Peinture baroque:
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En général, «la peinture baroque» est le reflet des profonds changements politiques et culturels qui ont lieu en Europe à cette époque. La peinture baroque coïncide généralement avec le XVIIe siècle, bien que dans certaines régions - notamment en Allemagne - certaines de ses réalisations n’apparaissent pas avant le XVIIIe siècle. Bien que le terme englobe une variété déconcertante de styles, il se caractérise généralement par deux choses : un sens de la grandeur (ou de la richesse sensuelle) et un contenu émotionnel clair . C’est à travers ces deux éléments que les artistes baroques ont cherché à évoquer un état émotionnel chez le spectateur en faisant appel aux sens, souvent de manière dramatique. Pourquoi ont-ils fait appel aux spectateurs de cette manière? Parce que la vie dans l’Europe du XVIIe siècle était soudainement devenue une compétition entre deux forces puissantes.

Contexte historique : statu quo contre réforme

D’un côté, il y a les partisans de l’Église catholique et du droit divin des rois, c’est-à-dire du statu quo. Ces derniers comprenaient les rois de France, d’Espagne, d’Autriche et de Grande-Bretagne. De l’autre côté se trouvaient les partisans de la réforme : ceux qui appartenaient au nouveau mouvement religieux protestant et ceux qui croyaient en l’autodétermination nationale ou personnelle. Les premiers utilisent largement la peinture et d’autres disciplines artistiques pour convaincre leurs communautés et leurs sujets de la véracité de leur message.

Ainsi, les autorités ecclésiastiques ont construit de magnifiques églises décorées de fresques illusoires sur les plafonds et les murs, utilisant les dernières techniques de quadrillage et de trompe-l’œil , pour stimuler la piété et donner l’impression de la splendeur du divin. Et ils ont commandé un flot ininterrompu d’art biblique, destiné à illustrer des parties importantes du dogme théologique catholique. Pendant ce temps, les empereurs et les rois proclamaient leur pouvoir en engageant des architectes pour construire des palais ornés de fresques, de peintures à l’huile et d’autres types d’art décoratif .

Les réformateurs désapprouvaient généralement ce type d’ art religieux, préférant blanchir à la chaux l’intérieur des églises. Dans les pays et provinces du nord de l’Europe, cependant, une nouvelle catégorie de mécènes est apparue : des professionnels, des marchands et des fonctionnaires de la classe moyenne qui ont commencé à acheter de petites œuvres d’art pour célébrer leur richesse croissante et promouvoir leurs propres valeurs culturelles. En Hollande, par exemple, un nouveau style réaliste d’art de chevalet s’est développé, les classes moyennes nouvellement habilitées ayant commandé des peintures de genre, des natures mortes ou des portraits individuels et de groupe pour démontrer leur nouveau statut. En France, la même tendance se manifeste dans la demande d’œuvres réalistes des frères Le Nain et d’autres artistes similaires. Curieusement, en Italie, où le contenu réaliste «lowbrow» est apparu pour la première fois (dans les œuvres du Caravage), les autorités ecclésiastiques l’ont habilement utilisé à leur avantage pour donner aux saints une apparence plus humaine. Ainsi, presque toutes les peintures du Caravage étaient religieuses.

La peinture baroque - en l’occurrence la peinture de paysage - est également influencée par l’élargissement général de l’horizon intellectuel de l’homme, dû au développement des sciences et à l’exploration géographique du globe. Ces deux facteurs ont fait naître un nouveau sentiment de l’insignifiance de l’homme et de la complexité mystérieuse du monde naturel. C’est pourquoi, dans la peinture de paysage de l’époque, les personnages sont souvent représentés comme des figures minuscules dans un environnement naturel immense.

Caractéristiques

Outre les deux caractéristiques principales de la peinture baroque décrites ci-dessus :
❶ la grandeur ou la sensualité - cf, par exemple, les œuvres religieuses de Pierre Paul Rubens ou les élégants portraits d’Antonis Van Dyck ; et
❷ un fort contenu émotionnel - voir en particulier les œuvres des peintres baroques espagnols, tels que Ribera, Zurbarán, voire Velázquez ; nous devons également noter deux autres tendances importantes mais contradictoires :
❸ le naturalisme ou le réalisme, et
❹ le classicisme ou «l’idéalisme». Le naturalisme est le mieux illustré par le Caravage (le réalisme par Jan Vermeer) ; tandis que le classicisme est l’impulsion principale dans les œuvres des maîtres anciens, tels que Annibale Carracci, Pierre Paul Rubens, Nicolas Poussin et Claude Lorrain. Voir aussi : Classicisme et naturalisme dans la peinture italienne du XVIIe siècle . En outre,
❺ les architectes baroques ont pleinement profité des talents de peintres muraux d’artistes tels qu’Andrea Pozzo et Pietro da Cortona, dont les plafonds ornés de fresques continuent d’inspirer jusqu’à aujourd’hui.

