Art Grec: Histoire, Caractéristiques Automatique traduire

Architecture grecque archaïque

C’est aux VIe et VIIe siècles que la pierre est utilisée pour la construction des édifices publics grecs (revêtement), notamment des temples. L’architecture grecque repose sur des méthodes simples de construction de piliers et de linteaux : les arcs ne sont utilisés qu’à l’époque romaine. Un bâtiment rectangulaire typique était entouré d’une rangée de colonnes sur les quatre côtés (voir, par exemple, le Parthénon) ou, plus rarement, seulement à l’avant et à l’arrière (le temple d’Athéna Nike). Les toits étaient construits en poutres de bois recouvertes de tuiles de terre cuite. Les pignons (forme triangulaire à chaque extrémité de l’édifice) étaient décorés de sculptures en relief ou de frises, de même que les rangées de linteaux entre le toit et le sommet des colonnes (chapiteaux).

Les architectes grecs ont été les premiers à fonder leur conception architecturale sur une norme de proportionnalité. Pour ce faire, ils ont introduit leur « Ordre classique», un ensemble de règles de conception basées sur les proportions entre les parties individuelles, telles que la relation entre la largeur et la hauteur d’une colonne. Il existe trois ordres de ce type dans l’architecture grecque primitive : l’ordre dorique, l’ordre ionique et l’ordre corinthien . Le style dorique était utilisé en Grèce continentale et dans les colonies grecques ultérieures en Italie. L’ordre ionique a été utilisé dans les bâtiments situés le long de la côte ouest de la Turquie et d’autres îles de la mer Égée. Parmi les édifices notables de la Grèce antique construits ou commencés pendant la période archaïque, on peut citer le temple d’Héra (600 après J.-C.), le temple d’Athéna sur l’Acropole (550 après J.-C.) et les temples de Pestum (à partir de 550). Voir aussi : Architecture égyptienne (à partir de 3000 av. J.-C.) sur l’importance des architectes égyptiens tels que Imhotep et d’autres.

L’architecture grecque a continué à exercer une forte influence sur les styles ultérieurs, notamment la Renaissance, ainsi que l’architecture néoclassique et même l’architecture américaine des 19e et 20e siècles.

L’histoire de l’art montre que la création de règles a invariablement stimulé le développement d’autres formes de beaux-arts, telles que la sculpture et la peinture, ainsi que l’artisanat et l’architecture. Les nouveaux temples et autres bâtiments publics nécessitaient de grandes quantités de sculptures décoratives, y compris des statues, des reliefs et des frises, ainsi que des peintures murales et des mosaïques.

Sculpture grecque archaïque

La sculpture grecque antique de cette période est encore fortement influencée par la sculpture égyptienne, ainsi que par les techniques syriennes. Les sculpteurs grecs réalisent des frises et des reliefs en pierre ainsi que des statues (en pierre, en terre cuite et en bronze) et des œuvres miniatures (en ivoire et autres os d’animaux).

Dans le premier style de sculpture dédalique autoportante (650-600), illustré par les œuvres de Dédale, Dipoynos et Scyllis, deux stéréotypes humains prédominent : un jeune homme nu debout ) kouros) et une jeune fille debout en draperie ) kouros). Parmi eux, les hommes nus étaient considérés comme les plus importants. Pour commencer, les kouros et les kore étaient modelés dans un style égyptien plutôt rigide, «frontal», avec des épaules larges, une taille étroite, des bras pendants, des poings serrés, les deux pieds au sol et un sourire fixe «archaïque» : voir par exemple «kouros» et kore», par exemple «Dame Auxerre» (630, Louvre) et Cléobis et Biton (610-580, Musée archéologique, Delphes). Au fil du temps, la fabrication de ces statues modèles est devenue moins rigide et plus réaliste. Plus tard, des versions archaïques plus évoluées du kouros et du kore sont apparues : «Peplos Kore» (vers 530, musée de l’Acropole, Athènes) et «Le garçon Kritios» (musée de l’Acropole, Athènes). Parmi les autres œuvres célèbres, citons l’Apollon de Stradforth (600-580, British Museum) ; le Dipylon Kouros (vers 600, Athènes, Kerameikos Museum) ; le Kouros Anavisos (vers 525, National Archaeological Museum, Athènes) ; et une fascinante frise du Trésor Siphnien à Delphes (vers 525).

