Art gothique international: histoire, caractéristiques Automatique traduire

Le terme gothique international (ou gothique international) décrit un style d’art médiéval tardif (peinture, sculpture et arts décoratifs) qui s’est répandu en Europe occidentale entre le dernier quart du quatorzième et le premier quart du quinzième siècle et qui est devenu un pont entre l’art gothique et l’art de la Renaissance.

Le gothique international (également appelé «beau style» ou «style doux») a atténué les bizarreries des formes naturelles, laissant place à un réalisme gracieux et subtil qui répondait au mieux aux besoins décoratifs des cours royales qui ont donné naissance à ce style.

Caractérisé par une chevalerie séculaire - quel que soit le caractère pieux ou religieux du sujet - ce style reflète le raffinement, le cosmopolitisme et l’opulence de la vie de cour. Bien que l’art du gothique international combine des éléments de l’Europe du Nord et de l’Italie, il reflète les traditions italiennes, en particulier celles de l’école siennoise.

Le gothique international a été stimulé par la rivalité culturelle croissante entre les cours royales européennes, notamment celles situées à : Prague, capitale de la Bohême, siège du Saint Empereur romain ; Paris, cour du roi de France, éclipsée par les cours du duc de Berry et du duc de Bourgogne ; Aragon et Castille, principales cours féodales d’Espagne ; Westminster, en Angleterre ; et la Lombardie.

Les principaux maîtres associés au style gothique international sont les sculpteurs André Bonev (vers 1335-1400) et Klaus Sluiter (vers 1340-1406) ; les sculpteurs sur bois Wever (vers 1340-1406) ; les sculpteurs sur bois Vever (vers 1340-1406) ; et les sculpteurs sur bois Werner (vers 1340-1406).) ; les sculpteurs sur bois Veit Stoss (1450-1533) et Tilman Riemenschneider (1460-1531) ; les peintres Gentile da Fabriano (c. 1370-1427), Antonio Pisanello (1394-1455), et les frères Limbur Herman, Jean et Paul, morts de la peste en 1416. Ce style a fortement influencé l’art de la première Renaissance, en particulier les œuvres de Lorenzo Ghiberti (1378-1455), Paolo Uccello (1397-1475) et Fra Angelico (c. 1400-55).

La sculpture gothique internationale

L’art plastique est moins bien connu à cette époque car de nombreuses œuvres ont été vandalisées ou détruites. Une grande partie de l’orfèvrerie destinée à la famille royale française, par exemple, a presque entièrement disparu. Les quelques pièces qui subsistent témoignent de la qualité étonnante du travail. Il s’agit notamment du «reliquaire à épines» (vers 1400-10, British Museum, Londres) et du «rossel d’or» de la Stiftskirche, Altotting, Allemagne (1403).

Une grande partie de la sculpture monumentale privée de cette époque a également été perdue en France et dans les Pays-Bas. Le principal sculpteur du roi de France dans la seconde moitié du XIVe siècle est André Boneuve (vers 1335-1400). Il réalisa un grand nombre de monuments, notamment pour le roi Charles Quint, dont plusieurs subsistent.

Un sculpteur plus important fut Klaus Sluter (v. 1340-1406), qui travailla pour le frère de Charles Quint, Philippe le Hardi, duc de Bourgogne. Ses personnages se distinguent par leur caractère et, parfois, leur émotivité. Cela suggère son origine allemande, bien que l’expressivité accrue soit également un symptôme du changement progressif du style sculptural au cours de cette période. Le fort mimétisme des figures de Slüter se retrouve dans les bustes du triforium et les tombes de Přemyslovic de la cathédrale Saint-Guy, à Prague.

Le style gothique international ouvre la voie aux premières œuvres de Lorenzo Ghiberti (1378-1455) et Donatello (1386-1466) et à leur introduction progressive d’idées classiques dans la sculpture comme alternative à l’élégance du gothique international.

Un phénomène intéressant qui apparaît au cours de la période du gothique tardif est l’augmentation du nombre de sculptures créées par des artistes étrangers pour des pays tels que la Hongrie, la Pologne et les États baltes. Au cours du quinzième siècle, les échanges artistiques entre l’Europe du Nord et l’Europe du Sud ont été considérables. Par exemple, le sculpteur néerlandais Gerhart Nicolaus von Leyden est devenu sculpteur à la cour de Vienne, et l’Italien Andrea Sansovino a travaillé à la cour royale du Portugal. Le sculpteur franconien Veit Stoss a travaillé pour la cour polonaise de Cracovie (vers 1480), et l’Allemand Bernt Notke a créé des œuvres pour le Danemark, l’Estonie et la Suède.

