Abstraction Biomorphique: Formes Organiques dans la Sculpture, la Peinture Automatique traduire

En beaux-arts, le terme «abstraction biomorphique» décrit l’utilisation de formes abstraites arrondies basées sur celles que l’on trouve dans la nature. Appelé aussi abstraction organique, ce type d’ art abstrait n’est pas une école ou un mouvement, mais est une caractéristique importante de l’œuvre de nombreux artistes, tels que Wassily Kandinsky (1866-1944), Constantin Brancusi (1876-1957), et les artistes du mouvement Art nouveau. Mais il est le plus souvent appliqué aux œuvres des surréalistes Jean Arp (1886-1966), Juan Miró (1893-1983) et Yves Tanguy (1900-1955), ainsi qu’aux sculpteurs britanniques Barbara Hepworth (1903-1975) et Henry Moore (1898-1986).

L’abstraction biomorphique se retrouve à la fois dans la peinture abstraite et la sculpture abstraite, ainsi que dans le design de meubles.L’idiome a été associé à la philosophie d’Henri Bergson (1859-1941), qui croyait que les processus d’évolution (la nature) et la création artistique (l’art) provenaient de la même source. Le style s’est épanoui dans les années 1930 et 1940 : le terme «sculpture biomorphique» a été utilisé pour la première fois en 1936 par Alfred H. Barr. Pour en savoir plus sur cette forme d’abstraction organique en Grande-Bretagne, voir aussi : Sculpture britannique moderne 1930-70

Les biomorphes dans la sculpture

Bien que des formes biomorphiques soient apparues en peinture et en sculpture dès 1913, ce n’est qu’après la destruction des visions utopiques du futurisme, du cubisme et du constructivisme par le stalinisme, la Grande Dépression et le nazisme que la science a cédé la place à la nature comme principale source d’inspiration pour les peintres et les sculpteurs. L’abstraction organique ne cherche pas à construire rationnellement, mais à imiter les forces germinales de la nature. Issue des formes fluides de Rodin, des formes organiques curvilignes de l’Art nouveau et de l’Art nouveau, des formes ovoïdes de Constantin Brancusi, elle séduit même les constructivistes, comme Vladimir Tatlin (1885-1953), qui fonde son objet volant Letatlin sur un principe organique-biodynamique (le vol des oiseaux) plutôt que sur un principe mécanique.

Ses principaux représentants dans l’art plastique viennent de différents pays d’Europe. En Allemagne , Jean Arp crée des formes fluides (concrétions) d’un naturalisme pur, dans lesquelles les plantes, les animaux et les torses sont combinés de manière vivante ; et Karl Hartung ouvre sa sculpture abstraite aux creux, aux ruptures et aux saillies audacieuses. En France, Henri Etienne-Martin (1913-1995) s’est tourné vers les racines de l’architecture pour créer une série d’habitations imaginaires, tandis que l’Argentine Alicia Penalba (1918-2009) a modelé dans l’argile de luxuriants symboles érotiques.

En Grande-Bretagne, au début des années 1930, Henry Moore a combiné des formes humanoïdes, des cultures africaines et océaniques et une abstraction organique dans un style varié et éclectique qui réconcilie la méthodologie moderniste avec la sculpture grecque . Ses nombreuses «figures couchées» s’élèvent et s’abaissent comme les contours des collines et des vallons du Yorkshire, illustrant sa conviction que le paysage peut être reflété par la figure humaine. Plus tard dans sa carrière, il a exprimé son biomorphisme dans des formes plus monumentales. Membre du groupe artistique «Abstraction-Création», qui comprenait également le Poméranien Otto Freundlich, les sculpteurs britanniques Ben Nicholson (1894-1982) et son épouse Barbara Hepworth (1903-1975), Freundlich et Hepworth ont contribué à la création de l’art contemporain. Freundlich et Hepworth ont contribué à consolider les impulsions biomorphiques des années 1930 : Freundlich avec ses abstractions pleines d’énergie telles que «Ascension» ; Hepworth avec son leitmotiv hollow core.

Les biomorphes en peinture

Les principaux artistes qui ont utilisé des formes biomorphiques sont le peintre russe Wassily Kandinsky, le surréaliste espagnol polyvalent Juan Miró, le surréaliste français Yves Tanguy et le peintre arménien Arshile Gorki, bien que d’autres artistes tels que Paul Klee (1879-1940) aient également exercé une grande influence.

Wassily Kandinsky est passé de l’expressionnisme (il était l’un des fondateurs de Der Blaue Reiter et un pionnier dans l’utilisation émotionnelle de la couleur) à un style d’abstraction dans lequel il cherchait à supprimer toute trace du monde réel. Son utilisation de formes organiques constitue une étape transitoire dans ce processus.

