Primitivisme, art primitif: définition, caractéristiques Automatique traduire
Définition et caractéristiques
Le terme " art primitif " est une description assez vague (et inévitablement ethnocentrique) qui fait référence aux artefacts culturels des peuples "primitifs", c’est-à-dire aux groupes ethniques réputés avoir un niveau de développement technologique relativement bas par rapport aux normes occidentales.
Il comprend Art africain (subsaharienne), Art Océanique (Îles du Pacifique), Art aborigène (Australie) ainsi que d’autres types de Art rupestre de la préhistoire et aussi Art tribal des Amériques et de l’Asie du Sud-Est, par exemple. La notion de «peuple primitif» remonte à l’ âge de la découverte (à partir de 1500) et est en grande partie (mais pas exclusivement) associée à une vision du monde chrétienne et caucasienne.
Il convient toutefois de noter que le terme "art primitif" n’est généralement pas utilisé pour décrire des œuvres chinoises, indiennes ou islamiques, ni des œuvres de toutes les grandes cultures, y compris les civilisations égyptienne, grecque ou romaine.
Le terme " primitivisme ", qui est apparu dans beaux arts à la fin du XIXe siècle, est utilisé pour décrire tout art caractérisé par des images et des motifs associés à cet art primitif. Marqué par des formes ethnographiques, souvent de grande puissance visuelle, ce primitivisme artistique date des années 1890, quand il apparaît dans les peintures tahitiennes de Paul Gauguin (1848-1903), et a rapidement conduit à une tendance parmi les artistes français et allemands de l’avant-garde expressionniste. En effet, plusieurs ont commencé à visiter des collections d’artefacts ethnologiques: en 1902, le sculpteur américano-britannique Jacob Epstein a visité le musée du Trocadéro à Paris, tout comme Derain et Vlaminck en 1904-1905, et Picasso en 1907; en 1903 et 1906, Ernst Ludwig Kirchner visita la collection d’ethnologie à Dresde; En 1907, Kandinsky vit la nouvelle collection d’expositions primitives à Berlin, également visitée par Schmidt-Rottluff, Franz Marc et d’autres.
Influence du primitivisme sur l’art occidental
À partir de 1906, les concessionnaires aiment Paul Guillaume, ainsi que des artistes comme Matisse, Picasso, Derain et Braque, ont commencé à acheter des masques et des figurines tribaux africains. En conséquence, l’influence de "l’art nègre" sur la peinture et la sculpture est devenue assez visible à Paris après 1907, et à Berlin, Dresde et Londres après 1912. En 1920, il était devenu pratiquement universel et se poursuivit jusqu’au début des années, L’art indien et esquimau est devenu une source d’inspiration majeure pour les surréalistes et leurs adeptes.
Parmi les artistes les plus influencés par le primitivisme se trouvaient les expressionnistes allemands Emil Nolde (1867-1956) et Max Pechstein (1881-1955), le fauviste Henri Matisse (1869-1954), le sculpteur roumain moderne Constantin Brancusi (1876-1957), le sculpteur britannique Jacob Epstein (1880-1959), le portraitiste et sculpteur italien basé à Paris Modigliani (1884-1920), et Pablo Picasso (1881-1973), parmi beaucoup d’autres. Le primitivisme russe a eu un impact majeur sur Natalia Goncharova (1881-1962) qui ont développé un style appelé art néo-primitiviste. L’impact de l’art primitif africain, océanien, autochtone et autre art dit sur les artistes occidentaux se poursuit de nos jours et englobe un certain nombre de formes, notamment la peinture, la sculpture, l’assemblage, art corporel (tel que peinture de visage et Body painting), le tatouage, la sculpture sur bois et autres.