Fresques et plafonds architecturaux illusionnistes

Il convient de commencer l’exposé de la peinture baroque par son genre de prédilection et sa fonction caractéristique : la décoration illusionniste des murs intérieurs. L’idée d’utiliser le mur pour représenter une scène peinte est évidemment vieille comme l’art ; nouvelle, ou presque, est l’utilisation par les artistes baroques de cette technique de la peinture murale . Sur les murs, et surtout sur les plafonds des églises et des palais, ils peignaient des scènes immenses et intenses qui donnaient au spectateur l’impression trompe l’œil, que les murs ou le plafond n’existaient plus, ou du moins qu’ils s’ouvraient de manière spectaculaire.

Il ne s’agit pas non plus d’une nouveauté fondamentale : des expériences similaires ont été réalisées à la Renaissance, par Mantegna, et de manière plus spectaculaire par Correggio dans son extraordinaire «Assomption de la Vierge» (cathédrale de Parme) (1526-30). À l’époque baroque, cependant, elle devient presque une règle absolue, combinant toutes les caractéristiques esthétiques de l’époque : le grandiose, la théâtralité, le mouvement, la représentation de l’infini et une maîtrise technique qui semble presque surhumaine. Il manifeste cette tendance à combiner différentes formes d’art pour obtenir un effet unifié qui est le trait le plus caractéristique de l’époque.

Cet art illusionniste - dont certains des meilleurs tableaux baroques jamais produits - variait grandement dans les histoires qu’il racontait - hagiographies de saints, histoires de dynasties, mythes ou récits de héros - mais il était cohérent dans les éléments qu’il employait : la gloire architecturale se détachant sur le ciel, l’envol des anges et des saints, les personnages en mouvement rapide, leurs robes flottant dans le vent, le tout représenté avec une perspective audacieuse - l’effet de perspective consistant à regarder de bas en haut ou, inversement, de haut en bas, ce qui fait paraître les personnages plus courts. Le genre était si viable qu’il s’est poursuivi non seulement tout au long du XVIIe siècle, mais aussi au XVIIIe, empiétant sur les limites de l’époque que l’on considère généralement comme séparant le mouvement rococo ultérieur.

Parmi les artistes baroques spécialisés dans les fresques et les peintures de plafond, on peut citer : le précurseur Annibale Carracci (1560-1609) - cofondateur avec son frère Agostino Carracci (1557-1602) et son cousin Ludovico Carracci (1555-1619) de l’influente école bolonaise - qui s’est fait remarquer par ses fresques de la galerie Farnèse à Rome, et ses disciples Guido Reni (1575-1642), Gwerchino (1591-1666), et surtout Domenichino (1581-1641), dont les compositions classiques complexes influencèrent Nicolas Poussin. Par la suite, Parme a vu naître Giovanni Lanfranco (1582-1647), influencé par les fresques du Corrège ; Bernini (1598-1680), plus connu comme architecte et sculpteur ; Pietro da Cortona (1596-1669) - voir (1596-1669) ; et Bernini (1598-1680), plus connu comme architecte et sculpteur. son immortelle «Allégorie de la divine Providence» (1633-39, Palazzo Barberini) ; Andrea Sacchi (1599-1661), un exemple du classicisme du haut baroque, et son élève Carlo Maratta (1625-1713). Luca Giordano (1634-1705) et Andrea Pozzo (1642-1709) - voir son Apothéose de saint Ignace (1688-94, Sant’Ignazio, Rome) - sont également de grands représentants du style baroque quadratura de la décoration des plafonds. Voir aussi le peintre-décorateur napolitain Francesco Solimena (1657-1747), dont les fresques font le lien entre le baroque tardif et le rococo. Pour plus de détails, voir : Architecture baroque (1600-1750).

Un autre artiste italien important est Giovanni Benedetto Castiglione (1609-1664), surtout connu pour ses gravures, ses peintures de genre bibliques (avec des animaux) et son utilisation novatrice du monotype. Voir aussi : Artistes du baroque italien .

