L’impressionnisme: objectifs, plus grands impressionnistes, impact sur l’art occidental Automatique traduire

introduction

L’impressionnisme est sans doute le plus célèbre Peinture française mouvement jamais. Le nom actuel "Impressionnisme" a été inventé par le critique d’art français Louis Leroy , après avoir visité la première exposition d’Impressist La peinture en 1874 où il voyait Impression: Soleil Levant (1872) de Claude Monet. Ironiquement, Monet n’a choisi le titre qu’à l’achèvement du catalogue de l’exposition et a presque nommé l’œuvre Vue du port du Havre ! Au total, entre 1874 et 1882, les impressionnistes organisèrent sept expositions, toutes à Paris.

Apparaissant pour la première fois à Paris à la fin des années 1860 et au début des années 1870, l’impressionnisme n’était pas reconnu au départ comme quelque chose de spécial. Beaucoup de membres du groupe étaient en désaccord avec le fonctionnaire Salon , l’organe organisateur de la Académie Française des Beaux-Arts , dont le jury de sélection a opéré avec une sévérité imprévisible. Ainsi, bien que d’autres peintres aient été impressionnés par certaines de ses premières œuvres, l’impressionnisme n’a pas été reconnu comme un style de peinture important, ni par critiques d’art , collectionneurs ou le public. En conséquence, la plupart Peintres impressionnistes souffraient de graves difficultés financières et tous devaient se battre pour attirer l’attention et recevoir des commandes de la part des clients et des critiques. Malgré des amitiés avec des personnalités du monde des arts créatifs (comme l’écrivain Emile Zola et le poète Baudelaire), le soutien et la réassurance mutuels au sein du groupe ont été déterminants pour sa survie.

Caractéristiques principales de l’impressionnisme

L’impressionnisme pur, tel que préconisé par Monet, était en plein air peinture en plein air , caractérisé par des coups de pinceau rapides, spontanés et lâches : ses exemples les plus remarquables sont sa série de peintures de la cathédrale de Rouen, du pont de Waterloo, de la gare Saint-Lazare, de meules de foin et de nénuphars. Son principe directeur était la représentation réaliste de la lumière; Les artistes impressionnistes cherchaient à capturer des moments fugaces , et si, pendant ces moments, un objet paraissait orange – en raison de la chute de la lumière ou de son reflet – l’artiste peignait alors l’objet en orange. Ou si le soleil rendait la surface d’un étang rose, alors ce serait rose. Les schémas de couleurs naturalistes, conçus en théorie ou au moins en studio, ne le permettaient pas. Des coups de pinceau lâches, associés à un usage non-naturaliste de la couleur, donnaient au mouvement un avantage révolutionnaire et ouvraient la voie à des mouvements tels que l’expressionnisme et le fauvisme.

Les principales priorités des impressionnistes comprenaient: (1) la description immédiate et optiquement précise d’une scène momentanée; (2) l’exécution de l’ensemble du travail à l’air libre (plus de croquis préparatoires et une finition soignée dans l’atelier); (3) l’utilisation de couleurs pures sur la toile plutôt que d’être d’abord mélangée sur la palette; (4) l’utilisation de petits traits et de touches de peinture de couleurs vives; et (5) l’utilisation de la lumière et de la couleur pour unifier une image, au lieu de la méthode traditionnelle consistant à construire progressivement une peinture par contour et à modeler à l’aide de la lumière et de l’ombre. Pour plus, voir: Caractéristiques de la peinture impressionniste (1870-1910).

Les racines de l’impressionnisme reposent sur naturalisme de Camille Corot (1796-1875) et les méthodes de peinture en plein air du début du 19ème siècle École de Barbizon dirigé par Theodore Rousseau (1812-1867). Les impressionnistes se sont spécialisés dans les paysages et les scènes de genre (par exemple, les images de danseuses de ballet de Degas et les personnages nus de Renoir). Le portrait est un autre genre de prédilection des peintres impressionnistes – c’est quand même l’une de leurs rares sources de revenus habituelles – et des natures mortes sont également peintes.

Notez également l’influence du japonisme (notamment les impressions Ukiyo-e) sur le développement de l’impressionnisme et de ses représentants tels que Monet, Degas, Mary Cassatt et d’autres.

Ce que l’impressionnisme a cherché à atteindre

En 1863, la sentinelle qui permettait aux messages visuels transmis par l’œil de pénétrer dans le cerveau seulement après une censure rigoureuse, avait admis la plupart des aspects de la vérité visuelle, mais il y en avait deux qui n’avaient pas encore officiellement adopté le censeur. Ils étaient (1) la couleur et la vibration de la lumière et (2) la densité de l’air. Personne n’avait jamais peint la couleur véritable du soleil et de l’ombre, et pratiquement personne n’avait pensé qu’il valait la peine de suggérer que la densité de l’air n’est pas toujours constante, qu’un tableau pourrait être peint, par exemple, d’un paysage vu à travers une brouillard ou brouillard.

Mais ces deux découvertes visuelles étaient, fondamentalement, les sous-titres d’une découverte plus vaste. Ce que les impressionnistes ont fait, presque sans le savoir, a été de réaliser le phénomène de transitoire . L’artiste qui porte sa toile à l’air libre et tente d’enregistrer chaque nuance de ce que son œil voit est dans un état d’esprit très différent de celui de l’artiste qui construit son tableau dans son atelier à partir d’une série de croquis ou d’études préparatoires. Son œil n’est peut-être pas plus attentif, mais il prend conscience d’un ensemble différent de données visuelles. Il devient de moins en moins concerné par la nature de l’objet – figure ou paysage – il se trouve qu’il est en train de peindre et de plus en plus conscient de l’apparence de l’objet à un moment donné.

Pour Monet, au travail sur une image de la cathédrale de Rouen, ses yeux ne sont pas une structure gothique, mais une enveloppe d’air d’une certaine densité qui permet de voir la cathédrale et de modifier son apparence à chaque changement de lumière. Pour lui, donc, son sujet même changeait de nature à chaque heure du jour. Puisque chaque peinture impressionniste met l’accent sur le moment, il était donc naturel que les impressionnistes recherchent délibérément des effets momentanés. Dans un tableau de Monet représentant l’entrée de la gare Saint-Lazare, les éléments les plus saisissants ne sont pas le pont de fer et le bâtiment derrière, mais la vapeur qui dérive sous le pont et la locomotive, délibérément placée à l’extrême gauche afin de donner l’impression qu’il est en train de sortir de la photo.