Sculptures et peintures primitivistes
Bien que les peintres aient été les premiers à s’intéresser au primitivisme, son impact le plus important a été sur la sculpture. Le peintre fauviste André Derain a même appris à sculpter du calcaire afin de produire des œuvres de style primitif. Parmi les plus grandes œuvres d’art créées de manière primitive, on peut citer:
Les plus grandes sculptures de style primitif
Les plus grandes peintures de style primitif
Primitives: Art naïf / outsider
En outre, le terme "primitivisme" est également utilisé pour décrire un art créé par des " primitifs " – le nom donné à certains artistes, généralement autodidactes, dont les peintures sont généralement de formes et de couleurs simples, et dépourvues de motifs classiques tels que le clair-obscur, perspective linéaire et d’autres types de proportionnalité. Caractérisée par des images enfantines, cette catégorie d’art primitif de style occidental est également connue sous le nom de " Art outsider ", " Art naïf ", ou Art brut ("art brut") et est illustré par le travail de Henri Rousseau ’Le Douanier’ (1844-1910): voir, par exemple, ses chefs-d’œuvre La gitane endormie (1897) et Le rêve (1910), tous deux au Museum of Modern Art de New York. Les autres artistes primitifs incluent: Paul Klee (1879-1940), Mikhail Larionov (1881-1964), LS Lowry (1887-1976), Jean Dubuffet (1901-1985), Frida Kahlo (1907-1954), Asger Jorn (1914-1973), Karel Appel (1921-2006) et d’autres membres de l’avant-garde européenne des années 50. La Collection de l’Art Brut de Jean Dubuffet – située à Lausanne en Suisse – constitue la plus grande collection d’art brut de l’artiste. La Musgrave Kinley Outsider Art Collection, au Musée irlandais des arts modernes, présente des œuvres d’artistes tels que Aloise, Henry Darger, Madge Gill, Hauser, JB Murry, Oswald Tschirtner, Van Genk, Wolfli, Zemankova, et d’autres.
L’art préhistorique n’est pas du primitivisme
Toutes les sculptures (par exemple. Figurines Vénus) et la peinture (par exemple. peinture rupestre) créé pendant l’ère paléolithique (âge de la pierre) – c’est-à-dire jusqu’à 10 000 ans avant notre ère – est classé comme Art préhistorique. Puisque tous les humains de cette période ont vécu une existence primitive, le terme "art primitif" ne s’applique pas à l’âge préhistorique. (Voir également: Chronologie de l’art préhistorique.)
Partie intégrante de l’histoire et de la culture
Notez cependant que l’art n’est pas un phénomène isolé. Cela fait partie d’une culture liée à l’histoire de la culture et à l’histoire des gens. Par conséquent, nous devrions considérer l’art primitif comme un simple terme général couvrant une variété de phénomènes historiques; les produits de différentes races, mentalités, tempéraments, événements historiques et influences de l’environnement. Chaque peuple, même primitif, a développé un style spécifique en donnant la préférence à certains objets et motifs ou à certains arrangements de lignes et d’espaces.
Le primitivisme opposé à l’art académique
Les effets déshumanisants de l’industrialisation du XIXe siècle, combinés au carnage de la Grande Guerre (1914-18), ont amené nombre d’artistes à être désillusionnés par la culture et les valeurs de leur propre société qu’ils considéraient comme corrompue et en faillite morale. Beaux-arts – surtout les officiels " art académique "enseigné dans les académies – a été identifié à ces valeurs corrompues. En comparaison, l’art" primitif "semblait plus spontané, plus honnête et plus chargé d’émotion.
Primitivisme et Esthétique
Classer un tableau ou une sculpture comme "primitif" présuppose l’existence d’un art "non primitif". Comment devrions-nous décrire une telle catégorie d’art "non primitif"? – moderniste? Progressive? Technologiquement avancé? Aucune de ces descriptions ne semble satisfaisante. Peut-être parce qu’il n’y a pas une telle catégorie. Après tout, esthétique n’est pas une science – il n’existe pas de «beauté avancée» ou de «beauté primitive».
Nous apprécions le plus l’art qui nous soit familier
Très souvent, il semble qu’une jouissance complète de la beauté ne soit possible que lorsque nous sommes confrontés à une œuvre d’art qui appartient à notre propre type de culture ou qui, du moins superficiellement, est liée à notre propre esthétique ou à notre idéal de beauté artistique. Les combinaisons de formes et de couleurs développées par les civilisations étrangères peuvent avoir de nombreux attraits, mais elles restent enveloppées dans une atmosphère mystérieuse qui peut nous être tout à fait étrangère.
Des œuvres reflétant le style du "primitivisme" peuvent être vues dans certains des meilleurs musées d’art dans le monde.
Le mauvais art n’est pas un art primitif
Comme la première étape de toute chose est généralement non développée et inachevée, le mot "primitif" a pris un sens populaire, désignant quelque chose de grossier – manquant à un certain accord de lignes, d’espaces ou de couleurs, qui est la source de notre sensation émotionnelle regardez une véritable œuvre d’art. Le "travail primitif", en ce sens, peut être simplement le travail d’un bungler qui manque d’inspiration artistique et de compétence technique, auquel cas il n’a rien à voir avec une véritable primitivité mais est simplement un mauvais art sans même une valeur documentaire pour le recommander.. D’autre part, si c’est l’œuvre d’un sauvage ou d’un enfant, cela aura une certaine importance au moins en tant que preuve génétique ou psychologique.
