Peinture baroque: histoire, caractéristiques, styles Automatique traduire
introduction
En général, la "peinture baroque" était le reflet des profonds changements politiques et culturels qui se produisaient à travers l’Europe. Baroque La peinture coïncidait en gros avec le 17ème siècle, bien que dans certaines régions – notamment l’Allemagne – certaines de ses réalisations n’aient pas eu lieu avant le 18ème siècle. Bien que le terme englobe une variété déconcertante de styles, il est généralement caractérisé par deux choses: un sens de la grandeur (ou une richesse sensuelle) et un contenu émotionnel manifeste. C’est à travers ces deux éléments que les peintres baroques ont cherché à évoquer des états émotionnels chez le spectateur en faisant appel aux sens, souvent de manière dramatique. Pourquoi faisaient-ils appel aux téléspectateurs de cette manière? Parce que la vie au 17ème siècle, l’Europe était soudainement devenue une compétition entre deux forces puissantes.
Contexte historique: statu quo versus réforme
D’un côté, il y avait ceux qui soutenaient l’Église catholique et le droit divin des rois – essentiellement le statu quo. Parmi ces derniers figuraient les rois de France, d’Espagne, d’Autriche et de Grande-Bretagne. De l’autre côté se trouvaient ceux qui souhaitaient une réforme: ils incluaient ceux qui appartenaient au nouveau mouvement religieux protestant, ainsi que ceux qui croyaient en l’autodétermination nationale ou personnelle. Les premiers utilisaient activement la peinture et d’autres disciplines artistiques pour impressionner leurs congrégations et leurs sujets par la vérité de leur message.
Les autorités de l’église ont donc construit de magnifiques églises, décorées avec des illusions fresque sur les plafonds et les murs, en utilisant les dernières techniques de quadratura et de trompe-l’œil, afin de stimuler la piété et de donner une impression de la splendeur du divin. Et ils ont commandé un flot ininterrompu de Art biblique, conçu pour illustrer des parties importantes du dogme théologique catholique. Pendant ce temps, empereurs et rois ont proclamé leur propre autorité en engageant des architectes pour construire des palais ornés de peintures murales, peinture à l’huile et d’autres formes de art décoratif.
Les réformateurs désapprouvent généralement ce type de art religieux, préférant au contraire blanchir les intérieurs des églises. Cependant, parmi les nations et les provinces du nord de l’Europe, une nouvelle race de clients a commencé à émerger – les professionnels de la classe moyenne, les marchands ou les fonctionnaires – qui ont commencé à acheter des œuvres d’art à petite échelle afin de célébrer leur richesse croissante et de promouvoir leur propre culture. valeurs. Ainsi, en Hollande, par exemple, un nouveau style réaliste d’art du chevalet a explosé lorsque les classes moyennes nouvellement investies ont commandé peintures de genre, natures mortes ou individuel / groupe peintures de portrait pour montrer leur nouveau statut. En France, la même tendance s’est manifestée dans la demande d’œuvres réalistes des Les frères Le Nain et artistes similaires. Curieusement, en Italie, où le contenu réaliste de «bas front» était apparu pour la première fois (dans des œuvres de Caravage), les autorités de l’Église l’avaient intelligemment exploité pour ses propres fins, afin de donner aux saints une apparence plus humaine. Ainsi, presque toutes les peintures de Caravaggio étaient religieuses.
Peinture baroque – dans ce cas peinture de paysage – a également été influencé par l’élargissement général des horizons intellectuels de l’homme, provoqué par les progrès de la science et par les explorations géographiques du globe. Ces deux facteurs ont créé un nouveau sens de l’insignifiance humaine et de la complexité mystérieuse du monde naturel. Ainsi, dans la peinture de paysage de cette période, nous voyons souvent des êtres humains représentés sous forme de minuscules personnages dans un vaste cadre naturel.
