Art Grec: Histoire, Caractéristiques Automatique traduire
ANALYSE DE SCULPTURE
Voir notre essai pédagogique:
Comment apprécier la sculpture .
ANALYSE DE PEINTURE
Pour analyser des images, voir:
Évaluation de l’art et aussi:
Comment apprécier les peintures .
Voir également: Art de l’Antiquité Classique (c.1000 AEC – 450 CE).
Origines
Art égéen de l’Antiquité Classique remonte à Culture minoenne du troisième millénaire avant notre ère, lorsque les habitants de la Crète, connus sous le nom de Minoens après leur roi Minos, ont commencé à instaurer une culture florissante vers 2100 avant notre ère, grâce au succès de leurs activités de commerce maritime. Influencé par Art sumérien et d’autres volets de Art mésopotamien , ils ont construit une série de palais à Knossos, Phaestus et Akrotiri, ainsi que la création d’une vaste gamme de fresques, de gravures sur pierre, poterie ancienne et d’autres artefacts. Au cours du 15ème siècle avant notre ère, après un tremblement de terre catastrophique, qui détruisit la plupart de ses palais, la Crète fut envahie par des tribus belliqueuses mycéniennes du continent grec. Culture mycénienne est devenue la force dominante dans la Méditerranée orientale. Peu de temps après le déclenchement de la guerre de Troie (de 1944 à 1184), la ville de Mycènes, ainsi que son architecture et ses biens culturels, fut détruite par un nouvel ensemble de mauraudeurs, appelés Dorians. À ce stade, la plupart des productions de Art ancien s’est immobilisé pendant environ 400 ans (1200-800), lorsque la région est entrée dans une ère de royaumes en guerre et de chaos, connue sous le nom de "Âge des ténèbres grecs" (ou âge géométrique ou homérique).
Contexte historique
L’art grec proprement dit "est apparu" au 8ème siècle avant notre ère (700-800), alors que les choses se calmaient autour de la mer Égée. (Voir également Art étrusque ) À peu près à cette époque, le fer était transformé en armes / outils, les gens commençaient à utiliser un alphabet, les premiers Jeux olympiques avaient eu lieu (776), une religion complexe avait émergé et un sens de l’identité culturelle s’était développé autour de l’idée de "Hellas" (Grèce). Vers 700, les royaumes ont commencé à être remplacés par des oligarchies et des cités. Cependant, les premières formes d’art grecs étaient en grande partie confinées à la poterie en céramique, la région continuant d’être perturbée par une famine généralisée, une émigration forcée (de nombreux Grecs quittant le continent pour coloniser des villes d’Asie mineure et d’Italie) et par des troubles sociaux. Cela a limité le développement de l’architecture et de la plupart des autres types d’art . Ce n’est que vers 650, lorsque les liens commerciaux maritimes ont été rétablis entre la Grèce et l’Égypte, ainsi que l’Anatolie, que la prospérité grecque a finalement été rétablie et a favorisé un regain de culture grecque.
Chronologie de l’art grec
La pratique de beaux arts dans la Grèce antique a évolué en trois étapes ou périodes de base:
L’époque archaïque fut une période d’expérimentation progressive. L’ère classique a ensuite vu l’épanouissement du pouvoir et de la domination artistique de la Grèce continentale. La période hellénistique , qui s’est ouverte avec la mort d’Alexandre le Grand, a vu la création d’un «art à la grecque» dans la région, alors que de plus en plus de centres / colonies de culture grecque s’établissaient sur des terres contrôlées par la Grèce. La période a également vu le déclin et la chute de la Grèce et la montée de Rome: en fait, elle se termine par la conquête complète par les Romains de tout le bassin méditerranéen.
NOTE: Il est important de noter d’emblée que, mis à part la poterie, presque tout l’art original de l’Antiquité grecque – sculpture, peintures murales et sur panneaux, mosaïques, art décoratif – a été perdu, nous laissant presque entièrement dépendants de copies Artistes romains et quelques comptes écrits. En conséquence, notre connaissance de la chronologie, de l’évolution et de l’étendue de la culture visuelle grecque est extrêmement fragmentaire et ne doit pas être prise trop au sérieux. La vérité est que, à quelques exceptions près, nous en savons très peu sur l’identité des artistes grecs, sur ce qu’ils ont peint ou sculpté et sur le moment de leur création. Pour les artistes ultérieurs inspirés par la sculpture et l’architecture classiques de la Grèce antique, voir: Le classicisme dans l’art (800 et plus).