En Allemagne et en Autriche, les artistes les plus intéressants travaillent dans la seconde moitié du siècle. Il s’agit des sculpteurs Gerhart Nikolaus von Leiden et Michael Pacher (1435-98). Ils sont suivis par plusieurs maîtres virtuoses de la sculpture sur bois d’Allemagne du Sud, comme Veit Stoss (1450-1533) de Nuremberg (connu pour son chef-d’œuvre du retable de l’église Sainte-Marie de Cracovie, 1477-88). Dans le nord de l’Allemagne, les sculpteurs les plus novateurs sont Tilman Riemenschneider (1460-1531) de Würzburg (connu pour le retable de l’église St Jacob de Rothenburg, 1499-1504) et Adam Kraft de Nuremberg . Dans le nord de l’Allemagne, le sculpteur le plus novateur fut Bernt Notke de Lübeck (remarquable pour le groupe «de saint Georges et le dragon» de l’église Saint-Nicolas de Stockholm). Voir aussi : Art gothique allemand (vers 1200-1450).

Parmi les autres sculpteurs importants du gothique tardif travaillant au nord des Alpes, citons Hans Moultscher (v. 1400-1467) ; Giorgio da Sebenico (1410-1473) ; Michel Colomb (v. 1430-1512) ; et Gregor Ehrhart (v. 1460-1540).

En général, la sculpture gothique internationale française se caractérise par une plus grande sobriété décorative. Les principales œuvres conservées sont certainement de grands groupes (par exemple «L’enterrement de Tonnerre», années 1450) ou des projets architecturaux dans lesquels la décoration est subordonnée aux figures (par exemple Chateauden, chapelle du château, 1425).

Le passage du gothique international à la Renaissance a été extérieurement beaucoup moins difficile que le passage du roman au gothique. En sculpture, il ne s’agit pas d’un passage du symbolisme au réalisme, mais plutôt d’un passage d’un type de réalisme à un autre. Cependant, l’embellissement décoratif qui accompagne le gothique tardif est proche de l’excès. Par conséquent, l’avènement de la Renaissance italienne, avec ses liens avec l’antiquité classique, a fourni une voie de développement plus fructueuse.

Pour les conceptions architecturales, voir : Style gothique d’architecture.

Peinture gothique internationale

Le style de peinture européen connu sous le nom de gothique international présentait un certain nombre de caractéristiques communes à la peinture européenne en général, en partie parce que bon nombre des œuvres les plus importantes avaient été commandées par des familles royales européennes étroitement liées par des liens matrimoniaux.

En outre, comme nous l’avons vu pour la sculpture, les artistes célèbres travaillaient souvent pour des mécènes différents, souvent concurrents. Les figures sont représentées dans un style élégant et gracieux, même si elles présentent une certaine artificialité par rapport à l’art de la Renaissance tardive.

Les principales cours européennes étaient celles des empereurs du Saint Empire romain germanique (par exemple Charles IV et son fils Wenceslaus) basées à Prague, des Visconti de Milan et des Valois de France. Mais il y avait d’autres sources de mécénat, comme la famille Médicis à Florence, où la peinture pré-Renaissance d’hommes comme Lorenzo Monaco (1370-1425) se confondait avec celle du début de la Renaissance. Le gothique international est également repris par certains artistes de l’école de peinture siennoise .

La peinture de livres

L’empereur Charles IV n’était pas un collectionneur de manuscrits enluminés . Néanmoins, sa cour a stimulé le développement d’une importante école de peinture de manuscrits, fortement influencée par les styles français et italien, mais avec ses propres caractéristiques décoratives. Deux manuscrits religieux importants sont un missel (livre contenant l’office de la messe) pour le chancelier Jan de Streda (1360, Prague, Bibliothèque du Musée national) et une énorme Bible pour le fils de Charles, Wenceslaus (années 1390, Vienne, Bibliothèque nationale d’Osterreich).

