix, Graham Sutherland, Lucien Freud, Chuck Close et Frank Auerbach. La plus grande collection de portraits peut être vu dans le National Portrait Gallery (Londres) , qui compte quelque 200 000 exemples.

L’histoire du portrait

Portrait Ancien

La peinture de portrait peut être considérée comme un art public ou privé. Dans les anciennes civilisations méditerranéennes, telles que celles d’Égypte, de Grèce et de Rome et de Byzance, le portrait était principalement une forme d’art public ou un type d’art funéraire pour les dieux, les empereurs, les rois et les papes. Les portraits ont été exécutés sous forme de sculpture en bronze, marbre ou autre pierre, ou peintures sur panneaux ou murale fresques .

Bien que des œuvres d’art privées – généralement destinées à des familles royales – aient été commandées à l’époque sumérienne, égyptienne et grecque, la plupart des portraits antiques étaient des œuvres d’art public, conçues pour décorer des espaces publics et refléter les valeurs morales et religieuses de l’époque.

Des exemples de portraits du début de l’Égypte incluent: la sculpture, Menkaure et sa reine (environ 2470 av. J.-C.); les sculptures, Pharaon Akhenaten (c.1364 AEC), La Fille d’Akhenaton (c.1375 AEC), le buste de Néfertiti (c.1350 AEC); et les portraits de momie (c.200 CE). Les portraits sculptés grecs comprenaient: le buste en marbre, Socrate (vers 340 av. J.-C.); ainsi que de nombreux bustes, reliefs et statues de dieux grecs, d’Aphrodite à Zeus. Polykleitos, Myron et Phidias étaient d’importants sculpteurs de la période grecque classique. Des portraits ont également été peints sur des panneaux, bien que presque aucun d’entre eux n’ait survécu. Une exception célèbre est la série de Fayum Mummy Portraits (c.50 avant notre ère – 250 ans avant notre ère) trouvée dans le Faiyum Basic près du Caire, en Égypte.

Portrait romain

Art romain était basé sur la nécessité politique pratique. Bustes de portrait de tous les empereurs, de Jules César à Constantin, ont été sculptés en marbre ou en bronze. Ces statues et bustes ont été affichés en public dans tout l’empire, pour célébrer le pouvoir romain. Une immense industrie artistique s’est développée dans la capitale, attirant des sculpteurs, des peintres et des artisans de toute l’Italie et de la Grèce, simplement pour faire face à cette demande de portraits impériaux. Il existe, par exemple, plus de 250 bustes survivants de l’empereur Auguste. Les portraits romains perpétuent la tradition de l’art public.

Portrait à la fin de l’Antiquité et au Moyen Âge

Avec l’arrivée de l’âge des ténèbres après le sac de Rome (vers 450 après J.-C.), l’art public prit une forme moins visible. Les portraits ainsi que d’autres types de peintures ont été créés principalement pour les intérieurs d’églises et de monastères (généralement sous forme de fresques murales ou de peintures sur panneaux encaustiques), ou utilisés pour illustrer des manuscrits de l’Évangile enluminés, comme le Evangiles Garima (390-660) d’Ethiopie et le Livre de Kells d’Irlande (env. 800). Le seul grand mécène des arts pendant la plus grande partie de l’ère médiévale était l’Église. Voici des exemples d’œuvres de cette période: encaustique portraits de panneaux et Icônes du monastère Sainte-Catherine du mont Sinaï, tel que, Madone avec enfant trône (vers l’an 600 de notre ère); portraits des évangélistes et des apôtres dans des manuscrits enluminés chrétiens celtiques et des textes de l’Évangile carolingien, comme Jean l’évangéliste (c.800). Au cours de la période romane et gothique jusqu’au XIVe siècle (environ 1000-1300), le portrait s’est élargi pour inclure art du vitrail – une grande partie est encore visible aujourd’hui dans des chefs-d’œuvre architecturaux tels que la cathédrale de Chartres et la cathédrale Notre-Dame de Paris.

Le naturalisme de Giotto et le réalisme de Jan Van Eyck (c.1300-1450)

Le style byzantin de la peinture de portrait qui dominait tout au long de la période 450-1400 n’était pas compatible avec les vrais tableaux. Au lieu de cela, les peintres adhéraient à un style hiératique d’art dans lequel les caractéristiques spirituelles et humaines d’une figure devaient être déduites de motifs symboliques. Cette approche non naturaliste n’a guère été contestée jusqu’à l’arrivée de Giotto (1266-1337) dont les fresques Scrovegni (Arena Chapel) ont été les premières images à présenter des personnages réalistes, d’aspect ordinaire, avec des formes solides en trois dimensions. Ce nouveau style s’est vite fait sentir dans l’art du portrait proprement dit : d’abord, parmi les experts en peinture à l’huile du Renaissance néerlandaise (c.1400-1580) et Renaissance allemande dont Jan van Eyck, Roger van der Weyden, Lucas Cranach et Hans Holbein – la peinture à l’huile étant particulièrement utile pour des images réalistes – et plus tard en France avec des œuvres comme Portrait de Charles VII de France (1445-50) de Jean fouquet (1420-81). En 1500, le portrait était devenu un genre majeur de la peinture.

