Art de la contre-réforme catholique Automatique traduire

Le terme «art catholique de la Contre-Réforme» décrit un style doctrinal plus strict de l’art chrétien, qui s’est développé vers 1560-1700 en réponse à la révolte de Martin Luther contre Rome (1517) et à la art protestant de la Réforme qui s’ensuivit. Ce style plus strict d’art catholique biblique, initié par le Concile de Trente (1545-63), visait à souligner les différences théologiques entre le catholicisme et le protestantisme, en mettant l’accent sur les mystères de la foi et le rôle de la Vierge Marie et des saints . L’objectif était de galvaniser les communautés catholiques à travers l’Europe et de minimiser ainsi l’impact de la révolte protestante. Pour donner un élan à sa campagne, l’Église romaine - avec le soutien de l’ordre des Jésuites nouvellement créé et de riches hommes pieux - a commencé à commander de nouvelles structures architecturales, des œuvres d’art de retables (principalement des peintures à l’huile à grande échelle), des fresques ecclésiastiques inspirantes, et de grandes œuvres de sculpture ecclésiastique et de sculpture sur bois .

Les ardents défenseurs de la Contre-Réforme catholique et de son art religieux étaient l’Italie, l’Espagne et ses colonies de Flandre et de Naples, ainsi que l’Allemagne du Sud. Ses principaux représentants sont donc les artistes baroques italiens Caravage, Pietro da Cortona, Bernini, Andrea Pozzo ; l’école de peinture espagnole El Greco, Ribera, Francisco de Zurbarán ; le maître flamand Pierre Paul Rubens.

Histoire : la Réforme, le déclin de la spiritualité de l’art

Aux XVIe et XVIIe siècles, l’art de la Contre-Réforme catholique est marqué par deux facteurs importants. Tout d’abord, la corruption croissante de l’Église catholique romaine, à commencer par le pape. C’est cette corruption (notamment la vente d’indulgences pour financer la reconstruction de la cathédrale Saint-Pierre de Rome), supervisée par le pape Léon X (1513-21), qui a incité Luther à lancer la Révolte protestante.

Ressources pour l’éducation artistique
Qu’est-ce que l’art?
Apprécier l’art
Comment apprécier la peinture
Comment apprécier la sculpture

Le deuxième facteur est d’ordre artistique, bien qu’il reflète lui aussi un déclin spirituel similaire. Au cours du XVe siècle , la peinture du début de la Renaissance, commandée par l’église ou ses fidèles, devient de moins en moins religieuse.

Par exemple, les fresques de la chapelle Tornabuoni (1485-90) de Domenico Ghirlandaio semblent se concentrer davantage sur les détails de la vie urbaine bourgeoise que sur leurs véritables sujets - la Vie de la Vierge et Jean Baptiste . En outre, les priorités séculières commencent à interférer avec la peinture : par exemple, l’influent Andrea Mantegna (1431-1506) est de plus en plus lié à la riche famille Gonzague à Mantoue, et même le pieux Botticelli (1445-1510) peint un certain nombre d’œuvres païennes pour l’influente famille Médicis à Florence : «Primavera» (Printemps) 1482 et «Naissance de Vénus» 1485, par exemple, caractérisées par une grande nudité.

Les activités du fougueux prédicateur dominicain Girolamo Savonarola (1452-1498), qui culminent dans son «Bûcher des vanités» en 1497, sont un témoignage éclatant du manque de piété chrétienne et de la décadence croissante de l’époque.

La situation s’est encore aggravée à l’époque de la peinture de la Haute Renaissance, lorsque l’humanisme (exprimé de manière caractéristique dans les nus masculins et féminins) est devenu une caractéristique importante de l’esthétique de la Renaissance : comme en témoignent la statue de marbre de David par Michel-Ange (1501-4) et Ignudi dans la fresque Genèse (1508-12) sur le plafond de la chapelle Sixtine par le même artiste. Pire, la Haute Renaissance laisse place aux prétentions optiques de la peinture maniériste dans les années 1520-30 : des œuvres comme le retable «La Déposition de Croix» (1526-8) de la chapelle Capponi à Florence par Pontormo (1494-1557) en sont des exemples. Cette approche non conventionnelle de l’art n’était pas du goût des protestants ni des factions les plus conservatrices de Rome. Les «Noces de Cana» (1563) de Véronèse sont une autre œuvre qui a suscité la controverse.

Le concile de Trente

Une campagne de réforme était nécessaire pour restaurer la confiance dans l’autorité de l’Église catholique romaine après deux bouleversements - la Réforme protestante (1517) et le sac de Rome (1527). L’impulsion de la réforme est venue de la Compagnie de Jésus (Jésuites) fondée par Ignace de Loyola (1491-1556) et du XIXe Conseil œcuménique (Concile de Trente) initié par le pape Paul III (1534-1549), qui a tenu 25 sessions entre 1545 et 1563. Les réformateurs croyaient fermement au pouvoir éducatif et inspirateur des beaux-arts et ont élaboré un ensemble de lignes directrices à suivre dans la création de peintures et de sculptures religieuses. Ces directives ont constitué la base de ce que l’on a appelé l’art catholique de la Contre-Réforme.