En France Charles Lebrun (1619-1690) est l’héritier de l’éclat décoratif de Pietro da Cortona, qu’il applique dans ses fresques du château de Versailles, notamment dans la galerie des Glaces. Lebrun profita de sa position de directeur de l’Académie française pour exercer un contrôle total sur la peinture française (1663-83). Voir aussi : Peintres baroques français .

Sur l’âge d’or de la décoration intérieure dans la France baroque, voir : Les arts décoratifs français . Sur les pièces de mobilier, voir : Le mobilier français (1640-1792). Sur les artistes et les artisans, voir : Les créateurs français .

La lumière : une caractéristique essentielle de la peinture baroque

Bien entendu, la peinture ne se limitait pas aux murs des bâtiments. Il existe aussi, et même surtout, une tradition de peinture sur toile et, comme pour l’architecture, les caractéristiques des différentes écoles nationales sont très variées. Elles étaient cependant unies par une tâche commune : l’étude de la lumière et de ses effets. Malgré les grandes différences entre les œuvres des différents artistes baroques - différences si grandes que de nombreux historiens de l’art ne sont pas prêts à étiqueter leur travail avec un adjectif commun - l’utilisation thématique de la lumière et de l’ombre dans la construction de toute œuvre significative était, dans une mesure plus ou moins grande, commune à tous, jusqu’à la caractéristique clé et le motif pictural unificateur de l’époque.

Le Caravage (1573-1610)

L’impulsion pour adopter cet idiome est venue d’Italie, et plus précisément d’un peintre italien, Michelangelo Merisi, connu sous le nom de Caravage d’après le nom de la petite ville où il est né. Bien que certains critiques aient attaqué son œuvre plus qu’ils ne l’ont appréciée, il ne fait aucun doute qu’il a marqué le début d’une nouvelle ère.

À l’époque du Caravage, les beaux-arts avaient pleinement atteint les objectifs qui leur avaient été fixés deux siècles plus tôt, à savoir la représentation parfaite de la nature dans toutes ses manifestations. Il fallait une nouvelle ligne de recherche, adaptée à l’époque, et le Caravage l’a proposée. Ses tableaux représentent des paysans robustes, des aubergistes et des joueurs ; et bien qu’ils soient parfois habillés comme des saints, des apôtres et des pères de l’Église, ils représentent la réalité dans son aspect le plus cru et le plus dur. En soi, il s’agit d’une rupture avec l’art de la Renaissance, avec ses personnages aristocratiques et ses environnements idéalisés.

Cependant, l’aspect le plus important de la peinture baroque n’est pas ce qui est représenté, mais la manière dont cela est représenté. La peinture est éclairée par taches plutôt que de manière uniforme ; les détails frappés par une lumière vive et intense alternent avec des zones d’ombres sombres. Alors que la peinture de la Renaissance était en fin de compte un dessin coloré avec un éclairage général, la toile du Caravage est une peau de léopard avec une lumière forte et des ombres profondes et intenses, dans laquelle les hautes lumières sont symboliques, c’est-à-dire qu’elles indiquent des éléments importants de la composition. C’est une peinture dramatique, violente, tourmentée, qui correspond à une époque de forts contrastes esthétiques, l’époque baroque.

Le caravagisme

Le tempérament du Caravage semble avoir été plus proche du caractère espagnol que du caractère italien, et Naples, qui à cette époque avait des liens étroits avec l’Espagne et était également un centre de quiétisme religieux, devint un centre d’influence clé Caravagisme . Pour les œuvres napolitaines ultérieures de l’artiste, voir : Le Caravage à Naples . Pour un guide de l’art de la ville, voir : La peinture à Naples (1600-1700). Pour en savoir plus sur l’art du début du XVIIe siècle à Naples, voir : L’école napolitaine de peinture (1600-1656). Pour les œuvres plus tardives, voir : Le baroque napolitain (c. 1650-1700). Parmi les principaux caravagistes de Naples, citons Battistello Caracciolo (1578-1635), l’influent Husepe Ribera (1591-1652), et la grande peintre Artemisia Gentileschi (1597-1651), connue pour «Judith décapitant Holopherne» (1620, Uffizi, Florence).

Les œuvres de maturité de Francisco Ribalta (1565-1628) montrent une influence caravagesque ; les premières peintures de Velázquez (1599-1660) la montrent également, ainsi que celles d’autres maîtres espagnols du XVIIe siècle tels que Zurbarán (1598-1664). Mais son influence s’étend bien au-delà de l’Espagne, même si c’est dans ce pays que la manière du maître a été la plus suivie.