L’influence de la Renaissance italienne (c.1450-1530)

Art de la Renaissance introduit plusieurs nouvelles idées dans la peinture. Ces concepts comprenaient des concepts techniques tels que la perspective linéaire, la lumière et l’ombre ( clair-obscur et sfumato ) et la modélisation 3-D, ainsi que des concepts narratifs, tels que l’humanisme. Ces idées ont fourni aux portraitistes davantage de ressources, ce qui a rapidement conduit à une amélioration notable de la qualité des Portraits Renaissance .

Entre temps, l’Église a maintenu son emprise sur le patronage des œuvres d’art en commandant des œuvres pour des cathédrales, des églises, des chapelles, des monastères et des couvents. En effet, au XVIe siècle, le Vatican a failli faire faillite alors que les papes successifs dépensaient leur fortune pour décorer Rome. Il va donc de soi que la plupart des portraits de cette époque étaient des membres de la Sainte Famille, des martyrs ou des apôtres. L’influence de la Renaissance sur le portrait perdura pendant des siècles, les artistes continuant à imiter le style de Leonardo, Raphael, Titian et Michelangelo. Voir également Portrait de Venise (1400-1600).

Période post-Renaissance (c.1530-1700)

Deux développements importants se sont produits pendant les périodes maniériste (environ 1530-1600) et baroque (environ 1600-1700).

Au cours du XVIe siècle, les principales académies des arts ont établi une hiérarchie claire des peintures, sur la base des qualités «inspirantes» perçues par un tableau. Cinq genres ont été classés comme suit: (1) les images historiques , religieuses ou mythologiques (contenant un "récit" ou un "message") ont été considérées comme le genre le plus digne, suivies de (2) portraits , puis (3) de peintures de genre , c’est-à-dire des images de scènes quotidiennes, (4) de paysages et enfin (5) de natures mortes . Pour cette raison, de nombreux artistes portraitistes ont essayé d’améliorer la valeur de leur peinture et de leur sujet en donnant à leurs portraits un cadre historique, religieux ou mythologique.

En outre, au milieu du XVIe siècle, à la suite du schisme européen entre l’Église catholique de Rome et le mouvement protestant – provoqué par la réforme de Luther (vers 1520) – le conseil catholique de Trente décida de lancer une vaste campagne pour gagner retour des fidèles désillusionnés. Cette campagne, connue sous le nom de Contre-Réforme , utilisait l’art comme arme de propagande et commandait ainsi un grand nombre de peintures et de sculptures religieuses – beaucoup exécutées à une échelle monumentale – comprenant des portraits iconiques. Voir, par exemple, les merveilleux chefs-d’œuvre du Greco Portrait d’un cardinal (1600) et Portrait de Felix Hortensio Paravicino (c.1605). Voir également: Portraits baroques . Pour les peintres du 17ème siècle spécialisés dans les portraits de rois, voir par exemple Hyacinthe Rigaud (1659-1743), connu pour ses portraits de Louis XIV.

Dutch Realism School – Une période de portrait unique

Coïncidant avec l’essor de la peinture catholique, une Hollande surgit dans une mini-Renaissance, alimentée par un nouveau type de client très matérialiste – le riche marchand de la classe moyenne, ou un professionnel – qui voulait acheter des peintures qui le faisaient, lui et sa famille. bien paraître. Ils devaient être suffisamment petits pour être accrochés au mur de sa maison et suffisamment détaillés pour paraître fidèles à la réalité. Ainsi, le style inimitable de Réalisme hollandais la peinture était née. Le meilleur Artistes réalistes hollandais inclus de magnifiques portraitistes comme Frans Hals (1582-1666), Jan Vermeer (1632-75) et bien sûr, Rembrandt.

Remarque: le portrait en Russie s’est développé plus tard que dans le reste de l’Europe. Ce ne fut que l’ère de Art pétrine sous Pierre le Grand (1686-1725), des portraits de style académique ont commencé à apparaître.

