Cloisonnisme: Histoire, Caractéristiques Automatique traduire

En peinture française, le terme «cloisonnisme» (du français «partition») désigne le style de l’expressionnisme, associé notamment à Emile Bernard (1868-1941), Louis Anquetin (1861-1932) et Paul Gauguin (1848-1903). Le mot «cloisonnisme», basé sur un motif bidimensionnel composé de grandes taches de couleur vive enfermées dans d’épais contours noirs, semblable à l’émail cloisonné médiéval ou au vitrail, a été introduit pour la première fois en 1888 par le critique d’art Edouard Dujardin.

C’est l’un des mouvements les moins connus de l’art moderne, bien qu’il s’agisse d’un style influent de la peinture post-impressionniste . Le cloisonnisme se caractérise par des zones de couleur pure (dépourvues de la plupart des teintes ou d’effets de modelage tridimensionnels), ce qui lui confère un aspect nettement bidimensionnel.

Ce style a été conçu en réaction à la fascination des impressionnistes pour l’étude et la représentation de la lumière, car en s’éloignant de la direction naturaliste, les artistes pouvaient combiner des idées et des sujets artistiques pour créer une forme plus puissante d’art moderne . Le cloisonnisme est associé à la colonie d’artistes de Pont-Aven en Bretagne, dont les membres étaient des peintres expressionnistes Jacob Meyer de Haan (1852-1895), Charles Laval (1862-1894), Charles Philiger (1863-1928), Armand Séguin (1869-1903) et Paul Sérusier (1863-1927), dont le tableau «Talisman» (1888, musée d’Orsay) a exercé une influence majeure sur l’esthétique du groupe «Nabi».

Le mot «cloisonnisme» est utilisé indifféremment avec le terme «sintisme», bien que les peintres sintistes tels que Gauguin n’aient pas utilisé les épais contours noirs qui sont la marque de fabrique de la peinture cloisonniste. Pour le reste, les deux styles sont remarquablement similaires.

Caractéristiques du cloisonnisme

Le cloisonnisme a été développé par les artistes contemporains Emile Bernard et Louis Anquetin à la fin des années 1880. Dans leurs peintures, les formes sont simplifiées et les aplats de couleurs non naturelles sont séparés par des contours lourds qui rappellent les vitraux gothiques ou l’émail cloisonné, soulignant ainsi leurs qualités décoratives.

Le cloisonnisme ne cherche pas à illustrer la réalité objective, mais à exprimer le monde intérieur de l’émotion. Anquetin et Bernard ont acquis un goût pour les vitraux, ainsi que pour les gravures sur bois japonaises (appelées gravures sur bois Ukiyo-e) - en particulier les œuvres de Hokusai (1760-1849) et Hiroshige (1797-1858) - une autre influence importante au milieu des années 1880, lorsqu’ils étudient dans l’atelier de Fernand Cormon (1845-1924). C’est là qu’ils se lient d’amitié avec Vincent Van Gogh (1853-1890) et Toulouse-Lautrec (1864-1901), des artistes qui, chacun à leur manière, participent aux expérimentations de l’époque. L’artiste d’avant-garde le plus significatif qui partage les idées d’Anquetin et de Bernard est Paul Gauguin.

Emile Bernard, Louis Anquetin, école de Pont-Aven

Gauguin a peut-être vu les œuvres d’Anquetin et de Bernard exposées au Grand Restaurant Bouillon à la fin de l’année 1887. Il a certainement travaillé avec eux à Pont-Aven en Bretagne pendant l’été 1888, et bien qu’il n’ait jamais adopté la pratique du placard consistant à séparer les formes par des contours lourds, son tableau clé de cette période, «Vision après le sermon : lutte de Jacob avec l’ange» (1888, National Gallery, Londres), la juxtaposition dramatique de couleurs saturées montre clairement l’influence des Cloisonnistes.

Les premières peintures de Bernard et Anquetin en 1886 et 1887 étaient des sujets urbains, mais à Pont-Aven, partageant des idées avec Gauguin, ils ont appliqué leur nouvelle technique à des peintures de genre représentant la vie simple des paysans bretons, ainsi qu’à des images classiques et bibliques, créant ainsi des œuvres cloisonnistes à part entière. Ils ont eu une influence décisive sur l’art d’avant-garde des années 1900.

Les artistes ont bientôt un groupe de disciples, souvent appelé l’école de Pont-Aven, et la même année, leur style reçoit sa description officielle lorsque le critique Edouard Dujardin l’utilise pour décrire la contribution d’Anquetin au groupe d’expositions belges Les Vingt .

L’héritage international du cloisonnisme

L’influence internationale du cloisonnisme est évidente dans ces expositions. Comme les artistes de l’ Art nouveau et de l’ Art nouveau, Bernard pensait que la peinture devait être principalement décorative plutôt qu’interprétative et, comme les membres du mouvement Arts and Crafts en Angleterre, il produisait non seulement des peintures mais aussi des gravures sur bois, des dessins pour des vitraux et des tapisseries . Sa conviction que la simplification des formes et des couleurs permettait une plus grande expressivité a été partagée par des artistes travaillant dans leurs propres styles expérimentaux, dont beaucoup sont largement associés au mouvement du Symbolisme . (Voir aussi : Arts décoratifs)

Il est difficile d’imaginer Gauguin formulant le synthétisme sans le précédent du style cloisonniste, ou Nabi, arrivant à son propre type de peinture expressionniste . Le travail théorique de Bernard a également exercé une influence, grâce à laquelle l’idiome cloisonniste est rapidement entré dans le vocabulaire visuel de ceux qui développaient un nouveau rôle théorique et idéologique pour la peinture .

Dans les années 1890, Bernard et Anquetin commencent à évoluer dans des directions différentes. Anquetin commence à peindre dans le style de Toulouse-Lautrec, puis se tourne vers l’étude des maîtres anciens, en particulier le baroque opulent, le style de Pierre Paul Rubens. Après le tournant du siècle, Bernard se tourne vers la peinture italienne de la Haute Renaissance et son influence sur l’avant-garde diminue. À cette époque, cependant, son rôle de mécène du post-impressionnisme était déjà assuré.

Collections

Les peintures cloisonnistes se trouvent dans plusieurs des plus grands musées d’art du monde, tels que l’Ackland Art Museum, Caroline du Nord ; le Musée des Beaux-Arts de Quimper ; le Musée d’Orsay, Paris ; la National Gallery of Art, Washington, DC ; la National Gallery, Londres ; le Norton Museum of Art, Floride ; le Spencer Museum of Art de l’Université du Kansas.