Art de la Renaissance à Venise Automatique traduire
Art de la Renaissance à Venise (environ 1400-1600)
Introduction à l’art vénitien
Venise, un autre centre de Art de la Renaissance , est une ville de canaux miroitante et onirique qui, depuis des siècles, est le lien entre l’Italie et l’est oriental. Dès ses débuts, la ville servit de refuge aux habitants des villes voisines telles que Padoue, notamment lors des invasions gothiques et lombardes des Ve et VIe siècles de notre ère. Dirigée aux VIe et VIIe siècles par les empereurs byzantins, la ville fut placée sous la tutelle religieuse et temporelle de l’exarque de Ravenne. Ravenne était à cette époque une ville d’églises splendides et remplies de mosaïques (pour plus de détails, voir: Mosaïques Ravenne ) et un port maritime important et prospère, plus important que Venise elle-même. Au neuvième siècle, Venise était une puissance en développement et était devenue un centre d’échange de produits de luxe, tels que des épices et des soieries de l’Est, contre du bois d’œuvre, des céréales et du vin italiens. À l’instar des autres villes italiennes de l’époque, c’est le noyau d’un réseau croissant de routes commerciales qui la met en contact avec l’Europe et l’Est – même l’Extrême-Orient. Le développement culturel de Venise n’a cependant pas été influencé par ce qui se passait dans les autres villes italiennes. Cela s’explique en partie par sa situation en mer Adriatique et par sa longue association avec l’empire byzantin et son centre, Constantinople.
Ses liens étaient avec l’Est. Au IXe siècle, lorsque les citoyens de Venise décident de construire une magnifique église en l’honneur de Saint-Marc, beaucoup de nobles et de simples citoyens font venir du marbre à Aquilée, à Ravenne et à Constantinople. "En effet, la basilique Saint-Marc, construite à onzième siècle, est un monument à la durabilité et à la grandeur de la Art byzantin tradition. La basilique a été érigée sur un plan de forme carrée à partir de laquelle cinq coupoles dorées se dressent en forme de croix. Ces dômes dominent la magnifique place devant l’église et servent presque de phare au visiteur qui s’approche de la ville par la mer. (Pour en savoir plus sur les projets de construction des XVe et XVIe siècles en Italie, voir: Architecture Renaissance .)
Les trois siècles qui se sont écoulés entre la construction de Saint-Marc et la chute de Constantinople en 1452 ont été extraordinaires pour Venise. Après la consolidation de leur gouvernement sous un doge ou un duc, les Vénitiens ont établi des centres commerciaux dans les Balkans, dans les îles Ioniennes, en Crète, à Chypre, en Arménie, à Alexandrie, à Caffa dans la péninsule de Crimée et finalement aussi loin que la Chine. La prospérité de Venise était assurée pour les années à venir. Son ducat d’or, frappé pour la première fois en 1284, est devenu la devise standard de la Méditerranée et, au début du XIVe siècle, sa flotte fait escale dans tous les grands centres commerciaux de l’Europe du Nord, de l’Angleterre et de la Hollande.
L’Est byzantin et l’Ouest gothique se sont rencontrés à Venise et le peinture d’art La sculpture et l’architecture réalisées à la fin du XIVe siècle et au début du XVe siècle révèlent le mélange des deux grandes forces culturelles. Les façades de Saint-Marc et les nombreux palais construits par l’aristocratie marchande croissante combinent les arcs en ogive et le système de voûte de gothique architecture byzantine art de la mosaïque et des billes multicolores. (Lisez à propos du grand architecte vénitien: Andrea Palladio (1508-80), célèbre pour ses façades d’églises et ses villas.) Cette synthèse aboutit à une architecture d’une légèreté et d’une richesse remarquables, dont l’éclat est sublimé par les reflets chatoyants des nombreux canaux de la ville. Pour en savoir plus sur Art chrétien à Venise à la fin de la période de la Renaissance, voir: Retables vénitiens (c.1500-1600).
Remarque: pour un guide de la sculpture vénitienne de 1400-1530, voir: Sculpture Renaissance Italienne .
