Tableau de l’école d’icônes de Novgorod Automatique traduire
introduction
Un centre exceptionnel de Art chrétien , l’école de Novgorod a produit tant de peintures sur panneaux d’une qualité telle, entre le XIIe et le XVIe siècle, que sa production mérite de figurer parmi les plus belles et les plus importantes de l’histoire de la Terre. peinture d’icônes . Il est vrai que certaines icônes byzantines, telles que la Vierge de Vladimir (c.1131), peuvent surpasser celles produites par l’école de Novgorod; mais il y a beaucoup de chefs-d’œuvre individuels de Art russe , bien que les icônes byzantines soient en nombre insuffisant pour nous permettre de nous faire une idée juste de la norme générale atteinte par les peintres byzantins au cours d’une période donnée. Jusqu’à plus Art byzantin L’école novgorodienne de peinture d’icônes doit donc être acceptée comme la plus riche et la plus prolifique. (Voir aussi: Art chrétien, époque byzantine .)
Beaucoup de produits de Novgorod se rangent aux côtés des meilleurs peinture médiévale des primitifs italiens du XIVe siècle – tels que le Ecole siennoise de peinture , ou les exemples accomplis de la Bible Peinture flamande .
Peinture d’icônes 1300-1400: une approche spirituelle
L’approche fondamentale du peintre d’icônes est cependant distincte de ce que nous voyons en Occident, et une icône de Novgorod du début du XIVe siècle montrant le prophète Élie indique clairement l’attitude du médiéval. Artistes russes à la peinture religieuse. Pour les peintres novgorodiens, ils ont décidé d’allumer la foi de l’homme en utilisant ses yeux comme le chemin de son esprit et de son âme. Le prophète est donc dépeint comme un homme entièrement préoccupé par le spirituel et l’icône est délibérément dépourvue d’embellissements et de raffinements susceptibles de le rendre attrayant. Au lieu de cela, son intensité est écrasante. Une grande partie de sa force est due au fond absolument uniforme, plat et rouge vif qui échappe de toute façon à la crudité, qui atteint effectivement la distinction en apparaissant comme le reflet de la lumière féroce éclairant les yeux inflexibles du prophète.
Icon Painting 1400-1500: Utilisation accrue des lignes et des couleurs
Au quinzième siècle, la spiritualité de cette approche demeura aussi pure et inspirée que celle du quatorzième siècle, mais elle trouva son expression dans une composition plus fine, dans un rythme linéaire fluide, dans un superbe équilibre entre de nouvelles proportions et dans une beauté et une assurance inégalées. de Couleur – Voir, par exemple, la fresque de Melchisédek (1378) de Théophane le Grec dans la cathédrale de la Transfiguration, à Novgorod. Ces caractéristiques apparaissent aujourd’hui comme les plus belles réalisations de l’école. Ils sont bien mis en évidence dans une icône représentant la Descente de Croix (c.1430), qui appartenait autrefois à la collection Ostrukhov et maintenant au Galerie Tretiakov . La peinture novgorodienne se caractérise par une élongation intense des figures. Dans cette icône, on peut voir la superbe ligne des personnages inclinés et l’élégance de la courbe du corps sans vie du Christ. Ces formes sont soulignées par les contours nets et rectilignes de la grande croix, qui rivalisent l’œil par sa taille, mais laissent l’esprit libre de répondre à la conception rythmique de la scène. Le fond fortement symétrique contrecarre toute souplesse inhérente à la ligne courbe de la même manière que les visages inexpressifs des personnes en deuil placent le sujet central à un niveau qui lui est entièrement propre. En tant qu’associés du Christ, les personnes en deuil restent conscients de leur position unique et, indépendamment de leur propension trop humaine au chagrin, elles ont recours à une maîtrise de soi plus stricte que celle offerte aux gens ordinaires. Ainsi, bien qu’ils éprouvent de la douleur comme tout profane, leur souffrance est décrite de manière abstraite et est exprimée par un groupement et une posture prescrits, ainsi que par un effet linéaire rythmique, plutôt que par des gestes individuels douloureux.