L’apogée de l’enluminure gothique internationale est constituée par les petites enluminures des chapelles des cours de Paris et de Bourges, dont beaucoup sont d’origine hollandaise. Parmi les meilleurs miniaturistes figurent le pionnier Jean Pucelle (vers 1290-1334), Jacquemart de Esden (vers 1355-1414), le maître de Boucicault et les frères limbourgeois.

Parmi les autres manuscrits enluminés importants du gothique international, citons La magnifique chapelle du duc de Berry (1416, Musée de la Condé Chantilly) par les frères de Limbourg (dont les illustrations ressemblent beaucoup à la peinture italienne contemporaine) ; L’Annonciation (1400, Bibliothèque nationale, Paris), L’horloge de Bruxelles (Bruxelles, Bibliothèque nationale de Belgique, MS. 11060-1) et Horloge du Maréchal de Boucicault (Musée Jacques-Mart-André, Paris) par Jacquemart de Esden ; et Missel Jean de Martin (Bibliothèque Nationale de France, Paris) par Engerrand de Charenton (Quarton) (vers 1410-1466). L’art de cour français a connu un renouveau ultérieur sous le règne du roi Louis XI (1461-83), comme en témoigne le manuscrit religieux enluminé Le Livre du cœur d’Amours Espris (1465, Osterreichische Nationalbibliothek, Vienne).

La peinture sur panneau

Les médiévaux se perçoivent de plus en plus comme des individus, et c’est pourquoi la vénération religieuse privée prend de plus en plus d’importance, ce qui entraîne une augmentation des commandes de petits retables domestiques. La richesse prodigue de ce type d’art chrétien peut avoir été une réponse des consommateurs à la souffrance et à la dévastation causées par la peste noire au milieu du siècle, qui avait déjà dépeuplé de vastes régions de l’Europe.

Les images de la mort et du caractère éphémère de la vie, qui reflètent les angoisses existentielles de l’époque, commencent à apparaître dans l’art entre 1350 et 1450. Les sculptures à double tombeau, représentant le défunt comme un personnage mondain dans toute la splendeur de sa fonction et des honneurs mondains, et en dessous comme un cadavre vermoulu (transi), deviennent caractéristiques de la France à cette époque.

Dans l’art religieux, l’accent est mis sur les peintures de dévotion contenant des représentations brutales de la souffrance du Christ et de son martyre patiemment enduré, comme on le trouve dans les «crucifix de souffrance» (également appelés «crucifix de peste»), les panneaux représentant les instruments du martyre et les scènes de la Passion du Christ avec de nombreux signes et symboles. Parallèlement, par opposition, les peintures se sont renforcées pour transmettre le contenu dogmatique de la foi, notamment au sein de l’ordre dominicain, chargé de mener à bien l’Inquisition.

La tradition de la peinture sur panneau célébrée par le maître siennois Duccio di Buoninsegna - voir son Retable de Maesta (1311) et la Vierge à l’Enfant de Stroganoff (1300) en forme d’icône et Simone Martini (1284-1344) - voir son Tripti (1284-1344). Son Triptyque «Annonciation» (1333) - était bien soutenu par des artistes tels que le novateur flamand Melchior Broderlam (c. 1350-1411), peintre officiel de Philippe le Hardi, qui créa le Retable de Dijon (années 1390), Musée des Beaux-Arts de Dijon). Le tourangeau Jean Fouquet (1420-1481), connu pour ses miniatures, ses retables et ses portraits, est devenu un lien important entre la peinture française et la peinture italienne à la fin du XVe siècle.

Le peintre allemand Stephan Lochner (1400-1451), connu pour le retable de la cathédrale de Cologne et des œuvres telles que la «Purification dans le temple» (1447, Landesmuseum, Darmstadt), est un autre lien entre le gothique tardif et la Renaissance. Un autre peintre allemand célèbre est Conrad von Zest, qui a créé le «Retable des Niederwildungen» (1403). En Angleterre, un exemple de peinture gothique internationale est le diptyque (2 panneaux) connu sous le nom de Wilton Diptych (1395-9, National Gallery, Londres), en relief sur le thème de la présentation de la Vierge à l’Enfant par le roi Richard II. L’artiste reste inconnu.

