Art début de la Renaissance Automatique traduire

Qu’est-ce que la première Renaissance? &ndash ; Caractéristiques

L’art de la première Renaissance italienne a commencé à émerger à Florence au cours de la première décennie du XVe siècle. S’appuyant sur l’art de la proto-Renaissance, y compris les œuvres d’artistes de la proto-Renaissance tels que Cimabue et Giotto (voir les fresques de la chapelle de Scrovegni, en particulier La trahison du Christ (1305) et Le deuil du Christ (1305) &ndash ; ainsi que la peinture de la pré-Renaissance de Duccio di Buoninsegna) &ndash ; Les artistes florentins et toscans tels que Filippo Brunelleschi, Donatello, Mazaccio et Andrea Mantegna ont initié une série de découvertes et d’améliorations dans tous les arts visuels (architecture, sculpture, peinture) qui ont effectivement révolutionné l’art public et privé en Italie et au-delà. Elle a également influencé l’école de peinture conservatrice siennoise de Sienne. Bien qu’il ait fini par se répandre dans toute l’Italie, le début de la Renaissance était centré sur Florence et patronné par la famille florentine des Médicis. Vers la fin du siècle, le mouvement a atteint son apogée dans la période connue sous le nom de Haute Renaissance (c.1490-1530) : en particulier dans les œuvres de Léonard de Vinci, Raphaël, Michel-Ange et Titien.

Note : le terme «Renaissance» utilisé pour décrire l’essor de l’art et de la culture italiens entre 1400-1530 a été introduit pour la première fois par l’historien français du XIXe siècle Jules Michelet en 1798-1874.

Un retour aux valeurs classiques de l’humanisme

Pour des raisons qui restent obscures, un nouveau désir est né à Florence de se débarrasser des anciennes façons de penser &ndash ; en philosophie, en religion et en art &ndash ; et de repartir sur de nouvelles bases. Le modèle choisi par les artistes et les intellectuels florentins pour cette «nouvelle approche», est le modèle de l’antiquité classique . Pourquoi? Parce qu’ils pensaient que l’art grec et romain représentait la norme absolue de la valeur artistique.

Ce classicisme correspondait également au nouveau climat d’humanisme «» qui émergeait en Italie à cette époque. L’humanisme est un mode de pensée qui accorde plus d’importance à l’homme et moins à Dieu. Si le christianisme reste la seule religion, l’humanisme la redéfinit en lui donnant un visage humain. Par exemple, les figures religieuses telles que les évangélistes, les saints, les apôtres et la sainte famille sont représentées comme des personnes réelles plutôt que comme des figures stéréotypées et idéalisées. La philosophie humaniste a placé l’être humain au centre des choses et, dans les arts visuels, cela s’est traduit par une étude minutieuse du corps humain, un retour au nu et une préoccupation conséquente pour la nature sous toutes ses formes.

Le développement des beaux-arts

L’adoption des valeurs classiques et de la nouvelle philosophie de l’humanisme a conduit directement à un certain nombre de changements dans la création artistique, en particulier dans l’architecture, la peinture et la sculpture.

Architecture

Filippo Brunelleschi (1377-1446) est le concepteur le plus influent de l’architecture de la Renaissance à Florence dans la première moitié du XVe siècle. Ses études de l’architecture romaine (de l’architecte romain Vitruve) et des mathématiques lui ont permis de comprendre les méthodes classiques de proportion et de structure, qu’il a appliquées à des réalisations techniques innovantes, telles que sa conception de la coupole de la cathédrale de Florence (Santa Maria del Fiore), qui était la plus haute de toutes les coupoles d’églises de Toscane. La conception de la coupole de Brunelleschi a été considérée comme l’une des plus belles réalisations techniques depuis l’Empire romain. On lui attribue également la renaissance du système classique de colonnes, qu’il avait appris et maîtrisé à Rome. Comme beaucoup d’artistes du début de la Renaissance, il excellait dans plusieurs disciplines artistiques. Sculpteur accompli, il est également célèbre pour son travail de pionnier en matière de perspective mathématique ou linéaire, qui a influencé de nombreux artistes ultérieurs de l’époque. Voir aussi : Architecture grecque (900-27 av. J.-C.).

