Orfèvrerie:
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La bijouterie est l’art appliqué du travail des métaux précieux. Par essence, un bijoutier est un artisan spécialisé dans le travail des métaux précieux tels que l’or, l’argent, l’électrum (pépite d’or), le platine, les alliages de bronze et de cuivre, et les pierres précieuses. (Voir aussi Artisanat : Histoire et types)

Depuis les premières civilisations , les orfèvres fondent et fabriquent à la main des objets en or, des ornements personnels, des assiettes, des coupes, des armes, des articles équestres et des objets précieux à des fins cérémonielles et religieuses.

L’orfèvrerie s’est révélée particulièrement utile à l’époque médiévale, où les orfèvres étaient chargés de décorer les manuscrits enluminés avec des feuilles d’or, de créer des arches en or pour les reliques sacrées et de fabriquer de nombreux objets ecclésiastiques à partir de métaux précieux. En outre, la plupart des pays ont connu leur propre «âge d’or» du travail des métaux précieux, comme en témoignent les remarquables œufs de Pâques Fabergé fabriqués par les maîtres joailliers russes Gustav Fabergé (1814-1893) et Peter Carl Fabergé (1846-1920) au 19e siècle. Parmi les autres types de travail des métaux, on peut citer le travail des orfèvres (spécialisés dans le travail de l’argent), des artisans du cuivre (cuivre), des forgerons (fer) et des artisans du blanc (métaux dits blancs tels que l’étain et le fer-blanc).

Quelles sont les propriétés uniques de l’or?

L’or est un métal extrêmement rare, précieux et brillant. Comparé à d’autres métaux, il ne rouille pas, ne ternit pas, est facile à fondre et à façonner, et est très malléable : une once (31 grammes) d’or peut être façonnée en une fine feuille d’environ 30 m² (1 gramme d’or peut être façonné en une feuille d’un mètre carré). Il se prête également facilement au soudage sous pression. En raison de sa valeur et de sa malléabilité, l’or a été l’un des premiers matériaux à attirer l’attention.

L’art égyptien, en particulier, et l’art égéen se sont distingués par leurs objets en or. Depuis l’Antiquité, les objets en or ont été utilisés à la fois comme art décoratif, et comme source de richesse. En Inde, par exemple, l’or est universellement utilisé à la fois pour orner le corps et pour exprimer son statut. L’habileté des orfèvres est légendaire, comme en témoigne la communauté d’orfèvres Khudabadi Sindhi Swarankar, dont les œuvres d’art exceptionnelles ont été exposées à Londres lors de la grande exposition de 1851.

Quelles étaient les principales techniques utilisées par les orfèvres?

Un maître joaillier est formé à de nombreux types de travail du métal, y compris le sciage, la coupe, la forge, la fonte, le moulage, le battage, la soudure, le limage, la gravure, l’estampage, l’émaillage et le polissage des métaux précieux et des pierres précieuses . Traditionnellement, la plupart des bijoutiers apprenaient le métier dans l’atelier de leur père ou acquéraient des compétences en tant qu’apprentis auprès d’un maître. Beaucoup fabriquaient également des bijoux, et certains pratiquaient la gravure, en tant qu’imprimeurs. Par exemple, plusieurs des meilleurs graveurs du XVe siècle étaient soit des joailliers, soit des fils de joailliers, comme Albrecht Dürer et Martin Schongauer.

À la fin du XIXe siècle, grâce au mouvement Arts and Crafts ««Arts and Crafts» en Angleterre, Art nouveau dans le monde entier et Deutsche Werkbund en Allemagne, l’art de la joaillerie a connu un renouveau important. Aujourd’hui, de nombreuses grandes écoles d’art proposent des cours de bijouterie, d’argenterie et de métallurgie dans le cadre de leur programme d’études en beaux-arts.

Outre les techniques de base de la bijouterie - fonte et forgeage - les orfèvres apprennent un certain nombre de techniques avancées, notamment le noircissement, le gaufrage, le travail en relief, l’émaillage (y compris le cloisonné, la chambre, la basette, la plique-a-jour), la gravure et la décoration en filigrane.

Travail au noir

Utilisée pour la première fois par les Egyptiens, cette technique décorative consiste à appliquer de la nielle - une poudre noire obtenue par l’alliage de cuivre, d’argent, de plomb et de soufre - sur des motifs gravés sur de petits objets métalliques, généralement en argent. Après avoir recouvert la surface du métal gravé de nielle, on y applique de la chaleur, ce qui fait fondre la nielle et la fait couler dans les canaux gravés.