Juan Miró, comme Tanguy, partisan du surréalisme, a cherché à libérer sa créativité subconsciente dans un style véritablement surréaliste : Les premières œuvres comme «Carnaval d’Arlequin» (1924-5) contiennent un assemblage bizarre de formes ressemblant à des insectes qui dansent et font de la musique, tandis que les œuvres ultérieures contiennent des créatures minimalistes ressemblant à des amibes.

Yves Tanguy a créé son propre monde de créatures marines, illustré par son œuvre extraordinaire «Ruban des extrêmes» (1932), avec sa procession de biomorphes sur une surface ressemblant à une plage.

Arshile Gorki émigre en Amérique où, quelques années avant sa mort tragique, il rencontre les émigrés européens Joan Miró et Robert Matta, sous l’influence desquels il crée son style caractéristique «d’organismes vivants flottant dans des couleurs vives».

Les formes naturelles dans l’art

Les formes des sculptures d’Arp, de Miró et de Moore présentent une nette ressemblance avec les formes naturelles telles que les os, les coquillages et les galets. Leurs œuvres ont connu une immense popularité et Moore a écrit en 1937 qu’il croyait "qu’il existe des formes naturelles universelles auxquelles tous sont inconsciemment disposés et auxquelles ils peuvent répondre à moins que leur contrôle conscient ne les rende inopérantes". Cet attrait s’est étendu à d’autres artistes - tels que Alexander Calder (1898-1976), Isamu Noguchi (1904-1988) et les expressionnistes abstraits - ainsi qu’à une génération de créateurs de meubles, en particulier aux États-Unis, en Scandinavie et en Italie.

Bien que la nature elle-même ait été une source d’inspiration essentielle pour Hepworth, Moore et Arp, pour les designers des années 1940 et 1950, les formes arrondies et fluides de leurs sculptures, admirées comme des «dessins dans l’espace», ont été cruciales.

L’utilisation de formes organiques dans le design américain

Parmi les grands créateurs de meubles aux États-Unis, citons Charles Eames (1907-1978) et son épouse Ray Eames (1912-1988), Noguchi et le Finlandais Eero Saarinen (1910-1961). Charles Eames et Saarinen sont devenus célèbres en 1940 lorsque leurs projets communs de meubles de salon ont remporté le premier prix d’un concours «Organic Design in Home Furnishings» au Museum of Modern Art de New York .

En 1946, Eames est devenu le premier designer à avoir une exposition individuelle dans ce musée. L’exemple des artistes et des designers industriels d’avant-garde (notamment dans l’industrie aéronautique et automobile) et les développements technologiques novateurs (par exemple, les nouvelles techniques de pliage et les nouveaux stratifiés de divers matériaux) ont permis aux designers de meubles de créer des designs de plus en plus organiques. Combiné à la perception générale que les formes arrondies sont plus confortables, le mobilier organique a commencé à paraître à la fois avant-gardiste et attrayant.

La chaise et le pouf en palissandre et en cuir de 1955, créés par les Eames comme cadeau d’anniversaire pour le réalisateur Billy Wilder, sont l’un de leurs modèles les plus célèbres. En le décrivant, Charles a dit qu’il voulait qu’il ait "l’aspect chaleureux et réceptif d’un gant de baseball bien utilisé".

Saarinen a également créé des chaises emblématiques dont les noms mêmes suggèrent leurs origines organiques : la Womb chair de 1946 et la Tulip chair de 1956. Les formes biomorphiques sont également présentes dans ses projets architecturaux de l’époque, notamment le bâtiment de la compagnie aérienne TWA à l’aéroport Kennedy de New York (1956-62).

Noguchi, pour sa part, considérait toutes ses œuvres comme des sculptures, qu’il s’agisse de lampes, d’aires de jeux, de décors, de jardins ou d’œuvres d’art public, et toutes avaient tendance à prendre des formes biomorphiques, en particulier dans les années 1940. Sa célèbre table basse de 1947, avec son plateau en verre sur une base en bois légèrement incurvée, reflète l’élégance sculpturale et le raffinement des matériaux qui caractérisent son œuvre en général.

L’utilisation de formes organiques dans le design européen

En Italie, le design aux caractéristiques organiques distinctes a joué un rôle important dans la reconstruction d’après-guerre. Lorsque les lignes géométriques droites du rationalisme ont été entachées par l’association avec le fascisme, les designers se sont tournés vers les courbes. En combinant des aspects du design américain, du surréalisme et des sculptures de Moore et Arp, une esthétique organique distinctive est apparue dans toute l’Italie, du design industriel - voitures, machines à écrire et Vespas - à la décoration d’intérieur et au mobilier.