Période archaïque (environ 650-480 avant notre ère)
Poterie grecque archaïque
La forme d’art la plus développée de la période pré-archaïque (environ 900-650) était sans aucun doute Poterie grecque . Souvent impliquant de grands vases et autres vaisseaux, il a été décoré à l’origine de motifs linéaires ( style protogéométrique ), puis de motifs plus élaborés ( style géométrique ) de triangles, de zigzags et d’autres formes similaires. La poterie géométrique comprend certaines des plus belles œuvres d’art grecques, avec des vases généralement fabriqués selon un système de proportions strict. À partir de 700 environ, des contacts renouvelés avec l’Anatolie, le bassin de la mer Noire et le Moyen-Orient ont entraîné une influence orientale notable (de style oriental ), maîtrisée par les céramistes de Corinthe. Le nouvel idiome comportait un vaste répertoire de motifs, tels que des motifs curvilignes, ainsi qu’une foule de créatures composites telles que des sphinx, des griffons et des chimères. Durant la période archaïque elle-même, la décoration est devenue de plus en plus figurative au fur et à mesure de l’intégration d’animaux, de zoomorphes, puis de figures humaines. Cette céramique peinture de la figure était le premier signe de la fascination persistante de la Grèce pour le corps humain, en tant que sujet le plus noble d’un peintre ou d’un sculpteur: une fascination ravivée dans Peinture haute renaissance de Michelangelo et autres. Un autre style de céramique introduit par Corinthe était la poterie à figures noires : les figures étaient d’abord dessinées en silhouette noire, puis marquées d’un détail incisé. Des touches supplémentaires ont été ajoutées en violet ou en blanc. Les thèmes préférés de l’imagerie en figures noires étaient les suivants: les aventures de Dionysos et les travaux d’Hercule. Au fil du temps, Athènes a fini par dominer la poterie à figures noires, avec la perfection d’un pigment noir plus riche, et un nouveau pigment rouge orangé qui a conduit à la poterie à figures rouges - un idiome qui a prospéré entre 530 et 480. Parmi les artistes céramiques grecs de l’époque archaïque, notons le génie Exekias, ainsi que Kleitias (créateur du célèbre vase François ), Andokides, Euthymides, Ergotimos, Lydos, Nearchos et Sophilos. Pour plus de détails et les dates, voir: Chronologie de la poterie .
Architecture grecque archaïque
Au cours des VIe et VIIe siècles, la pierre était utilisée pour les édifices publics grecs (pétrification), notamment les temples. Architecture grecque s’appuyait sur des techniques simples de construction de poteaux et de linteaux: les arches n’étaient plus utilisées avant l’époque romaine. Le bâtiment rectangulaire typique était entouré d’une rangée de colonnes sur les quatre côtés (voir, par exemple, le Parthénon) ou, moins souvent, uniquement à l’avant et à l’arrière (Temple d’Athéna Nike). Les toits ont été construits avec des poutres en bois recouvertes de tuiles en terre cuite. Les frontons (la forme triangulaire à chaque extrémité du pignon) étaient décorés de sculptures en relief ou de frises, de même que la rangée de linteaux entre le toit et les sommets des colonnes. Les architectes grecs ont été les premiers à fonder leur conception architecturale sur le critère de la proportionnalité. Pour ce faire, ils ont introduit leur " Ordre classique " – un ensemble de règles de conception basées sur des proportions entre des pièces individuelles, telles que le rapport entre la largeur et la hauteur d’une colonne. Il y avait trois ordres de ce genre dans l’architecture grecque primitive: dorique , ionique et corinthien . Le style dorique était utilisé en Grèce continentale et, plus tard, en Grèce. L’ordre ionique était utilisé dans des bâtiments situés le long de la côte ouest de la Turquie et dans d’autres îles de la mer Égée. Les bâtiments célèbres de la Grèce antique construits ou commencés au cours de la période archaïque comprennent: le temple d’Héra (600), le temple d’Athéna sur l’Acropole (550) et les temples de Paestum (à partir de 550). Voir également: Architecture égyptienne (environ 3000 ans avant notre ère) et l’importance des architectes égyptiens tels que Imhotep et d’autres.
