Orfèvrerie: Techniques, Histoire 1 340 Automatique traduire La modification de cette section n'est pas encore terminée

Voir également: Bijoux: Histoire et Techniques .

Qu’est-ce que l’orfèvrerie?

L’orfèvrerie est la art appliqué de travail des métaux en or. Un orfèvre est essentiellement un métallurgiste dont la spécialité est le travail des métaux précieux comme l’or, l’argent, l’électrum, le platine, les alliages comme le bronze et le cuivre, ainsi que des pierres précieuses. (Voir également Artisanat: Histoire et Types .) Depuis le tout début civilisation , des orfèvres ont moulé et fabriqué à la main des artefacts en or, des bijoux personnels, des assiettes, des gobelets, des armes, des objets équestres ainsi que des objets précieux à des fins cérémonielles et religieuses. L’orfèvrerie s’est révélée particulièrement utile à l’époque médiévale, lorsque des orfèvres ont été chargés de manuscrits enluminés avec des feuilles d’or, créez des reliquaires en or pour les saintes reliques et fabriquez de nombreux objets ecclésiastiques en métaux précieux. En outre, la plupart des pays ont connu leur propre "âge d’or" dans le travail des métaux précieux, comme en témoigne le merveilleux Œufs de Pâques Fabergé fabriqué par les maîtres orfèvres russes Gustav Fabergé (1814-1893) et Peter Carl Fabergé (1846-1920), au cours du 19ème siècle. Autres types de ferronnerie implique des orfèvres ou des briquets (spécialisés dans le travail de l’argent), des chaudronniers (cuivre), des forgerons (fer) et des Blancs (ce qu’on appelle les métaux blancs comme l’étain et l’étain).

Quelles sont les propriétés uniques de l’or?

L’or est un métal extrêmement rare, précieux et brillant. Par rapport aux autres métaux, il ne se corrode ni ne se ternit, il est facilement fondu, fusionné et mis en forme, et est très ductile: une once (28 grammes) d’or peut être battue en une mince feuille d’environ 300 pieds carrés. Il est également facile de souder sous pression. En raison de sa valeur et de sa malléabilité, l’or a été l’un des premiers matériaux à attirer l’attention. Art égyptien en particulier, ainsi que Art égéen ont été notés pour leurs artefacts en or. Depuis l’Antiquité, les objets en or ont été utilisés à la fois art décoratif et une source de richesse. En Inde, par exemple, l’or est utilisé universellement pour décorer le corps et exprimer son statut. Le savoir-faire de ses orfèvres est légendaire, comme en témoigne la communauté des orfèvres Khudabadi Sindhi Swarankar, dont les œuvres exceptionnelles ont été présentées à Londres lors de la Grande exposition de 1851.

Quelles sont les principales techniques utilisées par les orfèvres?

Un maître orfèvre est formé à de nombreux types de travail des métaux, notamment le sciage, le découpage, le forgeage, la fusion, la coulée, le battage, le soudage, le limage, la gravure, le gaufrage, l’émaillage et le polissage des métaux précieux et des pierres précieuses. Traditionnellement, la plupart des orfèvres apprenaient le métier dans l’atelier de leur père ou acquéraient les compétences d’apprenti d’un maître artisan. Beaucoup ont également fabriqué des bijoux, tandis qu’un certain nombre ont pratiqué gravure en tant que graveurs. Parmi les meilleurs graveurs du XVe siècle, par exemple, étaient soit des orfèvres, soit des fils d’orfèvres, tels que Albrecht Durer et Martin Schongauer. À la fin du XIXe siècle, en raison de la L’artisanat mouvement en Angleterre, Art Nouveau autour du monde et le Deutscher Werkbund en Allemagne, l’art de la bijouterie connaît un renouveau important. Aujourd’hui, beaucoup de meilleures écoles d’art des cours d’orfèvrerie, d’orfèvrerie et de travail des métaux dans le cadre de leurs beaux arts programme.

Outre les techniques de base de l’orfèvrerie de fonderie et de forgeage, les orfèvres ont appris diverses techniques de pointe, notamment le niellon, le gaufrage, le repoussé, l’émaillage (y compris le cloisonné, le champlevé, la taille basse, le plique-à-jour), la gravure et la décoration en filigrane.