La création du rythme
Le sens du rythme si caractéristique de Novgorodien La peinture était déjà présent au XIIe siècle art religieux en Russie. À Novgorod, toutefois, il s’est considérablement développé et devient dès lors un élément fondamental de la peinture russe. Cela est particulièrement évident dans une icône remarquablement intéressante montrant une bataille entre les Novgorodiens et les Suzdaliens en 1170. La peinture date de la première moitié du XVe siècle et a été conservée au musée de Novgorod. L’icône est divisée horizontalement en trois sections, dont la plus basse illustre l’affrontement entre les deux groupes de chevaliers. Ici, le réalisme et les archives historiques font leur apparition dans la peinture d’icônes, mais ils restent soumis à la stylisation la plus sévère. En conséquence, bien que les chevaliers soient des hommes authentiques engagés dans une bataille, ils ne sont pas des individus et la scène de la bataille est complètement irréelle – et donc dépourvue de toute réalité. perspective linéaire ou naturaliste raccourcir – en grande partie en raison de son attachement à l’insistance du style gothique du XVe siècle sur le rythme et la symétrie décorative. Dans cette icône, le rythme est dérivé des courbes des fanions flottants, des cous arqués des chargeurs, des têtes inclinées des coureurs et de leurs casques en forme d’oignon, ainsi que de leurs boucliers arrondis qui contrastent avec les lances rectilignes. bras levés et flèches en équilibre.
Cette détrempe L’icône est pratiquement le seul exemple encore existant de composition décorative russe médiévale, par opposition à une composition byzantine traditionnelle , mais c’est un travail tellement accompli qu’il est difficile de croire qu’il était aussi unique en son temps qu’aujourd’hui. Il est intéressant de le comparer avec le pratiquement contemporain Début de la renaissance pièce de bataille – La bataille de San Romano (1438-55) de Paolo Uccello . Ce dernier nous montre un artiste italien
préoccupé par la nature, l’ancien Russe anonyme absorbé par des effets linéaires; Là où Uccello cherchait à suggérer un mouvement par gestes et actions individuels, le peintre d’icônes a tenté de l’exprimer par une composition et un regroupement rythmiques. Alors que l’Italien s’efforçait de rechercher le portrait, le Russe, qui travaillait dans la tradition byzantine, considérait la forme humaine comme le symbole de la chevalerie et de la rectitude. Pourtant, même si chacun des artistes partait de points aussi divergents, ils aboutirent à des résultats très similaires, car ils transmettent à peu près la même impression claire et nette de l’apparat de la chevalerie et de la guerre médiévales et, en subordonnant le réalisme au pittoresque, précieuses preuves de l’importance que l’Europe du XVe siècle, catholique ou orthodoxe, occidentale ou orientale, attachait à art décoratif . Une importance qui, dans le cas de l’Europe occidentale, explique la popularité de la Gothique international style.
Pskov et Tver
Ce sens décoratif et ce sens aigu du rythme sont également marqués dans les peintures de la ville satellite de Novgorod, Pskov, et de ses avant-postes, tels que Tver. Les villes de Novgorod partageaient le même œil pour la couleur et réussirent presque aussi bien que Novgorod à mélanger des nuances inattendues dans des compositions harmonieuses et curieusement excitantes. À Novgorodian peintures religieuses le choix et la juxtaposition des couleurs sont si audacieux et la qualité si lumineuse qu’il faut les voir pour les imaginer. Une reproduction en noir et blanc, par exemple, ne peut donner aucune idée de leur étendue et de leurs variations; il ne peut que donner une impression de la ferme mais sinueuse dessin , l’esprit délicat, la ferveur religieuse et le naturalisme quelque peu naïf de l’œuvre. Le fait que ces reproductions aient réussi jusqu’à présent est la preuve de la superbe qualité des peintures; même sans la couleur, la peinture novgorodienne n’est guère meilleure qu’un paysage estival luxuriant visible uniquement au clair de lune.
Peintures murales de Nereditsa
Novgorodien peinture murale est imprégné du même esprit et marqué par les mêmes caractéristiques que les icônes. De nombreux beaux exemples ont survécu jusqu’à la Seconde Guerre mondiale, comme par exemple dans l’église de l’Assomption à Bolotovo (1362) ou dans celle de Saint-Théodore Stratélites (1370) à Novgorod, ou dans le cimetière principal de Novgorod (1390). Cette merveilleuse floraison de peinture murale a été introduite de manière appropriée à la fin du XIIe siècle par une série de fresques de l’ église du Sauveur à Nereditsa , aussi remarquables par leur date précoce que par leur grande qualité. Les peintures furent achevées quelques années seulement après la construction de l’église en 1199 et leur destruction lors de la dernière guerre fut une grave perte. Les peintures occupaient l’intégralité des murs de l’intérieur, à l’exception d’une large bande au niveau du sol dont la couleur rappelait celle du marbre. L’espace alloué aux fresques était tellement plus grand que ce qui était habituel que les artistes engagés dans l’œuvre ont dû créer de nouvelles scènes et de nouveaux cycles pour la remplir. En conséquence, l’église était aussi intéressante sur le plan iconographique qu’esthétique.