L’architecture grecque a continué à exercer une grande influence sur les styles ultérieurs, y compris la Renaissance Architecture néoclassique , et même Architecture américaine du 19ème et 20ème siècle.
le histoire des arts montre que les programmes de construction ont toujours stimulé le développement d’autres formes de beaux-arts, comme sculpture et La peinture , aussi bien que art décoratif et l’architecture grecque archaïque n’a pas fait exception. Les nouveaux temples et autres bâtiments publics avaient tous besoin de nombreuses sculptures décoratives, notamment des statues, des reliefs et des frises, ainsi que peinture murale et art de la mosaïque .
Sculpture grecque archaïque
Sculpture grecque archaïque pendant cette période était encore fortement influencé par Sculpture égyptienne , ainsi que des techniques syriennes. Les sculpteurs grecs ont créé des frises et des reliefs en pierre, ainsi que des statues (en pierre, terre cuite et bronze) et des œuvres miniatures (en ivoire et en os). Le premier style de l’autoportant Sculpture daedalic (650-600) – comme l’illustrent les œuvres de Daedalus , Dipoinos et Skyllis – était dominé par deux stéréotypes humains: le jeune homme nu debout ( kouros ) et la jeune fille debout habillée ( kore ). Parmi ceux-ci, les nus masculins ont été considérés comme plus importants. Pour commencer, tant le kouros que le kore ont été sculptés dans un style égyptien plutôt rigide, "frontal", avec les épaules larges, la taille étroite, les bras pendantes, les poings serrés, les deux pieds au sol, et un sourire ": voir, par exemple, dame d’Auxerre (630, musée du Louvre), Kleobis et Biton (610-580, musée archéologique de Delphes). Au fil du temps, la représentation de ces statues stéréotypées est devenue moins rigide et plus réaliste. Plus tard, des versions plus avancées et archaïques de kouroi et de korai incluent le " Peplos Kore " (vers 530, le musée de l’Acropole, Athènes) et le " Kritios Boy " (le musée de l’Acropole, Athènes). Parmi les autres œuvres célèbres, citons: le Strangford Apollo (600-580, British Museum); le Dipylon Kouros (environ 600, Athènes, musée de Kerameikos); Anavysos Kouros (env. 525, Musée national d’archéologie d’Athènes); et la fascinante frise du Trésor siphnien, Delphes (v. 525).
Peinture grecque archaïque
Comme la plupart des vases et des sculptures ont été peints, l’essor de la poterie et de la sculpture au VIIe siècle a conduit automatiquement à davantage de travail pour les peintres grecs. En outre, les murs de nombreux temples, bâtiments municipaux et tombeaux étaient décorés de fresques, tandis que leurs sculptures en marbre ou en bois étaient peintes de détrempe ou encaustique peindre. Encaustic avait une partie de l’éclat de la peinture à l’huile, un support inconnu des Grecs, et est devenu une méthode de peinture populaire pour les statues de pierre et les reliefs architecturaux au cours du VIe siècle. Peinture grecque archaïque possède très peu de panneaux peints: les seuls exemples que nous ayons sont les panneaux Pitsa décorés en stuc coloré avec des pigments minéraux. Malheureusement, en raison de l’érosion, du vandalisme et de la destruction, peu de peintures grecques originales ont survécu à cette époque. Il ne reste que quelques dalles de terre cuite peintes (les métopes en terre cuite du temple d’Apollon à Thermon en Aitole vers 630), des panneaux de bois (les quatre panneaux Pitsa trouvés dans une grotte du nord du Péloponnèse) et des peintures murales (telles que scène de bataille du 7ème siècle prise dans un temple de Kalapodi, près de Thèbes, et ceux trouvés dans des tombes souterraines en Étrurie). En dehors de certains individus, comme Cimon de Cleonae, les noms des peintres grecs archaïques nous sont généralement inconnus. La forme d’art la plus utilisée pour faire la lumière sur la peinture grecque antique est la poterie, ce qui nous donne au moins une idée approximative de l’archaïque. esthétique et techniques. Notez, cependant, que la peinture sur vase était considérée comme une forme d’art de basse technologie et est rarement mentionnée dans la littérature classique.
Période classique (c.480-323 AEC)
La victoire sur les Perses en 490 avant notre ère et en 479 avant notre ère fit d’Athènes la plus forte des cités-états grecques. Malgré les menaces extérieures, il conservera son rôle culturel principal pendant les prochains siècles. En effet, au cours du Ve siècle avant notre ère, Athènes a connu une résurgence créatrice qui ne dominerait pas seulement l’avenir. Art romain , mais 2 000 ans plus tard, après sa redécouverte par l’Europe de la Renaissance, constituerait un standard artistique absolu pour quatre siècles supplémentaires. Tout cela en dépit du fait que la plupart des peintures et des sculptures grecques ont été détruites.