En Hollande , Gerrit van Honthorst (1592-1656) semble avoir transmis à son grand compatriote, Rembrandt, une partie de l’utilisation dramatique du clair-obscur par le Caravage ; En France, un maître quelque peu énigmatique, Georges de la Tour (1593-1652), était un représentant habile, mais apparemment isolé, du «ténébrisme», c’est-à-dire de l’utilisation d’ombres profondes projetées par une seule source de lumière, pour donner de l’unité à une composition. Adam Elsheimer (1578-1610) fut un autre représentant influent de cette tendance, tandis qu’il convient de mentionner à cet égard le nom d’un ténébriste anglais, Joseph Wright of Derby (1734-1797).

Parmi les disciples italiens du Caravage, les plus importants sont Mattia Preti (1613-1669) et Domenico Fetti (1589-1624) ; tandis que Salvator Rosa (1615-1673), également napolitain, lui ressemble par sa prédilection pour la sauvagerie et les scènes de basse vie, les brigands se battant et s’ébattant au milieu de paysages sauvages et rocailleux. Salvator est particulièrement intéressant en raison de son importance dans le développement du paysage romantique ; le Génois du XVIIIe siècle, Magnasco (1667-1749) a quelque chose en commun avec lui.

La peinture baroque vénitienne

Hormis le Caravage, peu de peintres italiens du XVIIe siècle, si ce n’est aucun, ont pu rivaliser avec les grands noms des XVe et XVIe siècles. Bien que Titien et Tintoret aient largement contribué à ouvrir la voie au baroque, le principal représentant du style baroque dans la peinture vénitienne fut Tiepolo (1696-1770), dont les fresques illusionnistes atteignirent leur apogée dans les fresques de Würzburg (1750-3) en Allemagne. La mort de Tiepolo marque la fin de l’âge d’or de l’art vénitien.

Sur les artistes allemands et autrichiens du XVIIe siècle, voir : Les artistes baroques allemands .

Le classicisme

Avant de quitter l’Italie, il convient de noter l’existence d’un mouvement distinct dans la peinture européenne, généralement appelé «tradition classique». Le classicisme est l’opposé du romantisme et représente un style d’art dans lequel l’adhésion à des idéaux esthétiques acceptés prévaut sur l’individualité de l’expression. En d’autres termes, il s’agissait d’un style sobre et harmonieux qui croyait en la primauté de la conception plutôt que (par exemple) de la couleur ou de l’expressionnisme. Il était étroitement lié à «l’art académique», le style enseigné dans la plupart des académies des beaux-arts européennes.

À l’époque baroque du XVIIe siècle, la tradition classique est incarnée par l’artiste français Nicolas Poussin (1594-1665), qui passe l’essentiel de sa carrière à Rome, où il compte parmi ses mécènes le cardinal Francesco Barberini (1597-1669) et le secrétaire du cardinal, Cassiano dal Pozzo (1588-1657). Poussin est probablement plus connu pour ses peintures mythologiques - voir, «Enlèvement des Sabines» (1634-5) et «Et in Arcadia Ego» (1637) - bien qu’il ait également été un important pionnier de la peinture de paysage arcadien classique, un genre, dominé par un autre peintre français ayant vécu à Rome, Claude Lorrain (1600-1682), qui a initié le style «clodien». (A noter que Claude Lorrain a été particulièrement influencé par l’art baroque allemand d’Adam Elsheimer). Comme Poussin et Claude, Simon Vouet (1590-1649) a également passé une grande partie de sa carrière à Rome avant de revenir à Paris comme peintre de la cour du roi Louis XIII. Il s’est fait remarquer en particulier pour son style discret de peinture baroque, qui évitait à la fois le naturalisme extrême et le drame du Caravage et les effets picturaux artificiels du baroque italien plus intense.

La peinture baroque néerlandaise

En Flandre et en Hollande, les écoles de peinture locales ont prospéré. Elles n’étaient pas en reste et étaient à l’avant-garde de la création artistique. Les peintres flamands ont créé - ou du moins considérablement affiné - deux types de peintures visant à représenter de manière authentique la vie domestique et la réalité quotidienne : la peinture de genre et la nature morte. Ces deux types de peinture n’avaient pas d’équivalent en Italie, où la demande pour ce type de peinture était nulle.