Le représentant le plus intéressant de la peinture française du gothique international - notamment en raison de sa maîtrise du portrait miniature est probablement Jean Fouquet, qui aurait visité l’Italie au début de sa carrière. Les détails italiens sont certainement présents dans son œuvre, mais comme le montrent la Chapelle d’Etienne Chevalier» (Musée de Condé, Chantilly) et le Diptyque de Melen» (aujourd’hui répartis entre la Gemäldegalerie, Berlin, et le Musée des Beaux-Arts, Anvers), il peint toujours dans le cadre de la tradition nordique. Le caractère sobre et laconique de la peinture française fait écho de manière intéressante à une grande partie de la sculpture.

La peinture italienne

En Italie, le peintre gothique international le plus influent est peut-être l’omniprésent Gentile da Fabriano . Formé à Venise, son œuvre la plus célèbre est le retable «L’adoration des mages» (1423, Offices, Florence). Les visages et les draperies de ses tableaux ont tendance à avoir une moulure douce et arrondie qui rappelle le style doux «nordique».

En revanche, les figures du Florentin Lorenzo Monaco (1370-1425) sont dessinées avec des lignes plus fines et plus acérées. Parmi ses œuvres célèbres, surtout réussies à petite échelle, on peut citer «Madone debout sur un trône entre des anges admiratifs» (1400, Fitzwilliam Museum, Cambridge) et «Madone à l’enfant» (1413, National Gallery of Art, Washington).

Un autre lien important entre l’École gothique internationale et le début de la Renaissance est le peintre de cour, portraitiste et médailleur italien Antonio Pisanello (1394-1455), dont l’œuvre la plus grande et la plus imaginative est probablement la Vision de saint Eustache (1448, National Gallery, Londres).

Parmi les autres artistes italiens importants du gothique tardif, citons Ambrogio Lorenzetti (vers 1285-1348, National Gallery, Londres). «Allégorie du bon et du mauvais gouvernement» (1338-9) - Ugolino di Nerio (actif de 1317 à 1327), associé à Mazaccio Masolino (1383-1447) et Stefano di Giovanni Sassetta (1395-50), qui combine le style gothique de Sienne avec les idées nouvelles de la Florence de la Renaissance.

Peinture nordique du gothique tardif

La peinture gothique tardive en Europe du Nord est centrée sur les Pays-Bas. Le fondateur et principal innovateur de l’école flamande de peinture est l’ombrageux Robert Kampen (1378-1444), connu sous le nom de Maître de Flemalle, qui se distingue par ses triptyques intenses au contenu pieux, tels que le triptyque «Seylern» (Enterrement) (1410) et le retable Merode (1425). Parmi les autres grands représentants de cette tendance, citons son élève Rogier van der Weyden (1399-1464), connu pour des œuvres telles que le retable «Descente de croix» (1435, Prado, Madrid), et Jan van Eyck (1390-1441), connu pour des chefs-d’œuvre tels que «Le Retable de Gand» (1432, cathédrale Saint-Bavon) et «Le Mariage d’Arnolfini» (1434, National Gallery, Londres).

Les artistes du gothique international

Les principaux représentants du style gothique international, dont beaucoup d’œuvres sont représentées dans les meilleurs <художественных музеях /a>, sont :

Sur les collections européennes contenant des œuvres d’artistes du mouvement gothique international, voir : Musées d’art d’Europe .

Ressources complémentaires

Architecture gothique (c.1150-1375)
Sculpture gothique (c.1150-1280)

ÉVOLUTION DE L’ART VISUEL
Pour en savoir plus sur les mouvements et les styles dans l’art, voir : Histoire de l’art . Pour une chronologie et des dates d’événements clés dans le développement des arts visuels à travers le monde, voir : Chronologie de l’histoire de l’art .

RESTAURATION DE L’ART MEDIEVAL
Pour un guide de l’art européen à l’époque de Charlemagne, d’Othon le Grand, de Louis le Pieux et de Charles le Chauve, voir : Art carolingien (750-900) Art ottonien (900-1050), Sculpture médiévale (400-1000), Art roman (1000-1200).

QU’EST-CE QUE L’ART?
Pour un guide des différentes catégories et significations des arts visuels, voir : Définition de l’art .

MEILLEURS ARTISTES DU MONDE
Maîtres anciens (artistes avant 1800)