Ces moments choisis dans le temps sont la note dominante de ces paysages de Monet, Pissaro et Sisley, dans lesquels on se rend toujours compte du moment de la journée, de la saison de l’année, de l’intensité précise de la lumière du soleil ou de la densité de l’atmosphère, de la composition de figures de Degas et de l’œuvre ultérieure de Monet, dans laquelle le véritable «sujet» du tableau est le tour soudain de la tête d’une serveuse dans un café, le geste momentané d’une danseuse ou d’une femme repassant ou essayant un chapeau dans une boutique de modiste. Claude Monet et Camille Pissarro ont abordé ces problèmes au détriment d’un grand nombre des qualités jugées essentielles par les artistes précédents.

Le mouvement Impressionnisme fournit le cas le plus clair de l’histoire de l’art d’une nouvelle découverte visuelle, faite dans un esprit de recherche pure, qui a produit à la longue une nouvelle sorte de beauté. Dans sa forme la plus pure, il ne peignait que ce que l’œil voyait. "Monet n’est qu’un oeil. Mais quel oeil!" dit Cézanne, capturant par inadvertance les vertus et les faiblesses de toute l’école.

Les sept plus grands peintres impressionnistes

Claude Monet (1840-1926) est devenu le centre d’attention dans le mouvement. Aidé par la scène côtière et balnéaire impressionniste Eugène Boudin (1824-1898), il exécuta le programme des impressionnistes avec conscience. C’était sa tentative suprême d’objectivité complète. Si, au cours d’un quart d’heure, la nature était décolorée (et qu’elle se rendait souvent coupable de manquements surprenants), Monet la suivrait aveuglément dans un fouillis de mauvais goût chromatique. Son propre sens de l’harmonie des couleurs était parfois déplorable. Mais il avait une connaissance approfondie de la peinture en plein air et avait introduit des idées très avancées sur la peinture de paysage dans le cercle des impressionnistes. Camille Pissarro (1830-1903), un grand professeur, fut le graveur le plus prolifique du groupe et le seul à avoir participé à toutes les expositions impressionnistes. Anarchiste de longue date, il ne gagnait presque pas d’argent et son attachement émotionnel à certaines couleurs et scènes signifiait qu’il n’avait pas la même attitude impitoyablement objective envers la peinture que Monet. En comparaison, le solitaire Alfred Sisley (1839-1899) – l’artiste paysagiste le plus dévoué après Monet – menait une vie de classe moyenne et ne devint dépendant de son art qu’au moyen âge. Il était aussi bon observateur que Monet, mais sa portée était plus étroite: il se contentait d’enregistrer les conditions de lumière plus «normales» et, par conséquent, ses paysages évitaient l’apparence de «cascades» souvent données par Monet. Ces trois peintres – Monet, Pissarro et Sisley – ont formé les troupes de choc de Peinture de paysage impressionniste .

Manet et Degas étaient associés au mouvement, mais ils se spécialisaient moins furieusement pour dire la vérité sur les impressionnistes et rien de plus. Ils étaient de meilleurs artistes, ne serait-ce que parce que leurs intérêts allaient au-delà du simple "regard".

Manet (1832-83) fut vénéré par les autres peintres impressionnistes. Il était apparenté à l’empereur français et, à l’âge de vingt-neuf ans, il était déjà reconnu comme la figure emblématique de la nouvelle peinture réaliste, avant l’impressionnisme. Reconnu pour son approche moderne de la peinture à l’huile et ses réinterprétations révolutionnaires de thèmes néoclassiques, il souhaitait avant tout être accepté de nouveau par le Salon. Manet était objectif comme n’importe quel peintre. Avant lui, Velazquez était peut-être le peintre qui gênait le moins son propre tempérament. C’est en hommage à Velazquez et non à Titian qu’il a peint son célèbre Olympia . Il était plus conscient de l’impact de la lumière que Velazquez mais, sauf dans ses derniers esquisses en plein air réalisées sous l’influence des paysagistes impressionnistes, il n’adopta pas la technique «divisionniste» selon laquelle Monet s’efforçait de rendre la vibration de la lumière..

Dégazer (1834-1917) n’était pas particulièrement intéressé par l’impact de la lumière, mais il était fasciné par une chose tout aussi passagère – les gestes non prémédités de la vie quotidienne. Son œil se posa avec la rapidité d’un faucon sur de tels gestes, et il leur donna un air de naturel supplémentaire en relevant au moins un indice de la caméra. L’appareil photo ne peut pas composer une image. Il prend simplement une partie de ce qui est devant et le coupe comme une part de gâteau. Il n’a aucun scrupule à trancher, disons, à travers une figure; il n’a aucun sens de l’équilibre, de la symétrie. À partir de ce traitement au hasard, Degas a mis au point un nouveau système de composition. Il donne l’impression d’un instantané, désinvolte et fortuit, mais sa conception n’a rien de décontracté. La balance est aussi prudente que dans toute composition de Poussin et beaucoup plus audacieuse. Il a fait un art subtil d’apparence décontractée. Ses personnages ont l’air d’être pris au dépourvu, mais ils n’ont jamais l’aspect que donne systématiquement la caméra: après avoir été figé au beau milieu d’un geste, le meilleur disciple de Degas était l’anglais Walter Sickert, qui, sans avoir le pounce de Degas en forme de faucon, a vu la vie à peu près de la même manière – en prenant au dépourvu les petits accidents fascinants qui composent sa somme. Degas les a enregistrées avec une certaine désillusion; Sickert le fit avec une sorte de rire pictural. Degas avait deux ans de moins que Manet et appartenait au même groupe social. Les deux peintres, tous deux de purs citadins, sont devenus amis et ont fréquenté les mêmes cercles de la société parisienne. Degas était sans doute le plus complexe de tous les fondateurs de l’art impressionniste: au début, il détestait la peinture en plein air et préférait travailler dans son atelier, où il faisait preuve d’une polyvalence incroyable en dessin, aquarelles, pastels et sculpture.