Le métissage de l’Est et de l’Ouest si caractéristique de Architecture de la Renaissance vénitienne était également caractéristique de sa population. Une colonie grandissante de marchands étrangers du nord de l’Europe créa des entrepôts et des palais sur le Grand Canal. À partir du quinzième siècle au moins, la population de la ville fut également augmentée du fait d’une migration importante en provenance de l’est chrétien. Parmi les nombreux immigrants grecs à Venise, le plus célèbre est probablement le peintre Domenikos Theotocopoulos, qui a étudié à Venise avec le grand maître Titien (c.1485 / 8-1576) et a ensuite gagné sa propre renommée en Espagne, où il a été appelé El Greco (1541-1614), après sa patrie. Les migrations de l’Est ont amené à Venise des marchands et une élite intellectuelle. La ville est devenue, surtout après la domination musulmane du Proche-Orient, le gardien de Art grec et la culture et un centre vital pour les études orientales – plus particulièrement la médecine et la géographie, dans laquelle les Arabes ont excellé. Bien que la littérature semble avoir joué un rôle relativement mineur dans la vie intellectuelle de la ville, elle était riche en art et en architecture. Certes, à partir du XVIe siècle, la ville était considérée comme une escale essentielle par les marchands, les artistes et les amateurs de loisirs de toute l’Europe. Sa beauté était célébrée dans les pièces de théâtre et dans les peintures, tandis que le nom magique de Titian se rangeait à côté de celui des géants du monde. Renaissance florentine , comprenant Leonardo (1452-1519), Raphaël (1483-1520), et Michelangelo (1475-1564).
La mer a non seulement apporté à la ville sa prospérité, mais a également fourni aux peintres une matière première extraordinaire. À partir de Vittore Carpaccio (vers 1455-1525), les peintres vénitiens se sont inspirés pour enregistrer les effets éblouissants de la lumière sur les bâtiments et les ponts qui bordent les canaux. Ils ont dépeint l’agitation du trafic sur le canal, les gondoles décorées pour des fêtes laïques ou des processions religieuses, et dans de grands tableaux comme la série "Legend of St. Ursula" de Carpaccio, ils ont même représenté les navires marchands de grand mât la ville de toutes les parties du monde.
Avec le début de la quattrocento (XVe siècle), Venise s’est engagée dans une politique de renforcement de sa position dans la péninsule italienne. Elle conquit les villes voisines de Padoue, Vérone et Vicence et noua de solides contacts diplomatiques et économiques avec Milan et Mantoue. En 1424, lorsque le Sénat de Venise souhaita trouver un mosaïste capable de restaurer certaines des décorations murales de Saint-Marc, il envoya chercher le maître florentin Paolo Uccello pour superviser les efforts des artistes locaux. La venue d’Uccello a mis fin à l’isolement artistique de Venise. Bientôt plusieurs figures actives dans le Renaissance italienne – y compris les personnes influentes mais de courte durée Andrea del Castagno (1420-57) et le sculpteur Donatello (1386-1466) – le suivirent jusqu’à la ville.
Jacopo, Gentile et Giovanni Bellini
Lors de ce nouveau contact avec les artistes florentins, les représentants les plus en vue de Peinture vénitienne étaient les trois membres de la famille Bellini, Jacopo (vers 1400-70) et ses fils Gentile (vers 1429-1507) et plus spécialement Giovanni (vers 1430-1516), qui devint connu comme le père de la peinture vénitienne.
Jacopo avait été l’élève de Gentile da Fabriano et était l’un des premiers vénitiens Maîtres Anciens pour démontrer un intérêt pour perspective linéaire . Ses fils ont rapidement appris la technique de la perspective de leur père et son développement a été fortement influencé par lui. L’atelier Bellini était immensément populaire, assiégé par des commandes pour de grands retables de cérémonie tels que la "Procession de la Vraie Croix sur la Piazza San Marco" de Gentile, ou des portraits à l’image du magnifique portrait de Doge Leonardo Loredan par Giovanni. Gentile avait passé une année à Constantinople à la cour du sultan et il avait réalisé de magnifiques croquis des personnages exotiques qui ornaient les rues bondées de cette ville.