La mode dicte l’esthétique
Un style artistique n’est pas un phénomène statique, mais dynamique, lié à une période de développement culturel spécifique. C’est un fait établi qu’il existe une certaine périodicité des styles artistiques, correspondant à une périodicité des goûts. Il n’est pas certain que le style et la réaction émotionnelle qui en découle soient conditionnés l’un par l’autre. La caractéristique la plus évidente du goût artistique moderne est la simplicité. Vivant dans un monde extrêmement complexe, bruyant et mécanisé au point de rupture, l’homme du XXe siècle développa une forte tendance à la simplicité – simplicité des formes extérieures de la vie quotidienne, aversion pour les ornements d’architecture, de mobilier et d’ustensiles, et préférence pour la primitivité et spontanéité plutôt que raffinement et sophistication. C’est pourquoi la simplicité de nombreux arts primitifs le séduit si vivement. Le critique GA Stevens a écrit: "L’art primitif est la forme la plus pure et la plus sincère de art il peut y en avoir, en partie parce qu’il est profondément inspiré par des idées religieuses et par une expérience spirituelle, et en partie parce qu’il est totalement inconscient en tant qu’art; il n’y a pas de trucs qui puissent être acquis par les indignes, ni d’exercices techniques qui puissent se faire passer pour des œuvres d’inspiration. Un tel jugement n’est toutefois justifié que par des sections relativement limitées de l’art des races primitives. En réalité, l’artiste «primitif» n’est pas toujours aussi naïf qu’on voudrait le penser.
Quelles sont les caractéristiques de l’art primitif?
❶ technique
Des moyens techniques inadéquats ne sont pas nécessairement caractéristiques de "l’art primitif". Au contraire, les matériaux dans lesquels l’artiste primitif travaille – la pierre, l’ivoire, l’os, le bois, le jour et le métal – sont en grande partie identiques à ceux de l’artiste européen. Même en peinture, les pigments de couleur provenant des minéraux, des légumes et même des animaux sont souvent similaires. Les moyens dont dispose l’artiste primitif appartiennent à son niveau culturel et à son environnement. Dans un sanctuaire ou un temple africain, une peinture à l’huile sur toile serait à la fois historiquement fausse et esthétiquement déplaisante. Les méthodes primitives varient considérablement, mais nous trouvons des techniques similaires appliquées dans des domaines totalement différents. La méthode de sculpture sur bois, par exemple, consiste principalement à couper, et non à sculpter. L’outil est une sorte de herminette. Le résultat dans la pièce finie est une surface à facettes montrant les marques non rabotées de l’outil. Cette technique est répandue en Afrique occidentale et australe, en Nouvelle-Guinée et en Amérique du Nord-Ouest. Le but de l’artiste primitif est un travail de qualité. Les conditions dans lesquelles il travaille sont différentes de celles de son collègue "civilisé". Avant de pouvoir commencer un travail artistique, il doit d’abord collecter, fabriquer et préparer ses outils et son matériel, et il doit généralement le faire seul. Prenons, par exemple, le peintre indien d’Amérique du Nord. Parmi les Indiens des Plaines, ce sont les femmes qui sont responsables du type géométrique d’art décoratif. Les hommes se limitent à des peintures représentatives. Dans les deux cas, des plantes ou des minéraux doivent être collectés pour fournir les peintures. Ils doivent ensuite être bouillis ou moulus et mélangés avec la taille ou la graisse pour fixer le pigment. Une peau de buffle doit ensuite être soigneusement préparée et la surface rendue aussi lisse que possible pour la peinture. Même après un processus préparatoire très compliqué, la surface est encore si rugueuse que les contours doivent d’abord être enfoncés dans le sol avant que le dessin proprement dit puisse être effectué, et le dessin doit être répété plusieurs fois pour bien enfoncer le pigment dans la peau. Par conséquent, une image polychrome est en réalité une gravure colorée plutôt qu’un simple dessin. La réparation nécessite un autre processus compliqué, mais cela ne s’applique que dans les conceptions géométriques. Tout ce travail préparatoire nécessite un travail artisanal et est en grande partie mécanique. Ainsi était le travail d’un peintre européen dans les temps anciens. Aujourd’hui, vous pouvez acheter du matériel d’art de tout type. Seuls les sculpteurs sont encore attachés à un travail artisanal considérable.