Un autre artiste issu d’une riche famille était Paul Cezanne (1839-1906), fils d’un banquier aixois. En raison de sa timidité et de son style rustique et méridional, il avait des problèmes dans les meilleurs cercles parisiens. Quand il a eu une grande exposition à Paris en 1895, il n’avait pas exposé de tableau dans la ville depuis 20 ans. Auguste Renoir (1841-1919), issu d’une famille très pauvre, a dû littéralement mourir de faim pour réussir en tant qu’artiste. Il est aidé par Narcisse Diaz, l’un des fondateurs de l’école de Barbizon, et collabore étroitement avec Monet sur les paysages avant de se lancer dans des travaux en studio consacrés au portrait et à la peinture figurative. Malgré les premières similitudes, l’art de Renoir était différent de celui de Monet. Il ne s’agissait pas vraiment de moments fugaces ou de représentations transitoires de la lumière. Le soleil de Renoir est éternel, même ses nus féminins sont éternels. Ce sont des femmes vues comme un enfant pourrait voir sa mère: douce, radieuse et éternelle. Dans cette mesure, on pourrait dire que Renoir fait partie du courant principal de l’art plutôt que de l’impressionnisme révolutionnaire.

Les plus importantes femmes peintres impressionnistes étaient Berthe Morisot (1841-1895) et l’américain Mary Cassatt (1845-1926).

Le cercle impressionniste: quelques détails personnels

Manet et Degas – Sécurité sociale et financière

Edouard Manet était l’artiste que les autres peintres impressionnistes considéraient comme leur chef, avec une étrange unanimité qui nous semble aujourd’hui inhabituelle. Nous ne connaissons que son travail, alors que la connaissance de la personnalité de l’artiste n’a été transmise que par les témoignages de contemporains. Edouard Manet est né à Paris en 1832 et, avec Pissarro, était le plus âgé du groupe. Sa mère était liée à l’empereur et Manet ne perdit jamais le contact avec les dirigeants. En raison de son statut social et de son grand talent, il aurait certainement été admis à l’ Ecole des Beaux Arts , mais au lieu de cela, il choisit de fréquenter l’atelier de Thomas Couture. Couture était un excellent professeur et, en raison de sa réputation, ses élèves ont pu montrer des peintures dans le salon assez tôt dans leur carrière. La première soumission de Manet était très appréciée et, à l’âge de vingt-neuf ans, il était déjà accepté comme la figure emblématique du nouveau le réalisme . L’image du pauvre artiste ne s’applique certainement pas à lui. Edgar Degas, qui avait deux ans de moins que Manet, était issu du même milieu social. L’attention de Manet fut attirée sur lui alors qu’il copiait des peintures au Louvre. Les deux peintres sont devenus amis et ont fréquenté les mêmes milieux dans la société parisienne. Manet avait déjà des contacts avec d’autres artistes ouverts d’esprit, à partir desquels le groupe des impressionnistes allait prendre forme. Il a amené Degas dans ce cercle.

Cezanne – le provincial peu sophistiqué

Paul Cézanne, fils d’un banquier d’Aix-en-Provence, est un autre artiste issu d’une famille aisée. Certes, il a eu de graves problèmes financiers pendant de nombreuses années parce qu’il craignait d’admettre son amour pour l’art et les conditions de vie quelque peu illégales à son père, plutôt tyrannique. C’est pour cette raison qu’il n’apprécie la fortune de son père que dans la seconde moitié de sa vie, à une époque où il était déjà si connu en tant que peintre qu’il aurait probablement pu vivre des revenus de son père. des peintures si cela avait été nécessaire. À cause de ses manières du sud, presque rustiques, il avait des problèmes dans les meilleurs cercles parisiens. De plus, ses peintures sobres et difficiles à comprendre n’attiraient pas la sympathie pour son travail. Cela lui a valu de rester inconnu plus longtemps que les autres impressionnistes. Cézanne se retire de plus en plus de son cercle d’amis. À partir de 1885, il vit séparé de sa femme et de ses enfants à Aix, dans une solitude qu’il s’imposa d’abord, dans le domaine dont il hérita conjointement, puis plus tard, lors de la vente du domaine, dans une petite maison située à la périphérie de la ville. Lorsqu’il a eu de la difficulté à monter les escaliers de son studio loft, il a fait construire un studio simple mais spacieux. Sa renommée croissante a été à peine reconnue par l’artiste lui-même, en fait, il l’a rejetée. Lorsque Cézanne reçut une grande exposition à Paris en 1895, il n’avait pas exposé de tableau dans la ville depuis près de vingt ans. Le jeune marchand d’art Ambroise Vollard (1867-1938) a pris le risque de tenir une exposition sur Cézanne dans sa galerie. Jusque-là, Cézanne avait été considéré par ses amis artistes et par le petit cercle de gens qui s’intéressaient tout au plus à son travail que c’était un talent médiocre. Mais son exposition a ouvert les yeux des gens: on pouvait deviner la grandeur de la personnalité artistique. Vollard a présenté des œuvres d’un maître de l’art moderne. Ce ne sont pas seulement ses amis qui l’ont compris, mais le public a maintenant reconnu l’immortalité de Cézanne. Aucun autre peintre du groupe n’a laissé des impressions aussi profondes à la génération d’artistes suivante. De son vivant, il était seul, soutenu dans ses désirs artistiques par quelques amis tels que Renoir et Pissarro.

