Abstraction Biomorphique: Formes Organiques dans la Sculpture, la Peinture Automatique traduire
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Qu’est-ce que l’abstraction biologique / organique?
Dans beaux arts, le terme "Abstraction Biomorphique" décrit l’utilisation de formes abstraites arrondies basées sur celles trouvées dans la nature. Aussi appelé Abstraction Organique, ce type de art abstrait n’était pas une école ni un mouvement, mais un trait frappant du travail de nombreux artistes, tels que Wassily Kandinsky (1866-1944), Constantin Brancusi (1876-1957) et des artistes du mouvement Art Nouveau. Mais il est le plus souvent appliqué aux œuvres des surréalistes Jean Arp (1886-1966), Joan Miro (1893-1983) et Yves Tanguy (1900-1955), ainsi que des sculpteurs britanniques Barbara Hepworth (1903-1975) et Henry Moore. (1898-1986). Trouvé dans les deux peinture abstraite et sculpture abstraite, aussi bien que conception du mobilier, l’idiome était associé à la philosophie de Henri Bergson (1859-1941), qui pensait que les processus évolutifs (nature) et la créativité artistique (art) provenaient de la même source. Le style a prospéré dans les années 1930/40: le terme "sculpture biomorphique" a été utilisé pour la première fois en 1936, par Alfred H Barr. Pour plus d’informations sur ce type d’abstraction organique en Grande-Bretagne, voir aussi: Sculpture britannique moderne 1930-70.
Biomorphes en sculpture
Bien que des formes biomorphiques soient apparues à la fois La peinture et sculpture en 1913, ce n’est qu’après la destruction des visions utopiques du futurisme, du cubisme et du constructivisme, du stalinisme, de la Grande Dépression et du nazisme, que la Nature a supplanté la Science en tant que première inspiration des peintres et des sculpteurs. L’abstraction organique ne visait pas à construire ou à construire rationnellement, mais à imiter les forces germinales de la nature. Originaire des formes fluides de Rodin, les formes organiques curvilignes de Art Nouveau et Jugenstil et les formes ovoïdes de Constantin Brancusi, il a même attiré les constructivistes comme Vladimir Tatlin (1885-1953), qui a fondé son engin volant Letatlin sur un principe de biodynamie biologique (le vol des oiseaux) plutôt que sur un principe mécanique.
Ses principaux exposants Art plastique sont venus de toute l’Europe. En Allemagne, Jean Arp a produit des formes fluides (concrétions) de pur naturalisme, dans lesquelles plantes, animaux et torses sont unis de manière vivante; et Karl Hartung a ouvert sa sculpture abstraite pour embrasser gouges, larmes et saillies audacieuses. En France, Henri Etienne-Martin (1913-1995) a évoqué les origines de l’architecture avec une série d’habitations imaginaires; La sculptrice argentine Alicia Penalba (1918-2009) a modelé des symboles érotiques luxuriants en argile. En Grande-Bretagne, au début des années 1930, Henry Moore formes humanoïdes combinées, cultures africaines et océaniques et abstraction organique dans un style éclectique et varié qui réconcilie la méthodologie moderniste avec Sculpture grecque. Ses nombreuses "figures inclinables" montaient et descendaient comme les contours de ses collines et de ses vallées du Yorkshire, illustrant ainsi sa conviction que le paysage pouvait être reflété à travers la figure humaine. Plus tard dans sa carrière, il a exprimé son biomorphisme sous des formes plus monumentales. Membre du groupe artistique Abstraction-Création, Otto Freundlich, né en Poméranie, et les sculpteurs britanniques Ben Nicholson (1894-1982) et sa femme Barbara Hepworth (1903-1975). Freundlich et Hepworth ont aidé à consolider les impulsions biomorphiques des années 1930: Freundlich avec ses résumés remplis d’énergie comme Ascension ; Hepworth avec son leitmotif du noyau creux.