La principale contribution du classicisme grec aux beaux-arts a sans aucun doute été sa sculpture: en particulier le "Canon des proportions" avec la réalisation du "corps humain idéal" – un concept qui résonnait si fort Art de la haute renaissance , mille ans plus tard.
Poterie grecque classique
À cette époque, Art céramique et ainsi la peinture sur vase a connu un déclin progressif. Nous ne savons pas exactement pourquoi, mais à en juger par le manque d’innovations et le sentimentalisme croissant des conceptions, le genre semble s’être épuisé. Le développement créatif final a été la technique White Ground , introduite autour de 500. Contrairement aux styles à figures noires et à figures rouges, qui utilisaient des feuilles de glaise pour créer des images, la technique White Ground utilisait de la peinture et une dorure sur un fond d’argile blanche., et est mieux illustrée par les lekythoï funéraires de la fin du 5ème siècle. Outre cette innovation unique, la poterie grecque classique a connu une baisse significative de la qualité et du mérite artistique et est finalement devenue dépendante des écoles hellénistiques locales.
Architecture grecque classique
Comme la plupart des grecs l’art visuel , la conception des bâtiments a atteint son apogée à l’époque classique, les deux principaux styles (ou "ordres") de l’architecture grecque, le dorique et l’ionique, finissant par définir un standard universel, harmonieux et intemporel de beauté architecturale. Le style dorique était plus formel et austère – un style qui prédominait aux 4ème et 5ème siècles -, tandis que le modèle ionique était plus détendu et quelque peu décoratif – un style qui devint plus populaire pendant la période hellénistique plus facile à vivre. (Remarque: plus tard, l’ordre ionique donna naissance au style corinthien plus orné.)
Le point culminant de l’architecture grecque antique était sans doute l’ Acropole , la colline sacrée et sans relief située à la périphérie d’Athènes. Les premiers temples, érigés ici pendant la période archaïque, ont été détruits par les Perses en 480, mais lorsque la cité est entrée dans son âge d’or (env. 460-430), son souverain Périclès nomma le sculpteur. Phidias superviser la construction d’un nouveau complexe. La plupart des nouveaux bâtiments (le Parthénon, les Propylées) ont été conçus selon les proportions doriques, bien que certains comportent des éléments ioniques (Temple d’Athéna Nike, l’Erechtheum). L’Acropole a été ajoutée plusieurs fois aux époques hellénistique et romaine. le Parthénon (447-432), reste l’exemple suprême de l’art religieux grec classique. À son époque, il aurait été décoré de nombreuses peintures murales et sculptures. Pourtant, même relativement dépourvu de parure, il constitue un monument incontestable de la culture grecque. Le plus grand temple de la colline de l’Acropole a été conçu par Ictinus et Callicrates et est dédié à la déesse Athéna. Il abritait à l’origine une colossale statue multicolore intitulée Athéna la Vierge ( Athéna Parthenos ), dont la peau a été sculptée par Phidias en ivoire et dont les vêtements ont été créés à partir de tissu en or. Comme tous les temples, le Parthénon est entièrement décoré de sculptures architecturales telles que des reliefs et des frises, ainsi que de statues libres en marbre, bronze et chryséléphantine. En 1801, Lord Elgin (1766-1841), collectionneur d’art et antiquaire, expédie de manière controversée une grande quantité de pièces du Parthénon. sculpture en marbre (les " marbres d’Elgin ") à la Musée anglais à Londres.
Parmi les autres exemples célèbres d’architecture grecque classique, citons: le temple de Zeus à Olympie (468-456), le temple d’Héphaïste (environ 449 av. J.-C.), le temple de Bassae, Arcadie (environ 430), qui contenait la première capitale corinthienne, le théâtre de Delphes (vers 400), le temple Tholos d’Athéna Pronaia (380-360), le mausolée de Harnicarnassus, Bodrum (353), le monument Lysicrates à Athènes (335) et le temple d’Apollon à Delphes (330).
