Art médiéval: l’artisanat chrétien au moyen âge Automatique traduire

Histoire de l’art médiéval et types d’art et d’artisanat religieux au Moyen Âge.

Un guide général de l’évolution de la peinture, de la sculpture et des autres arts : Histoire de l’art (de 2,5 millions d’années avant J.-C. à nos jours).
Pour en savoir plus sur les styles artistiques : Chronologie de l’histoire de l’art . Un bref guide des styles spécifiques : Mouvements artistiques .

Origines et histoire

En beaux-arts, le terme «époque médiévale» (également appelé «Moyen Âge») désigne la période allant de la chute de Rome (vers 450) en Occident à la chute de Constantinople (1453) en Orient. La première moitié de cette époque (450-1000) est cependant marquée par des violences et des bouleversements barbares. Au cours de cette période initiale, la seule activité culturelle significative qui existait se déroulait dans les monastères isolés de la jeune Église chrétienne.

Première période (à partir de 450 ap. J.-C.)

L’un des premiers types d’art chrétien primitif à voir le jour est celui des beaux manuscrits enluminés et du travail du métal ecclésiastique dans le style celtique produit en Irlande et dans le nord de la Grande-Bretagne &ndash ; voir en particulier L’art monastique irlandais (500-1200). Parmi les œuvres antérieures, citons l’Évangile de Garima (390-660, monastère d’Abba Garima) en Éthiopie et l’Évangile syriaque de Rabbula (vers 586, Bibliothèque Laurentienne, Florence). L’art biblique créé en Irlande faisait alors partie de l’artisanat traditionnel monastique, une tradition qui s’est poursuivie sans interruption de 500 à 1200. Cette période voit apparaître des chefs-d’œuvre comme le Livre de Darrow (650-80), le Livre de Kells (800), la Coupe d’Arda (VIIIe-IXe siècles) et une série de sculptures de la haute croix dans le style celtique (750-1150).

Période carolingienne (ottonienne) (750-1050)

L’artisanat médiéval ne prend véritablement naissance sur le continent européen qu’avec l’arrivée du roi Charlemagne et de ses successeurs ottoniens. Durant cette période de l’art carolingien (750-900) et de l’art ottoman (900-1050) &ndash ; grâce au soutien de chefs séculiers &ndash ; l’art chrétien connaît un renouveau dans toute l’Europe. Les arts et l’artisanat qui ont bénéficié de ce mécénat comprenaient l’architecture et le design, la joaillerie et le travail des métaux précieux, ainsi que la sculpture et la sculpture sur ivoire. En outre, la production de manuscrits enluminés (qui comprenait elle-même les arts de l’illustration de livres et la peinture miniature) s’est considérablement développée pour répondre à la demande de textes bibliques.

De 450 à 750, l’Église de Rome a soutenu la pratique de l’art chrétien médiéval dans ses vastes monastères d’Irlande et du Moyen-Orient. Mais ce n’est qu’en 800, lorsque Charlemagne est couronné empereur du Saint Empire romain germanique et qu’il entreprend d’établir un réseau de monastères et de centres culturels d’excellence, que l’on assiste à une renaissance des arts et de l’artisanat sur le continent européen. Au Moyen-Orient, cependant, la culture chrétienne médiévale était beaucoup plus forte grâce aux traditions de l’art byzantin (400-1200). L’art chrétien byzantin était particulièrement fort dans le travail du métal et du bronze, atteignant son apogée entre 800 et 1200. En Russie (950-1237), les artisans ont atteint un nouveau niveau grâce aux orfèvres orthodoxes de l’Est.

L’art des cathédrales : les styles roman et gothique (1000-1400)

La phase suivante de l’art et de l’artisanat médiévaux est initiée par le programme de construction de cathédrales de l’Église, qui se développe dans la France du XIe siècle et s’étend ensuite au reste de l’Europe. Son premier programme d’architecture romane (vers 1000-1150) comprenait des structures telles que la grande église de l’abbaye de Cluny (927), la cathédrale de Durham (1093), la cathédrale de Spire (1106) et la cathédrale Saint-Lazare d’Othen (1146). Ce programme a été suivi d’un second programme dans le nouveau style de l’architecture gothique (à partir d’environ 1150), comprenant plusieurs cathédrales gothiques étonnantes, dont la cathédrale Notre-Dame (1163-1345) et la cathédrale de Chartres (1194-1250). Pour plus de détails, voir Style architectural gothique (vers 1120-1500).