Niello

D’abord utilisée par les Égyptiens, cette technique décorative implique l’application de Niello – une poudre de couleur noire, obtenue par fusion de cuivre, d’argent, de plomb et de soufre – sur des motifs gravés sur de petits objets en métal, généralement en argent. Une fois que la surface en métal gravée est recouverte de Niello, une chaleur est appliquée, ce qui fait fondre le Niello et se répand dans les canaux gravés. Les artisans de Kievan Rus étaient réputés pour leurs nielli du 10 au 13ème siècle, dont certains sont conservés au Musée ukrainien des trésors historiques, à Kiev. Voir également: Art chrétien (époque byzantine) (env. 400-1200) et Peinture médiévale russe (c.950-1100). Un autre grand représentant de Niello fut l’orfèvre florentin Maso Finiguerra (1426-1464). Parmi les autres niellis remarquables, on peut citer les boucles de ceinture en or anglo-saxonnes et d’autres objets des palans de Sutton Hoo; et le Crucifix de Minden (1070-1120, cathédrale de Minden, Allemagne).

Gaufrage

Cette technique traditionnelle de travail des métaux est utilisée pour créer un motif en relief ou en creux dans une feuille d’or ou d’un autre métal. Une forme de gaufrage populaire est connue sous le nom de Repoussé – qui consiste à marteler le revers d’une feuille de métal pour créer un motif en bas-relief. Une autre méthode de gaufrage est appelée Chasing. Cela fonctionne à l’inverse du repoussé: au lieu de marteler sur le verso de la tôle pour créer un motif en relief sur le devant, poursuivre consiste à travailler sur la surface avant de la tôle pour créer un motif creux dans le métal. L’âge du fer est deux exemples exquis de travail repoussé Petrie Crown (Musée national d’Irlande) et le chef-d’oeuvre en argent connu sous le nom de Chaudron de Gundestrup (1er ou 2e siècle avant notre ère, Musée national du Danemark, Copenhague).

Émail

Au cours du processus de émaillage , un vernis semblable à du verre est appliqué sur une surface métallique (ou un objet), puis soumis à une chaleur intense, qui le fusionne pour le transformer en un revêtement décoratif superbement coloré. Le revêtement vitreux (appelé émail vitreux) peut être partiellement ou totalement transparent, ou complètement opaque; de plus, sa couleur peut être contrôlée en mélangeant le verre fondu avec divers oxydes métalliques tels que le cobalt, le fer, le praséodyme et autres. (Voir également: Art du Vitrail: Matériaux et Méthodes .) L’émaillage a des affinités avec la mosaïque et la peinture et a atteint son premier sommet dans la culture byzantine au début. Il a également prospéré à l’époque médiévale, notamment à Limoges (vers 1200) à l’époque de Art gothique et pendant la Renaissance italienne.

Cloisonné et plique-à-jour

La technique de émaillage cloisonné (du mot français pour compartiments) implique le soudage de bandes de métal aplaties (ou de fils dorés / argentés) sur un objet métallique, afin de créer un certain nombre de compartiments surélevés (cloisons) qui sont ensuite remplis d’émail et cuits au four. Une forme plus avancée (et difficile) de cloisonné est connue sous le nom de Plique à jour, dans laquelle les "compartiments" sont construits avec des murs qui ne sont pas fermement fixés à la base en métal. Ce dernier est ensuite retiré en quelques tapotements, laissant un réseau de compartiments remplis d’émail qui laisse passer beaucoup plus de lumière. Cloisonné a été maîtrisé au début de l’ère Art byzantin et pendant la période romane / gothique. Il s’est également étendu à la Chine – le cloisonné chinois est maintenant considéré comme l’un des exemples les plus remarquables de l’artisanat – voir, par exemple, la collection de 150 objets chinois au GW Vincent Smith Art Museum, à Springfield, dans le Massachusetts, ainsi qu’à des orfèvres japonais du XIXe siècle. produit de grandes quantités de ce type d’émaillage, qui a culminé au tournant du siècle en Russie, grâce à la maison de Khlebnikov et, bien sûr, à Fabergé. Autres exemples célèbres d’émaillages cloisonnés dans Art chrétien inclure les Irlandais Ardagh Chalice (VIIIe / IXe siècle, Musée national d’Irlande); la Sainte Couronne de Hongrie (Couronne de Saint-Étienne, XIe siècle, Parlement hongrois, Budapest); le triptyque Khakhuli (VIIIe-XIIe siècle, Musée d’art de Géorgie à Tbilissi), un or retable , serait la plus grande oeuvre d’art émaillée au monde.

