Primitivisme, art primitif:
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Le terme « Art primitif» est une description plutôt vague (et inévitablement ethnocentrique) qui se réfère aux artefacts culturels de groupes ethniques considérés comme ayant un niveau de développement technologique relativement faible par rapport aux normes occidentales.

Il comprend l’art africain (subsaharien), l’art océanique (îles du Pacifique), l’art aborigène (Australie), ainsi que d’autres types d’art rupestre préhistorique et d’art tribal (par exemple, des Amériques et de l’Asie du Sud-Est). Le concept de peuple «primitif» est apparu à l’époque des découvertes (vers 1500) et est largement (mais pas exclusivement) associé à la vision chrétienne du monde caucasien.

Le terme «art primitif» n’est généralement pas utilisé pour décrire les œuvres d’art chinoises, indiennes ou islamiques, ni les œuvres d’aucune des grandes cultures, y compris les civilisations égyptienne, grecque ou romaine.

Le terme « Primitivisme», né dans les beaux-arts à la fin du 19e siècle, est utilisé pour décrire tout art caractérisé par des images et des motifs associés à l’art primitif. Marqué par des formes ethnographiques, souvent d’une grande puissance visuelle, ce primitivisme artistique trouve son origine dans les années 1890, lorsqu’il apparaît dans les peintures tahitiennes de Paul Gauguin (1848-1903), et suscite rapidement un courant chez les artistes expressionnistes français et allemands d’avant-garde. Certains d’entre eux commencent à visiter des collections de pièces ethnologiques : En 1902, le sculpteur anglo-américain Jacob Epstein visite le musée du Trocadéro à Paris, tout comme Deren et Vlaminck en 1904-5, et Picasso en 1907 ; en 1903 et 1906, Ernst Ludwig Kirchner visite la collection ethnologique de Dresde ; en 1907, Kandinsky voit la nouvelle collection d’objets primitifs de Berlin, visitée également par Schmidt-Rottluff, Franz Marc et d’autres.

L’influence du primitivisme sur l’art occidental

À partir de 1906, des marchands comme Paul Guillaume, ainsi que des artistes comme Matisse, Picasso, Derain et Braque, commencent à acheter des masques et des statuettes de tribus africaines. En conséquence, l’influence «de l’art nègre» sur la peinture et la sculpture devient très visible à Paris après 1907, et à Berlin, Dresde et Londres après 1912. Elle est devenue presque universelle en 1920 et s’est poursuivie jusqu’au début des années 1930, lorsque l’art océanique, amérindien et esquimau est devenu une source d’inspiration majeure pour les surréalistes et leurs disciples.

Parmi les artistes les plus influencés par le primitivisme figurent les expressionnistes allemands Emil Nolde (1867-1956) et Max Pechstein (1881-1955), le fauviste Henri Matisse (1869-1954), le sculpteur roumain contemporain Constantin Brancusi (1876-1957), le sculpteur britannique Jacob Epstein (1880-1959), le portraitiste et sculpteur italien parisien Modigliani (1884-1920), Pablo Picasso (1881-1973) et bien d’autres. Le primitivisme russe a exercé une influence majeure sur Natalia Goncharova (1881-1962), qui a développé un style d’art néo-primitiviste. L’influence de l’art africain, océanien, aborigène et d’autres arts dits primitifs sur les artistes occidentaux se poursuit encore aujourd’hui et englobe un certain nombre de formes, notamment la peinture, la sculpture, l’assemblage, l’art corporel (par exemple, la peinture faciale et la peinture corporelle), le tatouage, la sculpture sur bois et d’autres encore.