Biomorphes en peinture
Parmi les principaux peintres ayant utilisé des formes biomorphiques, citons l’artiste russe Wassily Kandinsky, le surréaliste polyvalent espagnol Joan Miro, le surréaliste français Yves Tanguy et l’artiste arménien Arshile Gorky, bien que d’autres peintres – comme Paul Klee (1879-1940) ont été extrêmement influents.
Wassily Kandinsky gravité de l’expressionisme – il était un membre fondateur de Der Blaue Reiter et un pionnier dans l’utilisation émotionnelle de Couleur – à un style d’abstraction dans lequel il cherchait à effacer toute trace du monde réel. Son utilisation de formes organiques était une phase de transition dans ce processus. Joan Miro , comme Tanguy un partisan de Surréalisme, cherche à libérer sa propre créativité subconsciente dans un véritable style surréaliste: ses premières œuvres telles que Le Carnaval de Harlequin (1924-1925) présentent une étrange collection de formes ressemblant à des insectes qui dansent et font de la musique, tandis que les œuvres ultérieures contenaient des créatures minimalistes ressemblant à une amibe. Yves Tanguy a créé son propre monde de créatures marines, comme l’illustre son extraordinaire ouvrage The Ribbon of Extremes (1932), avec son cortège de biomorphes le long d’une surface semblable à une plage. Arshile Gorky émigra en Amérique où, quelques années avant sa mort tragique, il rencontra les émigrés européens Joan Miro et Robert Matta, sous l’influence desquels il créa son style distinctif d "organismes vivants flottant aux couleurs éclatantes".
Formes naturelles dans l’art
Les formes des sculptures d’Arp, Miro et Moore montrent des affinités évidentes avec les formes naturelles, telles que les os, les coquillages et les cailloux. Leur travail acquit une énorme popularité et Moore écrivit en 1937 qu’il croyait qu "il existe des formes naturelles universelles auxquelles tout le monde est conditionné inconsciemment et auxquelles ils peuvent répondre si leur contrôle conscient ne les ferme pas". Cet appel a été étendu à d’autres artistes – tels que Alexander Calder (1898-1976), Isamu Noguchi (1904-1988) et les expressionnistes abstraits – mais aussi à toute une génération de concepteurs de meubles, notamment aux États-Unis, en Scandinavie et en Italie. Alors que la nature elle-même était une source d’inspiration essentielle pour Hepworth, Moore et Arp, ce sont plutôt les formes arrondies et fluides de leurs sculptures, admirées comme des «dessins dans l’espace», qui ont été essentielles pour les concepteurs des années 1940 et 1950.
Utilisation de formes organiques dans les dessins américains
Aux États-Unis, Charles Eames (1907-1978) et son épouse Ray Eames (1912-1988), Noguchi et le finlandais Eero Saarinen (1910-1961) figuraient parmi les designers de meubles les plus en vue aux États-Unis. Charles Eames et Saarinen se sont fait connaître en 1940 lorsque leurs conceptions collaboratives de meubles de salon ont remporté le premier prix du concours Organic Design in Home Furnishings au salon musée d’art moderne à New York. Eames est ensuite devenu le premier designer à avoir jamais présenté une exposition personnelle au musée en 1946. L’exemple des artistes avant-gardistes et des designers industriels (en particulier dans les industries de l’aéronautique et de l’automobile) et les développements technologiques innovants (tels que les nouvelles techniques de cintrage et les nouveaux stratifiés de divers matériaux) ont permis aux concepteurs de meubles de créer des motifs de plus en plus organiques. Ceci, combiné à la perception générale selon laquelle les formes arrondies sont plus confortables, confère aux meubles biologiques une apparence à la fois novatrice et accueillante.