La peinture grecque antique

La plupart des vases et des sculptures étant peints, l’essor de la poterie et de la sculpture au VIIe siècle a automatiquement entraîné une augmentation du travail des peintres grecs. En outre, les murs de nombreux temples, bâtiments municipaux et tombes étaient décorés de fresques et leurs sculptures en marbre ou en bois peintes à la détrempe ou à l’encaustique. L’encaustique avait un peu l’éclat de la peinture à l’huile (un médium inconnu des Grecs) et devint une méthode populaire pour peindre les statues de pierre et les reliefs architecturaux au sixième siècle. La peinture grecque antique sur panneaux peints est très rare : les seuls exemples que nous ayons sont des panneaux de Pitsa décorés de moulures avec des pigments minéraux. Malheureusement, en raison de l’érosion, du vandalisme et de la destruction, peu de peintures grecques originales ont survécu à cette période. Il ne reste que quelques plaques de terre cuite peintes (métopes en terre cuite du temple d’Apollon à Termon en Étolie vers 630), quelques panneaux de bois (quatre panneaux de Pitsa trouvés dans une grotte du nord du Péloponnèse) et des fresques (comme les scènes de bataille du VIIe siècle du temple de Kalapodi, près de Thèbes, et celles excavées dans les tombes souterraines d’Étrurie). A l’exception de quelques individus, comme Kimon de Cléon, les noms des artistes grecs archaïques nous sont généralement inconnus.

La forme d’art la plus courante qui nous éclaire sur la peinture grecque ancienne est la poterie, qui nous donne au moins une idée générale de l’esthétique et de la technique archaïques . Notons toutefois que la peinture sur vase était considérée comme un art mineur et qu’elle est rarement mentionnée dans la littérature classique.

Période classique (v. 480-323 av. J.-C.)

Les victoires sur les Perses en 490 av. J.-C. et 479 av. J.-C. font d’Athènes la plus puissante des cités-États grecques. Malgré les menaces extérieures, Athènes conserve son rôle culturel de premier plan pendant plusieurs siècles. Au Ve siècle avant J.-C., Athènes a connu un essor créatif qui allait non seulement dominer l’art romain futur , mais qui, redécouvert par l’Europe de la Renaissance 2 000 ans plus tard, deviendrait la référence artistique absolue pour quatre siècles supplémentaires. Et ce, bien que la plupart des peintures et sculptures grecques aient été détruites.

La principale contribution du classicisme grec aux arts visuels est sans aucun doute sa sculpture : en particulier, le «Canon des proportions» avec sa réalisation du «corps humain idéal» &ndash ; un concept qui a résonné si fortement avec l’art de la Haute Renaissance un millier d’années plus tard.

La céramique grecque classique

A cette époque , l’art de la céramique et par conséquent la peinture sur vase sont en déclin. Nous ne savons pas pourquoi, mais à en juger par le manque d’innovation et le caractère de plus en plus sentimental du dessin, le genre semble être devenu obsolète. Le dernier développement créatif a été la technique « Terre blanche», qui a été introduite vers l’an 500. Contrairement aux styles des figures noires et des figures rouges, qui utilisaient des plaques d’argile pour créer les images, la technique «Terre blanche» utilisait la peinture et la dorure sur un fond d’argile blanche et est mieux illustrée par les jarres funéraires de la fin du Ve siècle. Hormis cette unique innovation, la poterie grecque classique a considérablement baissé en qualité et en valeur artistique et a fini par dépendre des écoles hellénistiques locales.

L’architecture grecque classique

Comme la plupart des beaux-arts grecs, la conception des bâtiments a atteint son apogée pendant la période classique, lorsque les deux principaux styles (ou ordres «») de l’architecture grecque, dorique et ionique, ont commencé à définir une norme intemporelle, harmonieuse et universelle de beauté architecturale. Le style dorique était plus formel et austère &ndash ; un style qui a prévalu au cours des 4e et 5e siècles, tandis que le style ionique était plus décontracté et quelque peu décoratif &ndash ; un style qui est devenu plus populaire à l’époque hellénistique, plus tranquille. (Note : L’ordre ionique a ensuite donné naissance au style corinthien, plus raffiné).