Sculptures et peintures primitivistes

Si les artistes ont été les premiers à s’intéresser au primitivisme, c’est sur la sculpture qu’il a eu le plus d’impact. Le peintre fauviste André Derain a même appris à tailler la pierre calcaire pour créer des œuvres dans le style primitiviste. Parmi les plus grandes œuvres d’art créées de manière primitive, on peut citer les suivantes :

Les plus grandes sculptures de style primitif

Oviri («Sauvage») (1891-93) de Paul Gauguin.
Personnage recroquevillé (1907) André Derain.
Nu debout (1907) Andre Deren.
Baiser (1908) Constantin Brancusi.
Femme dansant (1908-12) de Ernst Ludwig Kirchner.
Muse endormie (1910) de Constantin Brancusi .
Premier pas (1913) de Constantin Brancusi.
Danseuse aux pierres rouges (1913) de Henri Gaudier-Brzeska.
Tête hiératique d’Ezra Pound (1914) de Henri Gaudier-Brzeska .
Assunta (1921) Georg Kolbe.
Adam (1938) L’étonnante statue de Néandertal de Jacob Epstein.
Femme accroupie (Adieu) d’Henri Laurens.
Jacob et l’ange (1940-41) de Jacob Epstein.
Le babouin et le jeune (1952) de Pablo Picasso.
Tête fendue (1963) Sculpture en bronze de style île de Pâques par Cesar .

Les plus grands tableaux du style primitif

«Lune et Terre» (1893, MoMA, New York) de Paul Gauguin - œuvre dans laquelle Gauguin identifie le corps féminin non civilisé aux rythmes serviles et aux forces régénératrices de la terre.
«Avignon Demoiselles» (1907, MoMA, New York) - l’œuvre cubiste révolutionnaire de Pablo Picasso basée sur des formes d’art africaines.
Danse (1910, musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg) - peinture monumentale bleu-orange-vert de Matisse.
Caryatide (1912, Musée d’art Sogetsu, Tokyo), l’une des nombreuses peintures «primitivistes» d’Amedeo Modigliani.
«Jeunes gens de Papouasie» (1913-14, Musée d’État, Berlin), une peinture expressive d’Émile Nolde dans laquelle les figures des habitants sont juxtaposées à des vagues déferlantes.

En outre, le terme «primitivisme» est également utilisé pour décrire l’art créé par « les primitifs», un nom donné à certains artistes, généralement autodidactes, dont les peintures sont généralement simplifiées dans la forme et la couleur, et dépourvues de motifs traditionnels tels que le clair-obscur, la perspective linéaire et d’autres types de proportionnalité.

Caractérisée par une imagerie enfantine, cette catégorie d’art primitif de style occidental est également connue sous le nom de «art outsider», «art naïf» ou art brut («art brut») et illustre l’œuvre de Henri Rousseau «Le Douanier» (1844-1910) : Voir, par exemple, ses chefs-d’œuvre «Sleeping Gypsy» (1897) et «Dreaming» (1910), tous deux au Museum of Modern Art, New York. Parmi les autres artistes primitivistes figurent Paul Klee (1879-1940), Mikhail Larionov (1881-1964), L.S. Lowry (1887-1976), Jean Dubuffet (1901-1985), Frida Kahlo (1907-1954), Asger Jorn (1914-1973), Karel Appel (1921-2006) et d’autres représentants de l’avant-garde européenne des années 1950. La plus grande collection d’art brut est la Collection Jean Dubuffet «Collection de l’Art Brut», située à Lausanne, en Suisse. Une collection plus petite est la Musgrave Kinley Collection of Outsider Art au Musée irlandais d’art moderne (IMMA), qui comprend des œuvres d’artistes tels que Aloise, Henry Darger, Madge Gill, Hauser, J.B. Murry, Oswald Tschirtner, Van Genk, Wolfley, Zemankova et d’autres.

L’art préhistorique n’est pas du primitivisme

Toutes les sculptures (par exemple, figurines de Vénus) et les peintures (par exemple, art rupestre) créées au cours du Paléolithique (âge de la pierre) - c’est-à-dire avant 10 000 ans avant notre ère. - sont classées comme art préhistorique . Étant donné que tous les peuples de cette période menaient des modes de vie primitifs, le terme «art primitif» ne s’applique pas à l’ère préhistorique. (Voir aussi : Chronologie de l’art préhistorique .)

Partie intégrante de l’histoire et de la culture

Notons toutefois que l’art n’est pas un phénomène isolé. Il fait partie de la culture, il est lié à l’histoire de la culture et à l’histoire d’un peuple. Par conséquent, nous devons considérer l’art primitif comme un terme général couvrant toute une série de phénomènes historiques, produits de différentes races, mentalités, tempéraments, événements historiques et influences environnementales. Chaque peuple, aussi primitif soit-il, a développé un style distinctif, privilégiant certains objets et motifs ou une certaine disposition des lignes et des espaces.