D’une manière générale, l’artiste primitif est confronté à une tâche technique difficile. Cela ne signifie toutefois pas qu’il n’est pas un véritable artiste qui a sa propre inspiration artistique, parfois même authentique. Il y a de nombreuses années, le professeur Franz Boas de l’Université de Columbia a rencontré un Indien de l’île de Vancouver qui avait été un bon peintre, même si ses œuvres étaient dans le style traditionnel de la côte nord-ouest. Cet Indien était si gravement malade qu’il a été confiné à son lit. Mais pendant sa maladie, il s’asseyait en tenant son pinceau entre ses lèvres, silencieux et apparemment inconscient de son environnement. On pouvait difficilement l’inciter à parler, mais lorsqu’il parlait, il se dilatait dans ses visions de projets qu’il ne pouvait plus exécuter. Sans aucun doute, c’était «l’esprit et l’attitude d’un véritable artiste inspiré». Ce lien intime avec un savoir-faire solide semble être la raison pour laquelle l’artiste primitif a si souvent du succès. L’artiste primitif sait non seulement exactement ce qu’il veut depuis le début, mais continue avec une constance inébranlable jusqu’à ce qu’il soit atteint.
❷ vision
Il a été suggéré que l’absence de perspective et d’autres dispositifs esthétiques fait que même les arts primitifs de haute qualité ont tendance à nous paraître soit grotesques, soit monotones au premier contact avec eux. Cela peut être valable pour certains arts primitifs, mais cela ne peut être accepté par tous. Vu la grande variété de types tout à fait différents; les généralisations sont dangereuses. De même, les déviations violentes par rapport à la réalité ne peuvent pas être considérées comme caractéristiques d’une vision purement primitive, car elles se retrouvent également dans l’art de cultures hautement développées. Ceci est particulièrement vrai du manque de perspective que l’on trouve dans l’art égyptien, byzantin et gothique, mais cela se voit également dans la proportion arbitraire de membres dans les figures peintes par Botticelli ou El Greco. D’autre part, des artistes de brousse sud-africains et paléolithiques ont produit de remarquables tentatives de raccourcissement, de chevauchement de couleurs, de perspective linéaire et d’ombrage des couleurs. En effet, certains artistes primitifs ont atteint le plus haut niveau de représentation réaliste. Les peintures et dessins de Bushman nous interpellent vivement car nous n’avons aucune difficulté à les comprendre. Ce type d’art graphique rappelle le nôtre. C’est simple et non sophistiqué. Par conséquent, nous trouvons ces œuvres naïves et "primitives" au sens de l’appréciation. Nous n’avons pas à appliquer de vision nouvelle ou inhabituelle, car à la longue l’artiste primitif, comme l’artiste européen, travaille à partir de la vie. Il est vrai qu’une grande partie de l’art primitif a évidemment été travaillée de mémoire et que les dieux, les démons et les créatures fantastiques sont des produits de l’imagination de l’artiste, bien que certains détails puissent être dérivés de formes réelles. Mais d’innombrables œuvres d’art, en particulier des sculptures d’Afrique, des mers du Sud et d’Amérique, sont tellement réalistes et individuelles qu’on peut supposer avec certitude que les artistes travaillaient réellement à partir de la nature. Surtout, les sculpteurs de l’ancien Mexique et du Pérou (qui étaient loin d’être très primitifs) ont dû regarder directement vers la nature et leurs œuvres sont en fait des chefs-d’œuvre du portrait. En Afrique, les belles têtes d’Ife sont sans aucun doute des portraits de vie, bien que des influences étrangères puissent expliquer ce niveau de sculpture extraordinairement élevé. Mais nous trouvons des portraits de vie parmi des tribus africaines encore plus primitives, en Côte d’Ivoire, dans les parcs du Cameroun et dans le bassin du Congo. Le portrait existe aussi dans la région du Pacifique. Les Maoris de Nouvelle-Zélande ont mis au point ce que l’on peut appeler un portrait «schématique», grâce auquel les schémas de tatouage, moyen d’identification infaillible, permettaient de préserver la mémoire de chaque ancêtre par le biais d’une représentation imagée.