Basse-Taille

La technique de cet orfèvre ressemble à du cloisonné, à la différence qu’un motif en bas-relief est créé (par gravure ou par poursuite) sur les sols des "compartiments", lesquels sont ensuite remplis d’émail translucide ou transparent, permettant au dessin de briller à travers eux. Un exemple remarquable de basse taille est la Coupe royale d’or française (dite Coupe de Sainte Agnès) (XIVe siècle, British Museum), créée par des orfèvres pendant la Art gothique international . Tasse en or massif richement décorée d’émail et de perles, elle est généralement considérée comme le meilleur exemple de plaque française de la fin du Moyen Âge.

Champlevé

Un type spécifique d’émaillage – le mot est français pour "surélevé" – émaillage champlevé implique la création de creux au creux de la surface d’un objet en métal, lesquels sont ensuite remplis d’émail vitreux et cuits au four ou au four. La technique n’a pas été complètement développée avant l’ère de Art roman (1000-1150). Des exemples célèbres de champlevé incluent: le triptyque Stavelot (c.1158), un chef-d’œuvre de Art mosan – un style d’orfèvrerie romane fabriqué autour de Liège, en Belgique – aujourd’hui au Morgan Library & Museum, à New York; et le coffret Becket (1180-1190) en cuivre doré à Limoges, en France (aujourd’hui au Victoria and Albert Museum de Londres).

Filagree / Filigree (Granulation)

Cette technique délicate implique essentiellement la création de pièces métalliques en or et en argent, en utilisant des motifs de minuscules perles d’or ou de globules d’or (granulation), soudés à la surface d’un objet selon des motifs évoquant la dentelle. Il a été largement utilisé par les orfèvres italiens et français du milieu du 17ème siècle à la fin du 19ème siècle. Filagree a atteint un apogée précoce en étrusque et Art grec (vers 550-250 avant notre ère), et – à en juger par la collection de bijoux scythes du musée de l’Ermitage, à Saint-Pétersbourg – dans l’art des steppes autour de la mer Noire. En Irlande, des exemples d’orfèvrerie filigrane incluent le Broche Tara (c.700 CE, Musée national d’Irlande), chef-d’œuvre de Art des bijoux celtiques , et le Calice Derrynaflan (NMI) – tous deux décorés dans le La Tene style d’art. (Voir également: Art celtique Metalwork .) Les collections du British Museum et du V & A, à Londres, et du Louvre, à Paris, sont d’autres exemples importants d’œuvres en or filigrane.

Chryséléphantine

Le terme art chryséléphantin – dérivé des mots grecs chrysos (or) et éléphantinos (ivoire) – fait référence à des sculptures réalisées à partir d’une sculpture sur ivoire et d’or. Typiquement, un sculpture chryséléphantine a été construit autour d’un cadre en bois, utilisant de l’ivoire finement sculpté pour la chair et de la feuille d’or pour l’armure, les vêtements, les cheveux et autres détails. Les pierres précieuses et semi-précieuses ont été utilisées pour des détails tels que les yeux, les bijoux et les armes. La conception des œuvres de chryséléphantine était souvent modulaire pour permettre à l’or d’être enlevé et fondu pour obtenir des pièces en cas de nécessité financière. La figure de Nike serrée dans la main droite de la célèbre statue d’Athéna Parthénos de Phidias (vers 430 avant notre ère, Parthénon) a été réalisée en or pur pour cette raison même. Les deux exemples les plus célèbres de chryséléphantine Sculpture grecque – tous deux fabriqués à partir de panneaux plaqués or et ivoire à l’époque de Sculpture grecque classique – ont été sculptés par Phidias (488-431 AEC). La première était la statue d’Athéna Parthenos (environ 430 avant notre ère), haute de 42 pieds, dans la Parthénon à Athènes; l’autre était la statue de Zeus, haute de 36 pieds (430-422 av. J.-C.) dans le temple d’Olympie, considérée comme l’un des plus célèbres Sept merveilles du monde antique .

Quelle est l’histoire de l’orfèvrerie?