Expansion du portrait: la photographie d’hier (vers 1700-1900)

Le portrait a beaucoup évolué en tant que genre aux 18e et 19e siècles. Cela était dû à plusieurs facteurs, notamment: l’utilisation universelle des huiles et des toiles; l’augmentation du commerce qui a à son tour créé un groupe important de riches hommes d’affaires et propriétaires terriens de la classe moyenne; et l’utilisation du portrait comme moyen de créer un enregistrement visuel permanent d’individus et de familles. En tout état de cause, le portrait a connu une croissance importante au cours de cette période, qui n’a cessé avec l’introduction de l’appareil photo au XXe siècle. Pour les œuvres du 18ème siècle, voir: Portrait rococo / néoclassique . Probablement les deux meilleurs portraitistes du XVIIIe siècle, étaient l’artiste suisse Angelica Kauffmann (1741-1807), actif à Londres et à Rome, et Elisabeth Vigee-Lebrun (1755-1842), peintre de la cour de la reine Marie-Antoinette. Parmi les autres portraitistes exceptionnels du XVIIIe siècle, notons: Jean-Baptiste Greuze (1725-1805) noté pour ses œuvres exquises rococo comme Le Chapeau blanc (1780, Museum of Fine Arts, Boston).

Pour les peintures du 19ème siècle, voir: Portraits du XIXe siècle . En ce qui concerne certaines écoles, les caractéristiques du portrait anglais sont abordées dans: Peinture figurative anglaise 18ème / 19ème siècle , alors que vous pouvez également voir des exemples de Portraits impressionnistes comme Edouard Manet et d’autres.

Un genre spécialisé dans le portrait romantique qui est devenu très populaire en Angleterre au XIXe siècle, est illustré par les peintures de Sir Edwin Landseer (1802-73), dont les portraits sentimentaux de chiens expriment certaines des vertus sous-jacentes de l’ère victorienne.

Portrait du 20ème siècle

Le vingtième siècle a montré peu d’intérêt pour la hiérarchie classique des genres et a été absorbé par de nouvelles façons de représenter la réalité à l’ère des guerres mondiales et de l’incertitude morale. Après une série de Portraits expressionnistes , les progrès de la photographie, du film et de la vidéo ont fait paraître le portrait classique anachronique et sans valeur. Au lieu, Portraitistes du 20ème siècle simplement utilisé le genre comme un autre moyen de promouvoir leur style d’art. Les exceptions incluent Les portraits de Picasso tel que Portrait de Gertrude Stein (1906) et ceux de l’expressionniste Modigliani: voir, par exemple, Portrait de Juan Gris (1915) et Portrait de Jeanne Hébuterne (1918). L’évolution de l’après-guerre a également été influencée par d’autres matériaux artistiques, des supports informatiques et de nouvelles formes de gravure, permettant de nouvelles œuvres en acrylique, peinture sur aluminium, formes de collage, sérigraphies, sérigraphies et techniques mixtes, ainsi de nouveaux médias sculpturaux. Cette tendance est illustrée par Portraits Pop-Art par Andy Warhol (1928-1987), dont les portraits imprimés d’Elvis, de Marilyn Monroe, de Jacqueline Kennedy, d’Elizabeth Taylor et de Mao-Tse-Tung sont devenus des icônes de la fin du XXe siècle. Le dernier style de portrait contemporain, connu sous le nom de photoréalisme (hyperréalisme) est illustré par des artistes comme American Chuck Close (b.1940).

Caractéristiques de l’art du portrait

Comme tout genre de peinture, l’art du portrait reflète le style de peinture dominant. Au début de l’Égypte, les portraits peints et les sculptures en relief ne montraient que le sujet de profil. Un portrait peint à l’époque baroque serait plus exubérant que les dignes tableaux néo-classiques, mais aucun n’était aussi terre-à-terre que ceux du Réalistes . De même, les portraits romantiques étaient plus animés que les portraits impressionnistes, tandis que les portraits expressionnistes du début du XXe siècle sont généralement les plus criards et les plus colorés de toutes les époques. Ceci dit, en termes très simples, on peut détecter deux styles ou approches de base en peinture de portrait: le "Grand Style" dans lequel le sujet est décrit sous une forme plus idéalisée ou "plus grande que nature"; et le style réaliste et prosaïque dans lequel le sujet est représenté de manière plus réaliste.