Le primitivisme par opposition à l’art académique

Les effets déshumanisants de l’industrialisation du 19e siècle combinés au carnage de la Grande Guerre (1914-18) ont provoqué la désillusion d’un certain nombre d’artistes face à la culture et aux valeurs de leur propre société, qu’ils considéraient comme corrompue et sans morale. Les arts visuels - en particulier l’art académique officiel «» enseigné dans les académies - se sont identifiés à ces valeurs corrompues. En comparaison, l’art «primitif» semblait plus spontané, plus honnête et plus intense sur le plan émotionnel.

Primitivisme et esthétique

La catégorisation d’une peinture ou d’une sculpture comme «primitive» présuppose l’existence d’un art «non primitif». Comment décrire une telle catégorie d’art «non primitif»? - Moderniste? Progressiste? Technologiquement avancé? Aucune de ces descriptions ne semble satisfaisante. Peut-être parce qu’une telle catégorie n’existe pas. Après tout, l’esthétique n’est pas une science - il n’existe pas de beauté «avancée» ou de beauté «primitive».

Nous apprécions davantage l’art qui nous est familier

Très souvent, il semble que la pleine jouissance de la beauté n’est possible que lorsque nous rencontrons une œuvre d’art qui appartient à notre propre lignée culturelle ou qui est au moins superficiellement liée à notre propre esthétique ou à nos idéaux de beauté artistique. Les combinaisons de formes et de couleurs créées par des civilisations étrangères peuvent avoir beaucoup d’attraits, mais elles restent enveloppées d’une atmosphère mystérieuse qui peut nous être totalement étrangère.

Des œuvres reflétant le style «du primitivisme» peuvent être vues dans certains des plus beaux musées d’art du monde.

Un mauvais art n’est pas un art primitif

Le premier stade d’une chose étant généralement peu développé et inachevé, le mot «primitif» a pris un sens populaire pour désigner quelque chose de grossier, dépourvu de cette certaine harmonie de lignes, d’espaces ou de couleurs qui est à l’origine de nos sensations émotionnelles lorsque nous regardons une véritable œuvre d’art. Une œuvre primitive» dans ce sens peut être simplement l’œuvre d’un fainéant qui manque d’inspiration artistique ou d’habileté technique, auquel cas elle n’a rien à voir avec une véritable primitivité, mais est simplement du mauvais art sans même une valeur documentaire à recommander.

En revanche, s’il s’agit de l’œuvre d’un sauvage ou d’un enfant, elle aura une certaine valeur, au moins en tant que preuve génétique ou psychologique.

La mode dicte l’esthétique

Le style artistique n’est pas un phénomène statique mais dynamique, associé et changeant avec une période particulière du développement culturel. Il a été établi qu’il existe une sorte de périodicité des styles artistiques correspondant à la périodicité des goûts. Il n’est pas clair dans quelle mesure le style et la réaction émotionnelle à celui-ci sont conditionnés l’un par l’autre.

La caractéristique la plus évidente du goût artistique contemporain est la simplicité. Vivant dans un monde très complexe, bruyant et mécanisé à l’extrême, l’homme du vingtième siècle a développé une forte tendance à la simplicité - simplicité dans les formes extérieures de la vie quotidienne, aversion pour l’ornementation dans l’architecture, le mobilier et les ustensiles, préférence pour la primitivité et la spontanéité plutôt que pour le raffinement et la sophistication.

C’est pourquoi la simplicité de nombreux arts primitifs est si attrayante pour lui. Le critique G.A. Stevens a écrit un jour : "L’art primitif est la forme la plus pure et la plus sincère d’art qui puisse exister, en partie parce qu’il est profondément inspiré par des idées religieuses et une expérience spirituelle, et en partie parce qu’il est entièrement inconscient en tant qu’art, qu’il n’y a pas d’astuces qui puissent être acquises par des personnes indignes, ni d’exercices techniques qui puissent se faire passer pour des œuvres d’inspiration."