Le grand réalisme en peinture

Compte tenu de l’importance de l’humanisme, la peinture du début de la Renaissance cherche à atteindre un plus grand réalisme dans toutes ses œuvres. Contrairement aux images plates et rigides de l’art byzantin, les visages sont désormais plus réalistes, les corps sont dessinés dans des poses plus réalistes et les personnages commencent à exprimer de vraies émotions. Dans le même temps, de grands efforts ont été faits pour créer une profondeur réaliste «» dans les peintures grâce à la perspective scientifique. Si Giotto avait déjà fait des progrès convaincants en matière de perspective, il fallut attendre l’arrivée des architectes Brunelleschi et Leon Battista Alberti (1404-1472) pour qu’elle soit formalisée en tant que technique de création et devienne la préoccupation principale de nombreux artistes.

Le réalisme accru dans les arts visuels a également nécessité une étude minutieuse de la lumière, de l’ombre et de l’anatomie humaine. Bien que des progrès significatifs aient été réalisés dans ces domaines au début et au milieu du XVe siècle, ce n’est qu’à la fin du siècle que la lumière et l’ombre ) sfumato) ont été pleinement maîtrisées par de grands artistes de la Haute Renaissance tels que Léonard de Vinci.

Pour les meilleurs tableaux, voir Les plus grands tableaux de la Renaissance, dessins : Les meilleurs dessins de la Renaissance .

Les sujets des peintures et des fresques ont également changé. Bien que la plupart des œuvres soient des peintures religieuses illustrant des histoires judéo-chrétiennes tirées de la Bible pour illustrer leurs convictions humanistes, les artistes du début de la Renaissance ont également introduit des histoires et des personnages de la mythologie classique, tels que Vénus et Mars. Il convient de noter qu’alors qu’au début du Moyen Âge, tout ce qui se trouvait dans l’art grec et dans la mythologie était considéré comme païen ou associé au paganisme, à la Renaissance, il a été identifié au siècle des Lumières.

Sculpture

Dans leur quête d’un plus grand réalisme, les sculpteurs du début de la Renaissance s’inspirent directement de la sculpture classique romaine et grecque . Mais ils ne sont pas des imitateurs serviles. Ils insufflent à leurs figures autonomes un spectre d’émotions et leur insufflent de l’énergie et de la réflexion. Le symbolisme est souvent ajouté pour donner un sens supplémentaire, conformément à l’idée nouvelle que les sculpteurs (comme les peintres) sont les nouveaux intellectuels créateurs. Le plus grand sculpteur de cette période est Donatello (1386-1466) qui, avec l’architecte Filippo Brunelleschi et le peintre Tommaso Masaccio, a créé les trois figures dominantes de la Renaissance florentine.

Baptistère de Florence

Le début de la Renaissance commence probablement à Florence en 1401. Cette année-là, un concours est organisé pour déterminer qui sera chargé de créer une paire de portes en bronze pour le baptistère Saint-Jean, l’une des plus anciennes églises de la ville. Sept sculpteurs ont été choisis et chacun d’entre eux devait concevoir un panneau de bronze représentant l’histoire du sacrifice d’Isaac. Seules deux œuvres subsistent dans les archives , celles de Lorenzo Ghiberti (1378-1455) et de Brunelleschi. Dans chacune d’elles, les éléments clés du nouveau style de la Renaissance sont déjà bien présents. L’œuvre de Ghiberti, qui présente un Isaac musclé empruntant aux originaux classiques, remporte le concours et est récompensée par une commande de portes qu’il met 27 ans à réaliser. Une deuxième commande similaire suivit, retardant encore Ghiberti de 25 ans. Cependant, ses portes sont devenues un symbole visible de l’art florentin, ce qui a valu à Michel-Ange de les appeler les portes du ciel.