Styles de portraitistes individuels

Bien que les plus grands portraitistes, tels que Leonardo, Michelangelo et Rembrandt aient maîtrisé les deux styles, la plupart des artistes ont tendance à illustrer une seule tradition. Peter Paul Rubens (1577-1640), par exemple, a peint dans le style classique. Sir Anthony Van Dyck (1599-1641), Sir Joshua Reynolds (1723-1792), Goya (1746-1828) et John Singer Sargent (1856-1925). William Orpen (1878-1931), l’un des plus grands Artistes de portrait irlandais également peint dans le grand ’style académique’. D’autres se sont spécialisés dans un portrait plus terre à terre, tels que Jan van Eyck (1390-1441) et Jan Vermeer (1632-1675), qui ont tous deux peint des œuvres précises et silencieuses. Le style réaliste a été exploré par Theodore Gericault (1791-1824), qui a produit des images réalistes de malades mentaux, par le génie russe Ivan Kramskoy (1837-1887) – connu pour son réalisme humaniste – et par d’autres Russes comme Vasily Perov (1833-1882). Les portraitistes impressionnistes incluent les Français Edouard Manet (1832-83), Claude Monet (1840-1926), Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), Edgar Degas (1834-1917) et Paul Cézanne (1839-1906), ainsi que le russe Valentin Serov (1865-1911) et l’américain John Singer Sargent – voir son Portrait de madame x (1884). Les portraits expressionnistes sont illustrés par l’émotionalisme de Van Gogh (1853-1890), les portraits urbains de Pablo Picasso (1881-1973), le primitivisme lyrique de Amedeo Modigliani (1884-1920), et par l’humour noir de Otto Dix (1891-1969) et Oskar Kokoschka (1886-1980). Les peintres portraitistes plus modernes incluent Graham Sutherland (1903-1980), connu pour ses portraits d’humeur; David Hockney (b.1937) pour sa précision et sa forme; et Lucien Freud (b.1922) pour son naturalisme brut. Pendant ce temps, le maître de l’ empâtement Frank Auerbach (b.1931) continue de produire des œuvres d’une intensité extraordinaire.

Types de portraits

Portrait religieux

Pendant le histoire de l’art occidental , les portraitistes ont été employés pour de nombreuses raisons. Premièrement, dans la Grèce antique, en Égypte et à Rome (ainsi que dans les cultures mycénienne, minoenne et autres cultures méditerranéennes), les peintres et les sculpteurs étaient utilisés pour représenter un large éventail de dieux et de déesses dans diverses œuvres d’art public. Les exemples incluent: Aphrodite (c.350 BCE) par Praxiteles; la Vénus de Milo (environ 100 avant notre ère); la frise de Pergame (vers 180 avant notre ère) ainsi que les bustes de Zeus, Pan, Eros et autres.

La Renaissance a maintenu ce type de art religieux à travers ses fresques murales du christianisme, mettant en vedette les prophètes, Jésus-Christ, la Vierge Marie et les apôtres. Pendant ce temps, La Cène de Léonard de Vinci et Michelangelo Fresque de la genèse (1508-12) et Fresque du Jugement dernier (1536-1541) – sur le plafond et les murs de la chapelle Sixtine à Rome – contiennent certains des plus grands portraits religieux jamais créés. Autres portraits religieux et mythologiques remarquables de la Renaissance, dont: les portraits d’Adam et Eve de Jan van Eyck dans son chef-d’œuvre Le retable de Gand (1425-1432); La lamentation de Mantegna sur le Christ mort (c.1490); La Vierge et l’Enfant de Léonard avec Sainte Anne (1502); La Madone Sixtine de Raphaël (1514); et Vénus d’Urbino du Titien (1538). Bien que beaucoup de ces œuvres ne se limitent pas à un visage ou à une figure, et que certaines ne soient visibles que de loin, leur but était de représenter le christianisme sous une forme personnelle et devait donc être considéré comme faisant partie du genre du portrait. Il faut également noter que la Renaissance attachait la plus grande importance à la peinture représentant un récit ou un message. Ainsi, les artistes ont généralement inclus leurs «portraits» dans de grandes scènes narratives.

Portrait historique

Les artistes de portrait ont également représenté des figures humaines historiques vénérées. Par exemple, tous les empereurs romains (par exemple Jules César, Auguste, Marc Aurèle) ont été représentés sous des formes d’art public, telles que des statues, des bustes et des frises, afin de glorifier l’empire romain. Les pharaons égyptiens ont également été largement représentés dans divers médias, tels que des bustes de portraits, des sculptures de tombes et des portraits de momies. Plus tard, les papes, les rois et les présidents furent également commémorés dans des portraits, processus qui s’épanouit à partir de la Haute Renaissance.

Les exemples comprennent: Doge Leonardo Loredan (1502) de Giovanni Bellini; Le pape Léon X avec les cardinaux (1518) de Raphaël; Sir Thomas Plus (1527); Thomas Cromwell (1534) et Henri VIII (1536) de Hans Holbein. L’empereur Rodolphe II comme Vertumnus (1591) de Giuseppe Arcimboldo; Le roi Charles Ier d’Angleterre à la chasse (1635) d’Anthony Van Dyck; Portrait du pape Innocent X (1650) et le complexe Las Meninas (1656) de Diego Velazquez; Le suicide de Lucretia par Rembrandt; George Washington (1796) de Gilbert Stewart; Napoléon franchissant les Alpes (1801) de Jacques-Louis David; Wellington (1816) de Francisco Goya; Theodore Roosevelt (1903) de John Singer Sargent; gothique americain (1930) de Grant Wood; Etude d’après le pape Innocent X de Velazquez (1951) de Francis Bacon. Un autre type de portrait historique – le "portrait politique" – est illustré par Femme en pleurs (1937, Tate Modern, Londres), symbole universel de la souffrance féminine.

