Peinture cubiste ancienne Automatique traduire

Quand le cubisme a-t-il commencé?

Si on le poussait, la plupart des historiens de l’art diraient que le mouvement appelé Cubisme a commencé en 1907 avec la photo de Picasso Les Demoiselles d’Avignon (MOMA, NY). Ces travaux ont marqué le début d’une phase exploratoire au cours de laquelle Picasso et Georges Braque réunis pour établir un certain nombre de principes nouveaux et importants de art moderne.

Dans le processus, ils ont créé une partie de la plus grandes peintures du 20ème siècle.

Cette collaboration ne s’est pas faite du jour au lendemain: ce n’est qu’en 1908 que les deux artistes ont noué une relation de travail intime ("deux alpinistes réunis"), sur la base des idées de Paul Cezanne (1839-1906) – surtout tel qu’il est exprimé dans son chef-d’œuvre Les grandes baigneuses (Les Grandes Baigneuses) (1894-1905) – qui a conduit à l’invention du premier Cubisme Analytique (c.1909-1912) et ensuite Cubisme synthétique (1912-14).

Comment Picasso a-t-il découvert le cubisme?

Au cours de sa première année à Paris environ, Picasso a travaillé d’une manière proche de celle de Toulouse-Lautrec, mais débordant d’agitation, comme s’il était impatient de changer de direction. Cela a été rapidement suivi par sa "période bleue" qui est passée à sa "période de rose". Mais avec l’inquiétude d’un explorateur ou d’un inventeur, Picasso a changé à nouveau à la fin de 1906, ce qui est important pour une première étape vers le cubisme. Il a commencé à discipliner ses figures gracieuses dans de nouvelles formes sculpturales avec l’imposition de régularités géométriques décisives. Évidemment, pour commencer avec Lady with a Fan (1905, collection privée), la nouvelle discipline est encore plus catégorique dans Woman with Loaves (1906, musée d’art de Philadelphie), avec ses solides géométriques solidement bâtis l’un sur l’autre en un tout compact. La forme ovoïde du torse est surmontée du cylindre blanc de la calotte, percé pour révéler les formes sculpturales simplifiées de la tête. Les deux miches de pain reposent sur cette structure, comme des éléments architecturaux surmontant une colonne.

Woman with Loaves a été peint à l’été de 1906 (malgré la date de 1905, ajoutée par erreur sous la signature). Un peu plus tôt cette année-là, Picasso avait commencé un Portrait de Gertrude Stein (1906 au Metropolitan Museum of Art de New York), l’écrivaine américaine installée à Paris quelques années auparavant et déjà devenue un mécène majeur, un prosélytiste et un praticien l’avant-garde intellectuelle internationale. Après quatre-vingts séances, Picasso avait effacé le visage de son portrait. Quelle que soit l’apparence de son visage, il est évident que Cézanne est très présente dans le reste de la photo. Quand Picasso est revenu au tableau après l’intervalle estival au cours duquel il a peint La femme aux pains, la nouvelle force à l’œuvre dans son art produisit le visage semblable à un masque, si différent des formes cézannesques qui l’entourent. Dans son autoportrait (1906, musée d’art de Philadelphie) peint immédiatement après, la qualité du masque a augmenté et sa sévère qualité quasi primitive s’est étendue à la figure également.

Par sa propre déclaration, dans Woman with Loaves, le portrait de Stein et son propre portrait, Picasso est influencé par la sculpture archaïque de l’Espagne préromaine. Mais les deux portraits montrent qu’il avait déjà découvert Sculpture africaine aussi. Quoi qu’il en soit, les ingrédients du cubisme étaient maintenant réunis. Celles-ci étaient: la peinture de Paul Cézanne, avec sa conception du volume et de l’espace en tant que géométrie abstraite à traiter en cas de rejet nécessaire de leurs relations naturelles; art primitif c’est-à-dire la sculpture africaine et archaïque avec sa réduction non théorique mais passionnante de formes naturelles à des équivalents géométriques; et, enfin, le génie intuitif de Picasso et l’esprit déductif de Braque pour fusionner ces composants avec des traits de plusieurs autres dans leur recherche de nouveaux moyens d’expression.