Pissarro – coupé et appauvri

Camille Pissarro, le plus vieux des impressionnistes, est né aux Antilles. Pour pouvoir recevoir une éducation suffisante, la jeune Camille fut envoyée dans un pensionnat français. À la fin de ses études, il est rentré chez lui avec le désir inébranlable de devenir artiste. En 1855, il fut finalement autorisé à étudier pour devenir peintre. Après des tentatives infructueuses dans divers studios, il finit par retrouver Charles Suisse qui limita son école de peinture gratuite à la fourniture d’espace et de modèles et ne fit aucune correction. Après cela, Pissarro resta libre de toute contrainte académique et se tourna vers la peinture de paysage. Au début, il était fasciné par Richard Parkes Bonington (1802-28) et John Constable (1776-1837), mais ensuite il s’orienta vers Charles-François Daubigny (1817-1878), Camille Corot (1796-1875), Gustave Courbet (1819-1877) et Jean-François Millet (1814-1875) qui ont eux-mêmes eu du mal à être acceptés. En 1859, il pouvait déjà exposer une peinture dans le salon. La même année, ses parents s’installent également à Paris. Cela a amélioré ses conditions de vie pour un temps. Cependant, lorsqu’il a choisi le serviteur de ses parents pour être sa femme, son père, fâché du mariage qui ne correspondait pas à la classe sociale de son fils, a jeté le jeune couple hors de la maison et a retiré tout soutien financier futur. Parmi les amis, Pissarro était celui qui ne s’était pratiquement jamais éloigné des soucis financiers pour toute sa vie. Il avait une famille à nourrir et était le seul des impressionnistes à ne pas trouver de riche mécène et sympathisant. Bien qu’il peigne incroyablement vite, il a toujours eu des prix bas et sa façon de travailler signifiait qu’il avait toujours un certain nombre de peintures inachevées. La lumière a toujours été l’élément artistique le plus important pour lui. Mais à cause de cela, il était très dépendant du paysage et devait tenir compte de l’heure du jour et finir de travailler dès que la lumière commençait à s’estomper. Il était également dépendant de la météo. Il a pris l’habitude de travailler sur plusieurs toiles à la fois, souvent avec le même motif à différentes heures de la journée, par exemple une dans la brume matinale et une autre image sous un soleil radieux au milieu de l’été. Certes, il a dû abandonner plusieurs motifs alors qu’il était incapable de les compléter en une période de travail lorsque, après une longue période de mauvais temps, la saison a changé.

Sisley – Bénéficiaire d’une entreprise familiale

Alfred Sisley est un autre jeune peintre issu d’une maison prospère et qui a donc pu suivre une carrière d’artiste sans se soucier de sa situation financière. Sa mère était musclée et lorsque le fils manifesta une forte tendance au dessin, son père ne tenta que timidement de le persuader de commencer une carrière dans le monde des affaires. Il accepta que son fils entame une formation artistique et sa fortune permettait souvent au jeune artiste d’aider des amis artistes plus pauvres dans des situations critiques. Sisley a peint pendant des années sans aucune dépendance financière de son travail. Il s’est marié, a eu des enfants et a vécu une vie de classe moyenne. Pendant ce temps, Renoir a créé son célèbre portrait des Sisleys vêtu des vêtements de luxe qui conviennent à leur classe sociale. En réalité, le seul traitement impressionniste de cette peinture est le traitement de la lumière. À la fin des années 1860, le père de Sisley tomba gravement malade. L’entreprise familiale rencontra des difficultés et dut fermer ses portes. Sisley fut soudainement confronté à la nécessité de subvenir à ses besoins et à ceux de sa famille après la vente de ses peintures. Il s’installe chez Monet et plus tard aux Sablons voisins, dans un paysage où il est particulièrement capable de bien travailler.

Monet – Le chef et maître paysagiste

La personnalité de Claude Monet a eu une place particulière dans le développement de l’impressionnisme. Dans le domaine artistique, il est devenu le centre d’attention du mouvement. C’est également lui qui a introduit des idées très avancées sur la peinture de paysage dans le cercle des jeunes artistes. Claude Monet est né à Paris mais sa jeunesse s’est passée au Havre où son père, commerçant, fournissait des navires. La vie portuaire et les larges plages ont fortement impressionné le garçon. Il est entré dans l’art par dessin – notamment des dessins animés. À cette époque, la presse florissante était très dépendante de tous les types d’illustrations. Même les personnes dont les capacités de lecture étaient moins fortes pouvaient comprendre les dessins animés et les croquis illustratifs. Les rédacteurs en chef ont donc tenté de présenter autant de photos que possible. Monet s’est formé à partir de revues comme celle-ci et, grâce à son grand talent, il a rapidement trouvé son propre style. Lorsque la possibilité d’exposer dans la fenêtre d’un menuisier s’est présentée, le jeune homme a pu vendre ses dessins aux touristes. Cependant, le fait qu’Eugène Boudin (1824-1898), brillant peintre de scènes de la côte, remarque le jeune Monet et reconnaisse le talent de ce dernier est bien plus important. Il a longtemps travaillé à Paris et a pu accompagner les progrès du jeune peintre dans la métropole. Monet se rend à Paris avec le produit de la vente de ses dessins et de l’argent de son père et commence à travailler à l’ Académie Suisse . Bientôt, il est entré en contact avec d’autres jeunes artistes qui s’appelleraient un jour les impressionnistes. Monet était le membre du groupe avec la plus grande connaissance de la peinture en plein air. Au Havre, il avait fait des études approfondies et avait été enseigné par Boudin. Il a donc pu partager ses connaissances pratiques avec les autres. Au début de 1861, Monet doit commencer son service militaire et quitter ses amis. Il s’est porté volontaire pour l’Afrique où il est rapidement tombé malade et a dû rentrer chez lui. Finalement, sa famille l’acheta hors de l’armée, une possibilité offerte par l’État aux citoyens fortunés. En 1862, Monet peint à nouveau au Havre avec Boudin et le Hollandais. Johan-Barthold Jongkind (1819-1891). Jongkind était un peintre paysagiste très expérimenté. Les habiletés des deux peintres plus âgés ont été transmises par leur élève habile au cercle de jeunes impressionnistes de Paris, où Monet est revenu au début de 1863. Monet n’est plus allé à l’ Académie Suisse . Comme la plupart de ses amis, il s’installe à Charles Gleyre pour y poursuivre ses études. Bientôt, le Studio Gleyre deviendra le noyau de l’impressionnisme français.