La Scandinavie a été un autre foyer de l’abstraction organique dans les années 1940 et 1950. Le Finlandais Alvar Aalto et son épouse Aino Marcio Aalto (1894-1949), ainsi que l’architecte et designer danois Arne Jacobsen (1902-1971) ont créé des œuvres internationalement reconnues. Comme pour Saarinen, les sources organiques de Jacobsen sont révélées dans les titres de ses chaises les plus célèbres - Ant (1951), Swan (1957) et Egg (1957).

Bien que la tendance à l’abstraction organique ait été particulièrement marquée dans les années 1940 et 1950, elle a continué à être l’une des nombreuses tendances évidentes dans l’art et le design depuis lors, dans l’œuvre de sculpteurs aussi divers que Linda Benglis (née en 1941), Richard Deacon (né en 1949), Eva Hesse (1936-1970), Anish Kapoor (né en 1954), Ursula von Rydz (née en 1954), et.), Ursula von Rydingsvard (née en 1942) et Bill Woodrow (né en 1948), ainsi que les designers Ron Arad (né en 1951), Werner Panton (1926-1998) et Oscar Tuskets (né en 1941).

Collections

Des peintures et des sculptures aux motifs organiques peuvent être vues dans certains des meilleurs musées d’art du monde, en particulier : Museum of Modern Art (MOMA) et Guggenheim Museum, tous deux à New York ; National Museum of Women in the Arts, Washington DC ; Cornell Museum of Fine Arts, Rollins College, Winter Park, Floride ; Musée national d’art moderne, Centre Pompidou, Paris ; Tate Gallery, Londres ; Tate St Ives ; Bolton Art Gallery, Bolton ; Wakefield Art Gallery and Museum.

Sculptures biomorphiques célèbres

Constantin Brancusi (1876-1957)

• Fils prodigue (1915) Chêne, Philadelphia Museum of Art.
• Femme blonde nègre (1926) Bronze, Musée d’art moderne de San Francisco.

Otto Freundlich (1878-1943)

• Ascension (1929) Bronze, Musée Ludwig, Cologne.

Picasso (1881-1973)

• Tête de femme (1931) Bronze, Musée Picasso, Paris.

Jean Arp (1886-1966)

• Tête avec trois objets irritants (1932) Plâtre, collection particulière.
• Concentration humaine (1934) Marbre, Musée national d’art moderne, Paris.
• Pipa géante (1937) Pierre, Musée national d’art moderne, Paris.
• Déméter (1961) Bronze, Musée d’Israël, Jérusalem.
• Horloge (1924) Bois peint, collection privée.

Juan Miró (1893-1983)

• Oiseau solaire (1968) Marbre de Carrare, Fondation Joan Miró, Barcelone.

Henry Moore (1898-1986)

• Composition (1932) Bronze, Tate Gallery.
• Figure allongée (1936) Elmwood, Wakefield City Art Gallery and Museum.
• Personnage couché (1938) Hornton Greenstone, Tate Gallery.
• Mère couchée drapée et bébé (1948) Yorkshire Sculpture Park, Royaume-Uni.
• Deux formes (1966) Marbre de Sorai, collection Staehein, Zurich.

Barbara Hepworth (1903-1975)

• Mère et enfant (1934) Albâtre/marbre, Tate Gallery.
• Trois formes (1935) Marbre, Tate Gallery, Londres.
• Forme creuse avec intérieur blanc (1963) bois de guarée, Gimpel Fils, Londres.

Karl Hartung (1908-1967)

• Composition VIII (1948) Tilleul, collection privée.

Peintures biomorphiques célèbres

Wassily Kandinsky (1866-1944)

• Composition VII (1913) Galerie Tretiakov, Moscou.
• Avec bordure blanche (1913) Musée Solomon R. Guggenheim, New York.
• Petits plaisirs (1913) Musée Solomon R. Guggenheim, New York.
• Couvert (1917) Galerie Tretyakov, Moscou.
• En gris (1919) Musée national d’art moderne, Centre Pompidou, Paris.

Juan Miró (1893-1983)

• Carnaval d’Arlequin (1924-5) Albright-Knox Art Gallery, Buffalo.
• Intérieur hollandais I (1928) Musée d’art moderne, New York.
• Peinture (1933) Wadsworth Athenaeum, Hartford, Connecticut.
• Femme (1934) Pastel, collection privée (Richard S. Zeisler, New York).
• Nocturne (1935) Cleveland Museum of Art.
• Figures avant la métamorphose (1936) Musée d’art de la Nouvelle-Orléans.

Yves Tanguy (1900-1955)

• Maman, papa est blessé (1927) Musée d’art moderne, New York.
• Bande des extrêmes (1932) Collection privée.

Arshile Gorki (1904-1948)

• La feuille d’artichaut est un hibou (1944) MoMA, New York.
• Engagement II (1947) Whitney Museum of American Art, New York.