Un tel jugement n’est cependant justifié que par les sections comparativement limitées de l’art des races primitives. En effet, l’artiste «primitif» n’est pas toujours aussi naïf qu’on voudrait le croire.

Quelles sont les caractéristiques de l’art primitif?

❶ Technique

L’insuffisance des moyens techniques n’est pas nécessairement caractéristique de «l’art primitif». Au contraire, les matériaux à partir desquels l’artiste primitiviste travaille - pierre, os, bois, métal - sont essentiellement les mêmes que ceux utilisés par l’artiste européen. Même en peinture, les pigments colorants issus de minéraux, de végétaux et même d’animaux sont souvent similaires. Les médiums dont dispose le primitiviste sont adaptés à son niveau culturel et à son environnement.

Dans un sanctuaire ou un temple africain, une peinture à l’huile sur toile serait à la fois historiquement inexacte et esthétiquement désagréable. Les méthodes primitives varient considérablement, mais on retrouve des techniques similaires dans des domaines très différents. Par exemple, la méthode de création de sculptures en bois consiste principalement à couper plutôt qu’à sculpter. L’outil utilisé est une sorte de spatule.

Le résultat est une surface facettée dans la pièce finie, qui présente des marques d’outils irrégulières. Cette technique est courante en Afrique de l’Ouest et du Sud, en Nouvelle-Guinée et en Amérique du Nord-Ouest. L’objectif de l’artiste est de réaliser un bon travail artisanal. Les conditions dans lesquelles il travaille sont différentes de celles de ses collègues «civilisés». Avant de commencer son travail artistique, il doit d’abord collecter, fabriquer et préparer les outils et les matériaux, et il doit généralement faire tout cela seul.

Prenons l’exemple de l’artiste d’une tribu d’Indiens d’Amérique du Nord. Chez les Indiens des Plaines, ce sont les femmes qui sont responsables de l’art décoratif de type géométrique. Les hommes se cantonnent à la peinture figurative. Dans les deux cas, il faut cueillir des plantes ou des minéraux pour obtenir les couleurs. Il faut ensuite les faire bouillir ou les broyer et les mélanger avec de la taille ou de la graisse pour fixer le pigment. La peau de buffle doit ensuite être soigneusement préparée et sa surface rendue aussi lisse que possible pour la peinture.

Même après un processus préparatoire très élaboré, la surface reste si rugueuse qu’il faut d’abord presser les contours dans la terre avant de pouvoir faire le dessin, et le dessin doit être répété plusieurs fois pour bien presser le pigment dans la peau. Par conséquent, une peinture polychrome est en fait une gravure en couleur plutôt qu’un simple dessin. Le fixage nécessite un autre procédé compliqué, mais il n’est utilisé que pour les motifs géométriques. Tous ces travaux préparatoires requièrent une grande habileté et sont en grande partie mécaniques.

Tel était le travail de l’artiste européen dans le passé. Aujourd’hui, tout matériau d’art peut être acheté prêt à l’emploi. Seuls les sculpteurs sont encore associés à un degré considérable d’habileté mécanique.

D’une manière générale, l’artiste primitiviste est confronté à une tâche technique difficile. Cela ne signifie pas pour autant qu’il n’est pas un véritable artiste qui a ses propres idées et parfois une véritable inspiration artistique. Il y a de nombreuses années, Franz Boas, professeur à l’université de Columbia, a rencontré un Indien de l’île de Vancouver qui était un bon artiste, bien que son travail soit dans le style traditionnel de la côte du Nord-Ouest. Cet Indien était si gravement malade qu’il était cloué au lit. Pendant sa maladie, il restait assis, le pinceau entre les lèvres, silencieux et inconscient de son environnement. Il était difficile de le faire parler, mais lorsqu’il le faisait, il racontait en détail ses visions de dessins qu’il ne pouvait plus réaliser. C’était sans aucun doute "l’esprit et l’attitude d’un véritable artiste inspiré". Ce lien étroit avec un métier solide semble être la raison pour laquelle l’artiste primitif réussit si souvent.