Chaque cathédrale nécessitait de nombreux vitraux et statues en pierre pour décorer ses murs ; sculptures en bois pour ses chœurs et ses chaires ; et le travail des métaux précieux pour les autels, les sanctuaires, les reliques, les vases liturgiques et les croix cérémonielles, dont une grande partie concernait l’émaillage décoratif , tel que l’émail cloisonné et l’émail creusé . En conséquence, ce programme de construction paneuropéen a créé une énorme demande d’artistes médiévaux et d’artisans de toutes sortes, en particulier des spécialistes en sculpture médiévale et en illustration de manuscrits médiévaux .

Pour des informations sur les progrès de l’enluminure, des fresques et des retables peints, voir : Peinture médiévale (vers 1180-1420). Pour des informations détaillées sur l’évolution de la peinture en Italie au cours du Trecento (XIVe siècle), voir nos articles sur La peinture de la pré-Renaissance (vers 1300-1400), et sur L’art de la proto-Renaissance (1300-1400). Imna les artistes concernés ici : Artistes de la Renaissance .

Vers le début du Quatrocento (XVe siècle), l’époque médiévale au sud des Alpes est remplacée par la Renaissance italienne (1400-1530). Mais en Allemagne et dans d’autres régions du nord, le style médiéval a perduré pendant plusieurs décennies. Voir, par exemple, les sculptures médiévales gothiques allemandes de Riemenschneider (1460-1531) et de Stos (1450-1533).

Le mécénat de l’Église pour l’art et l’artisanat médiévaux

Le plus grand mécène des arts au Moyen Âge est sans aucun doute l’Église. C’était une époque de foi. L’Église a commandé de grandes cathédrales et des monastères, des vêtements somptueux, des sanctuaires et des voûtes pour les reliques sacrées et des vases pour la messe. Aucun autre mécène, pas même la cour royale, ne pouvait rivaliser avec ses ressources. La reconstruction de la cathédrale recevait plus de dons de la part des fidèles qu’aucun impôt ne pouvait en collecter, et les évêques eux-mêmes étaient souvent extrêmement riches.

La fondation de nouveaux ordres religieux au début des années 1200, tels que les Augustins, les Dominicains et les Franciscains, chacun avec son propre réseau de monastères, a fourni à l’Église une infrastructure croissante d’installations et de personnel pour aider à gérer la diffusion de tous les arts et de l’architecture.

Le grand évêque John Grandisson, élu à la cathèdre d’Exeter en 1327, révèle ses goûts luxueux dans son testament. Dans sa cathédrale, il a placé des statues en argent doré de saint Pierre et saint Paul, une croix en argent doré sur quatre lions reposant sur un grand socle en émail, des livres enluminés, des vêtements brodés, des nappes d’autel et d’autres objets. Son manteau de velours pourpre &ndash ; une robe de chambre de procession brodée de figures, a été légué au pape Urbain V. Les laïcs fortunés engageaient également des artisans pour des travaux religieux &ndash ; ils commandaient des chapelles où l’on chantait des messes pour leurs âmes, et des sculptures pour leurs tombes.

Après l’église, le roi était le plus important mécène des arts. Il avait le droit d’ordonner à tous les artisans de venir travailler pour lui. En 1343, le vitrier londonien John de Walworth fut chargé de vitrer les fenêtres de la chapelle du roi et des nouvelles chambres du palais de Westminster. L’influence du roi a pu être très importante dans la création ou le développement d’un nouveau métier. Pour introduire le tissage de tapisseries en Bohême, Charles IV fit venir une colonie de tisserands persans d’Allemagne à Prague, et le mariage d’Henri III avec Eléonore de Provence en 1236 a probablement conduit à l’apparition en Angleterre de l’art de la mosaïque de style méditerranéen &ndash ; du pavage en mosaïque.

La noblesse et, aux quatorzième et quinzième siècles, une classe croissante de citadins aisés, étaient également des mécènes. Ils ornaient leurs maisons de tapisseries, buvaient dans des bols en argent et se lavaient les mains dans de la vaisselle émaillée. À partir du XIVe siècle, la demande d’assiettes et de bijoux séculaires s’est considérablement accrue, et même les épouses des roturiers possédaient d’importantes collections. Ainsi, le dernier testament de la belle-fille d’un maître verrier indique qu’elle possédait une broche en or représentant les quatre points cardinaux, une paire de chapelets d’ambre, une ceinture de soie avec des roses d’argent et un gobelet d’argent fabriqué à Paris.

Apprentissages et guildes

Au cours du Moyen Âge, presque tous les artisans, du boulanger à l’orfèvre, se sont progressivement regroupés au sein d’organisations professionnelles appelées guildes ou compagnies. Au milieu du XIVe siècle, il s’agissait en grande partie d’institutions bien établies qui combinaient des activités caritatives et sociales avec leur rôle d’organes de contrôle professionnel.