Sculpture grecque classique
dans le histoire de la sculpture , aucune période n’a été aussi productive que 150 ans entre 480 et 330 avant notre ère. En ce qui concerne l’art plastique, il peut être subdivisé en: Première sculpture grecque classique (480 à 450), Haute sculpture grecque classique (450-400), et Sculpture grecque classique tardive (400 à 323).
Pendant toute l’ère, la capacité technique des sculpteurs grecs à représenter le corps humain dans une posture naturaliste plutôt que rigide a été considérablement améliorée. L’anatomie est devenue plus précise et, par conséquent, les statues ont semblé beaucoup plus vraies que nature. En outre, le bronze est devenu le support principal des œuvres libres en raison de sa capacité à conserver sa forme, ce qui a permis de sculpter des poses encore plus naturels. Les sujets ont été élargis pour englober toute la panoplie de dieux et de déesses, ainsi que de divinités mineures, une vaste gamme de récits mythologiques et une sélection variée d’athlètes. Parmi les autres développements spécifiques, on peut citer l’introduction d’un «Canon des proportions» platonicien, destiné à créer une figure humaine idéalisée, et l’invention du contrapposto . À la fin de l’ère classique, le premier homme respectable nus féminins apparu.
Parmi les sculpteurs les plus connus de la période, figuraient: Myron (fl.480-444), Polykleitos (fl.450-430), Callimaque (fl.432-408), Skopas (fl.395-350), Lysippe (c.395-305), Praxiteles (fl.375-335), et Leochares (fl.340-320). Ces artistes travaillaient principalement dans le marbre, le bronze, parfois le bois, l’os et l’ivoire. Sculpture en pierre a été sculpté à la main dans un bloc de marbre ou dans un calcaire de haute qualité, à l’aide d’outils en métal. Ces sculptures peuvent être des statues libres, ou des reliefs / frises, c’est-à-dire partiellement taillés dans un bloc. Sculpture en bronze considérée comme supérieure, notamment en raison du coût supplémentaire du bronze, et était généralement coulée à la cire perdue. Encore plus cher était sculpture chryséléphantine qui était réservé aux grandes statues de culte. Sculpture en ivoire était un autre genre spécialisé dans les œuvres personnelles à petite échelle, Sculpture sur bois .
Comme mentionné ci-dessus, le Parthénon était un exemple typique de la façon dont les Grecs ont utilisé la sculpture pour décorer et améliorer leurs édifices religieux. À l’origine, les sculptures du Parthénon se divisaient en trois groupes. (1) Sur les frontons triangulaires à chaque extrémité se trouvaient de grands groupes autonomes contenant de nombreuses figures de dieux et des scènes mythologiques. (2) Le long des deux côtés se trouvaient près de 100 reliefs de personnages en lutte, y compris des dieux, des humains, des centaures et d’autres. (3) Un autre relief d’environ 150 mètres, représentant le Grand Panathenia – un festival religieux célébrant tous les quatre ans à la gloire d’Athéna, entourait tout le bâtiment. Bien que gravement endommagées, les sculptures du Parthénon révèlent la capacité artistique suprême de leurs créateurs. Surtout, elles – comme beaucoup d’autres sculptures grecques classiques – révèlent un sens du mouvement étonnant ainsi qu’un réalisme remarquable du corps humain.
le plus grandes sculptures Léonidas, roi de Sparte (env. 480), l’assistant de Delphes (env. 475); Discobolus (env. 450) de Myron; L’Héraclès Farnèse (Ve siècle); Athena Parthenos (c.447-5) de Phidias; Doryphorus (440) de Polykleitos; Jeunesse d’Anticythère (IVe siècle); Aphrodite de Knidos (350-40) de Praxitèle; et Apollo Belvedere (c. 330) de Leochares.
Comparer: Art du début de l’époque romaine (510 BCE à 27 BCE).
Peinture grecque classique
Peinture grecque classique révèle une compréhension de perspective linéaire et une représentation naturaliste qui resterait inégalée jusqu’à la Haute Renaissance italienne. En dehors de la peinture sur vase, tous les types de peinture ont prospéré pendant la période classique. Selon des auteurs comme Pliny (23-79 CE) ou Pausanias (actif 143-176 CE), la forme la plus élevée était peinture sur panneau , fait en encaustique ou tempera. Les sujets comprenaient des scènes figuratives, des portraits et des natures mortes, et les expositions – par exemple à Athènes et à Delphes – étaient relativement courantes. Hélas, en raison de la nature périssable de ces panneaux ainsi que de siècles de pillage et de vandalisme, aucune peinture sur panneau classique grec n’a été conservée, ni aucune copie romaine.