Non seulement l’artiste primitif sait exactement ce qu’il veut dès le début, mais il continue avec une constance inébranlable jusqu’à ce qu’il l’obtienne.

❷ Vision

Il a été suggéré qu’en raison de l’absence de perspective et d’autres dispositifs esthétiques, même l’art primitif de grande qualité nous paraît grotesque ou monotone à la première rencontre. Cela peut être vrai pour certains types d’art primitif, mais ne peut être accepté pour tous. Compte tenu de la grande diversité des formes d’art primitif, il est dangereux de généraliser. De même, les déviations violentes de la réalité ne peuvent être acceptées comme une caractéristique d’une vision purement primitive, puisqu’elles se retrouvent également dans l’art de cultures très développées.

C’est notamment le cas de l’absence de perspective dans l’art égyptien, byzantin et gothique, mais aussi de la relation arbitraire des membres dans les figures peintes par Botticelli ou le Greco. En revanche, les peintres du paléolithique et les Bushmen d’Afrique du Sud ont réalisé des tentatives remarquables de raccourcissement, de superposition de couleurs, de perspective linéaire et d’ombres colorées.

Certains artistes primitifs ont atteint le plus haut niveau de représentation réaliste. Les peintures et dessins bushmen nous plaisent parce que nous n’avons aucune difficulté à les comprendre. Cet art graphique ressemble au nôtre. Il est simple et peu sophistiqué. Par conséquent, nous considérons ces œuvres comme naïves et «primitives» dans un sens évaluatif. Nous n’avons pas besoin d’appliquer une vision nouvelle ou inconnue car, après tout, l’artiste primitif, comme l’artiste européen, travaille à partir de la nature.

Il est vrai qu’une grande partie de l’art primitif était manifestement créée de mémoire, et que les dieux, les démons et les êtres fantastiques sont le produit de l’imagination de l’artiste, bien que certains détails puissent être dérivés de formes réelles. Mais d’innombrables œuvres d’art, en particulier des sculptures, provenant d’Afrique, des mers du Sud et des Amériques, sont si réalistes et individualisées que l’on peut supposer que les artistes ont réellement travaillé à partir de la nature.

Surtout, les sculpteurs de l’ancien Mexique et du Pérou (qui étaient certainement loin d’être primitifs) ont dû regarder directement la nature, et leurs œuvres sont, en fait, des chefs-d’œuvre de portrait. En Afrique, les magnifiques têtes d’Ife sont sans aucun doute des portraits naturels, bien qu’une influence étrangère puisse être à l’origine de cette sculpture d’un niveau exceptionnellement élevé. Mais nous trouvons des portraits naturels chez des tribus africaines encore plus primitives, en Côte d’Ivoire, dans les parcs du Cameroun et dans le bassin du Congo. Les portraits existent également dans le Pacifique. Les Maoris de Nouvelle-Zélande ont développé ce que l’on pourrait appeler «le portrait schématique» lorsque les motifs de tatouage, ce moyen d’identification sans équivoque, ont permis de préserver la mémoire des ancêtres individuels par le biais de la représentation picturale.

Les termes d’art «réaliste» ou «naturaliste» sont généralement appliqués à des œuvres qui sont réalisées à partir de la nature et qui correspondent donc à la nature. Mais leur signification, bien que très précise en sculpture, tend à devenir ambiguë lorsqu’elle s’applique aux beaux-arts. Si nous parlons d’un tableau naturaliste, nous voulons dire qu’il correspond à l’impression optique d’un modèle observé à un moment donné sous un certain angle. Mais dans un autre sens, on peut parler de naturalisme ou de réalisme si l’artiste représente tous les détails qui existent réellement, non seulement ceux qu’il peut voir à un moment donné, mais aussi ceux dont il est conscient.

Dans la plupart des arts primitifs, le réalisme est précisément de cette nature. Il atteint peut-être son plus haut degré de développement dans les «dessins radiographiques» d’Australie, de Mélanésie et des régions côtières de la Colombie-Britannique et du sud de l’Alaska. L’artiste y représente tous les détails du corps, y compris la colonne vertébrale, les côtes et les organes internes, parce qu’il les considère comme aussi importants que les traits caractéristiques de l’apparence extérieure d’une personne. Cette méthode surprenante découle souvent de l’intérêt matériel de l’artiste pour certains détails plutôt que d’une appréciation esthétique.