Les maîtres de la Russie kiévienne étaient connus pour leurs produits niellés du 10e au 13e siècle, dont certains sont conservés dans les musées d’art de Moscou et dans le Panthéon spécial de l’Ermitage. Voir aussi Art chrétien (époque byzantine) (vers 400-1200) et Peinture médiévale russe (vers 950-1100). Le joaillier florentin Maso Finiguerra (1426-1464) est un autre représentant éminent du niellage. Parmi les autres pièces en nielle, citons les boucles d’or anglo-saxonnes et d’autres objets provenant du trésor de Sutton Hoo, ainsi que la Crucifixion de Minden (1070-1120, cathédrale de Minden, Allemagne).

Le gaufrage

Cette technique traditionnelle de travail du métal est utilisée pour créer un motif en relief ou en creux sur une feuille d’or ou un autre métal. Une forme populaire de gaufrage est connue sous le nom de Repoussé - elle consiste à frapper le dos d’une feuille de métal avec un marteau pour créer un motif gaufré. Une autre méthode de gaufrage est connue sous le nom de monnayage. Elle fonctionne à l’inverse du repoussé : au lieu de marteler le dos de la feuille de métal pour créer un motif en relief sur la face, le monnayage consiste à travailler sur la face de la feuille pour créer un motif en creux dans le métal. La couronne de Petrie de l’âge du fer (National Museum of Ireland) et le chef-d’œuvre en argent connu sous le nom de chaudron de Gundestrup (1er ou 2e siècle avant J.-C., Musée national du Danemark, Copenhague) sont deux exemples exquis de travail au repoussé.

L’émail

Dans le processus de l’émaillage, une glaçure semblable à du verre est appliquée sur une surface métallique (ou un objet), puis soumise à une chaleur intense qui fusionne la glaçure en une couche décorative magnifiquement colorée. Le revêtement vitreux (connu sous le nom d’émail vitreux) peut être rendu partiellement ou totalement transparent, ou totalement opaque ; sa couleur peut être réglée en mélangeant le verre fondu avec divers oxydes de métaux, tels que le cobalt, le fer, le praséodyme et d’autres. (Voir aussi : Art du vitrail : Matériaux et méthodes)

L’émaillage présente des similitudes avec la mosaïque et la peinture et a connu son premier essor au début de la culture byzantine. Il s’est également épanoui au Moyen Âge, notamment à Limoges (vers 1200), à l’époque de l’art gothique, et à la Renaissance italienne.

Émail cloisonné et plique-à-jour

La technique de l’émaillage cloisonné consiste à souder des bandes de métal aplaties (ou des fils d’or ou d’argent) à un objet métallique pour créer une série de compartiments en relief (linteaux), qui sont ensuite remplis d’émail et cuits dans un four. Une forme plus avancée (et plus complexe) de peinture cloisonnée est connue sous le nom de Plique-à-jour, dans laquelle les compartiments «» ont des parois qui ne sont pas fermement attachées à la base métallique. Ces dernières sont ensuite retirées en quelques coups, laissant apparaître un réseau de compartiments remplis d’émail qui laissent passer beaucoup plus de lumière.

La gravure cloisonnée est maîtrisée dès la première époque de l’art byzantin et à l’époque romane/gothique. Elle s’est également répandue en Chine - l’émaillage cloisonné chinois est aujourd’hui considéré comme l’un des exemples les plus remarquables de cet art - voir, par exemple, la collection de 150 pièces chinoises au Vincent Smith Art Museum, Springfield, Massachusetts.

Les joailliers japonais du XIXe siècle ont également produit un grand nombre de pièces en émail cloisonné, qui a atteint son apogée en Russie au tournant du siècle grâce à la maison Khlebnikov et, bien sûr, à Fabergé. Parmi les autres exemples célèbres d’émail cloisonné dans l’art chrétien, citons la coupe irlandaise Ardagh (8e-9e siècle, Musée national d’Irlande) ; la Sainte Couronne de Hongrie (Couronne de saint Étienne, 11e siècle, bâtiment du Parlement hongrois, Budapest) ; Khakhul Triptych (8e-12e siècle, Musée d’art de Géorgie, Tbilissi), un retable en or , qui serait la plus grande œuvre d’art émaillée au monde.