Caractéristiques de l’art catholique de la Contre-Réforme

Les réformateurs ont avant tout insisté sur la nécessité de distinguer la seule et véritable Église de l’ensemble des Églises protestantes. Les artistes devaient donc se concentrer sur les aspects distinctifs du dogme catholique, notamment : L’Immaculée Conception, l’Annonciation de la Vierge Marie, la Transfiguration du Christ, etc. En outre, toute représentation explicite de la souffrance et de l’agonie du Christ sur la croix était considérée comme particulièrement sublime et servait à illustrer la seule version catholique de la transsubstantiation dans l’Eucharistie. Le rôle de la Vierge Marie, des saints et des sacrements est également un trait distinctif du catholicisme et doit être illustré en conséquence.

Deuxièmement, les Réformateurs ont soutenu que le pictogramme biblique doit être direct et convaincant dans sa narration et doit être présenté de manière claire et précise, sans embellissements inutiles ou imaginaires.

Troisièmement, les réformateurs, en particulier des hommes pieux comme Ignace de Loyola, Thérèse d’Avila, Jean de la Croix, François de Sales et Philippe Néri, ont insisté sur le fait que l’art catholique devait promouvoir la piété, et que les artistes devaient donc peindre et sculpter des scènes d’une intensité spirituelle appropriée.

Quatrièmement, en parlant de la manière dont les peintures et les statues devraient être exécutées, les réformateurs ont insisté sur le fait qu’elles devraient être autant que possible compréhensibles et pertinentes pour les gens du peuple.

Grâce à ces techniques, l’art catholique a dû lutter contre la propagation du protestantisme dans toute l’Europe, en particulier dans des régions telles que la France, le sud de l’Allemagne, les Pays-Bas, la Pologne, la Bohême et la Hongrie. Pour un exemple de peintre maniériste du XVIe siècle qui a modifié son style de peinture pour répondre aux exigences du concile de Trident, voir : Federico Barocci (1526-1612).

Par la suite, des œuvres religieuses majeures comme la fresque «Le Jugement dernier» (1536-61) de Michel-Ange et «La Cène» (rebaptisée «Le Festin dans la maison de Lévi» (1573) de Paolo Véronèse ont été censurées par les autorités catholiques : Le premier pour la nudité, la représentation du Christ sans barbe et la figure païenne de Charon ; le second pour l’inclusion dans le tableau d’Allemands ivres, de nains et d’autres figures inappropriées, ainsi que pour les costumes excessivement extravagants.

Le mouvement baroque

Après le concile du Trident, l’Église catholique, ainsi que de nouveaux ordres religieux tels que les Barnabites, les Capucins, les Carmélites, les Jésuites, les Théatins et les Ursulines, augmentent leur mécénat pour les arts dans toute l’Europe. Cette campagne de contre-réforme a donné naissance à l’école bolonaise anti-maniériste (1590-1630), dirigée par Annibale Carracci avec son frère Agostino Carracci (1557-1602) et son cousin Ludovico Carracci (1555-1619), puis le mouvement international que nous connaissons sous le nom de Baroque, dont le style perdurera jusqu’en 1700 ou plus tard. ou plus tard. Typiquement puissant et dramatique, il a influencé tous les arts, donnant naissance à l’architecture baroque, ainsi qu’à la peinture baroque et à la sculpture : en effet, les projets comprenaient souvent une combinaison de toutes ces disciplines.

L’art catholique en Italie

Les architectes baroques en Italie ont produit de nombreux exemples d’architecture catholique, notamment la basilique et les environs de la cathédrale Saint-Pierre (v. 1506-1667) et l’église du Gesù (1568-84) à Rome ; et les artistes du baroque en Italie ont créé de nombreux exemples d’architecture catholique, notamment la basilique et les environs de la cathédrale Saint-Pierre (v. 1506-1667) et l’église du Gesù (1568-84) à Rome (v. 1568-84). Les artistes de la Contre-Réforme se caractérisent par une approche classique, illustrée par les œuvres de Annibale Carracci (1560-1609) et les retables vénitiens de la fin du XVIe siècle, notamment ceux de Titien (c. 1485 /8-1576 /8-1576) et Tintoret (1518-1594).

L’exemple type de la sculpture baroque de la Contre-Réforme est l’Extase de sainte Thérèse» (1647-52) du Bernin (1598-1680) dans la chapelle Cornaro de Santa Maria della Vittoria, à Rome. Après le Bernin, le plus grand peintre catholique de Rome fut Carlo Maratta (1625-1713).

Cependant, l’art catholique le plus «réel» a été créé par le génie Caravage (1571-1610), dont la peinture de figures religieuses était si naturelle et réaliste, et donc immédiatement compréhensible pour les paroissiens ordinaires, qu’elle a servi de quintessence à la peinture catholique de la Contre-Réforme. (Voir, par exemple, «Dîner à Emmaüs» 1601-2, National Gallery, Londres). En effet, le Caravage utilisait les gens de la rue comme modèles pour ses figures sacrées, d’où un tel réalisme que les conservateurs lui reprochaient de ne pas respecter suffisamment la Vierge Marie.