Dans le Nord-Ouest américain, des peintures murales monumentales représentant des orques (ou d’autres animaux) se caractérisent par la représentation de vertèbres et de côtes. La représentation stylisée de l’articulation est typique de tous les graphismes du Nord-Ouest américain. Cette méthode picturale étrange n’est propre qu’à quelques régions du Pacifique, et l’on a suggéré qu’elle était l’une des indications que la région avait pu être affectée par l’influence occidentale à une époque lointaine. Un tel réalisme intellectuel ne peut prétendre ni à la naïveté ni à la simplicité. Il s’agit (paradoxalement) d’une forme sophistiquée de primitivité.

L’accentuation de certains traits d’une figure conduit souvent à en négliger d’autres, de sorte que la représentation réaliste est progressivement abandonnée. Elle est finalement remplacée par le symbolisme, où quelques traits caractéristiques stylisés et transformés en signes conventionnels suffisent à transmettre l’idée de l’objet. À un stade extrême de développement, une griffe isolée et une seule aile peuvent symboliser un corbeau. Mais ici, nous avons déjà quitté le domaine de l’art naturaliste pour entrer dans celui de la conception abstraite ou conventionnelle.

Les formes géométriques se retrouvent aussi bien dans les motifs décoratifs que dans les textiles et la vannerie. La variété de ces motifs est infinie, bien que certains d’entre eux, comme les zigzags, les frettes, les triangles, les différentes sortes de croix, etc. se retrouvent souvent chez des peuples très différents. En fait, ils sont presque universels et n’indiquent pas nécessairement un lien historique entre les différents arts dans lesquels ils apparaissent : Par exemple, on trouve des frettes quadrangulaires non seulement dans la Grèce et la Chine anciennes, mais aussi chez les Indiens d’Amérique du Sud, les Mélanésiens, les Bantous d’Afrique et d’autres peuples africains. Mais avec une certaine combinaison de motifs, aussi communs que soient les éléments individuels, l’artiste crée un style spécial avec une couleur nationale prononcée, qui nous permet d’attribuer l’objet décoré à un certain peuple, et souvent à une certaine période. Ceci s’applique bien sûr à l’étude de l’art en général et ne se limite pas à l’art primitif.

Dans de nombreux cas, on suppose que les motifs décoratifs symbolisent les objets matériels - animaux, plantes, etc. - dont ils portent le nom. Le lien entre le motif et sa signification symbolique se fait de deux manières : soit par une simplification délibérée de la représentation, comme en Amérique du Nord-Ouest, soit, à l’inverse, par l’observation d’une similitude accidentelle entre un motif géométrique et son interprétation naturaliste.

Deux motifs particuliers prédominent dans les motifs décoratifs des tribus amérindiennes du cours supérieur du Xingu, dans l’État du Matto Grosso, au Brésil : un simple triangle équilatéral noir, appelé uluri, et un parallélogramme dont les quatre coins sont marqués par de petits triangles équilatéraux. Ce dernier motif est appelé merishu. C’est le nom d’un poisson de forme presque carrée, comme la limande. Les quatre triangles noirs dans les coins représentent la tête, la nageoire dorsale, la nageoire caudale et la nageoire pelvienne. Uluri est le nom du seul vêtement porté par les femmes de la tribu ; il s’agit en fait plus d’une protection hygiénique contre les insectes que d’un vêtement. Il consiste en un morceau de feuille de palmier plié en forme de triangle équilatéral d’à peine deux pouces carrés, et se termine par une bande d’entrejambe attachée à un cordon qui sert de ceinture.

Le professeur Max Schmidt (anciennement du Musée ethnographique de Berlin) a montré que les motifs uluri et mershu apparaissent incidemment dans la vannerie, qui est l’artisanat principal des tribus Xingu. Ils résultent en particulier de l’utilisation de bandes de feuilles de palmier claires et foncées qui se chevauchent selon diverses combinaisons. Il est évident que les deux noms leur ont été appliqués plus tard, après que l’apparition des motifs a provoqué l’association d’idées.