Les caractéristiques
Outre les deux caractéristiques principales de la peinture baroque décrites ci-dessus:
❶ la grandeur ou la sensualité – voir, par exemple, des œuvres religieuses de Peter Paul Rubens, ou les portraits élégants de Anthony Van Dyck ; et
❷ contenu émotionnel fort – voir en particulier les œuvres de Artistes baroques espagnols comme Ribera, Zurbaran, même Velazquez; notons deux autres tendances importantes mais contradictoires:
❸ le naturalisme ou le réalisme, et
❹ le classicisme ou «l’idéal». Le meilleur exemple du naturalisme est le Caravage (réalisme Jan Vermeer) tandis que le classicisme est l’impulsion principale des œuvres de Maîtres Anciens comme Annibale Carracci, Peter Paul Rubens, Nicolas Poussin et Claude Lorraine. Voir également: Classicisme et naturalisme dans la peinture italienne du XVIIe siècle. En plus,
❺ Architectes baroques a pleinement exploité les compétences en peinture murale de peintres comme Andrea Pozzo et Pietro da Cortona, dont les plafonds en fresque en trompe-l’œil continuent d’inspirer à ce jour.
Peintures murales et plafonds architecturaux illusionnistes
Il convient de commencer un récit de la peinture baroque avec son genre préféré et sa fonction caractéristique: la décoration illusionniste des murs d’un intérieur. Évidemment, l’idée d’utiliser un mur pour afficher une scène peinte était aussi ancienne que l’art. ce qui était nouveau, ou presque nouveau, était l’utilisation de cette technique de peinture murale par des artistes baroques. Sur les murs, et plus particulièrement sur les plafonds, des églises et des palais, ils ont peint de vastes scènes animées, qui tendent à produire sur le spectateur une trompe l’oeil l’impression que les murs ou le plafond n’existent plus, ou du moins qu’ils s’ouvrent de manière excitante. Cela aussi n’était pas essentiellement nouveau: de telles expériences avaient été faites à la Renaissance, par Mantegna et le plus spectaculaire du Correggio dans son extraordinaire Assomption de la Vierge (Cathédrale de Parme) (1526-30). À l’époque baroque, cependant, il devint presque une règle absolue, combinant toutes les caractéristiques esthétiques de l’époque: grandeur, théâtralité, mouvement, représentation de l’infini et, en plus, une technique qui apparaît presque surhumaine. Il a montré cette tendance à combiner différentes formes d’art pour obtenir un effet unifié, caractéristique la plus distinctive de l’époque.
Un tel art illusionniste – parmi eux certains des meilleures peintures baroques ils ont toujours créé – beaucoup varié dans les histoires qu’ils racontaient – des vies de saints, des histoires de dynasties, des mythes ou des légendes de héros – mais ils étaient cohérents dans les composants qu’ils déployaient: des gloires architecturales se détachant sur le ciel; flambée des anges et des saints; des figures en mouvement rapide, leurs vêtements gonflés par le vent; tous représentés avec gras raccourcir – l’effet de perspective de regarder de haut en bas ou inversement de haut, ce qui donne l’apparence plus courte des chiffres. La vitalité du genre a été telle qu’il s’est maintenu non seulement au cours du XVIIe siècle, mais bien jusqu’au XVIIIe siècle, envahissant les limites du temps généralement considéré comme la démarcation du prochain mouvement rococo.
Les peintres baroques qui se spécialisaient dans ces peintures murales et plafonds comprenaient: le précurseur Annibale Carracci (1560-1609) – co-fondateur avec son frère Agostino Carracci (1557-1602) et cousin Ludovico Carracci (1555-1619) de l’influent École bolognaise – qui a été noté pour son Fresques de la galerie Farnèse à Rome et ses partisans Guido Reni (1575-1642), Guercino (1591-1666), et en particulier Domenichino (1581-1641) dont les compositions classiques élaborées vont influencer Nicolas Poussin. Par la suite, nous sommes nés à Parme Giovanni Lanfranco (1582-1647), influencé par les fresques du Correggio; Bernini (1598-1680), plus célèbre en tant qu’architecte et sculpteur; Pietro da Cortona (1596-1669) – voir son immortel Allégorie de la Divine Providence (1633-1639, Palazzo Barberini); Andrea Sacchi (1599-1661), exemple du classicisme du haut baroque, et son élève Carlo Maratta (1625-1713). Luca Giordano (1634-1705) et Andrea Pozzo (1642-1709) – voir son Apothéose de saint Ignace (1688-94, Sant’Ignazio, Rome) – ont également été de grands représentants du style baroque de quadrature décoration de plafond. Voir aussi le peintre décorateur napolitain Francesco Solimena (1657-1747), dont les fresques relient le baroque tardif au rococo. Pour plus, voir: Architecture baroque (1600-1750).
Un autre artiste italien important était Giovanni Benedetto Castiglione (1609-64), surtout connu pour sa gravure à l’eau-forte, sa peinture de genre biblique (avec des animaux) et son utilisation pionnière du monotype. Voir également: Artistes baroques italiens.