Morisot – Femme peintre issue d’un contexte urbain aisé

Berthe Morisot était la seule femme qui appartenait au premier noyau de peintres impressionnistes. Son parcours artistique correspond aux attitudes conventionnelles ouvertes à une fille d’un bon foyer. Son père était préfet du département du Cher, elle est née à Bourges en 1841. Elle a passé sa jeunesse à Limoges avec ses sœurs aînées. Lorsque son père a été appelé au plus haut bureau de Paris, la famille a déménagé dans une élégante maison de Passy, ​​et les filles sont allées dans une école privée exclusive où la musique et les arts faisaient partie du programme scolaire. Lorsque Berthe et sa sœur ont montré du talent, il était naturel que la mère le promeuve. Bien que les peintres qui les ont enseignées aient averti les parents que s’ils devenaient de bons peintres, cela aurait un effet très négatif sur la promotion sociale des jolies filles, les parents ne seraient pas rebutés. Les filles avaient un studio spacieux construit dans le jardin et ont été encouragées dans leurs études par des artistes de renom comme Corot, Henri Fantin-Latour (1836-1904) et Puvis de Chavannes (1824-98) qui étaient souvent invités à la maison. Berthe, qui s’est rapidement démarquée comme celle qui travaillait de manière plus intensive, a reçu beaucoup de stimulation et un accès très précoce au salon.

Bazille – Peintre, supporter et collectionneur

L’un des artistes qui a fortement encouragé l’union des impressionnistes était le très talentueux Frédéric Bazille (1841-1870), une personne particulièrement cordiale, ouverte et obligeante. Sa mort précoce était la raison pour laquelle son travail n’apparaissait que dans la première phase de l’impressionnisme. Bazille venait de Montpellier où ses parents appartenaient à la classe sociale la plus élevée. Ses parents étaient friands d’art et n’avaient donc absolument rien contre le fait que leur fils s’entraînait à devenir peintre, d’autant plus qu’il avait déjà fait preuve d’un certain talent. Cependant, son père insistait pour qu’il étudie la médecine et prenne des cours d’art en deuxième matière. Bazille entra dans l’atelier de Charles Gleyre et il prit de plus en plus de retard dans ses études de médecine. Mais il a toujours gardé de bonnes relations avec ses parents. Son riche père le soutenait au mieux de ses capacités et il arrivait souvent que Bazille fût le bon samaritain du cercle d’amis dont la situation financière n’était pas aussi stable. Il leur a donné de l’argent pour la nourriture et les a laissé utiliser son magnifique studio. Comme il avait une nature serviable et sympathique, toujours médiatisé et concilié dans les dures conflits entre amis, il devint le bon esprit parmi les artistes.

Il est devenu un très bon ami d’Auguste Renoir, l’un de ces artistes issus d’une famille plus pauvre et qui a dû littéralement mourir de faim pour pouvoir suivre son chemin vers l’art.

Renoir – Le peintre du soleil

Auguste Renoir est né à Limoges en 1841, fils d’un commerçant. Il est venu à l’art d’une manière détournée. Il a d’abord travaillé comme peintre sur porcelaine, puis il a traversé différentes étapes de son métier d’artiste commercial avant de pouvoir enfin se rendre au studio Gleyre où Claude Monet et Frédéric Bazille l’ont rejoint avant la fin de l’année. Gleyre fermait son atelier tous les ans au printemps pour quelques semaines de vacances. Pendant ce temps, les amis se rendaient à Fontainebleau pour peindre dans la forêt, une diversité maintenue pendant plusieurs années. Ils préféraient Chailly ou Marlotte, car Barbizon était trop occupé pour eux. À Marlotte, une colonie de quelques fermes, ils vivaient à l’Auberge de la Mere Anthony, où Sisley était avant tout attirée par la fille du propriétaire, Nana, qui apparaît en tant que modèle sur de nombreuses peintures de Renoir.

Pour la poursuite du développement artistique de Renoir, la rencontre avec l’un des artistes à succès de la Barbizon School fut une expérience de conséquences si profondes que, lorsqu’il fut plus âgé, il raconta toujours l’histoire de cette rencontre à son fils. Plusieurs voyous parisiens l’ont maltraité alors qu’il peignait dans une clairière dans la forêt. Renoir s’est impliqué dans une lutte et a soudainement reçu l’aide d’un grand homme qui boitait, qui utilisait sa jambe de bois et sa béquille comme arme pour le sortir de la situation. Cette aide dans le besoin était Narcisse Diaz (1807-1876), l’un des fondateurs de l’école de Barbizon. Il jeta un coup d’œil au travail de Renoir et s’intéressa activement aux jours suivants. Peu de temps après, il a laissé le jeune collègue se passer de sa lourde peinture sombre et lui a montré à quel point la lumière scintillante est omniprésente.

Après 1868, les amis ne se rendaient pas régulièrement à Fontainebleau. Pour Renoir, le crépuscule sous les arbres ne suffisait plus, il voulait le soleil dans toute son intensité. Les rives de la Seine sont devenues la région choisie par les jeunes artistes pour les années à venir. Seul Monet est resté quelque temps à Chailly.

Routine et voyages impressionnistes

Le changement constant entre rester au pays et passer des mois à Paris est resté la routine de base des impressionnistes pendant de nombreuses années. La nature leur offrait une énorme accumulation, mais ils avaient besoin de la ville pour poursuivre leur carrière. Seuls Manet et Degas étaient de purs citadins et se rendaient très rarement à la campagne. Après Fontainebleau, le littoral normand est devenu une destination de choix. C’est sans doute Monet qui a attiré l’attention de ses amis. Monet lui-même passait l’été principalement au Havre ou à Sainte-Adresse , petite station balnéaire où une tante possédait un domaine où la famille séjournait régulièrement pendant les vacances. En 1864, Monet a invité son collègue peintre Georges Bazille. Ils ont navigué sur la Seine et se sont d’abord rendus à Honfleur qui se trouve en face du Havre. Honfleur avec ses vieilles allées et la brise fraîche de l’Atlantique devait avoir un effet important sur Bazille qui venait du sud de la France. De nombreux artistes avaient déjà découvert la ville: Bonnington, Corot et Courbet y avaient peint, ainsi que Jongkind et bien sûr Boudin (qui y vivait) – ils séjournaient habituellement à La Ferme Saint-Simean , une auberge située sur une colline, de où ils pourraient savourer la vue imprenable.