Comme indiqué ci-dessus, l’or était pratiqué par les plus anciennes cultures du Moyen-Orient et de la Méditerranée qui donnaient Art mésopotamien et Sculpture mésopotamienne , ainsi que égyptien et plus tard Art minoen . Encore moins de styles sophistiqués de Art hittite et Art assyrien avait une tradition de travail de l’or. Les mines d’or d’Égypte, de Nubie et d’Arabie Saoudite étaient les principaux fournisseurs de métaux précieux. Une fois établi dans la Grèce antique et autour de la mer Noire, l’orfèvre s’est répandue vers l’ouest jusqu’en Europe centrale et occidentale grâce à des tribus migrantes de Celtes, dont les forgerons étaient réputés pour leurs forges mobiles et leurs compétences en métallurgie. (Voir également: Hallstatt culture celtique [C.800-450 BCE] et Art celtique [à partir de 1.000 avant notre ère]). En même temps, Art étrusque en Italie devenait célèbre pour les artefacts en or de ses tombes. Les Romains étaient également actifs dans l’orfèvrerie, notamment à cause de leurs innovations en métallurgie: de nouvelles techniques d’extraction d’or à grande échelle ont été développées en introduisant des méthodes d’exploitation minière hydraulique, notamment en Espagne et dans les Balkans.

L’essor du christianisme a considérablement stimulé la demande d’articles en or – pour des besoins religieux et religieux – et au cours de l’âge des ténèbres, des monastères d’Irlande, d’Iona et du nord de l’Angleterre ont été envahis à plusieurs reprises par des Vikings en maraude à la recherche d’or et d’objets précieux, fabrication de manuscrits enluminés par des artistes-moines. À Constantinople, centre de l’empire romain oriental et son propre style de art paléochrétien , orfèvres et mosaïstes sont devenus renommés pour leurs chefs-d’œuvre scintillants d’or et multicolores art de la mosaïque . Voir, par exemple, l’œuvre décorative en or et en cuivre du célèbre Evangiles Garima (390-660) d’Ethiopie – le plus ancien texte évangélique illuminé au monde. Alors que la culture de l’Europe occidentale retrouvait sa force au cours de l’époque Art carolingien (c.750-900) et son successeur Art ottonien (vers 900-1050), davantage d’orfèvres ont été embauchés pour répondre à la demande. Une autre école influente est l’école mosane qui a grandi dans les environs de Liège et le monastère bénédictin de Stavelot. Principaux membres de cette école inclus Godefroid de Claire (1100-1173) et Nicolas de Verdun (c.1156-1232).

L’utilisation de l’or pour des objets religieux et laïques devint dûment un phénomène mondial et les orfèvres étaient constamment recherchés à la fois en période d’abondance (lorsqu’ils étaient chargés de produire un nombre toujours croissant d’objets précieux) et en période de misère extrême (lorsque les objets en or ont été fondus en pièces de monnaie).

La Renaissance: richesse et commerce croissants

La révolution culturelle dite Art de la Renaissance a été soutenue par une révolution tout aussi importante dans le commerce et la finance, stimulée par une forte augmentation du commerce de la soie, des épices et de la céramique, qui allait bientôt transformer de nombreux palais, églises et foyers de l’Europe chrétienne. L’impact a également été ressenti sur les arts et la culture de la quattrocento . Par exemple, lors de la commande de nouveaux peintures à l’huile , les clients ont commencé à préciser les quantités exactes d’or, d’argent, de lapis-lazuli et d’autres matières premières chères de l’Est à utiliser pour le travail, afin d’augmenter son opulence et sa grandeur. Et l’orfèvrerie était un métier central et influent dans tout ce processus. (Voir également: Pigments de couleur .)

La perspective d’acquérir plus d’or pour alimenter leur appétit de grandeur ostentatoire a eu un impact direct sur l’exploration européenne. Les colonisateurs portugais se sont dirigés vers le sud du Maroc, au début du XVe siècle, dans le but de contrôler les réserves d’or émanant des riches mines d’or du Mali. Un siècle auparavant, en 1324, le souverain malien Mansa Musa (1312-1337) entreprit son célèbre pèlerinage de hadj à La Mecque, au cours duquel il céda une telle quantité d’or que le prix du marché en Afrique du Nord s’effondra pendant plusieurs années. La colonisation européenne de l’Amérique du Sud a également été provoquée par des informations faisant état d’une utilisation généralisée des ornements en or, en particulier en Amérique centrale, au Pérou, en Équateur et en Colombie.

Après la Renaissance, l’orfèvrerie en France a été stimulée deux fois dans le cadre de la recrudescence de Arts décoratifs français , résultant de la construction des palais de Fontainebleau et de Versailles. Le premier réveil – associé à la Ecole de Fontainebleau – a commencé au 16ème siècle (c.1528-1610) sous le patronage de François Ier (1494-1547). La deuxième renaissance a commencé au 17ème siècle sous le patronage du roi Louis XIII (règne 1610-1643). Pour plus de détails, voir: château de Versailles (construit vers 1624-98).