Les guildes définissent le mode de formation des maîtres. La Compagnie des longs maçons, par exemple, stipulait en 1360 qu’un apprenti devait être formé pendant sept ans. Outre la formation pratique, les maîtres étaient tenus d’enseigner la lecture et l’écriture, sous peine d’amende. Sur le continent en particulier, l’apprenti devait terminer son apprentissage par la réalisation d’un chef-d’œuvre. Dans la plupart des guildes de joailliers allemands, il devait produire une coupe, un sceau et une bague. S’il réussissait cette épreuve, il pouvait devenir lui-même maître joaillier. Vers la fin du Moyen Âge, ce système a commencé à s’effondrer et, afin de limiter le nombre de maîtres, l’apprenti devait souvent s’acquitter d’un droit substantiel avant d’être autorisé à se former.

Les guildes se préoccupaient également des conditions de travail des maîtres et veillaient au maintien des normes professionnelles. Nous pouvons lire qu’en 1374, une certaine duchesse Catherine cousait du tissu «à la manière d’Arras», mais avec du fil de lin au lieu de la laine. Le chef de la guilde des tisserands de tapisserie demande alors à la cour de Londres l’autorisation de brûler l’étoffe incriminée.

Bien que les guildes fixent les salaires que les artisans doivent verser à leurs apprentis et compagnons, les salaires que les artisans eux-mêmes reçoivent sont généralement négociés individuellement avec leur employeur, le patron.

Le mécénat était important pour l’artisan médiéval. Très peu d’œuvres d’art médiévales ont été produites sans intermédiaire, mais il existe des exceptions notables. De grandes quantités de croix, de bols, etc. en cuivre émaillé bon marché ont été produites dans la région de Limoges, en France, au XIIIe siècle. Plusieurs centaines de statuettes et d’autels en albâtre, parfois très grossièrement sculptés, ont été exportés de Nottingham, Lincoln et York vers d’autres parties de l’Angleterre et du continent à la fin du XIVe et au XVe siècle.

Une autre différence majeure entre le maître médiéval et l’artiste moderne est que le maître ne considérait pas sa personnalité comme un élément important de son œuvre. Le maître ne laisse presque jamais de signature et est rarement mentionné dans les annales de l’époque &ndash ; car le boulanger ne songerait jamais à signer ses pains. Il y a des aperçus isolés et alléchants de cet anonymat presque complet, comme lorsque Matthew Paris, lui-même artiste, s’est intéressé à la décoration de l’abbaye et a fourni une liste de certains des artistes qui y ont participé. Il était généralement admis que le travail d’un sculpteur ou d’un orfèvre n’avait rien de magique. Il existe de nombreux cas documentés où les autorités ecclésiastiques ont signé un contrat écrit (disons) pour un autel peint , qui spécifie : (1) la scène biblique exacte ou le thème à représenter ; (2) les saints et les membres de la Sainte Famille à inclure, ainsi que leur taille relative ; (3) le type de pigments colorés à utiliser ; et ainsi de suite.

Bijoux

Le plus prestigieux de tous les métiers était la bijouterie et l’émaillerie. Souvent, cet artisan était très riche et pouvait prêter de l’argent aux rois et aux nobles, ce qui lui conférait un statut considérable. Dans une certaine mesure, il partageait également l’aura de sainteté et de prestige qui entourait les vases sacrés et les reliquaires qu’il fabriquait. Les joailliers fabriquaient et concevaient également des pièces de monnaie, gravaient des sceaux et participaient même parfois à la réalisation de sculptures en bronze. D’éminents joailliers et émailleurs comme Godefroid de Clair (1100-73).) (l’un des créateurs du Triptyque de Stavlo &ndash ; le célèbre dépôt des deux fragments de la Vraie Croix appartenant au monastère de Stavlo) &ndash ; et Nicolas de Verdun (ca. 1156-1232) (créateur du Sanctuaire des Trois Rois aujourd’hui dans la cathédrale de Cologne) &ndash ; tous deux de l’école de Mosan &ndash ; étaient demandés dans toute l’Europe. Leurs œuvres, comme celles de nombreux maîtres de l’or et de l’argent, sont en haut-relief, ce qui montre le lien étroit entre leur art et la plastique du maçon.