Portraits de célébrités

Les personnes célèbres ont toujours été un sujet (ou cible) recherché d’artistes professionnels, de la Renaissance au Pop-Art. Exemples de portraitistes et de leurs images de célébrités: Jan van Eyck: The Portrait d’Arnolfini (1434); Lucas Cranach l’Ancien : Diptyque avec les portraits de Luther et de sa femme Katherina von Bora (1529); John Singleton Copley : Les trois plus jeunes filles de George III (1785, Buckingham Palace London); Johann Heinrich Wilhelm Tisschbein: Goethe en Campanie (1787); Joseph Lange: Mozart au Pianoforte (1789); Monsieur Henry Raeburn : Sir Walter Scott (1823); Ilya Repin : Portrait de Léon Tolstoï (1887); Juan Gris : Portrait de Pablo Picasso (1912); Graham Sutherland: Portrait de Somerset Maugham (1949); Willem De Kooning : Marilyn Monroe (1954); Andy Warhol: Huit Elvis (1963). Parmi les autres peintures de personnages célèbres figurent: la poète Anna Akhmatova peinte par Kuzma Petrov-Vodkin; l’acteur Charlie Chaplin par Fernand Leger ; et le chef bolchevique Lénine d’Isaak Brodsky.

Un autre type de portrait moins formel est caricature , généralement des politiciens et des célébrités, publiés dans des journaux et autres périodiques, tels que Time Magazine, Vanity Fair et The New Yorker .

Portraits nus

De l’Antiquité classique à la Renaissance jusqu’au 20ème siècle, les nus masculins et féminins ont figuré dans les portraits, la peinture, la sculpture et la gravure – Botticelli’s Naissance de Vénus (1485) étant l’un des plus grands. Les autres portraits de nus célèbres incluent: La Vénus endormie (1510, Dresde) de Giorgione; La Vénus d’Urbino (1538, Uffizi) de Titien; La Vénus Rokeby (1647) de Velazquez; La baigneuse du valpincon (1808, Louvre) et La Grand Odalisque (1814, Louvre) de JAD Ingres. Pour d’autres exemples célèbres, voir: Nus féminins en histoire de l’art (Top 20) et Nus masculins en histoire de l’art (Top 10).

Vanité Portraiture

Les artistes de portrait ont également été mandatés par des moindres nobles, des personnalités culturelles et des hommes d’affaires pour en créer une ressemblance flatteuse, reflétant leur position dans la société. Ce type d’art de chevalet a prospéré pendant la Haute Renaissance italienne et dans la Renaissance nordique parmi les écoles néerlandaises et flamandes, alors que les supports d’art portables, tels que les peintures sur panneaux et les toiles, commençaient à remplacer les fresques murales. Les exemples incluent: le duc Federico da Montefeltro et son époux Battista Sforza (c.1466) de Piero Della Francesca; La famille et la cour de Ludovico II Gonzaga (c.1474) d’Andrea Mantegna; De Léonard de Vinci Dame avec une hermine (Portrait de Cecilia Gallerani) (c.1490), et Mona Lisa (c.1503), épouse de Francesco del Giocondo; De Raphaël Baldassare Castiglione (1515); La Vierge du chancelier Rolin de Jan van Eyck (1436); Holbein Erasmus de Rotterdam (1523, galerie nationale, Londres); Le marchand Georg Gisze (1532, SMPK, Berlin); et Les ambassadeurs (1533, National Gallery, London); Le Cavalier Riant (1624) de Frans Hals; La veille de nuit ou La compagnie de milice du capitaine Frans Banning Cocq (1642) et La guilde des syndics de la drapière (The Staalmeesters) (1662) de Rembrandt; Master Thomas Lister (1764) de Joshua Reynolds; Mme Richard Sheridan (1785) de Thomas Gainsborough; Portrait de Monsieur Bertin (1832) et Portrait de madame moitessier (1844-65) de Ingres. Portrait de Miss Amelia Van Buren (1891) de Thomas Eakins; et Portrait de Miss Dora Wheeler (1883, Cleveland Museum of Art) par William Merritt Chase (1849-1916).