En France, Charles Le Brun (1619-90) était l’héritier de l’éclat décoratif de Pietro da Cortona, qu’il appliqua à ses peintures murales à la château de Versailles, notamment ceux de la galerie des glaces. Le Brun a utilisé son poste de directeur du Académie Française d’exercer un contrôle total sur Peinture française (1663-1683). Voir également: Artistes baroques français.
Pour l’âge d’or du design d’intérieur en France à l’époque baroque, voir: Art Décoratif Français. Pour le mobilier, voir: Meubles français (1640-1792). Pour les artistes et artisans, voir: Designers français.
La lumière: le trait caractéristique de la peinture baroque
Naturellement, la peinture ne se limitait pas aux murs des bâtiments. Il y avait aussi, et en particulier, une tradition de peinture sur toile et, comme pour l’architecture, les caractéristiques des différentes écoles nationales étaient très différentes. Ils avaient cependant une préoccupation commune: l’étude de la lumière et de ses effets. Malgré les grandes divergences entre les œuvres de divers artistes de la période baroque – divergences si grandes que beaucoup critiques d’art ne sont pas disposés à désigner leur travail par un seul adjectif commun – l’utilisation thématique de la lumière et de l’ombre dans la construction d’une œuvre importante était, à un degré plus ou moins grand, commune à tous, dans la mesure où elle constituait l’élément clé et le visuel unificateur motif de l’age.
Caravage (1573-1610)
L’impulsion pour l’adoption de cet idiome est venue d’Italie, voire d’un seul artiste italien, Michelangelo Merisi, dit Caravage du nom de la petite ville où il est né. Bien que son travail ait été plus attaqué par certains critiques qu’apprécié, il ne fait aucun doute qu’il a marqué le début d’une nouvelle époque. À l’époque du Caravage, la peinture artistique avait pleinement atteint les objectifs qu’elle s’était fixés deux siècles auparavant, à savoir la représentation parfaite de la nature dans toutes ses manifestations. Une nouvelle ligne d’investigation était nécessaire, adaptée à l’âge; et ce Caravage fourni. Ses peintures montraient des paysans robustes, des aubergistes et des joueurs; et bien qu’ils puissent parfois être habillés comme des saints, des apôtres et des pères de l’Église, ils représentaient la réalité dans son aspect le plus brut et le plus dur. C’était en soi une rupture avec l’art de la Renaissance, avec ses figures aristocratiques et son environnement idéalisé. Cependant, l’aspect le plus important de la peinture baroque n’était pas ce qui était représenté, mais sa représentation. La peinture n’était pas allumée uniformément mais par morceaux; des détails frappés par une lumière vive et intense alternaient avec des zones d’ombre sombre. Si en dernière analyse une peinture de la Renaissance était un dessin coloré avec un éclairage général, une toile de Caravaggio était une peau de léopard à la lumière intense et à l’ombre intense et intense, dans laquelle les reflets sont symboliques; c’est-à-dire qu’ils ont indiqué les éléments importants de la composition. C’était un style de peinture dramatique, violent et tourmenté, parfaitement adapté à une époque de forts contrastes esthétiques, tout comme la période baroque. Ses plus grandes peintures incluent ce qui suit:
Caravagisme
Le tempérament du Caravage semble avoir eu des affinités plus étroites avec le caractère espagnol plutôt qu’avec le caractère italien, et Naples, qui avait des liens étroits avec l’Espagne à cette époque – et qui était aussi un centre de tranquillité religieuse – était un centre clé de Caravagisme influence. Pour le dernier travail napolitain de l’artiste, voir: Caravage à Naples. Pour un guide sur l’art dans la ville, voir: Peindre à Naples (1600-1700). Pour plus de détails sur l’art du début du XVIIe siècle à Naples, voir: Ecole Napolitaine de Peinture (1600-56). Pour les travaux ultérieurs, voir: Baroque Napolitain (c.1650-1700). Les principaux Caravaggisti à Naples inclus Battistello Caracciolo (1578-1635), l’influent Jusepe Ribera (1591-1652) et la grande peintre Artemisia Gentileschi (1597-1651), réputée pour Judith décapitant Holopherne (1620, Uffizi, Florence).