Ce sont les artistes flamands qui ont exporté la technique de la peinture à l’huile, jusqu’alors inconnue des artistes de la première Renaissance italienne. Ils combinent rapidement leur propre tradition avec celle venue d’Italie, un mariage qui donnera naissance à des œuvres qui deviendront les plus grandes réalisations de l’histoire de l’art. Cette évolution a eu des résultats différents dans la peinture flamande et la peinture hollandaise, et a été associée dans chaque cas à deux hommes profondément différents, Pierre Paul Rubens (1577-1640) et Rembrandt (1606-1669).

Voir aussi : Peinture hollandaise (XVIIe siècle) et Peintres réalistes hollandais .

La peinture baroque espagnole

À la fin des années 1570, Rome n’est plus le centre du monde. Les Italiens portent des costumes espagnols et le cœur de la Contre-Réforme se trouve en Espagne. L’Escurial est construit comme une nouvelle citadelle de la foi et les palais de Tolède sont transformés en monastères et couvents. La beauté cède la place à la sainteté.

Au printemps 1577, le maniériste El Greco (1541-1614) retrouve dans la ville espagnole de Tolède les formes familières de sa maison crétoise, les bâtiments de l’Orient mahométan, le tout dans une forme espagnole insistante et expressive. Il passa deux ans à peindre sa première œuvre majeure, un retable pour San Domingo el Antiguo . L’esprit passionné et souvent extravagant du baroque s’empare alors de lui. Ses boiseries et ses modestes toiles sont oubliées ; il peint désormais des tableaux de taille gigantesque.

Parmi les plus grands tableaux religieux de la période suivante, on trouve la représentation d’un miracle qui se serait produit lors des funérailles du comte d’Orgaz, lorsque saint Augustin et saint Étienne sont apparus et ont exercé les fonctions de prêtres. Dans les gris et les jaunes, les noirs et les blancs, les couleurs d’un ciel d’orage, El Greco a représenté le miracle dans une lumière éthérée, non pas comme un événement surnaturel, mais plutôt comme un événement éminemment naturel dont tout le peuple espagnol, ses prêtres, ses nobles et ses fidèles témoignent par leur présence sur le sol dur de l’église. Voir : Enterrement du comte d’Orgaz (1586-88).

Certains ont qualifié les peintures du Greco d’ascétiques, d’extatiques, de violentes, d’insensibles et d’incolores. Pourtant, son Portrait du cardinal (1600) Don Fernando Nino de Guevera, comme le Grand Inquisiteur, est peint dans les couleurs les plus vives ; ce n’est que chez les saints du Greco que l’on trouve des déformations délibérées et un éclat insolite. Lorsqu’il peint des gens ordinaires, comme sa fille, c’est comme s’ils se reflétaient dans un miroir. L’évolution finale de l’art du Greco le place, malgré ses particularités, au centre de l’ère baroque, car il abandonne les lois de la composition et de la couleur de la Renaissance et s’oriente vers un art baroque international.

Parmi les autres représentants importants de l’école baroque espagnole, citons : Jusepe (José) de Ribera (1591-1652), peintre caravagiste espagnol originaire de Naples, connu pour ses peintures réalistes de sujets religieux et mythologiques ; pieux Francisco de Zurbarán (1598-1664), connu pour ses peintures religieuses intenses, ses natures mortes et sa maîtrise du ténébrisme ; Diego Velázquez (1599-1660), peintre officiel de la cour d’Espagne à Madrid, qui a combiné le réalisme avec une emphase baroque sur la lumière et l’illusionnisme.

Parmi les autres artistes importants de l’école espagnole, citons le peintre sentimental de Séville Bartolomé Esteban Murillo (1618-1682), dont les œuvres religieuses et les peintures de genre ont été influencées par Velázquez, Zurbarán et Caravaggio. Pour plus d’informations, voir : Art baroque espagnol .

Les peintures baroques peuvent être admirées dans les meilleurs musées d’art du monde entier.

EVOLUTION DE L’ART VISUEL
Pour plus d’informations sur les mouvements et les styles dans l’art, voir : Histoire de l’art . Pour un guide chronologique des événements clés du développement des arts visuels dans le monde, voir Chronologie de l’art .

LE PLUS GRAND ART DU MONDE
Liste des 10 meilleurs peintres et sculpteurs : Les meilleurs peintres de tous les temps . Pour connaître les meilleures peintures à l’huile et aquarelles, voir : Les plus grands tableaux de tous les temps .