Bilan de l’évolution du portrait

Parmi les chefs-d’œuvre de la peinture européenne du quinzième siècle à l’époque récente, de nombreux portraits constituent un élément important du travail de maîtres ayant excellé dans d’autres genres. Goya (1746-1828), peintre de la vie espagnole, de la corrida, de la fête populaire, de la sinistre augure, des catastrophes de la guerre, même des sujets religieux serait encore incomplet à nos yeux sans ses brillantes études de la personnalité individuelle.

Pendant la plus grande partie de la période médiévale, dans un art consacré à la religion, de telles études (si elles avaient pu être réalisées) auraient semblé être une intrusion sur le terrain appartenant à la foi, une impertinence, rien de plus. Les effigies sculptées des rois et des reines étaient des abstractions mémorielles de l’autorité. L’éclairage des manuscrits fournissait des symboles plutôt que des ressemblances jusqu’à la fin du Moyen Âge. Les débuts de la caractérisation apparaissent dans les portraits royaux du XIVe siècle, le Wilton Diptych fournissant un exemple. Pourtant, beau travail dans un style miniature délicat, apparemment lié à celui de l’artiste franco-flamand Andre Beauneveu (c.1330-1403), il pose un problème dans l’image qu’il donne du jeune et sans tête Richard II. Certaines preuves montrent que le panneau a été peint à une date ultérieure, lorsque Richard a été barbu et prématurément vieilli. Quelle qu’en soit la raison, cela impliquerait que la ressemblance ne soit pas une préoccupation primordiale, au contraire de l’attitude et du contenu dévotionnel.

Dans la peinture flamande du XVe siècle, le portrait réaliste prend naissance avec une soudaineté surprenante. La pratique consistant à inclure la ressemblance du donateur – prélat, noble ou riche marchand – dans le retable destiné à une église ou à un couvent exerçait le superbe talent de Jan van Eyck (1390-1441), Roger van der Weyden (1400-64) et Hans Memling (1433-94). Ils ont peint des portraits purement profanes avec le même pouvoir, les visiteurs étrangers venant des villes flamandes faisant partie de leurs clients. L’agent des Médicis à Bruges, Tommaso Portinari, apparaît avec son épouse et ses enfants dans la grande Adoration, aujourd’hui dans les Offices, de Hugo van der Goes (1440–82). Sir John Donne, fait chevalier par Édouard IV pendant la guerre des roses, a été représenté avec son épouse et sa fille dans le triptyque de Donne (1477) par Hans Memling, aujourd’hui à la National Gallery de Londres. Un Anglais à l’étranger, Edward Grimston, de Rishangles, dans le Suffolk, avait auparavant fait l’objet d’un tableau purement profane de Petrus Christus (c.1410-1473), le suiveur de Van Eyck à Bruges. Le sentiment de camaraderie entre l’Angleterre et le sud des Pays-Bas, étendu ainsi à l’art, allait avoir une suite dans la longue succession de peintres flamands qui s’établiraient à Londres aux XVIe et XVIIe siècles.

L’humanisme, la Renaissance et la Réforme ont tous contribué au développement du portrait en tant que genre indépendant. Le principe de la philosophie humaniste selon lequel l’étude appropriée de l’humanité était humaine – donnait logiquement à ce portrait une place de choix. Les artistes de la Renaissance ne sont pas seulement d’accord avec ce point de vue mais, par avance technique, ils améliorent la représentation du personnage. Le médium à base de pétrole apporté à Venise par Antonello da Messina (1430-1479) donna une nouvelle chaleur et une nouvelle force au modelage. Leonardo da Vinci (1452-1519) a démontré comment la lumière et l’ombre pouvaient ajouter à la suggestion de la personnalité et de la psychologie ( sfumato ). La Réforme a donné une nouvelle impulsion au portrait. La suppression de l’imagerie religieuse dans les pays en réforme a rendu les peintres plus disposés à offrir leurs services en tant que portraitistes.

La carrière de Hans Holbein le Jeune (1497-1543) montre l’effet des trois forces. Né à Augsbourg, il a choisi de travailler très jeune dans la ville germano-suisse de Bâle qui, en plus d’être prospère, était un centre d’humanisme érudit. C’est là qu’il a réalisé ses illustrations pour l’éloge de la folie d’Erasme. Il avait la capacité de la Renaissance pour des projets variés, allant de la décoration murale aux retables, en passant par les dessins d’œuvres d’orfèvre et de vitraux, bien que sa tendance au portrait fût déjà marquée. Mais dans la montée du sentiment protestant à Bâle, l’emploi de nature catholique a pris fin.