Cette nouvelle expression devait bientôt avoir un nom, le cubisme, et être codifiée en théorie. Mais pour le moment, il se manifesta à moitié, en 1907, dans un grand tableau de Picasso qui, bien que techniquement ambigu, constitue néanmoins le point de départ décisif du cubisme. Une composition à cinq nus féminins, le motif traditionnel des baigneurs, il a ensuite été surnommé les Demoiselles d’Avignon comme une blague et a continué sous ce nom pour des raisons de commodité.

Tout le monde admet que ces cinq «demoiselles» font partie des femmes les plus insignifiantes de l’histoire de l’art, et personne ne prétend que Les Demoiselles d’Avignon (1907, MOMA, New York) soit un succès absolu à tous égards, mais en revanche pas d’élève du 20ème siècle La peinture nie sa position en tant que point de repère. C’est une image discordante, non seulement dans la manière dont elle se brise, se fracture et se disloque avec une violence qui aurait probablement effrayé Cézanne, mais aussi dans le manque d’harmonie entre ses propres parties. A gauche, la figure debout est hiératique dans sa formalité, posée dans une attitude standard de la sculpture égyptienne. Mais au moment où le côté droit de l’image est atteint, cette formalité a cédé la place à une ligne déchiquetée, qui se balance et se brise, et le masque africain fait son effet avec force dans les visages grotesques.

En réalité, l’année 1907 fut exceptionnellement stimulante pour Picasso. Il était au milieu de sa période africaine ou noire (1906-1907), au cours de laquelle il absorbait la esthétique des africains art tribal – un processus qui, comme nous venons de le voir, a culminé dans Les Demoiselles d’Avignon, ainsi que des huiles comme Head (1907, Barnes Foundation), Buste d’une femme (1907, MoMA, NY) et Nude (buste) (1907, Hermitage, Saint-Pétersbourg). Parmi ses autres peintures «africaines» de l’époque, citons: La femme à l’éventail (1907, Hermitage, Saint-Pétersbourg) et La Danse des voiles (Le nu et les draperies) (1907, Hermitage, Saint-Pétersbourg). En 1908, il poursuit le style primitiviste des Demoiselles en exécutant plusieurs œuvres de style ethnique avec des corps angulaires bien modelés. Ils comprennent: une femme assise (1908, Hermitage, Saint-Pétersbourg), une Dryade (1908, Hermitage, Saint-Pétersbourg) et une femme de la ferme (en pied) (1908, Hermitage, Saint-Pétersbourg). L’influence de Cézanne commence seulement à apparaître dans les œuvres de Friendship (1908, Musée Pouchkine à Moscou) et de Trois femmes (1908, Musée Pouchkine).

Comment Braque est-il arrivé au cubisme?

Au début de 1907, Braque était connu comme membre de Le fauvisme, le colorisme à la mode qui a fait son entrée dans le monde de l’art parisien en 1905. Deux événements en 1907 vont toutefois rapidement changer sa vie. Tout d’abord, il a été bouleversé par la grande rétrospective Cézanne, à la Salon d’Automne . Deuxièmement, son revendeur Daniel-Henry Kahnweiler l’a présenté à Apollinaire et Picasso. Braque a rendu visite à ce dernier dans son atelier du complexe du Bateau Lavoir de la rue Ravignan à Montmartre, où il a été profondément impressionné par Les Demoiselles. En effet, il était tellement impressionné qu’il abandonna le fauvisme et passa les six mois suivants à travailler sur une nouvelle image – Large Nude (1908, Musée national d’art moderne, Centre Georges Pompidou) – qui l’obligea à transformer toute sa méthode. de la peinture.

Contrairement à Picasso, cependant, Braque est passé directement de son Grand Nu à une imagerie plus cubiste plus apparente (à la manière de Cézanne), à ​​savoir ses paysages à L’Estaque. Ainsi, à la fin de 1908, sur le plan stylistique, il devançait légèrement son partenaire espagnol.