Basse-Taille

Cette technique de joaillerie est similaire au cloisonné, sauf qu’un motif en bas-relief est créé (par gravure ou ciselage) sur le fond «de compartiments» qui sont ensuite remplis d’émail translucide ou entièrement transparent, permettant au motif de briller à travers. Un exemple remarquable de basse-taille est la Coupe royale d’or française (alias la Coupe de Sainte-Agnès) (XIVe siècle, British Museum), créée par des joailliers à l’époque du gothique international . La coupe est en or pur, richement décorée d’émail et de perles, et est considérée comme le plus bel exemple d’assiette française de la fin du Moyen Âge.

Champlevé

Emaillage particulier - le mot signifie «champ surélevé» - L’émaillage champlevé consiste à créer des dépressions dans la surface d’un objet métallique, qui sont ensuite remplies d’émail vitreux et cuites dans un four ou une étuve. Cette technique n’a été pleinement développée qu’à l’époque de l’art roman (1000-1150).

Parmi les exemples célèbres de champlevé, citons le triptyque de Stavelot (vers 1158), chef-d’œuvre de l’art mosan, un style de bijouterie romane créé autour de Liège, en Belgique - aujourd’hui conservé à la Morgan Library and Museum, à New York ; et le coffre de Becket (1180-1190), réalisé en cuivre doré à Limoges, en France (aujourd’hui conservé au Victoria and Albert Museum, à Londres).

Filigrane (granulation)

Cette technique délicate consiste à créer des objets métalliques en or et en argent à l’aide de motifs de minuscules perles ou boules d’or (granulation) soudées à la surface de l’objet selon des motifs ressemblant à de la dentelle. Elle a été largement utilisée par les joailliers italiens et français du milieu du XVIIe siècle à la fin du XIXe siècle. Le filigrane a atteint son apogée dans l’art étrusque et grec (vers 550-250 av. J.-C.) et - à en juger par la collection de bijoux scythes du musée de l’Ermitage à Saint-Pétersbourg - dans l’art des steppes autour de la mer Noire.

En Irlande, les exemples d’orfèvrerie filigranée comprennent la broche de Tara (vers 700 ap. J.-C., National Museum of Ireland), un chef-d’œuvre de la joaillerie celtique, et le calice de Derrinaflan (NMI) - tous deux décorés dans le style culturel de La Tène . (Voir aussi : Arts métallurgiques celtiques)) D’autres exemples importants d’orfèvrerie filigranée se trouvent dans les collections du British Museum et du Victoria and Albert Museum à Londres, ainsi qu’au Louvre à Paris.

Chryséléphantine

Le terme «art chryséléphantin», formé à partir des mots grecs chryzos (or) et elephantine (ivoire), désigne les sculptures réalisées à partir d’une combinaison d’ivoire sculpté et d’or. Généralement, la sculpture chryséléphantine était construite autour d’un cadre en bois, avec de l’ivoire finement sculpté pour la chair et des feuilles d’or pour l’armure, les vêtements, les cheveux et d’autres détails. Des pierres précieuses et semi-précieuses étaient utilisées pour les détails tels que les yeux, les bijoux et les armes.

Les motifs étaient souvent modulables de manière à ce que l’or puisse être retiré et fondu en pièces de monnaie en cas de besoin. La figure de Niki serrant la main droite de la célèbre statue «d’Athéna Parthénos» de Phidias (vers 430 av. J.-C., Parthénon) a été réalisée en or pur pour cette même raison. Les deux exemples les plus célèbres de sculpture grecque chryséléphantine - tous deux faits de panneaux d’ivoire et d’or plaqués à l’époque de la sculpture grecque classique - ont été sculptés par Phidias (488-431 av. J.-C.).

La première est la statue de 13 mètres d’Athéna Parthénos (vers 430 av. J.-C.) dans le Parthénon d’Athènes ; l’autre est la statue de 11 mètres de Zeus (430-422 av. J.-C.) dans le temple d’Olympie, considérée comme l’une des sept merveilles du monde antique .

Les orfèvres

Comme nous l’avons déjà mentionné, le travail de l’or était pratiqué dans les premières cultures du Proche-Orient et de la Méditerranée, qui ont donné naissance à l’art mésopotamien et la sculpture mésopotamienne, ainsi qu’à l’art égyptien et plus tard à l’art minoen . Même les styles moins sophistiqués de l’art hittite et de l’art assyrien avaient une tradition de travail de l’or.