Comme d’autres artistes, il était «sans pain», comme l’observe Erasmus en le recommandant à Thomas More à Londres. L’intérêt de ces amis (qu’il a récompensés par de superbes portraits) a permis à Holbein de rencontrer et de peindre et de dessiner un secteur considérable de la société tudor au cours des deux années de son premier séjour en Angleterre, en 1528. Son deuxième séjour de onze ans de 1532 à sa mort en 1543, il se retrouva plus clairement dans la sphère des tribunaux. Il devint peintre pour Henri VIII en 1536. Aucun visage de l’histoire n’est mieux connu que le formidable visage aux yeux suspects et à la petite bouche cruelle peinte par Holbein dans l’un des tableaux (Thyssen Collection) – parmi un certain nombre de versions – qui provient certainement de son propre main.

Dans ce siècle de relations et d’alliances changeantes entre les dirigeants despotiques, le portrait avait sa fonction diplomatique. En plus de rappeler chez lui aux autorités et aux courtisans du pouvoir, l’image du souverain était un symbole des échanges internationaux, l’artiste lui-même étant une figure internationale. Telle était la position de Titien (1485-1576), le représentant de Charles V et de Philippe II d’Espagne; et d’Anthonis Mor (1519-1576), le latin Antonio Moro qui devint plus tard Sir Anthony More et peignit Mary Tudor. et Sir Thomas Gresham.

Avant que la photographie ne soit inventée – ou que la connaissance personnelle soit considérée comme un préalable nécessaire même pour un mariage royal – le portrait peint servait à exprimer les qualités physiques de la future épouse. Holbein a été dépêché sur le continent pour apporter son reportage illustré sur la jeune mais veuve de la duchesse de Milan et Anne, fille du duc de Clèves, afin d’aider Henry à faire son choix. Plus qu’une description, sa peinture de la duchesse (Londres, National Gallery) est devenue un chef-d’œuvre ajoutant à l’attraction des fonctionnalités une splendide simplicité de conception.

Un autre objectif du portrait de la cour était d’indiquer puissance et rang par la splendeur du costume et la profusion de bijoux. Cela était très caractéristique de la période élisabéthaine, et peut-être une exigence du client selon laquelle les traits devraient avoir un aspect raide et sans expression, tandis que la richesse des accessoires témoignait de leur statut. La reine elle-même semble avoir pensé de la sorte dans ses injonctions contre l’ombre transmises à Nicholas Hilliard, contre, c’est-à-dire, l’ombre de modelage du visage produirait.

La richesse formelle presque byzantine d’une œuvre telle que le Portrait de Ditchley de Marcus Gheeraerts le Jeune (1561-1636) était recherchée à un moindre degré par les femmes de la cour. Les peintres flamands qui sont venus en Angleterre pour échapper à la persécution religieuse aux Pays-Bas et ont formé une colonie flamande à Londres étaient des artisans répondant à une exigence limitant leur indépendance en tant qu’artistes. Le genre de portrait miniature par son échelle intime évitait la lourdeur de la restriction, l’art de Nicholas Hilliard (1547-1619) dans sa clarté de couleur, sa vivacité de délimitation et sa poésie emblématique s’épanouissant aussi mélodieusement que le sonnet élisabéthain à l’oreille. À son tour, Hilliard a transmis ses secrets à un autre Anglais meilleurs miniaturistes Isaac Oliver, plus moderne (1568-1617).

Le dix-septième siècle fut un grand âge du portrait en Europe. Le statut du peintre ayant été modifié, il pouvait revendiquer une plus grande indépendance de méthode et de conception. Le respect dans lequel Titien avait été tenu par le plus puissant des dirigeants avait laissé une impression durable. L’artiste a évolué dans les milieux judiciaires non comme un ouvrier salarié mais comme un créateur de lustre. Là où il n’y avait pas de tribunal – dans les provinces unies du nord des Pays-Bas – la richesse nouvellement acquise et la liberté nationale exigeaient des portraits en abondance. Il a été dit que chaque artiste flamand était un portraitiste né. En examinant le cours de la peinture flamande de Van Eyck à Rubens et Van Dyck, vous réalisez à quel point cette observation est véridique.

Même ainsi, le portrait de la Renaissance italienne avait établi une norme dont profitait le dix-septième siècle. Le Portrait de Baldassare Castiglione de Raphaël (1483-1520) que Rembrandt (1606-69) a vu à Amsterdam suggère le style de composition qu’il a adopté dans l’autoportrait de 1640 (Londres, Galerie nationale). Les huit années passées par Rubens (1577-1640) en Italie au service du duc de Mantoue, lorsqu’il copia les grands vénitiens pour le duc mais aussi pour sa propre satisfaction, furent des années au cours desquelles son originalité favorisa son originalité. Au cours des six années passées en Italie par Anthony Van Dyck (1599-1641) à peindre des portraits et à étudier les Vénitiens, il tire beaucoup de la dignité de la pose et de la richesse des couleurs du Titien.