Depuis lors, l’or et la production d’articles en or sont devenus étroitement liés au commerce international ainsi qu’à la liquidité et au mouvement des avoirs personnels, notamment en Inde et en Extrême-Orient.

Orfèvres célèbres

L’orfèvrerie a été un tremplin pour de nombreuses types d’art : l’histoire de La peinture et sculpture , par exemple, regorge d’exemples d’artistes célèbres qui se sont d’abord formés comme orfèvres ou orfèvres. Ils comprennent des personnalités de la Renaissance telles que Lorenzo Ghiberti (1380-1455), le sculpteur de la Renaissance; Luca Della Robbia (1399-1482), noté pour son sculpture en terre cuite ; Vecchietta (1410-1480), peintre et architecte siennois; Antonio del Pollaiolo (1429-98), le sculpteur de quattrocento; Andrea del Verrocchio (1435-88), le sculpteur Médicis qui enseigna Leonardo; le dévot florentin Sandro Botticelli (1445-1510); le peintre de fresques Domenico Ghirlandaio (1449-94); le graveur Cristofano Robetta (1462-1535); le sculpteur padouan Andrea Riccio (1470-1532); l’artiste haute renaissance Andrea del Sarto (1486-1530), le peintre maniériste Agnolo Bronzino (1503-1572), le sculpteur florentin Benvenuto Cellini (1500-71); le graveur et imprimeur allemand Johannes Gutenberg (1395-1468), l’artiste Albrecht Durer l’Ancien (1427-1502), père du peintre du nord de la Renaissance, Albrecht Durer; le graveur français Jean Duvet (1485-1562) de la Renaissance française, le peintre et graveur suisse Urs Graf (1485-1528) et le plus grand miniaturiste anglais Nicholas Hilliard (1547-1619), pour ne citer que quelques-uns.

Mention spéciale doit être faite aux grands maîtres orfèvres russes du 19ème siècle, tels que Andrey Grigoriev, Ivan Gubkin, Sakerdon Skripitsyn et Ivan Zuyev. En outre, notons Gustav Fabergé (1814–1893) et Peter Carl Fabergé (1846–1920), «créateurs de l’excellent«œuf de Pâques Fabergé»pour les tsars de Romanov. Parmi les nombreux artisans de Fabergé impliqués dans les divers procédés d’orfèvrerie – outre les joailliers Michael Perchin (1860-1903) et Henrik Wigstrom (1862-1923) – figuraient Erik August Kollin (1836-1901), Feodor Ruckert (1840-1917) August Frederik Hollming (1854-1915), Johannes Zehngraf (1857-1908), Johan Victor Aarne (1863-1934), Feodor Alexeievich Afanasiev (1870-1937), Karl Gustaf Hjalmar Armfeldt (1873-1959), Oskar Woldemar Pihl (1860-1897), Vassily Zuiev (1878-1941). Voir également: Art russe (30.000 avant notre ère – 1920).

Objets en or célèbres, statues, artefacts et thésaurisation

En plus des éléments cités ci-dessus, voici une courte liste d’objets célèbres fabriqués à partir d’or et d’autres métaux précieux.

Collections d’objets en or

Beaucoup de monde meilleurs musées d’art avoir des collections d’antiquités faites par des orfèvres du monde entier: voir, par exemple, les salles d’ornement en or du Persienne à Paris, le Musée de l’Ermitage à Saint-Pétersbourg, ainsi que le Musée anglais et le Musée Victoria et Albert à Londres. Notez également que la famille royale britannique compte plus de 250 articles Fabergé dans le monde. Collection d’art royal . En Amérique, les collections d’objets d’or les plus vastes sont conservées par le Metropolitan Museum of Art , New York, le Musée des Beaux-Arts de Boston , l’Institut des arts de Chicago, le Detroit Institute of Arts et le GW Vincent Smith Art Museum, à Springfield, dans le Massachusetts. D’autres collections d’objets d’art sont exposées dans des musées spécialisés, notamment le musée d’histoire de Samokov, en Bulgarie; le musée d’art de Géorgie à Tbilissi; le musée ukrainien des trésors historiques à Kiev; Musée archéologique national, Athènes; le musée égyptien du Caire; et le musée national du Moyen Âge, Paris, pour n’en nommer que quelques-uns.