Le point culminant de l’architecture grecque antique était l’Acropole, une colline sacrée au sommet plat située à la périphérie d’Athènes. Les premiers temples construits ici à l’époque archaïque ont été détruits par les Perses en 480, mais lorsque la cité-État est entrée dans son âge d’or (vers 460-430), son dirigeant Périclès a nommé le sculpteur Phidias pour superviser la construction d’un nouveau complexe de temples.

La plupart des nouveaux édifices (Parthénon, Propylées) sont conçus selon les proportions doriques, bien que certains contiennent des éléments ioniques (Temple d’Athéna Nike, Erechthéum). L’Acropole a été complétée à plusieurs reprises au cours des époques hellénistique et romaine. Le Parthénon (447-432) reste l’exemple suprême de l’art religieux grec classique. En son temps, il aurait été orné de nombreuses peintures murales et sculptures, mais même relativement dépourvu d’ornementation, il constitue un monument incomparable de la culture grecque. C’est le plus grand temple de la colline de l’Acropole. Il a été conçu par Ictinus et Callicrates et dédié à la déesse Athéna. Il abritait à l’origine une statue colossale multicolore appelée Athéna Theotokos ) Athéna Parthénos), dont la peau a été sculptée par Phidias dans de l’ivoire et les vêtements &ndash ; dans de l’étoffe d’or. Comme tous les temples, le Parthénon était entièrement décoré de sculptures architecturales, telles que des reliefs et des frises, ainsi que de statues indépendantes en marbre, en bronze et en chryséléphantine. En 1801, le collectionneur d’art et antiquaire Lord Elgin (1766-1841) a envoyé une grande quantité de marbres du Parthénon (« Marbres d’Elgin») au British Museum de Londres.

Parmi les autres exemples célèbres d’architecture grecque classique, on peut citer le temple de Zeus à Olympie (468-456), le temple d’Héphaïstos (vers 449 av. J.-C.), le temple de Bassae, en Arcadie (vers 430.), qui abritait le premier chapiteau corinthien, le théâtre de Delphes (vers 400), le temple de Tholos d’Athéna Pronée (380-360), le mausolée d’Harnikarnas, à Bodrum (353), le monument à Lysikrates à Athènes (335) et le temple d’Apollon à Delphes (330).

La sculpture grecque classique

Dans l’histoire de la sculpture, il n’y a pas de période plus féconde que les 150 ans qui séparent 480 de 330 av. En ce qui concerne l’art plastique, on peut la diviser en sculpture grecque classique précoce (480-450), sculpture grecque classique haute (450-400), et sculpture grecque classique tardive (400-323).

Tout au long de l’époque, les sculpteurs grecs ont nettement amélioré leur capacité technique à représenter le corps humain dans une pose naturaliste plutôt que rigide. L’anatomie est devenue plus précise et les statues ont commencé à paraître plus réalistes. Le bronze est également devenu le principal support pour les œuvres indépendantes en raison de sa capacité à conserver sa forme, ce qui a permis des poses encore plus naturalistes. Les sujets ont été élargis pour englober tout l’arsenal des dieux et déesses ainsi que des divinités mineures, un large éventail de récits mythologiques et un ensemble diversifié d’athlètes. Autres développements : l’introduction du canon des proportions de Platon «» pour créer une figure humaine idéalisée et l’invention du contraposto. La fin de l’ère classique a vu les premières filles nues respectables .

Parmi les sculpteurs les plus célèbres de l’époque, on trouve : Myron (480-444), Polycletus (450-430), Callimachus (432-408), Scopas (395-350), Lysippus (ca. 395-305), Praxitèle (375-335), et Léochar (340-320). Ces artistes travaillent surtout le marbre, le bronze, parfois le bois, l’os et l’ivoire. La sculpture en pierre était taillée à la main dans un morceau de marbre ou de calcaire de haute qualité à l’aide d’outils en métal. Ces sculptures pouvaient être des statues indépendantes, des reliefs ou des frises, c’est-à-dire qu’elles n’étaient que partiellement taillées dans un bloc de pierre. Les sculptures en bronze étaient considérées comme les meilleures, notamment parce que le bronze était cher et qu’elles étaient généralement coulées par la méthode de la cire fondue. La sculpture en chryséléphantine, destinée aux grandes statues de culte, était encore plus coûteuse. La sculpture sur ivoire était un autre genre spécialisé pour les petites œuvres personnelles, tout comme la sculpture sur bois.