Les mines d’or d’Égypte, de Nubie et d’Arabie Saoudite étaient les principaux fournisseurs du précieux métal. Originaire de la Grèce antique et du pourtour de la mer Noire, l’orfèvrerie s’est répandue vers l’ouest, en Europe centrale et occidentale, grâce à la migration des tribus celtes dont les forgerons étaient réputés pour leurs forges mobiles et leurs compétences en matière de travail des métaux. Voir aussi Culture celtique de Hallstatt (vers 800-450 av. J.-C.) et Art celtique (à partir de 1 000 av. J.-C.).

À la même époque , l’art étrusque en Italie commençait à être connu pour les objets en or provenant de ses tombes. Les Romains étaient également actifs dans le domaine de l’or, notamment grâce à leurs innovations en métallurgie : de nouvelles méthodes d’extraction de l’or à grande échelle ont été développées grâce à l’introduction d’outils miniers hydrauliques, en particulier en Espagne et dans les Balkans.

L’essor du christianisme a considérablement augmenté la demande d’objets en or - pour les besoins pieux et ecclésiastiques - et pendant l’âge des ténèbres, les monastères d’Irlande, d’Iona et du nord de l’Angleterre ont été pillés à plusieurs reprises par des maraudeurs vikings à la recherche d’or et d’objets précieux utilisés dans la production de manuscrits enluminés par les moines artistes.

À Constantinople, centre de l’Empire romain d’Orient et de son propre style d’art chrétien primitif, les orfèvres et les mosaïstes sont devenus célèbres pour leurs chefs-d’œuvre étincelants d’or et de mosaïques multicolores . Regardez, par exemple, le travail décoratif en or et en cuivre sur les célèbres Évangiles de Garim (390-660) d’Éthiopie, les plus anciens textes d’évangiles enluminés au monde.

À mesure que la culture de l’Europe occidentale reprenait de la vigueur à l’époque de l’art carolingien (vers 750-900) et de son successeur l’art ottonien (vers 900-1050), de plus en plus de joailliers ont été engagés pour répondre à la demande. Une autre école influente est l’école mosane, qui se développe dans les environs de Liège et du monastère bénédictin de Stavelot. Les principaux représentants de cette école sont Godefroid de Clare (1100-1173) et Nicolas de Verdun (vers 1156-1232).

L’utilisation de l’or pour les objets religieux et profanes devient progressivement un phénomène mondial, et les orfèvres sont constamment sollicités, tant dans les périodes d’abondance (où ils sont chargés de fabriquer une gamme toujours plus large d’objets précieux) que dans les périodes de pénurie (où les pièces d’or sont fondues pour former des monnaies).

Renaissance : croissance de la richesse et du commerce

La révolution culturelle connue sous le nom d’art de la Renaissance a été alimentée par une révolution tout aussi importante dans le domaine du commerce et des finances, stimulée par l’augmentation considérable du commerce de la soie, des épices et de la poterie qui allait bientôt transformer bon nombre de palais, d’églises et de maisons de l’Europe chrétienne. Cette influence s’est également reflétée dans l’art et la culture du Quatrocento . Par exemple, lorsqu’ils commandaient de nouvelles peintures à l’huile, les mécènes commençaient à spécifier la quantité exacte d’or, d’argent, de lapis-lazuli et d’autres matériaux orientaux coûteux qui devaient être utilisés dans l’œuvre afin d’en accroître l’opulence et la grandeur. L’orfèvre était l’artisan central et influent de tout ce processus. (Voir aussi : Pigments de couleur .)

La perspective d’obtenir plus d’or pour aiguiser l’appétit de grandeur ostentatoire a eu un impact direct sur l’exploration européenne. Au début du XVe siècle, les colonisateurs portugais se sont dirigés vers le sud du Maroc pour tenter de contrôler l’approvisionnement en or des riches mines d’or du Mali. Un siècle plus tôt, en 1324, le souverain du Mali, Mansa Musa (1312-1337), avait effectué son célèbre pèlerinage à La Mecque, au cours duquel il avait donné une telle quantité d’or que son prix sur le marché nord-africain s’était effondré pendant plusieurs années. La colonisation européenne de l’Amérique du Sud a également été motivée par des rapports faisant état de bijoux en or très répandus, en particulier en Amérique centrale, au Pérou, en Équateur et en Colombie.

Après la Renaissance, l’orfèvrerie en France a été stimulée à deux reprises dans le cadre de l’essor des arts décoratifs français, résultant de la construction des châteaux de Fontainebleau et de Versailles. Le premier renouveau, lié à l’école de Fontainebleau, débute au XVIe siècle (v. 1528-1610) sous le patronage de François Ier (1494-1547). Un second renouveau s’est amorcé au XVIIe siècle sous le patronage du roi Louis XIII (règne 1610-43). Pour plus de détails, voir : Château de Versailles (construit vers 1624-98).