La période de développement du cubisme, 1907-1909, est souvent appelée sa "phase de Cézanne", à partir de tableaux tels que Braque’s Road, près de L’Estaque (1908, Museum of Modern Art, New York), avec sa combinaison de simplification géométrique et formes à facettes. Mais malgré la géométrie, l’image est, dans l’esprit, tout sauf Cezannesque. Les formes elles-mêmes sont plus audacieuses et plus évidentes que celles de Cézanne, et elles ont une nervosité, une insistance, une poussée, un mouvement dur et angulaire qui exagère le sens de la vie vibrante typique d’un paysage de Cézanne, et lui sacrifie l’ordre classique qui imprègne le monde de Cézanne.

Picasso et Braque: Collaboration (1908-9)

En 1908, profondément intrigués par les paysages de style géométrique de Paul Cézanne, Picasso et Braque entreprirent d’étendre les idées de leur mentor. Tout d’abord, ils ont complété une série de peintures de paysages qui étaient très similaires à ceux de Paul Cezanne. Ainsi, toutes les formes naturelles ont été réduites à des formes géométriques de base et la palette de couleurs était composée principalement de bleus et de verts atténués. (Picasso a toujours maintenu son souci pour ses ocres et siennas plus chauds). Ils ont peint des maisons en forme de cubes à trois dimensions: Braque à L’Estaque; Picasso à Horta del Ebro en Espagne. Ce sont ces peintures que le critique d’art français Louis Vauxcelles décrivait en 1909, lorsqu’il utilisa l’expression «bizarreries cubiques» – qui conduisit à l’adoption du mot cubisme.

Théorie du Cubisme
Le premier traité sur le nouveau style, intitulé Du Cubisme (1912), écrit par Albert Gleizes et Jean Metzinger, a été publié en 1912, pour coïncider avec le Section d’Or exposition d’art cubiste à la Galerie La Boetie à Paris.

Conventions de perspective rejetées

Dans cette phase initiale du prototype de cubisme, Picasso et Braque ont utilisé plusieurs dispositifs techniques pour saper l’illusion d’espace. Pour commencer, ils ont rejeté toutes les conventions normales de perspective linéaire. Au lieu de diminuer la taille de l’arrière-plan, la perspective a été rendue au moyen de couleurs: des marrons chauds rougeâtres ont été utilisés pour le premier plan, des bleus froids pour l’arrière-plan. Les bâtiments apparaissent les uns sur les autres au lieu de rester l’un derrière l’autre. Dans Houses on the Hill (1909, MoMA), Picaso a utilisé une imagerie similaire en forme de cube pour son arrière-plan et son premier plan (maisons). En rendant la terre et le ciel de la même manière, il a introduit une plus grande unité dans l’image mais également une ambiguïté: après tout, il y avait maintenant moins de différence entre le sol et l’air.

Plusieurs sources de lumière

Une autre technique utilisée à la fois par Braque et Picasso dans leur premier art cubiste consistait à utiliser différentes sources de lumière. Alors que les images traditionnelles utilisent une source de lumière cohérente (pour créer l’illusion d’un espace tridimensionnel), dans les toiles cubistes, la lumière semble pénétrer dans la composition sous de nombreux angles différents, ce qui confond le spectateur lorsqu’il est difficile de savoir si les formes sont convexes ou concaves.

Les plus grandes peintures cubistes primitives

En plus des œuvres déjà citées, voici une courte liste de tableaux cubistes anciens, exécutés à la manière de Cézanne, que l’on peut voir dans certaines meilleurs musées d’art autour du monde.

Georges Braque
Viaduc à l’Estaque (1908) Musée national d’art moderne.
Maisons de l’Estaque (1908) Kunstmuseum, Bern.
Route près de l’Estaque (1908), Musée d’art moderne, MoMA, New York.
Grand Nu (1908) Musée National d’Art Moderne.

Pablo Picasso
Maison dans un jardin (1908) Musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg.
Petite maison dans un jardin (1909) Musée des beaux-arts Pouchkine, Moscou.
Maisons sur la colline (1909) Museum of Modern Art, New York.
Fruit dans un vase (1909) Musée de l’Ermitage.
Femme à l’éventail (1909) Musée Pouchkine.
Brick Factory à Tortosa (1909) Musée de l’Ermitage.

Remarque: les peintures cubistes tardives les plus célèbres de Picasso incluent: Guernica (1937, musée d’art Reina Sofia, Madrid) et Femme en pleurs (1937, Tate, Londres).

Pour les œuvres d’autres cubistes, voir Peintres cubistes.