Les scènes conventionnelles occupaient les espaces prescrits par la tradition byzantine. C’est ainsi que le Pantocrator est apparu dans le dôme, la Vierge Orans et la Communion des Apôtres sur le mur oriental, avec le Jugement dernier sur le mur occidental. Un portrait du donateur, le prince Yaroslav Vladimirovich, a également été inclus, comme cela a parfois été fait à Constantinople, et fréquemment en Serbie, en Bulgarie et à Chypre, bien que les exemples dans ces régions soient pour la plupart plus tardifs. Les particularités iconographiques de la Nereditsa fresques sont importants, mais comme les détails iconographiques intéressent davantage les chercheurs que les amateurs d’art, quatre exemples seulement sont cités ici.
Ainsi, tout d’abord, la Vierge est représentée portant un médaillon de Christ sur sa poitrine. Le plus ancien exemple de ce type connu à ce jour est celui de Bethléem, daté de 1169; Selon Myasoedov, le restaurateur de ces peintures, il est devenu habituel en Russie aux XIVe et XVe siècles. Deuxièmement, la scène montrant le prophète Élie nourri par des corbeaux suit une variante qui est devenue typique de l’art serbe du XIVe siècle. Troisièmement, la scène de la terre qui rend ses morts est incluse dans le Jugement dernier . Enfin, les saints populaires russes, Boris et Gleb, apparaissent pour la première fois à ce jour.
Myasoedov a tracé sept styles principaux dans ces peintures. Le style dominant, semblable à celui des belles peintures murales du vieux Ladoga, était local. Une autre, que Myasoedov a définie comme l’archaïque, rappelle, dans ses couleurs plus vives et ses lignes épurées, les icônes du IXe et du Xe siècle au Sinaï; une troisième, dans laquelle des effets modélisés ont été créés, rappelle les mosaïques de Sainte-Sophie à Salonique. Les œuvres du style purement constantinopolitain sont apparues côte à côte avec un style oriental plus lourd, rappelant les fresques de l’église Saint-Georges d’Ani. Une manière syrienne encore plus lourde était également représentée et une influence occidentale était apparente, notamment dans le traitement de certaines tentures et de certains visages qui ressemblaient à ceux des fresques de Santa Croce in Gerusalemme à Rome; d’autres visages rappellent ceux des peintures de l’église du Quattro Coronati , également à Rome. Ainsi, mis à part l’influence dominante de Novgorodian – et il convient de noter que, sauf un cas, toutes les inscriptions sur ces peintures murales étaient en slavon – le restaurateur n’a trouvé que quelques traces de l’influence de Constantinopolitan, mais beaucoup de Syrie, d’Asie Mineure et d’Asie Mineure. l’ouest. Cela n’est plus surprenant de rappeler que, d’une part, le souverain de Novgorod, l’épouse du prince Yaroslav, Maria, était de race blanche de naissance et que, de l’autre, Yaroslav a signé le premier traité d’amitié entre la Russie et l’Allemagne, en 1199 – dont l’église est datée. Un tel mélange d’éléments étrangers et nationaux était tout à fait conforme à la pratique russe. Néanmoins, quelle que soit la profusion de styles que l’on puisse discerner à Nereditsa, ses fresques ne présentaient assurément qu’une seule entité, essentiellement russe.