Depuis lors, l’or et la production d’objets en or sont étroitement liés au commerce international ainsi qu’à la liquidité et à la circulation des biens personnels, en particulier en Inde et en Extrême-Orient.

Les joailliers célèbres

La joaillerie est devenue le tremplin de nombreuses formes d’art : l’histoire de la peinture et de la sculpture, par exemple, regorge d’exemples d’artistes célèbres qui se sont d’abord formés à la joaillerie ou à l’orfèvrerie. Il s’agit notamment de personnalités de la Renaissance telles que Lorenzo Ghiberti (1380-1455), sculpteur de la Renaissance ; Luca Della Robbia (1399-1482), célèbre pour ses sculptures en terre cuite ; Vecchietta (1410-1480), peintre et architecte siennois ; Antonio del Pollaiolo (1429-1498), sculpteur du Quatrocento ; Andrea del Verrocchio (1435-1488), sculpteur des Médicis qui enseigna à Léonard ; le pieux Florentin Sandro Botticelli (1445-1510) ; le fresquiste Domenico Ghirlandaio (1449-1494) ; le graveur Cristofano Robetta (1462-1535) ; le sculpteur padouan Andrea Riccio (1470-1532) ; Peintre de la Haute Renaissance Andrea del Sarto (1486-1530) ; peintre maniériste Agnolo Bronzino (1503-1572) ; sculpteur florentin Benvenuto Cellini (1500-1571) ; Graveur et imprimeur allemand Johannes Gutenberg (1395-1468), peintre Albrecht Dürer l’Ancien (1427-1502), père du peintre de la Renaissance du Nord Albrecht Dürer ; Jean Duvet (1485-1562), graveur français de la Renaissance, Urs Graf (1485-1528), peintre et imprimeur suisse de la Renaissance, Nicholas Hilliard (1547-1619), principal miniaturiste anglais , et d’autres.

Il convient de mentionner tout particulièrement les grands maîtres joailliers russes du XIXe siècle, tels qu’Andrei Grigoriev, Ivan Gubkin, Sacerdon Skripitsyn et Ivan Zuyev. Il faut également mentionner les artistes joailliers Gustav Fabergé (1814-1893) et Peter Carl Fabergé (1846-1920), créateurs des exquis «œufs de Pâques Fabergé» destinés aux tsars Romanov. Parmi les nombreux maîtres de Fabergé impliqués dans divers processus de joaillerie - outre les joailliers Michael Perchin (1860-1903) et Henrik Wigström (1862-1923) - figurent Eric August Collin (1836-1901), Fyodor Rückert (1840-1917), Peter Carl Fabergé (1846-1920) et Peter Carl Hallming (1854-1985), August Frederick Hallming (1854-1915), Johann Zeengraf (1857-1908), Johan Victor Aarne (1863-1934), Fyodor Alekseevich Afanasyev (1870-1937), Carl Gustav Hjalmar Armfeldt (1873-1959), Oskar Woldemar Pihl (1860-1897) et Vasily Zuyev (1878-1941). Voir aussi : Art russe (30 000 av. J.-C. - 1920).

Collections d’objets en or

Outre les éléments énumérés ci-dessus, voici une courte liste d’objets célèbres en or et autres métaux précieux.

De nombreux musées d’art parmi les plus beaux du monde possèdent des collections d’antiquités fabriquées par des joailliers du monde entier : par exemple, les salles de bijoux en or du Louvre à Paris, de l’Ermitage à Saint-Pétersbourg, la Galerie Tretiakov à Moscou, ainsi que du British Museum et du Victoria and Albert Museum à Londres. Notons également que la famille royale britannique possède plus de 250 pièces de Fabergé dans la Royal Art Collection . Aux États-Unis, les plus importantes collections de pièces d’or sont conservées au Metropolitan Museum of Art, New York, au Museum of Fine Arts in Boston, à l’Art Institute of Chicago, au Detroit Institute of Arts et au Vincent Smith Art Museum, Springfield, Massachusetts

D’autres collections d’art sont conservées dans des musées spécialisés, notamment le musée historique de Samokov, en Bulgarie, le musée d’art de Géorgie à Tbilissi, le musée ukrainien des trésors historiques à Kiev, le musée archéologique national d’Athènes, le musée égyptien du Caire, le musée national du Moyen Âge à Paris, et d’autres encore.