Un an plus tard, Renoir et Sisley ont répété le voyage de Monet et Bazille au Havre, leur destination étant la célèbre régate de voile au Havre. Pour Renoir, le voyage était un luxe. bien qu’il ait beaucoup voyagé, il s’est principalement promené dans la campagne environnante. Les cinquante francs que le voyage a coûté ont été un investissement énorme pour lui. Ce n’est qu’à partir de 1876 que sa situation financière s’est progressivement modifiée. Il venait d’humbles origines et, naturellement, parmi ses amis de sa petite enfance, qui appartenaient tous à la classe ouvrière, il n’y avait presque pas de clients pour des peintures. Charles Deudon et, à partir de 1876, Madame Charpentier, épouse d’un des plus importants éditeurs de l’époque, étaient deux des rares clients qui lui tenaient à cœur. Elle lui a offert l’accès aux classes sociales supérieures. Il a connu le banquier Paul Berard à travers elle. Une commande pour un portrait de la fille aînée de Berard créa un contact avec la famille qui fut immédiatement impressionnée par le talent du jeune peintre et par son charme austère. Leur riche mode de vie dans la maison de maître à Paris et surtout dans leur vaste domaine près de Dieppe en Normandie, leur amabilité et leur hospitalité naturelle ont ravivé Renoir. À 38 ans, pour la première fois de sa vie, il pouvait profiter de sa vie et se concentrer sur ses peintures sans ses soucis financiers habituels.

Etretat est un autre lieu qui a attiré l’attention des impressionnistes: il apparaît souvent dans les tableaux de Monet. Edgar Degas a également passé quelque temps là-bas, car le mélange de personnes qui y séjournaient l’intéressait particulièrement. Cependant, son travail se limitait à des croquis répétitifs dans le paysage, il avait besoin de l’espace clos d’un atelier pour peindre. Son art était une symbiose claire d’imagination et de conception dans laquelle les choses qu’il voyait ne trouvaient leur place dans son travail qu’après avoir été minutieusement filtrées. Degas détestait les peintres qui travaillaient dans le paysage et commentaient souvent de manière décourageante des personnes qui préféraient réaliser l’acte très intime de peindre à ciel ouvert. Son opinion était que la peinture de mémoire libérait un artiste de la tyrannie de la nature. Cette attitude était facile à maintenir pour lui, car il ne s’intéressait absolument pas à la lumière et à l’air, les éléments les plus importants de la peinture impressionniste.

La guerre de 1870 oblige Monet et Pissarro à se rendre en Angleterre pour éviter d’être appelés au service militaire. Leur séjour a été exceptionnellement important pour les deux artistes. Entre autres choses, ils firent une étude exacte du travail de Turner. Londres a également ouvert quelques portes concernant le contact avec les marchands d’art. En 1871, Monet retourne au Havre. Ici, il peint le lever du soleil au-dessus de la mer en 1873, dont le titre " Impression: Lever de soleil " donne plus tard son nom au groupe d’artistes. Dans le tableau, les silhouettes de navires du port du Havre, à peine reconnaissables dans la brume, sont une impertinence pour le goût du jour, bien que le thème ait été peint près de cinquante ans auparavant par William Turner. Monet et Pissarro de Londres avaient beaucoup admiré ce tableau.

Premiers collectionneurs

Pendant la guerre franco-prussienne, le jeune Paul Durand-Ruel (1831-1922) s’installe à Londres où il fait la connaissance de Monet et de Pissarro et leur achète ses premiers tableaux. Après la guerre, après s’être établi à Paris, il resta en contact et devint l’un des premiers collectionneurs d’art des impressionnistes et agissait souvent comme un ami et un patron.

La Seine était une destination de prédilection pour les peintres impressionnistes et le paysage varié autour du fleuve servait de motif à un grand nombre de peintures. La Grenouillère était un endroit populaire pour le paysage mais aussi pour les filles et les bateliers qui s’y rendaient. Au restaurant Fournaise , situé à proximité, Renoir a peint son petit-déjeuner de rameurs dans lequel on retrouve Aline, qui deviendra plus tard sa femme, jouant avec un petit chien et – dans une chemise de sport – le jeune ingénieur et peintre Gustave Caillebotte (1848-1894). Caillebotte a beaucoup appris de Monet (ils ont peint ensemble plusieurs fois au cours de longues excursions et plusieurs tableaux présentent une similitude étonnante), mais il a acquis une plus grande renommée en tant que collectionneur financièrement sûr. Monet et Renoir ont été sauvés du pire par l’aide de Caillebotte alors qu’ils se trouvaient dans une situation financière difficile. Il était un ami de toujours de Renoir et l’avait nommé exécuteur testamentaire de sa succession à sa mort. Renoir, qui était lui-même mortellement malade, s’est retrouvé avec une collection unique de chefs-d’œuvre impressionnistes avec la conviction qu’il devrait convaincre le Louvre d’accepter la collection. Ce n’est qu’avec un effort incessant que Renoir a réussi à persuader le musée de s’approprier cet héritage.

Victor Chocquet était une autre personnalité importante de l’impressionnisme. Il n’était pas un peintre mais un douanier. Cependant, il adorait la peinture impressionniste et utilisait tout l’argent qu’il pouvait économiser de son petit salaire pour acheter des images de ses amis impressionnistes. En 1875, les impressionnistes organisèrent leur première vente aux enchères de peintures à l’ hôtel Drouot. . Ce n’était cependant pas un succès. Les achats étaient extrêmement modestes et une partie du public était en colère contre les peintures proposées à la vente. La police a dû intervenir pour permettre à la vente aux enchères de se dérouler et de prévenir les comportements abusifs. Parmi tous les artistes représentés, seule Berthe Morisot pouvait être plus ou moins satisfaite, tandis que Renoir, particulièrement dépendant des ventes, ne vendait que quelques tableaux et à des prix dérisoires. Lors de cette vente aux enchères, Victor Chocquet a acheté sa première photo du cercle des impressionnistes et a chargé Renoir de peindre un portrait de sa femme. Le résultat fut que Chocquet devint l’un des vrais amis de Renoir, Pissarro et Cézanne. Ses moyens financiers étaient limités, mais il collectionnait les peintures avec passion et uniquement pour son amour de l’art, sans aucune pensée de spéculation financière.Il y avait un lien d’amitié particulier entre Chocquet et Cézanne, car ce peintre réservé qui était difficile à approcher a trouvé une relation confidentielle droite avec cet ami qui lui ressemblait beaucoup.