Van Dyck peut être considéré sous deux aspects distincts. Il y a le peintre baroque aux compositions religieuses émotionnelles qui rivalisent avec celles de Rubens dans les églises d’Anvers, et le portraitiste est plus sensible aux atmosphères psychologiques que son maître, Rubens. La fraîcheur et la retenue de l’Angleterre ont exercé leur influence. L’élégance et le raffinement de l’art de Van Dyck ont ​​dominé le siècle en Angleterre, bien que William Dobson (1610-1646) soit arrivé indépendamment à un style vigoureux basé sur l’étude des Vénitiens, et Samuel Cooper (1609-1672) se distingue comme un homme qui réduire l’effet d’un grand portrait à l’huile à l’échelle miniature. Le déclin d’un «art de cour» peut être retracé dans les travaux de Sir Peter Lely (1618-1680) et de Sir Godfrey Kneller (1646-1723). Une race de parlementaires aristocratiques et de gentilshommes de la campagne étaient les protecteurs de la période de la plus grande excellence de l’Angleterre dans le domaine des portraits, au XVIIIe siècle.

Le 18ème siècle a produit une informalité et une intimité que l’Europe n’avait jamais connues auparavant. Les «pièces de conversation» pratiquées par un certain nombre d’artistes – William Hogarth (1697-1764), le plus important d’entre eux – en donnent un exemple. Constitués d’un groupe familial ou d’un groupe d’amis, ils se distinguaient de ces groupes par l’art français ou néerlandais en montrant aux sujets engagés de manière informelle une occupation ou un détournement coutumier dans leur environnement habituel. Les plaisirs de la possession d’une propriété rurale sont suggérés par les portraits en plein air peints par Thomas Gainsborough (1727-1788). La fraîcheur de la beauté anglaise contrastait parfaitement avec le maquillage élaboré des anciennes dames de la cour, tandis que les enfants n’étaient plus représentés comme de petites effigies revêtues d’une tenue de cérémonie mais d’un mouvement et d’une expression naturels. Au lieu de courtisans, un large éventail de types et de caractères apparaît. Hogarth de préférence peint le capitaine Coram, philanthrope de la classe moyenne, ou un groupe de ses propres serviteurs. Sir Joshua Reynolds (1723-1792) peint l’acteur, l’actrice, l’homme de lettres – Garrick, Mme Siddons, M. Johnson – ainsi que des seigneurs et des dames. George Stubbs (1724-1806) et d’autres peignent les écuyers sportifs à la chasse ou au tir.

Il existait encore des liens étroits avec le passé au XVIIIe siècle. Gainsborough en vint à redécouvrir Van Dyck et à remodeler l’élégance du maître flamand dans un style anglais, à la manière d’un maître écossais. Allan Ramsay avait fait avant lui. Reynolds a donné son savant commentaire pictural sur Rembrandt et le Titien. Le XIXe siècle, moins sûr de ses amarres, était plus agité et de styles différents dans les portraits que l’on pouvait considérer comme des œuvres d’art – en laissant de côté la vaste accumulation d’œuvres d’un caractère non-distingué et quasi photographique, produit d’une population croissante et la richesse de la classe moyenne. La tradition du dix-huitième siècle disparaît dans le charme au tempérament romantique de Sir Thomas Lawrence (1769-1830). L’époque victorienne présente des variations telles que les premiers portraits de Sir John Millais (1829-1896) avec leur étonnante minutie pré-raphaélite; les portraits de George Frederick Watts (1817-1904) qui, avec une certaine idéalisation, représentent bien le sérieux intense des grands victoriens; et la conception esthétique de James McNeill Whistler (1824-1903) qui considérait le portrait comme un "arrangement" de couleurs et de formes, plutôt que comme une révélation de caractère. Parmi les impressionnistes, Edgar Degas et Renoir ont excellé à Poprtraiture – voir: La famille Bellelli (1858-67) et le controversé Portraits à la Bourse (1879). Voir aussi les merveilleux portraits tardifs de Cézanne, tels que: Le garçon au gilet rouge (1889-1890), Homme fumant une pipe (1890-2), Femme avec une cafetière (1890-5), Dame en bleu (1900), Jeune femme italienne s’appuyant sur son coude (1900). NOTE: Pour une explication des portraits modernes réalisés au 19ème siècle, voir: Analyse des peintures modernes (1800-2000).

Photographie de portrait

Le 20ème siècle a été témoin du déclin rapide du portrait peint et de la montée en puissance du portrait photographique. Malgré son contexte technologique, la valeur artistique et esthétique de ce type de portrait ne sont nullement inférieurs. Pour une liste sélectionnée des plus grands photographes impliqués dans des portraits photographiques, veuillez consulter les informations suivantes:

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