Les termes art "réaliste" ou "naturaliste" s’appliquent généralement à des travaux réalisés à partir de la vie et sont donc fidèles à la nature. Mais leur signification, bien que suffisamment définie en sculpture, tend à devenir ambiguë lorsqu’elle est appliquée aux arts graphiques. Si nous parlons de peinture naturaliste, nous entendons par là qu’elle est fidèle à l’impression optique du modèle telle qu’observée à un moment donné sous un angle donné. Mais dans un sens différent du terme, nous pouvons parler de naturalisme ou de réalisme si un artiste représente tous les détails qui existent réellement, non seulement ceux qu’il peut voir en ce moment, mais ceux qu’il sait être présents. Dans la plupart des arts primitifs, le réalisme est de ce type. On peut soutenir que son développement atteint son point culminant dans les dessins aux rayons X de l’Australie, de la Mélanésie et des régions côtières de la Colombie-Britannique et du sud de l’Alaska. Ici, l’artiste décrit tous les détails du corps, y compris la colonne vertébrale, les côtes et les organes internes, car il considère ceux-ci comme non moins importants que les caractéristiques de l’apparence extérieure de l’homme. Cette méthode étonnante provient souvent des intérêts matériels de l’artiste dans certains détails, plutôt que de toute appréciation esthétique.
Dans l’Amérique du Nord-Ouest, des peintures murales monumentales représentant des épaulards (ou d’autres animaux) se distinguent par le rendu de vertèbres et de côtes. La représentation stylisée du joint est typique de tous les arts graphiques nord-américains. Cette méthode visuelle étrange est restreinte à quelques régions de la zone du Pacifique et est supposée être l’un des signes indiquant que ce district a pu être affecté par des influences occidentales à une époque lointaine du passé. Un tel réalisme intellectuel ne peut prétendre être naïf ou simple. C’est (paradoxalement) un type sophistiqué de primitivité.
L’accentuation de certaines caractéristiques d’une figure conduit souvent à en négliger d’autres, de sorte que la représentation réaliste est progressivement abandonnée. Il est finalement remplacé par le symbolisme, où quelques traits caractéristiques suffisent à transmettre l’idée d’un objet et peuvent être stylisés et transformés en signes conventionnels. À un stade de développement extrême, une griffe isolée et une seule aile peuvent symboliser un corbeau. Mais ici, nous sommes déjà sortis du domaine de l’art naturaliste pour entrer dans la sphère du design abstrait ou conventionnel.
Les formes géométriques se retrouvent à la fois dans les dessins décoratifs et sous forme de motifs dans les textiles et la vannerie. La variété de ces motifs est infinie, bien que certains d’entre eux, tels que les bandes de zig-zag, les frettes, les triangles, divers types de croix, etc., soient fréquents chez des peuples totalement différents. Ils sont en fait presque universels et n’indiquent pas nécessairement de relation historique entre les différents arts dans lesquels ils se produisent: nous trouvons des frettes à quatre carrés, par exemple, non seulement dans la Grèce antique et la Chine, mais également chez les Indiens d’Amérique du Sud., Mélanésiens, Bantous d’Afrique et autres peuples africains. Mais par une certaine combinaison de motifs, si communs que soient les éléments individuels, l’artiste produit un style spécifique de coloration nationale marquée qui permet d’attribuer un objet décoré à un certain peuple et souvent à une certaine période. Ceci, bien sûr, est valable pour l’étude de l’art en général et ne se limite pas à l’art primitif.
Dans de nombreux cas, les motifs décoratifs sont censés symboliser les objets matériels – animaux, plantes, etc. – qui leur ont été nommés. Le lien entre le motif et sa signification symbolique se présente de deux manières; soit par la simplification délibérée d’un dessin représentatif comme dans l’Amérique du Nord-Ouest, soit inversement par l’observation de ressemblances fortuites entre le motif géométrique et son interprétation naturaliste.
Dans les dessins décoratifs des tribus indiennes du Xingu supérieur du Matto Grosso (Brésil), deux motifs particuliers prédominent: un simple triangle noir équilatéral appelé uluri et un parallélogramme aux quatre angles marqués par de petits triangles équilatéraux. Ce dernier modèle s’appelle le mereshu. C’est le nom d’un poisson de forme presque carrée, semblable à une plie. Les quatre triangles noirs dans les angles représentent alors la tête, la nageoire dorsale, la nageoire caudale et la nageoire ventrale. Uluri est le nom donné à la seule robe portée par les femmes de la tribu, en réalité une protection hygiénique contre les insectes, plutôt qu’un vêtement. Il consiste en un morceau de feuille de palmier plié en forme de triangle équilatéral couvrant à peine deux pouces carrés et se terminant par une bande périnéale attachée à une ficelle qui sert de ceinture.