Pour plus de supporters, voir: Patrons impressionnistes, marchands et collectionneurs .

Les impressionnistes rompent

Dans les années 1880, après une série d’expositions réussies à Paris, le mouvement impressionniste commença à se fragmenter.

Certains membres, les puristes comme Monet, ont préféré se concentrer presque exclusivement sur l’étude de la lumière. D’autres, comme Pissarro et Sisley, continuent à peindre des paysages en plein air, mais sans la ferveur idéologique de Monet. Renoir a voyagé et s’est concentré sur des œuvres figuratives – dans la nature et en studio. Degas a opté pour des études de genre et d’autres travaux en studio, après une période d’intérêt pour la peinture des chevaux de course. Cézanne a quitté Paris, s’est installé à Aix-en-Provence et s’est concentré sur sa quête de formes naturelles – une tâche dans laquelle il a brillamment réussi, inspirant ainsi Picasso et Braque à développer leur premier style de peinture cubiste.

Impressionnistes postérieurs: néo-impressionnisme, post-impressionnisme

Post-impressionnisme , le nom donné au style général qui a suivi l’impressionnisme au cours des années 1880 et 1890, concernait la prochaine génération de peintres moins satisfaits de la nature (ou de Monet) et préférait plutôt expérimenter avec la couleur (par exemple. Henri Matisse 1869-1954, Paul Gauguin 1848-1903 et le Fauvistes ), avec la théorie des couleurs (par exemple, l’apôtre de Néo-impressionnisme , tragiquement éphémère Georges Seurat 1859-1891), avec des scènes de la vie quotidienne (p. Ex. Toulouse-Lautrec 1864-1901, Mary Cassatt, 1844-1926 et Edouard Vuillard 1868-1940), ou avec des formes d’expressionnisme (par ex. Van Gogh 1853-1890). Peinture post-impressionniste comprend une gamme de styles très différents, dont le seul dénominateur commun est le mécontentement face à la simple imitation de la nature.

L’impact de l’impressionnisme sur l’art occidental

L’impressionnisme est probablement le style le plus aimé et le plus identifiable de tous les temps. histoire de l’art occidental . Bien que pas aussi ouvertement révolutionnaire que certains mouvements d’art moderne comme le cubisme, le dada anti-art ou le surréalisme, l’impact de la peinture impressionniste sur Art moderne était énorme. Elle définissait de nouvelles normes en ce qui concerne la manière dont les artistes "voyaient" et décrivaient la nature – influençant des générations de peintres, y compris de nombreuses communes artistiques, à Grez-Sur-Loing, à Pont-Aven et à Concarneau en France – ainsi qu’aux lointains. École de Heidelberg (c.1886-1900) de Impressionnisme australien , dirigé par les Anglais-nés Tom Roberts (1856-1931) et Arthur Streeton (1867-1943).

Aux États-Unis, où la tradition du naturalisme de Barbizon et du réalisme académique du 19ème siècle étaient particulièrement forts, l’impressionnisme américain ne prit son envol qu’après 1893. Jusque-là, le style fut mis au point par des peintres progressistes comme le portraitiste de la société John Singer Sargent (1856-1925). – voir son chef-d’œuvre Les filles d’Edward Darley Boit et El Jaleo (1882, Musée Isabella Stewart Gardner, Boston) – Mary Cassatt (1845-1926), William Merritt Chase (1849-1916), Theodore Robinson (1852-1896) J. Alden Weir (1852-1919), John H Twachtman (1853-1902), et Childe Hassam (1859-1935).

En définitive, en abolissant toutes les règles du naturalisme et du réalisme en peinture, l’impressionnisme a ouvert la voie aux styles modernistes de Expressionnisme et même Cubisme . Il continue d’exercer une influence significative sur la peinture aujourd’hui.

Peintures impressionnistes françaises célèbres

Voir également: Meilleures peintures impressionnistes .

Camille Pissarro (1830-1903)
Foxhill: Upper Norwood (1870) Galerie nationale, Londres.
Les toits rouges (1877) Musée d’Orsay.
Peintures du boulevard Montmartre (1897) Divers musées.

Edouard Manet (1832-83)
Portrait de Berthe Morisot avec bouquet de Violettes (1872) Musée d’Orsay.
Les cantonniers, rue de Berne (1878) Collection privée.
Un bar aux Folies-Bergere (1882) Courtauld Gallery, Londres.

Edgar Degas (1834-1917)
La classe de ballet (1871-4) Musée d’Orsay.
Absinthe (1876) Musee D’Orsay.
Prima Ballerina (1876-77) Musée d’Orsay.
Femmes repassant (Les blanchisseuses) (1884) Musée d’Orsay.
Femme se peignant (1887-90) Musée d’Orsay.

Paul Cezanne (1839-1906)
Une Olympie moderne (1872-3) Musée d’Orsay.
La maison du pendu (1873) Musée d’Orsay.
Le garçon au gilet rouge (1889-90) Collection EG Buhrle, Zurich.
Homme fumant une pipe (1890-2) Musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg.
Femme avec une cafetière (1890-1905) Musée d’Orsay, Paris.
Les joueurs de cartes (1892-6) Musée d’Orsay et autres.
Jeune femme italienne s’appuyant sur son coude (1900) Musée J.Paul Getty.
Peintures Mont Sainte-Victoire (1882-1906) Divers musées.

Claude Monet (1840-1926)
La grenouillère (1869) Metropolitan Museum of Art, New York.
Impression: Lever de soleil (1873) Musee Marmottan-Monet, Paris.
Peintures Haystack / Grainstack ( 1890-1891 ).
Peintures de la cathédrale de Rouen (1892-1895) Divers musées.
Nymphéas (1897-1926) Divers musées.
Water Lily Pond: Harmonie Verte (1899) Musée d’Orsay.

Jean-Frédéric Bazille (1841-70)
Le studio de bazille (L’atelier de l’artiste) (1870) Musée d’Orsay.

Berthe Morisot (1841-1895)
Le berceau (1874) Musée d’Orsay.