Fresques au monastère de Mizhorski
Les fresques un peu plus anciennes de l’ église du Sauveur du monastère de Mizhorski à Pskov (1156) étaient moins cosmopolites. Jusqu’à tout récemment, on pensait que Pskov ne représentait qu’un sous-groupe de l’école de peinture de Novgorodian. Cependant, les récentes découvertes ont révélé des différences considérables entre les deux. Comme cela arrive souvent dans une ville de province, Pskov était beaucoup moins sophistiquée que Novgorod et, même si elle utilisait à peu près les mêmes ingrédients, elle les mélangeait de manière différente et l’influence de la localité avait tendance à être prépondérante. En conséquence, les tendances indigènes sont plus évidentes à Pskov et l’approche spirituelle est purement russe. Il est basé sur la conviction que les saints et les hommes saints, bien que supérieurs aux laïques, sont essentiellement humains. En tant que tels, ils souffrent comme leurs semblables et souffrent de bonheur, ne différant d’eux que par leurs réactions. Cette conception imprègne le tableau de Pskov et lui confère une intimité et une sincérité attrayantes. Au XVe siècle, il s’exprima avec une grande habileté technique. Un nouveau rythme linéaire a intensifié le sérieux spirituel en imposant de sévères contraintes de pose et de geste. Néanmoins, c’est peut-être à Pskov plus que partout ailleurs en Russie que l’austérité byzantine est tempérée par cet humanisme que nous considérons comme caractéristique de la Russie, bien qu’il apparaisse dans l’icône byzantine de la Vierge de Vladimir . Les superbes combinaisons de couleurs de Novgorod étaient peut-être aussi responsables que tout le reste de l’unité et de la beauté des fresques de Nereditsa. Pskov partageait ce sens des couleurs, mais l’exprimait assez différemment. Ainsi, à Mizhorski, les visages étaient fortement modelés de manière intense et profonde. pigments de couleur , de couleur vert olive prédominant, avec des reflets allant de l’ocre à blanc, avec les yeux, le nez et les mains délimités en brun rougeâtre. Alors que Novgorod plaçait ses personnages contre un fond clair, de préférence blanc ou ocre pâle, Pskov préférait les opposer à un bleu intense et aimait voir les contours d’un vert pâle ou jaune pâle d’un paysage lointain. Les draperies lumineuses, comme le blanc ou le vert avec des ombres portées en bleu pâle ou en deux tons de vert, ou le blanc avec des ombres jaunes, étaient les compléments préférés de ces arrière-plans.
Peintures murales au monastère de Snetogorski
Une approche plus émotionnelle caractérise les belles peintures murales du monastère de Snetogorski près de Pskov , datant de 1312. Elle se traduit par une plus grande diversité de gestes et de postures et par la variation des angles d’inclinaison de la tête des saints. Leurs visages étaient allongés et leurs yeux, plongés dans de profondes cavités, regardaient avec une telle intensité que les peintures murales avaient leur propre spiritualité. Les robes étaient plus drapées que d’habitude dans l’art russe, la variété de couleur était remplacée par la variété de nuance, allant par exemple du rose au jaune vif en passant par le rouge vif. En revanche, les gris, les violettes et les bleus sont rares, et dans les scènes nettoyées et restaurées avant la dernière guerre, il n’y avait aucune trace de vert. L’amour du contraste, essentiellement russe, était satisfait par l’accent mis sur les effets de lumière et d’ombre, responsables de la quasi-totalité des rouges tachetés de blanc, tandis que les tons chair étaient soit très sombres, d’une teinte rouge ou violette, ou presque blanche.
Les plus grands représentants de l’école de peinture d’icônes de Novgorod
La richesse et la variété de la peinture novgorodienne sont infinies, mais pratiquement tous les créateurs de ces nombreux chefs-d’œuvre sont restés anonymes et les noms des trois plus grands Maîtres Anciens se démarquer comme un mot parmi les amateurs d’art russe. En Russie, comme en Occident, pratiquement tous les exposants de art chrétien médiéval étaient des moines qui travaillaient pour la gloire de Dieu et leur monastère plutôt que pour leur notoriété personnelle. Celles-ci artistes médiévaux rarement signé leurs peintures sur panneaux, et les trois hommes dont les noms sont réputés dans toute la Russie ne firent pas exception à cette pratique, mais ils étaient des artistes d’un mérite exceptionnel, si bien que leur génie les rendit célèbres et renommés à notre époque. Pour plus de détails, voir:
Des œuvres reflétant le style de l’école de peinture de Novogorod sont visibles dans certains des meilleurs musées d’art en Russie, notamment le musée Vladimir & Souzdal, le musée de Novgorod, le musée d’art occidental et oriental, Kiev (également connu sous le nom de musée d’art Bogdan et Varvara Khanenko) et la galerie Tretyakov.
Si vous remarquez une erreur grammaticale ou sémantique dans le texte, veuillez la spécifier dans le commentaire. Merci!
Vous ne pouvez pas commenter Pourquoi?