La "Procession de la Vraie Croix sur la Piazza San Marco" de Gentile est typique des nombreuses œuvres qui nous donnent une vue de Venise telle qu’elle est apparue à la fin des années 1400. La grande précision des détails dans les panoramas peints de Gentile fournit une documentation presque photographique de la ville de la Renaissance, de ses monuments, de ses bâtiments et de ses costumes. Dans cette peinture, l’artiste représente la procession annuelle du jour saint du Corpus Christi, au cours de laquelle des reliques – des fragments de la Vraie Croix – ont été portées solennellement dans les rues par les membres dévoués d’une société religieuse populaire. Des milliers de spectateurs assistent chaque année à cette cérémonie, en compagnie du doge, de représentants du gouvernement local et de dignitaires en visite. (Voir également Gentile Bellini Biographie .)
Venise a été le premier État moderne à commander un groupe de portraits de ses principaux administrateurs. La peinture du Doge Leonardo Loredan par Giovanni Bellini est un exemple impressionnant et percutant de ce type de portrait d’art . Comme beaucoup de peintres d’Europe du Nord, Giovanni a abandonné la formule du portrait de profil de la première Renaissance au profit d’une vue aux trois quarts de la garde d’enfants. Le Doge, vêtu de la tenue de cérémonie en bonnet et brocart, est représenté derrière un petit rebord sombre qui sert de barrière spatiale entre le spectateur et la personne qui reçoit. Giovanni a capturé les textures des vêtements et la peau tendue et épaisse du visage du Doge. Sa tête se détache nettement sur le fond bleu foncé et l’impression totale est à peine moins tridimensionnelle ou sculpturale que les portraits peints par les Florentins contemporains, tels que "Portrait of a Youth" de Filippino Lippi et Botticelli Portrait "Giuliano de Médicis".
Giovanni Bellini fait partie des premiers artistes vénitiens à se lancer dans la peinture à l’huile, en partie à cause de sa réaction à la sicilienne Antonello da Messina (c.1430-1479) qui fit une visite à la ville en 1475-1436. Mieux connu pour son naturaliste Christ couronné d’épines (1470), Antonello avait fait la connaissance de Art renaissance nordique à Naples et en conséquence était l’un des premiers pionniers italiens de peinture à l’huile – une méthode qu’il a transmise à ses hôtes vénitiens. Bien qu’il ne soit que peu de temps à Venise, son art fait forte impression. Voir, par exemple: Le Extase de saint François (1480, Frick Collection, New York), Doge Leonardo Loredan (1502, National Gallery, Londres) et The Retable San Zaccaria (1505, église de San Zaccaria, Venise). Ses peintures concentrées, réduites à l’essentiel, réunissaient la physionomie italienne au réalisme hollandais et utilisaient pleinement les techniques de l’huile utilisées par Artistes de la Renaissance nordique dans la création de la lueur et de la profondeur. Giovanni Bellini a eu un impact énorme sur les artistes vénitiens – de son vivant et plus tard – comme Giorgione, Titian, Lorenzo Lotto (1480-1556), Sebastiano del Piombo (1485-1547) et autres.
Andrea Mantegna
Le premier artiste à initier les Vénitiens à l’intérêt des Florentins pour la nature et le passé classique fut Andrea Mantegna (1430-1506), qui a d’abord travaillé dans la ville universitaire voisine de Padoue, puis à la cour du duc de Mantoue, qui s’est consacré à l’art. L’élève d’un maître local à Padoue nommé Francesco Squarcione Mantegna a fait preuve d’un tel talent qu’il a attiré l’attention de Jacopo Bellini. Plus tard dans la vie, Mantegna a formé non seulement une alliance artistique avec les Bellini, mais également une alliance familiale, lorsqu’il s’est marié avec l’une des filles de Jacopo.
Nous savons peu de choses sur l’entraînement précoce de Mantegna si ce n’est que son maître Squarcione avait vraisemblablement un grand amour pour Art ancien ; il demandait à ses étudiants de faire des copies de morceaux de Sculpture grecque qu’il avait assemblé dans son atelier. Cette formation précoce a bien servi Mantegna plus tard, lorsqu’il a sérieusement commencé à étudier et à copier des monuments anciens. En 1447, le grand sculpteur florentin Donatello arrivé à Padoue pour ériger un cavalier sculpture , monument à la réussite d’un général. Mantegna a été impressionné à la fois par la reconstitution par Donatello d’un prototype classique et par les nombreuses études de perspective du sculpteur florentin. Ému par l’exemple de Donatello, Mantegna s’apprend la perspective par une approche prudente et disciplinée. dessin .