Le professeur Max Schmidt (défunt du Musée ethnographique de Berlin) a montré que les modèles uluri et mereshu sont tous deux apparus de manière fortuite dans un vannerie tressée, qui est le principal artisanat des tribus Xingu. Ils résultent en particulier de l’utilisation de bandes de feuilles de palmier claires et sombres se croisant selon diverses combinaisons. Il est donc clair que les deux noms doivent avoir été appliqués plus tard, après que l’association des idées ait été stimulée par l’apparition des motifs.
Ainsi, la technique particulière utilisée par les artisans a souvent conduit au développement de motifs symboliques et d’un style ornemental spécifique. Les ressemblances fortuites peuvent facilement produire des associations qui donnent à un artiste susceptible l’incitation soit d’élaborer un objet naturel en une représentation plus complète de quelque chose auquel il ressemble déjà, soit simplement de le prendre comme modèle. Il a été suggéré que les premiers artistes de l’âge de pierre aient été inspirés par d’étranges formes naturelles, telles que des pierres aux formes curieuses ou des promontoires rocheux. Un jour, à Londres, un antiquaire m’a montré une pierre en forme de tête de taureau, longue d’environ deux pouces et demi, qu’il considérait comme un exemple de sculpture paléolithique. Cet objet avait en fait une ressemblance étonnante avec un taureau, mais il a prouvé qu’après une inspection minutieuse, il s’agissait d’une formation naturelle, et cette ressemblance était purement accidentelle.
Non seulement la forme mais aussi la couleur du matériau utilisé en sculpture peuvent influencer l’inspiration de l’artiste. Pour prendre exemple sur une haute sphère culturelle: les Chinois, qui ont un goût particulier pour travailler la pierre dure de différentes couleurs (jade, agate, calcédoine, quartz rose, etc.), adaptent souvent la forme et la coloration accidentelles de la pierre. d’une manière incroyablement habile dans leurs vaisseaux et leurs figures sculptés. Si, par hasard, un morceau d’agate blanche révèle une tache ou une veine rouge, le tailleur de pierres peut produire un vase blanc entouré d’un spray cerise, et il le fait en sorte que la tache rouge donne l’effet de la cerise. De même, une veine verte peut l’inspirer pour représenter une grenouille ou un lézard.
Les généralisations sont particulièrement dangereuses en ce qui concerne l’effet suggestif des formes techniques. Parmi les Indiens de Guyane, nous trouvons le même type de corbeille tressée que dans d’autres casseroles d’Amérique du Sud, mais ici des bandes sombres et claires sont délibérément et très habilement agencées pour représenter des figures animales (généralement des jaguars et des serpents), de sorte qu’il plus une question d’effets accidentels et leur interprétation ultérieure.
L’appréciation des effets de la décoration artificielle dépasse dans une certaine mesure les limites de la race humaine. L’homme dans son état inculte le plus ancien peut avoir été impressionné par la beauté telle qu’elle se produit dans la nature bien avant qu’il ait commencé à produire des formes artistiques ou à imiter les lignes et les figures se produisant dans son environnement naturel. Certains peuples primitifs d’aujourd’hui ont une appréciation évidente des beautés de la nature, et il existe des tribus en Mélanésie qui, dans leur art décoratif, tentent de dépeindre même des phénomènes tels que l’arc-en-ciel et la luminosité de la mer par des ornements symboliques et non un style naturaliste. Pour apprécier pleinement une œuvre d’art, elle doit être vue autant que possible dans le cadre pour lequel elle a été créée.
Cela est particulièrement vrai de l’art primitif en raison de son contexte culturel étrange et totalement différent. La statue d’un ancêtre ou d’une divinité dans des conditions de lumière africaines, et destinée à rester toujours dans l’ombre d’un sanctuaire ou d’un temple, ne peut produire le même effet lorsqu’elle a été retirée de son environnement initial et exposée dans un vitrine dans une salle européenne. D’autres effets de lumière et d’ombre peuvent apparaître et ne pas être moins attrayants, mais ils ne sont pas originaux et ajoutent une note étrangère à la statue.
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COMMENTAIRES: 1 Ответы
Добрый день, кто такой Нил Коллинз? не могу найти про него информацию про него.
Vous ne pouvez pas commenter Pourquoi?