Comme nous l’avons vu plus haut, le Parthénon est un exemple typique de l’utilisation de la sculpture par les Grecs pour décorer et mettre en valeur leurs édifices religieux. À l’origine, les sculptures du Parthénon se répartissaient en trois groupes. (1) Sur les frontons triangulaires, à chaque extrémité, se trouvaient de grands groupes indépendants contenant de nombreuses figures de dieux et de scènes mythologiques. (2) Le long des deux côtés se trouvaient près de 100 reliefs représentant des personnages en lutte, parmi lesquels des dieux, des humains, des centaures et d’autres. (3) Tout autour de l’édifice se trouvait un autre relief d’environ 150 mètres de long, représentant la Grande Panathénée &ndash ; une fête religieuse quadriennale en l’honneur d’Athéna. Bien que très endommagées, les sculptures du Parthénon révèlent la suprême habileté artistique de leurs créateurs. Surtout, comme beaucoup d’autres sculptures grecques classiques, elles témoignent d’un merveilleux sens du mouvement et d’un réalisme marqué du corps humain.

Parmi les plus grandes sculptures de l’époque classique figurent Léonidas, roi de Sparte (vers 480), Char de Delphes (vers 475) ; «Discobole» (vers 450.) de Myron ; Héraclès pharnésien (Ve siècle) ; Athéna Parthénos (vers 447-545) &ndash ; Phidias ; Doriphore (440.) par Polycletus ; La jeunesse d’Antikythera (IVe siècle) ; Aphrodite de Cnide (350-40) par Praxitèle ; et Apollon du Belvédère (vers 330) par Léochar.

Comparer : Art romain primitif (vers 510 av. J.-C. &ndash ; 27 av. J.-C.).

La peinture grecque classique

La peinture grecque classique révèle une compréhension de la perspective linéaire et de la représentation naturaliste qui est restée inégalée jusqu’à la Haute Renaissance italienne. À l’époque classique, hormis la peinture de vases, tous les types de peinture sont en plein essor. Selon des auteurs comme Pline (23-79 ap. J.-C.) ou Pausanias (période active 143-176 ap. J.-C.), la forme la plus élevée était la peinture sur panneau, exécutée à l’encaustique ou à la détrempe. Les objets comprenaient des scènes figuratives, des portraits et des natures mortes, et les expositions &ndash ; par exemple à Athènes et à Delphes &ndash ; étaient relativement courantes. Malheureusement, en raison de la nature éphémère de ces panneaux et de siècles de pillage et de vandalisme, aucun panneau classique grec de quelque qualité que ce soit n’a survécu, ni aucune copie romaine.

La peinture à fresque était une méthode courante pour peindre les temples, les bâtiments publics, les maisons et les tombes, mais ces œuvres d’art plus grandes avaient généralement une moins bonne réputation que les panneaux. L’exemple le plus célèbre de peinture murale grecque &ndash ; le célèbre Tombeau du plongeur à Pestum (vers 480), l’une des nombreuses décorations de tombes de ce type dans les colonies grecques d’Italie. Une autre œuvre célèbre a été réalisée pour la Grande Tombe de Verfina (326 av. J.-C.), dont la façade a été décorée d’une grande peinture murale représentant une chasse royale au lion. Le fond a été laissé blanc et le paysage est marqué par un seul arbre et une ligne de terre. Outre le style du fond et des sujets, la peinture murale est remarquable pour sa représentation subtile de l’ombre et de la lumière, et pour son utilisation d’une technique appelée Synthèse optique (juxtaposition de lignes de couleurs différentes) &ndash ; un précurseur assez curieux du pointillisme de Seurat au 19ème siècle.

La peinture sur des sculptures en pierre, en terre cuite et en bois était une autre technique spécialisée maîtrisée par les artistes grecs. Les sculptures en pierre étaient généralement peintes de couleurs vives, mais pas entièrement - en général, seules les parties de la statue représentant les vêtements ou les cheveux étaient peintes, tandis que la peau restait de la couleur de la pierre naturelle, mais parfois la sculpture entière était peinte. La peinture sculpturale était considérée comme un art distinctif &ndash ; un type précoce de technique mixte &ndash ; plutôt qu’une simple amélioration de la sculpture. En plus des couleurs, les statues pouvaient être décorées avec des matériaux précieux.