Quand il avait à peine vingt ans, Mantegna a produit une série de fresques dans l’église des Eremitani ("ermites") de sa ville natale, Padoue. Les peintures décrivent la vie de saint Jacques; ils sont parmi les réalisations les plus étonnantes de la début de la renaissance dans leur simulation d’une profondeur extraordinaire et dans leur émulation savante des formes de l’art classique. Pour se préparer à ces travaux et à d’autres travaux similaires, Mantegna a fait des dessins incroyablement détaillés de statues classiques et d’édifices survivants qu’il avait vus dans le nord de l’Italie, puis lors de visites à Rome. Bon nombre de ces dessins ont servi de base à des compositions qu’il a ensuite gravées et qui ont été largement diffusées sous forme d’estampes. Aujourd’hui, Mantegna jouit de la réputation d’être l’un des plus grands représentants de art graphique que l’Italie a jamais produit. Mantegna devint si connu en tant qu’érudit classique que le pape Innocent VIII devait l’inviter à visiter Rome dans les années 1480.
En 1459, Mantegna accepta l’invitation du duc de Mantoue à se joindre à son service. Il resta connecté à cette cour – avec de brèves absences pour des voyages à Venise, à Rome et à Vérone – pour le reste de sa vie.
Un morceau de retable d’art créé par Mantegna pour la famille Gonzaga au pouvoir, il démontre sa capacité à combiner sa propre maîtrise de l’anatomie humaine avec les nouvelles techniques spatiales des Florentins. Le retable est un triptyque , ou œuvre à trois panneaux dont l’aile droite est "La présentation du Christ au temple". Les personnages qui participent au rite juif séculaire de la circoncision sont imposants, élégants et pourtant humains. La scène se déroule dans une haute salle richement décorée avec des colonnes classiques, un mur recouvert de marbre recouvert de motifs floraux, ainsi que des reliefs sculpturaux simulant des scènes de l’Ancien Testament.
"Judith avec la tête d’Holopherne" de Mantegna est un travail beaucoup plus simple, mais qui affecte encore plus la communication de l’émotion humaine. Le travail est fait en détrempe , la technique dans laquelle un mélange de pigments colorés avec une substance visqueuse telle que le jaune d’œuf est appliqué sur un panneau en bois traité. Ce processus fastidieux a été utilisé bien avant le développement de la peinture à l’huile sur bois ou sur toile. il en résulte des couleurs pures brillantes et donne une apparence de finesse de surface. Dans cette composition, Mantegna a associé l’observation attentive et la représentation de détails naturalistes à une prise de conscience des règles classiques des proportions corporelles pour produire des figures d’une rare beauté. Bien que l’œuvre soit pleine de réalisme – notez le détail particulièrement choquant du pied de l’homme mort sur le lit à l’arrière-plan – Mantegna continue de donner une impression de tristesse poignante. Le regard pathétique de Judith est particulièrement touchant, car elle évite de regarder la tête déchirante du général assyrien Holopherne, qu’elle a tuée pour protéger ses compatriotes, les Israélites. Lorsqu’elle tend la tête à sa servante, la Judith de Mantegna pourrait facilement être confondue avec l’héroïne d’une tragédie grecque classique.
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Vittore Carpaccio
Vittore Carpaccio (c.1465-1525 / 6) était probablement un élève de Gentile Bellini. Ses peintures s’enrichissent d’une richesse de détails naturalistes qui ont peut-être été influencées par son étude des peintres du Nord, en particulier des maîtres flamands. Jan Van Eyck . À l’instar des membres de la famille Bellini, il décrit des vues panoramiques de Venise, mais il fait preuve d’une sensibilité encore plus grande que la leur à la qualité particulière de la lumière atmosphérique.
Parmi les plus grandes séries de peintures de Carpaccio, on trouve les grands retables qu’il a réalisés vers 1496 pour la Confrérie de Sainte-Ursule, représentant des scènes de la vie de ce saint. Les retables étaient destinés à une chapelle de l’école de Sainte-Ursule, un petit bâtiment qui fait maintenant partie du grand musée de peinture vénitienne appelé l’Accademia. En racontant les divers moments de la vie de la jeune martyre, Carpaccio raconte son histoire à travers des contextes urbains rappelant les villes de Cologne et de Rome, entre autres. Son travail est vibrant avec le tumulte des rues bondées de la Venise contemporaine et il aime particulièrement parader devant le spectateur tous les pièges exotiques des visiteurs du Proche-Orient qu’il a observés dans la ville. Dans sa "Disputation of St. Stephen", il est tout aussi ravi du rendu particulier des costumes et de certains types de personnages raciaux et nationaux; Cependant, le spectateur est encore plus impressionné par la création de l’illusion d’un espace profond et généreux avec un avant-plan, un milieu et un arrière-plan clairement et logiquement indiqués.