Pierre-Auguste Renoir (1841-1919)
La boîte à l’opéra (La Loge) (1874) Institut Courtauld, Londres.
Danse au Moulin de la Galette (1876) Musée d’Orsay.
La balançoire (1876) Musée d’Orsay.
Nu au soleil (1876) Musée d’Orsay.
Chemin menant à travers les hautes herbes (1877) Musée d’Orsay.
Déjeuner de la fête de la navigation de plaisance (1880-1) Collection Phillips, Washington DC.

Gustave Caillebotte (1848-1894)
Les racleurs de sol (Raboteuses) (1875) Musée d’Orsay.
Paris Street, un jour de pluie (1877) Institut d’art de Chicago.

Paul Gauguin (1848-1903)
Neige, Rue Carcel (1883) Ny Carlsberg Glyptotek, Copenhague.

Georges Seurat (1859-1891)
Homme peignant son bateau (1883) Courtauld Institute of Art, Londres.

Edouard Vuillard (1868-1940)
Modèle avec un grand chapeau (1890) Collection privée.
Dans le jardin (1894-1875) Musée des beaux-arts Pouchkine, Moscou.

COLLECTIONS
Note: Bien que les œuvres de l’impressionnisme français et du post-impressionnisme soient présentes dans tous les meilleurs musées d’art , les plus grandes exploitations sont à Paris, au Musée d’Orsay Paris , ainsi que dans les musées de l’ Orangerie et de Marmottan . En dehors de Paris, certaines des meilleures collections d’art impressionniste sont celles de la National Gallery of Art et de la Phillips Collection (les deux à Washington DC), de la Barnes Foundation Pennsylvania, du Museum of Fine Arts de Boston, du Metropolitan Museum of Art de New York, Pushkin Musée des beaux-arts de Moscou et de la galerie nationale, Londres.

Impressionnisme britannique

La théorie de l’art impressionniste français a été introduite en Grande-Bretagne vers 1863 par James McNeil Whistler (1834-1903) à partir de 1863, année de son établissement à Londres. Son élève Walter Sickert (1860-1942) a fondé le mouvement impressionniste britannique connu sous le nom de Camden Town Group , dont les membres comprenaient Walter Bayes (1869-1956), Robert Bevan (1865-1925), Malcolm Drummond (1880-1945), Harold Gilman (1876-1919), Charles Ginner (1878-1952), Spencer Gore (1878- 1914) (président), JD Innes (1887-1914), Augustus John (1878-1961), Henry Lamb (1883-1960), Percy Wyndham Lewis (1882-1957), JB Manson (1879-1945) (Secrétaire), Lucien Pissarro (1863-1944), William Ratcliffe (1870-1955), Walter Sickert et John Dolman Turner (1873-1938) et Maxwell Gordon Lightfoot (1886-1911) remplacé par Duncan Grant après sa démission et son suicide. (1885-1978). Exemples d’œuvres impressionnistes peintes en Grande-Bretagne: Girls Running , Walberswick Pier (1888-94) de Philip Wilson Steer et The Piazzetta and the Old Campanile, Venice (c.1901) de Walter Richard Sickert .

Mécènes, marchands et collectionneurs

La plupart des artistes du XIXe siècle dépendaient entièrement de collectionneurs et de marchands privés pour joindre les deux bouts. À la fin des années 1890, après l’arrivée de collectionneurs américains, le marché des peintures impressionnistes était relativement porteur. Cependant, au cours des premières décennies, quand ils étaient relativement inconnus, les impressionnistes étaient soutenus par le peintre / collectionneur Frédéric Bazille (1841-1870) et Gustave Caillebotte (1848-1894), ainsi que les clients suivants:

Victor Chocquet (1821-1891)
: douanier à temps plein et collectionneur d’art à temps partiel, il rencontre pour la première fois les impressionnistes à la vente aux enchères de l’hôtel Drouot en 1875. Finalement, il achète plus de 60 toiles., dont 12 Monets, 14 Renoirs et 35 Cézannes.
Dr Paul Gachet (1828-1909)
Patron des peintres et graveurs français, il fréquenta régulièrement les cafés fréquentés par Manet et donna souvent des soins médicaux en échange de photos. Comme Vollard, il était immortalisé dans la peinture à l’huile – Van Gogh, qu’il avait soigné pendant les derniers mois de sa maladie mentale, a peint deux portraits, dont l’un s’est vendu pour 82, 5 millions de dollars en 1990.
Paul Durand-Ruel (1831-1922)
Célèbre marchand d’art français qui a collectionné les paysages de Gustave Courbet et d’autres artistes de Barbizon, avant de constituer une vaste collection de chefs-d’œuvre impressionnistes qui ne se sont pas vendus. A été sauvé de la faillite que par l’apparition en temps opportun des acheteurs américains. Mort d’un homme riche.
Sergei Shchukin (1854-1936)
L’un des grands mécènes russes de l’art impressionniste, il collectionne les œuvres de Paul Cézanne (1839-1906), Claude Monet (1840-1926), et Pierre-Auguste Renoir (1841-1919).
Ambroise Vollard (1867-1938)
Un marchand d’art entreprenant qui, en 1895, achète et expose un nombre important de tableaux de Cézanne, qui est presque inconnu. Il a ensuite signé un contrat lucratif avec Gauguin (alors à Tahiti) et, en 1901, il a organisé le premier one-man-show à Paris pour un peintre espagnol inconnu, Picasso. Ce dernier l’a immortalisé dans son chef-d’œuvre cubiste Portrait d’Ambroise Vollard.
Ivan Morozov (1871-1921)
mécène russe de l’art impressionniste et postimpressionniste. Oeuvres rassemblées de Cézanne, Bonnard, Monet, Sisley, Pissarro et Renoir.
Dr Albert C. Barnes (1872-1951)
Inventeur et fabricant de drogues, Barnes était sans doute le plus grand collectionneur d’art américain d’art moderne, spécialisé dans les peintures impressionnistes et postimpressionnistes. Il était un collectionneur passionné de Renoir, Cézanne et Degas.
Samuel Courtauld (1876-1947)
Industriel et collectionneur d’art anglais, on se souvient de lui comme étant le fondateur du Courtauld Institute of Art en 1932, auquel il a fait don de sa magnifique collection d’art contenant certains des plus grands chefs-d’œuvre de l’époque impressionniste.