Peinture fresque était une méthode courante de décoration murale dans les temples, les bâtiments publics, les maisons et les tombes, mais ces œuvres plus grandes avaient généralement une réputation moins bonne que les peintures sur panneaux. L’exemple le plus célèbre de peinture murale grecque est le célèbre tombeau du plongeur à Paestum (env. 480), l’un des nombreux ornements funéraires de ce genre dans les colonies grecques en Italie. Une autre œuvre célèbre a été créée pour le grand tombeau de Verfina (environ 326 av. J.-C.), dont la façade était ornée d’une grande peinture murale représentant une chasse au lion royal. Le fond était blanc, le paysage étant indiqué par un seul arbre et la ligne du sol. Outre le style de son arrière-plan et de ses sujets, la peinture murale se distingue par ses subtiles représentations de la lumière et des ombres, ainsi que par l’utilisation d’une technique appelée Fusion optique (la juxtaposition de lignes de différentes couleurs), précurseur assez curieux de Seurat. 19ème siècle Pointillisme .
La peinture de pierre, de terre cuite et de sculptures sur bois est une autre technique spécialisée maîtrisée par les artistes grecs. Les sculptures de pierre étaient généralement peintes de couleurs vives; bien que d’habitude, seules les parties de la statue représentant des vêtements ou des cheveux étaient colorées, tandis que la peau restait dans la couleur de la pierre naturelle, mais parfois la sculpture entière était peinte. Sculpture-peinture a été considéré comme distinctif art – un type ancien de média mixte – plutôt que simplement une amélioration sculpturale. En plus de la peinture, la statue pourrait également être ornée de matériaux précieux.
Parmi les plus célèbres peintres grecs classiques du Ve siècle, on compte: Apollodorus (connu pour ses Skiagraphia – un type primitif de clair-obscur ) son élève, le grand Zeuxis d’Héraclée (connu pour ses tableaux de chevalet et trompe l’oeil ) ainsi que Agatharchos (le premier à avoir utilisé la perspective graphique à grande échelle); Parrhasius (plus connu pour ses dessin et sa photo de Thésée dans le Capitole à Rome); et Timarete (une des plus grandes peintres grecques, connue pour son tableau peint à Éphèse de la déesse Diane).
À la fin de la période classique (400-323 av. J.-C.), qui vit l’essor de l’empire macédonien sous Philippe II et son fils Alexandre le Grand, Athènes demeura le centre culturel dominant de la Grèce continentale. C’était le point culminant de la peinture grecque antique, avec des artistes tels que le talentueux et influent Apelle de Kos – peintre officiel de Philippe II de Macédoine et de son fils Alexandre le Grand – ajoutant de nouvelles techniques de surbrillance, d’ombrage et de coloration. Antiphilus (spécialiste de la lumière et des ombres, parmi les autres artistes célèbres du 4ème siècle) peinture de genre et caricature) et Protogenes (réputé pour sa finition soignée); Euphranor de Corinthe (le seul artiste classique à exceller en peinture et en sculpture); Eupompus (fondateur de l’école Sicyon); et le peintre d’histoire Androkydes de Cyzicus (connu pour son film controversé peinture d’histoire représentant la bataille de Plataea).
Hellénisme (c.323-27 AEC)
La période de Art hellénistique s’ouvre sur la mort d’ Alexandre le Grand (356-323) et sur l’incorporation de l’empire perse dans le monde grec. À ce stade, l’hellénisme s’était répandu dans le monde civilisé et les centres d’art et de culture grecs comprenaient des villes comme Alexandrie, Antioche, Pergame, Milet, ainsi que des villes et autres localités d’Asie Mineure, d’Anatolie, d’Égypte, d’Italie, de Crète et de Chypre., Rhodes et les autres îles de la mer Égée. La culture grecque était donc totalement dominante. Mais la disparition soudaine d’Alexandre déclenche un déclin rapide du pouvoir impérial grec, alors que son empire est divisé entre trois de ses généraux – Antigonus Ier qui reçoit la Grèce et la Macédoine; Séleucus Ier qui a pris le contrôle de l’Anatolie, de la Mésopotamie et de la Perse; et Ptolémée Ier qui a dirigé l’Egypte. Paradoxalement donc, cette période est marquée par une influence culturelle massive de la Grèce, mais affaiblit son pouvoir. D’ici à 27 avant notre ère, la Grèce et son empire seraient régis par la Rome antique, mais même dans ce cas, les Romains continueraient de vénérer et d’imiter l’art grec pendant des siècles.