Les travaux matures de Francisco Ribalta (1565-1628) montrent une influence caravagge; les premières peintures de Velazquez (1599-1660) le montrent, ainsi que celles d’autres maîtres espagnols du XVIIe siècle tels que Zurbaran (1598-1664). Mais son influence s’étendit beaucoup plus loin que l’Espagne, bien que ce soit là que les manières du maître soient les plus suivies. En Hollande, Gerrit van Honthorst (1592-1656) semble avoir transmis quelque chose de l’utilisation dramatique de Caravaggio clair-obscur à son grand compatriote, Rembrandt ; alors qu’en France le maître un peu mystérieux, Georges de la Tour (1593-1652), était un exposant habile, mais apparemment isolé, de ’ Ténébrisme ’, comme on appelle cette utilisation des ombres profondes projetées à partir d’une source de lumière unique pour donner une composition à une composition. Adam Elsheimer (1578-1610) était un autre représentant influent de cette tendance; alors qu’il convient peut-être de mentionner à ce propos le nom du ténébriste anglais, Joseph Wright de Derby (1734-1797). Parmi les adeptes italiens du Caravage, les plus importants étaient Mattia Preti (1613-1669) et Domenico Fetti (1589-1624); tandis que Salvator Rosa (1615-1673), également napolitain, a des affinités avec lui pour son goût pour la sauvagerie et les scènes de la vie sauve, des bandits se battant et des fous dans des paysages sauvages et rocheux. Salvator est particulièrement intéressant pour son importance dans le développement du paysage romantique; le génois du dix-huitième siècle, Magnasco (1667-1749) a quelque chose en commun avec lui.
Peinture Baroque Vénitienne
En dehors du Caravage, il y avait peu de peintres du XVIIe siècle en Italie, voire aucun, parmi les grands noms des XVe et XVIe siècles. Bien que le Titien et le Tintoret fassent beaucoup pour ouvrir la voie au baroque, le principal représentant du style baroque dans Peinture vénitienne Tiepolo (1696-1770), aux mains de laquelle la peinture de fresques illusionnistes a atteint son apogée dans les fresques de Wurzburg Rezidenz (1750-3) en Allemagne. Avec la mort de Tiepolo, l’âge d’or de l’art vénitien était terminé.
Pour les peintres allemands et autrichiens du 17ème siècle, voir: Artistes baroques allemands.
Classicisme
Avant de quitter l’Italie, il convient de noter l’existence d’une tendance distincte dans la peinture européenne, généralement appelée la tradition "classique". Une gueule de bois, si vous voulez, de la Renaissance, le classicisme était le contraire du romantisme, un style d’art dans lequel l’adhésion aux idéaux esthétiques reconnus prime sur l’individualité de l’expression. En termes simples, il s’agissait d’un style sobre et harmonieux qui privilégiait le design, plutôt que la couleur ou l’expressionnisme. Il était étroitement associé à " art académique ", le style enseigné dans la plupart des académies européennes des beaux-arts. Au cours de la période baroque du 17ème siècle, la tradition classique a été personnifiée par l’artiste français Nicolas Poussin (1594-1665), qui passa l’essentiel de sa carrière à Rome, où il comptait entre autres le cardinal Francesco Barberini (1597-1669) et le secrétaire du cardinal Cassiano dal Pozzo (1588-1657). Poussin est probablement mieux connu pour son peinture mythologique – voir, par exemple, son Enlèvement des Sabines (1634-5) et Et dans Arcadia Ego (1637) – bien qu’il fût également un pionnier important de la peinture de paysage classique à l’arcadie – un genre dominé par un autre peintre français basé à Rome, Claude Lorrain (1600-82), à l’origine du style "Claudean". (Notez que Claude Lorrain a été particulièrement influencé par le Art baroque allemand d’Adam Elsheimer.) Comme Poussin et Claude, Simon Vouet (1590-1649) passa également une grande partie de sa carrière à Rome, avant de revenir à Paris en tant que peintre de la cour du roi Louis XIII. Il était notamment connu pour son style de peinture baroque en sourdine, qui évitait à la fois le naturalisme extrême et le drame du Caravage, ainsi que les effets picturaux artificiels de l’art baroque italien, plus intense.