Parmi les artistes grecs classiques les plus célèbres du cinquième siècle, on trouve : Apollodore (célèbre pour ses Skiagrafia &ndash ; un type primitif de luminosité) ; son élève, le grand Zeuxis d’Héraclée (célèbre pour ses peintures de chevalet et ses tromperies) ; et Agatharkos (le premier à utiliser la perspective graphique à grande échelle) ; Parrhasius (surtout connu pour ses dessins et sa représentation de Thésée au Capitole de Rome) ; et Timarete (l’une des plus grandes femmes artistes grecques, célèbre pour un panneau à Éphèse représentant la déesse Diane).

Pendant la période classique tardive (400-323 av. J.-C.), alors que l’empire macédonien s’épanouit sous Philippe II et son fils Alexandre le Grand, Athènes reste le centre culturel dominant de la Grèce continentale. C’est l’apogée de la peinture grecque antique, lorsque des artistes tels que le talentueux et influent Apelle de Cos, peintre officiel de Philippe II de Macédoine et de son fils Alexandre le Grand, ajoutent de nouvelles techniques de mise en valeur, d’ombrage et de coloration. Parmi les autres artistes notables du IVe siècle figurent les rivaux d’Apelle, Antiphile (spécialiste de l’ombre et de la lumière, de la peinture de genre et de la caricature) et Protogène (connu pour son attention méticuleuse aux détails) ; Euphranorus de Corinthe (le seul peintre classique qui excellait à la fois dans la peinture et la sculpture) ; Eupompus (fondateur de l’école de Sikyon) ; et le peintre d’histoire Androcides de Cyzique (connu pour sa peinture d’histoire représentant la bataille de Platée).

L’hellénisme (v. 323-27 av. J.-C.)

La période de l’art hellénistique s’ouvre avec la mort d’Alexandre le Grand (356-323) et l’accession de l’Empire perse au monde grec. À cette époque, l’hellénisme s’est répandu dans tout le monde civilisé et la liste des centres d’art et de culture grecs comprend des villes comme Alexandrie, Antioche, Pergame, Milet, ainsi que des villes et d’autres établissements en Asie Mineure, en Anatolie, en Égypte, en Italie, en Crète, à Chypre, à Rhodes et dans d’autres îles de la mer Égée. La culture grecque est alors dominante. Mais la mort soudaine d’Alexandre provoque un déclin rapide de la puissance impériale grecque, son vaste empire étant divisé entre ses trois généraux &ndash ; Antigone Ier, qui reçoit la Grèce et la Macédoine ; Séleucos Ier Nicator, qui prend le contrôle de l’Anatolie, de la Mésopotamie et de la Perse et Ptolémée Ier, qui règne sur l’Égypte. Paradoxalement, cette période est marquée par une énorme influence culturelle grecque mais un affaiblissement de la puissance militaire grecque. En 27 av. J.-C., la Grèce et son empire seront gouvernés par la Rome antique, mais même alors, les Romains continueront de respecter et d’imiter l’art grec pendant des siècles.

L’architecture hellénistique

La division de l’Empire grec en entités distinctes, chacune ayant son propre dirigeant et sa propre dynastie, a ouvert de nouvelles possibilités d’enrichissement personnel. En Asie Mineure, les Attalides construisent une nouvelle capitale à Pergame ; en Perse, les Séleucides développent le design des bâtiments baroques ; en Égypte, la dynastie des Ptolémées construit un phare et une bibliothèque à Alexandrie. L’architecture des palais est relancée et de nombreux complexes municipaux sont construits pour accroître l’influence des souverains locaux.

En revanche, l’architecture des temples connaît un sérieux déclin. À partir de 300 av. J.-C., le temple périphérique grec (une seule rangée de colonnes sur tous les côtés) perd beaucoup de son importance - à l’exception d’une certaine activité dans la moitié occidentale de l’Asie mineure, la construction de temples cesse pratiquement au troisième siècle, tant en Grèce continentale que dans les colonies grecques voisines. Même les projets monumentaux tels que «Artémis» à Sardes et le temple d’Apollon à Didyma, près de Milet, n’ont guère progressé. Tout cela change au IIe siècle, lorsqu’on assiste à un renouveau de la construction des temples, en partie grâce à une prospérité accrue, en partie grâce aux améliorations apportées par l’architecte Hermogène de Priène au style architectural ionique, et en partie grâce à la guerre de propagande culturelle (pour une plus grande influence) qui s’est déclenchée entre les différents royaumes hellénistiques et entre ceux-ci et Rome.