Architecture hellénistique
La division de l’Empire grec en entités distinctes, chacune avec son propre souverain et sa propre dynastie, créa d’énormes nouvelles opportunités d’auto-agrandissement. En Asie Mineure, une nouvelle capitale a été construite à Pergame (Pergame) par les Attalides; en Perse, les Séleucides ont mis au point une forme de construction de style baroque; En Egypte, la dynastie ptolémaïque a construit le phare et la bibliothèque à Alexandrie. L’architecture palatiale a été revitalisée et de nombreuses structures municipales ont été construites pour renforcer l’influence des dirigeants locaux.
L’architecture des temples a cependant connu un effondrement majeur. À partir de 300 avant notre ère, le temple périphérique grec (une rangée de piliers de tous les côtés) a perdu beaucoup de son importance: en effet, à l’exception de quelques activités dans la moitié ouest d’Asie Mineure, la construction du temple s’est virtuellement arrêtée au troisième siècle. en Grèce continentale et dans les colonies grecques voisines. Même des projets monumentaux, tels que l’Artemision de Sardes et le temple d’Apollon de Didyme près de Milet, ont peu progressé. Tout cela a changé au cours du deuxième siècle, lorsque la construction du temple a connu une certaine renaissance, due en partie à une prospérité accrue, en partie aux améliorations apportées par l’architecte Hermogène de Priene au style architectural ionique et en partie à la guerre de propagande culturelle menée influence) entre les différents royaumes hellénistiques et entre eux et Rome. Au cours de ce processus, l’architecture des temples a été rétablie et un grand nombre de temples grecs – ainsi que de petites structures ( pseudoperipteros ) et de sanctuaires ( naiskoi ) – ont été érigés en Asie méridionale mineure, en Égypte et en Afrique du Nord. En ce qui concerne les styles, le style dorique sobre de l’architecture des temples est complètement passé de mode, l’hellénisme exigeant les formes les plus flamboyantes des ordres ionien et corinthien. Admiré par l’architecte romain Vitruve (environ 78-10 avant notre ère), des exemples célèbres d’architecture hellénistique comprennent: le grand théâtre d’Éphèse (IIIe-Ier siècle); la Stoa d’Attale (159-138); et la maison de l’horloge Tower of the Winds à Athènes.
Sculpture hellénistique
Sculpture grecque hellénistique continué la tendance classique vers un naturalisme toujours plus grand. Les animaux, ainsi que les gens ordinaires de tous âges, sont devenus des sujets acceptables pour la sculpture, qui était fréquemment commandée par des individus ou des familles fortunés pour décorer leurs maisons et leurs jardins. Sculpteurs Je ne me sentais plus obligé de décrire les hommes et les femmes comme des idéaux de beauté. En fait, la sérénité classique idéalisée des Ve et IVe siècles céda la place à un émotionnalisme accru, à un réalisme intense et à une dramatisation de la matière presque baroque. Pour un style typique de cette forme d’art plastique, voir École Pergamene de sculpture hellénistique (241-133 AEC).
En raison de la diffusion de la culture grecque (hellénisation), les centres culturels grecs établis en Égypte, en Syrie et en Turquie, nouvellement établis, ont également demandé beaucoup plus de statues et de reliefs de dieux grecs, de déesses et de figures héroïques pour leurs temples et leurs maisons. espaces publics. Ainsi, un grand marché s’est développé dans la production et l’exportation de Sculpture grecque , conduisant à une chute de fabrication et de créativité. Aussi, dans leur quête d’un plus grand expressionnisme, les sculpteurs grecs ont eu recours à des œuvres plus monumentales, une pratique qui a trouvé son expression ultime dans le Colosse de Rhodes (environ 220 avant notre ère).
Parmi les sculptures grecques célèbres de l’époque figurent: " Le taureau Farnèse " (IIe siècle); la " Gaule mourante " (232) d’Epigonus; la " Victoire ailée de Samothrace " (environ le Ier / IIe siècle avant notre ère); le Autel de Pergame (environ 180-150); " La Vénus Médicis " (150-100); Les trois grâces (2e siècle); Vénus de Milo (c.100) d’Andros d’Antioche; Laocoon et ses fils (c.42-20 AEC) par Hagesander, Athenodoros et Polydorus. Pour plus d’informations, veuillez consulter: Statues et reliefs hellénistiques .