Chapelle Brancacci

En 1425 , Tommaso Mazzaccio commence à peindre une série de fresques représentant la vie de saint Pierre dans la chapelle de la famille Brancacci dans l’église Santa Maria del Carmine à Florence. Le grand style monumental de Mazaccio &ndash ; dramatique mais dépourvu de toute ornementation &ndash ; dépeint des personnages très réels qui respirent la dignité et l’assurance. Ses figures représentant l’expulsion d’Adam et Ève de l’Éden sont réputées pour leur représentation réaliste des corps et des émotions mentales. En 1428, il quitte la chapelle avant que la série ne soit achevée (elle le sera plus tard par Filippino Lippi.) et meurt subitement à Rome trois mois plus tard, à l’âge de 27 ans. Bien qu’il n’ait laissé qu’un petit nombre d’œuvres, celles-ci ont été considérées comme des jalons dans l’histoire de l’art et ont inspiré de nombreux artistes tout au long du Quatrocento . Par la suite , les fresques de la chapelle Brancacci sont devenues une sorte de galerie et d’école de formation pour les artistes, dont Michelangelo Buonarroti, dont les fresques de la chapelle Sixtine ont été fortement influencées par l’œuvre de Masaccio.

La perspective

Outre un réalisme audacieux, Mazaccio est aussi le premier artiste à comprendre et à utiliser la perspective scientifique. Dans sa fresque Sainte-Trinité peinte vers 1428 dans l’église Santa Maria Novella de Florence, Mazaccio reprend certaines des idées de Brunelleschi sur la perspective linéaire et crée une illusion convaincante de chapelle &ndash ; le premier exemple majeur de perspective linéaire de la Renaissance.

La perspective est reprise par de nombreux contemporains de Mazaccio, dont Paolo Uccello (1397-1475), dont les œuvres, telles que La bataille de San Romano (1438-40) et Chasse dans la forêt (1465-70), alors dominées par les techniques de profondeur artificielle, conservent un joyeux enthousiasme décoratif. En ce sens, Uccello combine la décoration gothique internationale avec l’idiome plus scientifique de la Renaissance.

Piero della Francesca (1420-1492) est un autre artiste du début de la Renaissance qui a constamment expérimenté la perspective. Il avait un intérêt passionné pour les mathématiques, qu’il utilisait pour construire des espaces géométriques précis et strictement proportionnels. Sa technique est particulièrement visible dans la «flagellation du Christ» (années 1450), dans laquelle il combine la détrempe et la peinture à l’huile, devenant ainsi l’un des premiers à utiliser le nouveau médium qu’est l’huile. Son contemporain Andrea del Castagno (vers 1420-1457) a également développé l’idiome de Mazaccio, à la fois dans sa perspective picturale et dans sa qualité sculpturale. Un autre peintre à l’huile précoce est le portraitiste sicilien Antonello da Messina (1430-1479), qui aurait appris la méthode de peinture à l’huile utilisée par Jan Van Eyck et l’aurait ensuite introduite dans la Renaissance vénitienne.

Parmi les autres artistes importants du début de la Renaissance, citons Gentile da Fabriano (ca. 1370-1427), un peintre gothique international influent, connu pour son chef-d’œuvre «L’Adoration des Mages» ; l’innovateur Giovanni di Paolo (1400-1482) ; l’énigmatique Domenico Veneziano (1410-1461), connu pour son retable Sainte Lucie ; Fra Angelico (vers 1400-55), peintre religieux, surtout connu pour ses peintures sur bois ; Fra Angelico (vers 1400-55), connu pour ses peintures sur bois. 1400-55) peintre religieux, surtout connu pour ses fresques au monastère de San Marco &ndash ; voir, Annonciation (1450), Fra Filippo Lippi (c. 1406-1469) autre peintre moine, surtout connu pour ses fresques dans les cathédrales de Prato et de Spoleto ; et Domenico Ghirlandaio (1449-1494), le peintre de fresques le plus populaire à Florence dans les années 1480 et également un portraitiste exceptionnel &ndash ; voir, par exemple son remarquable travail humaniste «Vieil homme avec garçon» (1490, Louvre, Paris).

Note. L’historien de l’art Bernard Berenson (1865-1959), qui a vécu la majeure partie de sa vie près de Florence et a publié un certain nombre d’ouvrages très influents sur la Renaissance italienne du XVe siècle, a réalisé une grande partie du travail de pionnier sur l’attribution des peintures de la Renaissance. Dans le monde germanophone, le plus grand connaisseur de l’art de la première Renaissance italienne est Jakob Burckhardt (1818-1897).

La deuxième génération d’artistes de la Renaissance

Le réalisme, la perspective linéaire et les nouvelles formes de composition ont été développés et affinés par la génération suivante de maîtres anciens de la Renaissance, dont Antonio del Pollaiuolo (1432-1498), Andrea Mantegna (1431-1506), originaire de Padoue, le quadraturiste Melozzo da Forli (1438-1494) et le Florentin Alessandro Botticelli (1445-1510).