Ce faisant, l’architecture des temples est remise au goût du jour et un grand nombre de temples grecs, ainsi que de petits édifices ) pseudoperipteros) et de sanctuaires ) nayskoi) font leur apparition &ndash ; dans le sud de l’Asie mineure, en Égypte et en Afrique du Nord. En ce qui concerne les styles, le sobre style dorique de l’architecture des temples est complètement démodé, l’hellénisme exigeant les formes plus flamboyantes des ordres ionique et corinthien. Admirés par l’architecte romain Vitruve (v. 78-10 av. J.-C.), les exemples célèbres de l’architecture hellénistique comprennent le Grand Théâtre d’Éphèse (IIIe au Ier siècle), la Stoa d’Attale (159-138), l’horloge de la Tour des Vents à Athènes.

Sculpture hellénistique

La sculpture grecque hellénistique poursuit la tendance classique vers un naturalisme toujours plus grand. Les animaux ainsi que les personnes ordinaires de tous âges deviennent des sujets acceptables pour la sculpture, souvent commandée par des individus ou des familles riches pour décorer leurs maisons et leurs jardins. Les sculpteurs ne se sentaient plus obligés de représenter les hommes et les femmes comme des idéaux de beauté. En effet, la sérénité classique idéalisée des Ve et IVe siècles fait place à une plus grande émotivité, à un réalisme intense et à une dramatisation presque baroque du sujet. Le style typique de cette forme d’art plastique est décrit dans l’article sur L’école de Pergame de la sculpture hellénistique (241-133 av. J.-C.).

La diffusion de la culture grecque (hellénisation) a entraîné une demande beaucoup plus importante de la part des centres culturels grecs d’outre-mer nouvellement établis en Égypte, en Syrie et en Turquie pour des statues et des reliefs de dieux, de déesses et de figures héroïques grecs pour leurs temples et leurs espaces publics. Un vaste marché de production et d’exportation de sculptures grecques a ainsi vu le jour, ce qui a inévitablement entraîné un déclin de l’artisanat et de la créativité. En outre, dans leur quête d’un plus grand expressionnisme, les sculpteurs grecs ont eu recours à des œuvres plus monumentales, une pratique qui a trouvé son expression finale dans le Colosse de Rhodes (vers 220 av. J.-C.).

Parmi les sculptures grecques notables de cette période, on peut citer «Le taureau pharnésien» (IIe siècle) ; «Le Gaulois mourant» (232) Epigonus ; «La Victoire ailée de Samothrace» (1/2 siècle av. J.-C.) ; L’autel de Pergame (v.180-150) ; «Vénus Médicis» (150-100) ; «Trois Grâces» (IIe siècle) ; « Vénus de Milos» (c.100.) Andros d’Antioche ; « Laocoon et ses fils» (v. 42-20 av. J.-C.) Hagesandra, Athenodorus et Polydorus. Pour plus d’informations, voir Statues et reliefs hellénistiques .

Comparaison générale : Sculpture romaine, Sculpture romaine en relief . Un superbe exemple de l’art romain hellénistique au tournant du millénaire se trouve dans les extraordinaires reliefs en marbre de l’Ara Pacis Augusta (Autel de la Paix, vers 13-9 av. J.-C.).

Sur l’influence de la sculpture grecque sur les styles ultérieurs, voir : Sculpture de la Renaissance (v. 1400-1530), et Sculpture néoclassique (1750-1850).

La peinture hellénistique

La demande accrue de sculpture de style grec s’est accompagnée d’une augmentation similaire de la popularité de la peinture grecque hellénistique, qui était enseignée et diffusée dans un certain nombre d’écoles distinctes, tant sur le continent que dans les îles. En termes de sujets, les thèmes classiques tels que la mythologie et les événements contemporains ont été supplantés par des peintures de genre, des observations d’animaux, des natures mortes, des paysages et d’autres sujets similaires, en accord avec les styles décoratifs trouvés à Herculanum et à Pompéi (1er siècle av. J.-C. et plus tard), dont beaucoup sont supposés être des copies d’originaux grecs.