Pour une comparaison générale, voir: Sculpture romaine . Pour un genre particulier, voir: Sculpture en relief romain . Pour un excellent exemple de Art romain hellénistique du tournant du millénaire, s’il vous plaît voir les extraordinaires sculptures en relief en marbre de la Ara Pacis Augustae (c.13-9 AEC).
Pour l’effet de la sculpture grecque sur les styles ultérieurs, voir: Sculpture Renaissance (c.1400-1530) et aussi Sculpture Néoclassique (1750-1850).
Peinture hellénistique
L’augmentation de la demande de sculptures à la grecque se traduisait par une augmentation similaire de la popularité de Peinture grecque hellénistique , qui a été enseigné et propagé dans plusieurs écoles séparées, à la fois sur le continent et dans les îles. En ce qui concerne la matière, les peintures classiques, les études animales, les natures mortes, les paysages et autres sujets similaires ont remplacé les classiques classiques tels que la mythologie et les événements contemporains, en grande partie en harmonie avec les styles décoratifs découverts à Herculanum et à Pompéi (1er siècle avant notre ère)., dont beaucoup sont supposés être des copies d’originaux grecs.
La plus grande contribution des peintres hellénistes fut peut-être portrait d’art notamment Portraits de momie Fayum , datant du 1er siècle avant notre ère. Ces peintures sur panneaux, joliment conservées et datant de la période copte (environ 900 œuvres au total), sont le seul corpus d’art important à avoir été préservé de l’antiquité grecque. Trouvés principalement autour du bassin du Fayoum (Fayoum) en Égypte, ces portraits faciaux réalistes étaient fixés au tissu funéraire lui-même, de manière à couvrir le visage des corps momifiés. Sur le plan artistique, les images appartiennent au style de portrait grec, plutôt qu’à aucune tradition égyptienne. Voir également Peinture murale et panneaux grecs, un héritage .
Tragédie grecque
La véritable tragédie de l’art grec est le fait qu’une grande partie de celui-ci a disparu. Seul un très petit nombre de temples, comme le Parthénon et le temple d’Héphaïstos, ont survécu. La Grèce a construit cinq merveilles du monde (le colosse de Rhodes , le temple d’Artémis à Éphèse , la statue de Zeus à Olympie , le mausolée d’Halicarnasse et le phare d’Alexandrie ), mais seuls des fragments en ruine ont survécu. De même, la grande majorité de toutes les sculptures a été détruite. Bronzes grecs et autres œuvres de Ferronnerie grecque étaient pour la plupart fondus et convertis en outils ou en armes, tandis que des statues de pierre étaient pillées ou brisées pour servir de matériaux de construction. Environ 99% de toutes les peintures grecques ont également disparu.
Des artistes grecs ont conservé leurs traditions
Mais même si cette partie de notre patrimoine a disparu, les traditions qui l’ont fait naître perdurent. Voici pourquoi. Au moment où la Grèce fut remplacée par Rome, au cours du Ier siècle avant notre ère, un grand nombre de sculpteurs et de peintres grecs de talent travaillaient déjà en Italie, attirés par le volume de commandes lucratives. Ces artistes et leurs descendants artistiques ont prospéré à Rome pendant cinq siècles, avant de fuir la ville juste avant le limogeage des barbares au Ve siècle de notre ère, pour créer de nouvelles formes d’art à Constantinople, capitale du christianisme oriental. Ils ont prospéré ici, au siège de Art byzantin près de mille ans avant de quitter la ville (bientôt capturée par les Turcs) pour Venise, pour aider à Renaissance italienne . Pendant toute cette période, ces artistes grecs migrateurs ont conservé leurs traditions (bien que adaptées en cours de route), qu’ils ont léguées aux époques des époques Renaissance, Baroque, Néoclassique et Moderne. Voir, par exemple, le Renaissance classique dans l’art moderne (c.1900-30). Au XVIIIe siècle, l’architecture grecque constituait une attraction importante pour les voyageurs intrépides du grande tournée , qui a traversé la mer Ionienne depuis Naples. En résumé: les œuvres d’art grecques ont peut-être disparu, mais l’art grec est toujours très vivant dans les traditions de nos académies et dans les œuvres de nos plus grands artistes.
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