Les métiers de la sculpture, du bois et du vitrail

Un doute subsiste quant à la répartition de certains travaux entre les différents corps de métiers. Il est clair que certaines des sculptures en pierre ont été réalisées par des maçons, souvent appelés «imagiers». On ne sait pas si cela signifie que c’est la même personne qui a sculpté les décorations sur les piliers qui a sculpté les statues sur la façade de la cathédrale. Les chœurs semblent avoir été conçus par le maçon responsable du programme de construction, mais exécutés par des charpentiers. Certains artisans de la fin du Moyen Âge semblent avoir travaillé à la fois le bois et la pierre, mais il existait aussi des «quervers spécialisés», qui se concentraient sur la sculpture sur bois.

On ne sait pas exactement combien de charpentiers disposaient d’un atelier permanent et combien se contentaient de voyager en emportant leurs outils. On en sait beaucoup plus sur les vitriers. Ils avaient généralement des ateliers dans les grandes villes. Leur travail était transporté par voie fluviale ou terrestre jusqu’à l’église qui le commandait. En Angleterre, les plus grands centres de production étaient Londres, York, Norwich, Norwich, Bristol et Oxford. Voir Vitrail : matériaux, méthodes de fabrication du verre (à partir de 1100).

Le vitrail &ndash ; c’est un verre coloré lié au plomb. La seule véritable coloration est l’émail brun-noir, utilisé pour les petits détails. Le quatorzième siècle a également vu l’introduction «de la teinture d’argent», qui donne une couleur dorée. Jusqu’au quinzième siècle, l’Angleterre ne produisait que du verre ordinaire, si bien que le verre coloré était importé.

Les vitriers ont souvent utilisé le même motif plusieurs fois. Le vitrail de Parker à York, par exemple, présente une image de saint Guillaume à partir du même motif que celui de saint Nicolas dans le vitrail de Wolweden. Cette répétition ne nuit pas à la qualité des fenêtres, car leur efficacité dépend davantage de l’interaction des différentes formes et couleurs que d’un seul détail.

Le tissage de la tapisserie

La tapisserie était un métier qui n’était pas étroitement associé à l’église. La richesse croissante des laïcs tout au long du XIVe siècle a créé un désir de confort, et ces tapis muraux en laine sont devenus l’élément le plus important de l’intérieur d’une pièce. Les tapisseries étaient vendues en ensembles composés d’un baldaquin, d’une tête de lit, d’un couvre-lit et de six rideaux ou tapisseries murales. L’art de la tapisserie s’est établi en Angleterre sous le règne d’Henri III (1216-1272), mais la plupart des tapisseries semblent avoir été importées des Flandres. La Flandre était un centre de tissage si important qu’Arras, le nom de la ville principale, est devenu un autre mot pour tapisserie. Le duc Philippe le Hardi avait tellement de rideaux qu’il dut construire un bâtiment spécial en pierre à Arras pour les abriter tous. Voir aussi : Tapisserie de Bayeux (1075).

Comme les tentures étaient souvent destinées aux palais et aux châteaux, leur sujet n’était souvent pas religieux. Des épisodes des grands contes de l’époque sont utilisés, comme «Le Roman de la Rose». Au quatorzième siècle, l’Angleterre comptait de nombreux fabricants de tapisseries, dont beaucoup avaient été attirés en Flandre par le Statut d’York &ndash, une loi destinée à encourager l’artisanat. En 1331, les tisserands londoniens reçurent leur statut du roi, mais l’artisanat ne s’implanta jamais aussi bien en Angleterre qu’en Flandre. Pour des travaux plus récents, voir : Histoire de la tapisserie (1601-aujourd’hui).

Articles sur le sujet

Pour en savoir plus sur les arts et métiers au Moyen Âge, voir les articles suivants.

- Évangile de Lindisfarne (vers 700)
Chef-d’œuvre de l’art insulaire hiberno-saxon.

- Bol de Derrynaflan (VIIIe-IXe siècles).
Exemple de travail des métaux précieux dans l’art insulaire hiberno-saxon.

- Art chrétien celtique (5e-10e siècles)
Influence celtique sur l’art médiéval de l’Irlande.

- L’art médiéval allemand (vers 800-1250)
avec des trésors tels que la Vierge d’or d’Essen et la Croix de Mathilde.

- Peinture médiévale russe (v. 950-1100)
Iconographie voilée, icônes russes anciennes comme la Vierge de Vladimir.

- Style roman (v. 1000-1200)
Architecture, sculpture, fresques, enluminures, verre, ivoire.

- École de peinture d’icônes de Novgorod (v.1100-1500).
Écoles de Pskov et de Tver, fresques de Nereditsa, fresques du monastère de Mizhor.

- École de peinture de Sienne (1250-1550).
Influencée par la beauté décorative de l’art byzantin.

- Trecento, art italien du XIVe siècle
Peinture, sculpture et projets architecturaux.