Voir aussi : Classicisme et naturalisme dans la peinture italienne du XVIIe siècle .

Les maîtres de l’inspiration spirituelle sont les artistes qui ont réalisé les étonnantes fresques illusionnistes, appelées quadratura, sur les murs et les plafonds des églises baroques. Parmi les meilleures peintures en trompe-l’œil, citons : Assomption de la Vierge (cathédrale de Parme) (1526-30) de Corrège voir Corrège. École de peinture de Parme ; Triomphe du nom de Jésus (1584, église du Gesù) par Giovanni Battista Galli ; Allégorie de la divine Providence (1633-9, Palazzo Barberini) par Pietro da Cortona ; et Apothéose de saint Ignace (1691-4, San Ignazio, Rome) par Andrea Pozzo . Comparez ces œuvres inspirantes avec les intérieurs d’églises discrets, voire austères, créés par des artistes protestants tels que Peter Saenredam (1597-1665) et Emanuel de Witte (1615-1692).

L’art catholique en Espagne et à Naples

Si l’Italie est le cerveau de la Contre-Réforme catholique, son cœur est l’Espagne, le pays le plus pieux d’Europe. Sous le roi ultra-pieux Philippe II (1527-98), les peintres et les sculpteurs du baroque espagnol ont produit certaines des illustrations les plus spirituellement intenses de la doctrine catholique. Le plus grand d’entre eux est El Greco (1541-1614), dont les chefs-d’œuvre comprennent «La nudité du Christ» (1577, cathédrale de Tolède) ; «L’enterrement du comte d’Orgaz» (1586, église de San Tomé, Tolède) ; Le Christ chassant les marchands du temple (1600, National Gallery, Londres) ; Ascension de la Vierge Marie (1607-13, Museo S Cruz, Tolède) ; et Adoration des bergers (1613, Prado, Madrid). Parmi les autres artistes baroques espagnols : Velázquez (1599-1660) - ne serait-ce que pour son chef-d’œuvre «Le Christ en croix» (vers 1632, Prado) - Zurbarán (1598-1664) ; Bartolomé Esteban Murillo (1618-1682) et Juan de Valdés Leal (1622-1690).

Dans la colonie espagnole de Naples, l’école catholique napolitaine de peinture (1600-56) est animée par quelques artistes pieux comme Battistello Caracciolo (1578-1635), Husepe Ribera (1591-1652), Guido Reni (1575-1642) et Lanfranco (1582-1647).

Après la peste de 1654-55. Le baroque napolitain est représenté par des maîtres tels que Mattia Preti (1613-1699) et Luca Giordano (1634-1705) ; Tous deux ont étudié le caravagisme à Naples et se sont imprégnés de l’héritage de la peinture vénitienne du Cinquecento, en particulier de l’œuvre de Paolo Veronese (1528-1588).

Parmi les sculpteurs espagnols qui ont contribué à la Contre-Réforme catholique, on peut citer : Juan de Juni (1506-1577) ; Jeronimo Hernández (1540-1586) ; Pablo de Rojas (1549-1611) ; Andrés de Ocampo (1555-1623) ; Juan Martínez Montañez (1568-1649) ; Gregorio Fernández (1576-1636) ; Alonso Cano (1601-1667) ; Pedro Roldán (1624-1699).

L’art catholique en Flandre

Contrairement à leurs rivaux néerlandais au nord, les artistes flamands catholiques des Pays-Bas espagnols (la Flandre était une colonie espagnole) ont continué à peindre des tableaux religieux à grande échelle pour des clients ecclésiastiques. La peinture flamande de la fin du XVIe et du XVIIe siècle est dominée par Rubens (1577-1640) et son principal élève Anthony Van Dyck (1599-1641). Parmi les nombreux chefs-d’œuvre de l’art catholique créés par Rubens, citons «Samson et Dalila» (1610, National Gallery, Londres) ; «L’Abattage des Innocents» (1611, collection particulière) ; «La Descente de Croix» (Rubens) (1612-14), Cathédrale Notre-Dame, Anvers) ; Christ ressuscité (1616, Palazzo Pitti, Galleria Palatina, Florence) ; Christ en croix (1620, Koninklijk Museum voor Schone Kunsten, Anvers) ; et Assomption de la Vierge (1626, National Gallery of Art, Washington).

L’art de la Contre-Réforme s’est répandu dans toute l’Europe catholique et, plus tard, dans les colonies catholiques espagnoles d’Asie et des Amériques. Soutenu par les Jésuites et les Franciscains, il a inspiré des groupes outre-mer tels que l’école de Cuzco, l’école de Quito et l’école d’images catholiques de Chilote.

Les peintures et sculptures catholiques de la Contre-Réforme sont exposées dans certains des plus beaux musées d’art du monde.