Peinture baroque néerlandaise
En Flandre et en Hollande, la peinture avait développé des écoles locales florissantes qui, loin d’être des backwaters, étaient bien dans la fourgonnette de l’exploration artistique. Les peintres flamands avaient créé – ou du moins grandement amélioré – deux types de tableaux concernés par la représentation fidèle de la vie domestique et de la réalité quotidienne: la peinture de genre et la nature morte. Aucun équivalent non plus en Italie – où il n’existait aucune demande pour de telles images. Ce sont les peintres flamands qui ont exporté la technique de la peinture à l’huile, inconnue des artistes du début de la Renaissance italienne. Maintenant, ils ont vite fusionné leur propre tradition avec celle venue d’Italie – un mariage devant produire des œuvres parmi les plus grandes réalisations de l’histoire de l’art. Ce développement a eu des résultats différents en Peinture flamande comparé à celui de la Hollande et, dans chaque cas, a été associé à deux personnes profondément différentes: à savoir Peter Paul Rubens (1577-1640) et Rembrandt (1606-1669).
Les chefs-d’œuvre de Rubens incluent:
Les chefs-d’œuvre de Rembrandt incluent:
Pour plus de détails, voir: Art baroque flamand et Art baroque hollandais.
Voir également: Peinture hollandaise (17ème siècle) et Artistes réalistes hollandais.
Peinture baroque espagnole
À la fin des années 1570, Rome n’était plus le centre du monde. Les Italiens portaient des costumes espagnols et le cœur de la Contre-Réforme se trouvait en Espagne. L’Escorial était en train de devenir la nouvelle citadelle de la Foi et les palais de Tolède étaient transformés en monastères et couvents. La beauté cédait à la sainteté. Au printemps 1577, le maniériste résident El Greco (1541-1614) ont trouvé dans la ville espagnole de Tolède les formes familières de sa maison crétoise, les bâtiments de l’est mahométan, le tout dans une forme urgente et emphatique espagnole. Il a passé deux ans à peindre son premier grand ouvrage, le retable de San Domingo el Antiguo. L’esprit passionné et souvent extravagant du baroque le possédait maintenant. Ses panneaux de bois et ses modestes toiles ont été oubliés; il a maintenant peint des images de dimensions énormes.
Parmi les Greco plus grandes peintures religieuses de la période suivante était la représentation du miracle qui aurait eu lieu lors des funérailles du comte Orgaz, lorsque saint Augustin et saint Étienne sont apparus et ont acquitté les devoirs du clergé, En gris et jaune, en noir et blanc, les couleurs de le ciel orageux, El Greco a peint le miracle sous une lumière surnaturelle, non pas comme un événement surnaturel, mais plutôt comme un événement d’une extrême beauté naturelle, dont tout le peuple espagnol, ses prêtres, ses nobles et ses fidèles témoignent sur le sol solide de l’église. Voir: Enterrement du comte d’Orgaz (1586-1588). Certains ont qualifié les images du Greco d’ascétiques, d’extase, de cruelles, d’innocentes et incolores. Néanmoins, son Portrait d’un cardinal (1600) de Don Fernando Nino de Guevera – comme celle du Grand Inquisiteur est peinte avec la couleur la plus forte; Ce n’est que dans les saints du Greco que nous trouvons une distorsion délibérée et un rayonnement surnaturel. Quand il peint des êtres humains ordinaires, comme sa fille, c’est comme s’ils se reflétaient dans un miroir. Le développement final de l’art du Greco le place, malgré ses particularités, au cœur de la période baroque, alors qu’il abandonne les lois de la composition et des couleurs de la Renaissance et se dirige vers l’art international de la période baroque.
Parmi les autres membres importants de l’école baroque espagnole, on compte: Jusepe (Jose) de Ribera (1591-1652), artiste caravagiste espagnol basé à Naples, connu pour ses peintures réalistes sur des sujets religieux et mythologiques; le dévot Francisco de Zurbaran (1598-1664), connu pour ses images religieuses intenses, ses natures mortes et sa maîtrise du ténébrisme; Diego Velazquez (1599-1660), peintre officiel de la cour d’Espagne à Madrid, alliant réalisme à l’accent baroque sur la lumière et l’illusionnisme.
Les chefs-d’œuvre de Velazquez comprennent:
Parmi les autres peintres importants de l’école espagnole figurent le peintre sentimental de Séville Bartolome Esteban Murillo (1618-1682) dont les œuvres religieuses et les peintures de genre étaient influencées par Velazquez, Zurbaran et Caravaggio. Pour plus de détails, voir: Art baroque espagnol.
La peinture baroque peut être vu dans le meilleurs musées d’art autour du monde.
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