Le fauteuil lounge et le repose-pieds en cuir de rose et cuir de 1955 conçus par Eameses, conçus à l’origine comme cadeau d’anniversaire pour le réalisateur Billy Wilder, sont l’un de leurs designs les plus célèbres. Décrivant cela, Charles a dit qu’il souhaitait avoir "le look chaleureux et réceptif d’un gant de joueur de premier but bien utilisé". Saarinen a également conçu des sièges emblématiques, dont les noms mêmes rappellent leurs sources organiques: son fauteuil Womb de 1946 et son fauteuil Tulip de 1956. Les formes biomorphiques figuraient également dans ses projets architecturaux de l’époque, en particulier le bâtiment de la compagnie aérienne TWA à l’aéroport JFK de New York (1956-1962). Noguchi, pour sa part, considérait l’ensemble de son travail comme de la sculpture, qu’il s’agisse d’une lampe, d’un terrain de jeu, d’un décor de théâtre, d’un jardin ou d’une œuvre d’art publique. Tous avaient tendance à prendre des formes biomorphiques, en particulier dans les années 1940. Sa célèbre table basse avec un plateau en verre reposant sur un socle en bois légèrement incurvé de 1947 reflète l’élégance sculpturale et le raffinement des matériaux caractéristiques de son travail dans son ensemble.
Utilisation de formes organiques dans les dessins européens
En Italie, le design au caractère fortement organique a joué un rôle majeur dans la reconstruction d’après-guerre. Avec les lignes droites géométriques du rationalisme teintées d’association avec le fascisme, les concepteurs se sont tournés vers la courbe. Fusion du design américain, du surréalisme et des sculptures de Moore et Arp, une composition organique esthétique est apparu dans toute l’Italie, du design industriel – voitures, machines à écrire et Vespas – au design d’intérieur et au mobilier. Les meubles en bois courbé et en métal de Carlo Mollino (1905-1973), par exemple, montrent une dette envers ces sources ainsi qu’à un pionnier du design organique, Antoni Gaudi (1852-1926), à qui il rendit hommage avec sa chaire Gaudi de 1949. Achille Castiglioni (1918-2002) fabriqua également des meubles qui faisaient spécifiquement référence à art d’avant-garde – Dada et le surréalisme, et la pratique de l’utilisation de «l’objet trouvé». Son tabouret Sella (selle) de 1957 – fabriqué à partir d’une selle de vélo – et la chaise Mezzadro – à partir d’une selle de tracteur – rappellent avec soin le débat récurrent sur la relation entre art et design, design et technologie.
La Scandinavie était un autre pays d’abstraction organique dans les années 1940 et 1950. Le finlandais Alvar Aalto et son épouse, Aino Marsio Aalto (1894-1949), ainsi que l’architecte et designer danois Arne Jacobsen (1902-71) ont tous réalisé une œuvre de renommée internationale. Comme Saarinen, les sources organiques de Jacobsen sont révélées dans les titres de ses chaises les plus connues – Ant (1951), Swan (1957) et Egg (1957).
Si la tendance à l’abstraction organique était particulièrement visible dans les années 1940 et 1950, elle reste l’une des nombreuses tendances observées dans l’art et le design depuis que, dans le travail de sculpteurs aussi variés que Linda Benglis (née en 1941), Richard Deacon (b.1949), Eva Hesse (1936-1970), Anish Kapoor (b.1954), Ursula von Rydingsward (b.1942) et Bill Woodrow (b.1948), et les concepteurs Ron Arad (b.1951), Verner Panton (1926-98) et Oscar Tusquets (b.1941).
Des collections
La peinture et la sculpture représentant des motifs organiques peuvent être vues dans certaines des régions du monde. meilleurs musées d’art, notamment: le musée d’art moderne (MOMA) et le musée Guggenheim, tous deux situés à New York; le Musée national des femmes dans les arts, Washington DC; Cornell Fine Arts Museum, Rollins College, Winter Park, Floride; le Musée national d’art moderne, Centre Pompidou, Paris; la Tate Gallery London; la Tate St Ives; Bolton Art Gallery, Bolton; et galerie d’art et musée de Wakefield.
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