Antonio del Pollaiuolo étudie l’anatomie humaine complexe : voir, par exemple, son œuvre maîtresse «Martyre de saint Sébastien» (1475). Andrea Mantegna (enseigné par Francesco Squarcione), qui travailla à Vérone, Rome et Mantoue, consacra une grande partie de son temps à la famille régnante des Gonzague à Mantoue. Ses fresques de la Camera degli Sposi exécutées entre 1465 et 1474 dans le Palais Ducal (Palazzo Ducale in Mantua) sont considérées comme l’une de ses plus grandes œuvres. La peinture du plafond de la Camera Picta par le Maître des Fresques Illusionnistes est une étape importante dans la technique Trompley dite de l’équarrissage. . Autre exemple &ndash ; la figure dramatiquement raccourcie de Jésus mort dans son chef-d’œuvre «La lamentation du Christ mort» (1470-80).

Le troisième artiste majeur de la deuxième génération est le morbide Alessandro Botticelli, dont le style s’éloigne du réalisme en vogue. Il est plutôt de nature rêveuse, sentimentale et presque décorative. Dans ses peintures de la Madone et de son équivalent mythologique Vénus, il a créé un idéal féminin reconnaissable entre tous : svelte, aux cheveux clairs, modeste et un peu triste. Rejetant la perspective scientifique, les tableaux de Botticelli se caractérisent par une irréalité et une distorsion oniriques. Ses personnages sont à la fois reconnaissables à leur dignité et à leur détachement. Deux de ses tableaux les plus connus &ndash ; «Naissance de Vénus» (vers 1485) et «Primavera» («Printemps», vers 1477-82). Ses dernières œuvres ont été influencées par la prédication fondamentaliste de Savonarole (1452-1498).

Parmi les autres figures tardives de la première Renaissance, citons le peintre pérugien connu sous le nom de Pérugin (1450-1523), célèbre pour sa fresque «Le Christ transmettant les clés à saint Pierre» (1482) dans la chapelle Sixtine, qui a exercé une influence déterminante sur le jeune Raphaël et Piero di Cosimo (1462-1522), dont le réalisme fantastique a été influencé par les artistes flamands.

A Venise, les figures de proue de la première Renaissance sont Jacopo Bellini (1400-1470) connu surtout pour ses albums et ses fils Gentile Bellini (1429-1507) et Giovanni Bellini (1430-1516). C’est Giovanni &ndash ; l’un des premiers grands pionniers de la peinture à l’huile à Venise &ndash ; qui devint le père de la peinture vénitienne et le maître de Giorgione et du Titien, les maîtres suprêmes de l’art du XVIe siècle de cette glorieuse cité. Voir, par exemple, la merveilleuse «Extase de saint François» (1480, Frick Collection, New York) de Bellini ; sa puissante étude du doge Leonardo Loredan (1502, National Gallery, Londres) et le retable richement coloré de San Zaccaria (1505, église de San Zaccaria, Venise).

Sculpture de la première Renaissance italienne

Les deux plus grands sculpteurs de la sculpture de la première Renaissance italienne sont des Florentins, Donato di Niccolò di Betto Bardi, plus connu sous le nom de Donatello (1386-1466) et Andrea del Verrocchio (1435-1488).

Donatello, pionnier incontesté de la sculpture italienne moderne, est (avec Brunelleschi et Mazaccio) une figure clé des arts visuels quattrocento (début de la Renaissance, XVe siècle). Il a réinventé la sculpture - de la même manière que Mazzaccio, Piero della Francesca et Mantegna ont révolutionné la peinture - et s’est ainsi fait connaître dans toute l’Italie. Il savait donner vie à une statue, en lui conférant un réalisme et une émotion profonds. Son chef-d’œuvre, une sculpture en bronze de cinq pieds de David (années 1440), créée pour la famille Médicis et érigée dans le Palais Médicis à Florence, est la première figure nue grandeur nature depuis l’Antiquité. Vêtu uniquement d’un chapeau et de bottes, le petit berger biblique, mince et presque féminin, ne semble guère capable de la violence nécessaire pour tuer Goliath, mais il conserve un mystère hypnotique pour le spectateur. Le nouveau style de la Renaissance est évident à la fois dans la nudité classique et dans l’utilisation de la contraposte classique (rotation des hanches), ainsi que dans l’audace de l’interprétation. Pour plus de détails, voir «David» Donatello (années 1440, musée du Bargello, Florence).