De même, la technique particulière utilisée par les artisans a souvent conduit au développement de motifs symboliques et d’un style ornemental spécifique. Une ressemblance fortuite peut facilement générer des associations qui donnent à l’artiste réceptif l’impulsion soit de raffiner un objet naturel en une représentation plus complète de ce à quoi il ressemble déjà, soit de le prendre simplement comme modèle.

Il a été suggéré que les premiers artistes de l’âge de pierre ont pu être inspirés par des formes naturelles étranges, telles que des pierres ou des corniches rocheuses aux formes bizarres. Un antiquaire londonien m’a montré un jour une pierre en forme de tête de taureau, d’une longueur d’environ deux pouces et demi, qu’il considérait comme un exemple de sculpture paléolithique. L’objet présentait effectivement une ressemblance remarquable avec un taureau, mais un examen plus approfondi a révélé qu’il s’agissait d’une formation naturelle et que la ressemblance était purement accidentelle.

Non seulement la forme mais aussi la couleur du matériau utilisé dans la sculpture peuvent influencer l’inspiration de l’artiste. Prenons un exemple dans le domaine de la haute culture : les Chinois, qui ont un goût particulier pour le travail des pierres dures de différentes couleurs (jade, agate, calcédoine, quartz rose, etc.), sont souvent incroyablement habiles à adapter la forme et la couleur aléatoires de la pierre dans leurs vases et figures sculptés. Si, par hasard, une veine rouge se trouve sur un morceau d’agate blanche, le sculpteur peut produire un vase blanc entouré d’éclaboussures de cerises, et le disposer de telle sorte que la veine rouge crée un effet de cerise. De même, la veine verte peut inspirer la représentation d’une grenouille ou d’un lézard.

Les généralisations sont particulièrement dangereuses lorsqu’il s’agit de l’effet suggestif des formes techniques. Chez les Amérindiens de Guyane, on retrouve le même type de vannerie que dans les autres bassins sud-américains, mais ici les rayures sombres et claires sont délibérément et très habilement disposées pour représenter des figures animales (généralement des jaguars et des serpents), de sorte qu’il ne s’agit plus d’effets accidentels et de leur interprétation ultérieure.

La compréhension des effets de la décoration artificielle s’étend dans une certaine mesure au-delà de la race humaine. L’homme, dans son état primitif d’inculture, a pu être impressionné par la beauté de la nature bien avant qu’il ne commence à créer lui-même des formes artistiques ou à imiter les lignes et les figures trouvées dans son environnement naturel. Certains peuples primitifs modernes apprécient manifestement la beauté de la nature, et il existe des tribus en Mélanésie qui, dans leur art décoratif, tentent de représenter des phénomènes tels que l’arc-en-ciel et l’éclat de la mer au moyen d’ornements symboliques plutôt que dans un style naturaliste. Pour apprécier pleinement une œuvre d’art, il faut la regarder, dans la mesure du possible, dans le cadre pour lequel elle a été créée.

Ceci est particulièrement vrai pour l’art primitif en raison de son contexte culturel étrange et très différent. La statue d’un ancêtre ou d’une divinité, créée dans des conditions d’éclairage africaines et conçue pour rester toujours dans la pénombre d’un sanctuaire ou d’un temple, ne peut produire le même effet lorsqu’elle est retirée de son environnement d’origine et exposée dans une vitrine d’une pièce européenne. D’autres effets d’ombre et de lumière peuvent apparaître et être tout aussi séduisants, mais ils ne sont pas originaux et donnent à la statue une note étrangère.

PLACES
De nombreux exemples d’art primitif sont disponibles en ligne sous forme de posters .

EVOLUTION DE L’ART VISUEL
Voir : Histoire de l’art .

CATEGORIES D’ART
Sur la sculpture et l’assemblage : Art plastique . Sur la conception ornementale : Les arts décoratifs . Sur les œuvres d’art réalisées à partir de matériaux recyclés : Junk art . Classification générale : Beaux-arts .