Les meilleures œuvres d’Andrea del Verrocchio sont aussi bonnes que les statues de Donatello qui les ont inspirées. Son David (vers 1475) est plus raffiné mais moins réfléchi que la statue de Donatello, tandis que sa statue équestre du condottiere Bartolomeo Colleoni (années 1480.) est moins héroïque mais transmet un plus grand sens du mouvement et de l’allure que la statue de Gattamelata Erasmo da Narni (1444-53) de Donatello à Padoue. Verrocchio n’était pas seulement un sculpteur mais aussi un artiste accompli, dirigeant l’un des plus grands ateliers de Florence, avec de nombreux apprentis, dont un jeune artiste nommé Leonardo da Vinci.

Leon Battista Alberti

À bien des égards, les talents de la première Renaissance italienne sont incarnés par le personnage de Leon Battista Alberti (1404-1472), l’un des principaux intellectuels de l’époque. Résidant à Rome pendant la plus grande partie de sa carrière, où il occupe un poste au secrétariat pontifical, il est un philosophe humaniste, un latiniste et un éminent théoricien de l’art de la Renaissance. Son premier traité de peinture Della Pitura («Traité de peinture», 1435), dans lequel il explique le concept de dessin, est suivi d’un deuxième traité, sur l’architecture - De re aedificatoria («Dix livres sur l’architecture», années 1440) et d’un troisième sur la sculpture intitulé De Statua. («Statue», années 1460). Ces ouvrages rassemblent toutes les innovations de ses contemporains de la Renaissance et leur publication contribue à la diffusion des nouvelles idées dans toute l’Europe. Théoricien pratiquant, Alberti était également peintre, sculpteur et architecte inventif. Parmi ses projets influents, citons les façades de Santa Maria Novella et du Palazzo Rucellai à Florence. Alberti a également conçu plusieurs églises à Mantoue, dont San Andrea et San Sebastiano.

Bien que ses contributions directes à la peinture et à la sculpture aient été relativement modestes, l’importance d’Alberti en tant que penseur et diffuseur d’idées n’a pas été moindre à la Renaissance que celle d’autres artistes plus célèbres.

Note : Les œuvres reflétant le style de la peinture et de la sculpture de la première Renaissance sont visibles dans tous les meilleurs musées d’art du monde. Pour plus de détails sur les musées européens contenant de grandes collections de peintures du Quattrocento, voir : Musées d’art en Europe .

Pour plus de détails sur le développement du mouvement dans les différentes villes d’Italie, voir :
- :
- L’art de la Renaissance à Florence (par exemple, Mazaccio, Brunelleschi, Léonard de Vinci) ;
- L’art de la Renaissance à Rome (par exemple, Raphaël et Michelangelo Buonarroti) ;
- L’art de la Renaissance à Venise (par exemple, Mantegna, Bellini, Titien, Tintoret).

Voir aussi : Artistes espagnols de la Renaissance .

De nombreux artistes de cette époque sont décrits dans «Vies des artistes», un livre publié en 1550 par l’historien de l’art Giorgio Vasari .

Peintures, pigments, couleurs, nuances de l’époque - voir : Palette de couleurs de la Renaissance .

Un bref aperçu de la tradition de la représentation du nu : Les nus féminins dans l’histoire de l’art (top 20) et Les nus masculins dans l’histoire de l’art (top 10).

Sur l’évolution des arts visuels : Chronologie de l’histoire de l’art.

Listes des meilleurs peintres et sculpteurs : Les plus grands peintres de tous les temps .
Une liste des 300 meilleures peintures à l’huile et aquarelles se trouve à Les plus grandes peintures de tous les temps .
Une liste des 100 meilleures sculptures se trouve à Les plus grandes sculptures de tous les temps .

La Renaissance en Europe du Nord : informations générales sur la peinture flamande et néerlandaise : L’art de la Renaissance néerlandaise . Sur la peinture et la sculpture en Allemagne (1430-1580) : L’art de la Renaissance allemande .