Giorgione
Tandis que le artistes de la première Renaissance Florence a créé des compositions harmonieuses en trouvant un équilibre entre ligne et lumière et ombre, et tandis que Renaissance à Rome maîtrisant l’art du dramatique, les Vénitiens perfectionnèrent l’utilisation subtile de la couleur. Parmi les plus importants représentants du colorisme vénitien, Giorgio da Castelfranco, appelé Giorgione (c.1477-1510).
On sait peu de choses sur cet artiste, à qui seules cinq ou six peintures ont été attribuées avec certitude. Vraisemblablement, il fut l’élève de Giovanni Bellini et il y a certainement des qualités que ses œuvres partagent avec celles de l’homme plus âgé. La première référence à Giorgione indique qu’il fut chargé de peindre des fresques dans le Fondaco dei Tedeschi ("Maison de la guilde des marchands allemands") à Venise en 1508 et qu’il fut aidé dans cette entreprise par le jeune Titien.
La photo la plus célèbre de Giorgione est " La tempête "(1506-8, Galerie de l’Académie de Venise ). Le sujet de la composition est quelque peu ambigu: il peut représenter une scène d’un poème classique.
Un autre tableau de Giorgione, "Les trois philosophes", exprime une humeur semblable et constitue une étude particulièrement sensible des divers effets de la lumière. Parfois caractérisées comme "les trois âges de l’homme" ou "les trois tempéraments", les identités distinctes des personnages sont clairement établies et elles apparaissent sur un paysage d’une grande beauté. Chacun peut représenter une tradition philosophique différente, suggèrent-ils – chrétienne, arabe et hébraïque -, comme l’indiquent leurs vêtements très individualisés. Comme les saints dans un retable de la Renaissance, chaque homme est absorbé par ses propres spéculations.
Le "Concert Champetre" a peut-être été l’une des dernières images de l’artiste. Il explore également les effets atmosphériques de la lumière et les subtilités des relations entre les personnages. La charmante scène pastorale, comme celle de "La Tempête", peut refléter un poème classique; C’était une convention commune à certains poètes classiques de définir des événements à la campagne, avec des personnages principaux décrits comme de simples bergers. Comme dans le travail précédent, il existe un contraste entre les hommes vêtus et les femmes nues. Il n’y a cependant pas de conscience mutuelle: les jeunes jouent et conversent sans reconnaître la présence des jolies jeunes femmes. Peut-être que Giorgione représente avec fantaisie un moment où les chanteurs, enchantés par la beauté de la nature et composant des chansons d’amour pour les divinités classiques, ont en fait été visités par les esprits divins qu’ils célèbrent.
Les visions poétiques de Giorgione sur un paradis classique peuvent être considérées comme faisant partie de l’évolution vénitienne des grandes peintures cérémoniales de Bellini à l’œuvre de son disciple Titian, avec son souci de communiquer l’aspect tangible et sensuel des formes animées et inanimées. Son chef-d’œuvre inachevé – par la suite achevé de manière quelque peu inappropriée par Titian – était Vénus endormie (1510, Gemaldegalerie Alte Meister, Dresde).
[NOTE: Parmi les sculpteurs les plus connus impliqués dans la Renaissance vénitienne était: Jacopo Sansovino (1486-1570).]
Titien
L’un des plus grands peintres de la histoire des arts , Tiziano Vecellio ou Titian (c.1485 / 8-1576), presque à eux seuls ont créé la réputation de Peinture haute renaissance à Venise. Pendant le Haute renaissance et ensuite Maniérisme période, il a réalisé une célébrité qui a rivalisé avec la renommée de Michelangelo. Il est né dans les Alpes du Sud, dans la ville de Cadore. après son arrivée à Venise, il semble avoir étudié avec Gentile et Giovanni Bellini avant de devenir l’élève de Giorgione. Il est connu pour avoir travaillé avec Giorgione sur les décorations de fresques du Fondaco dei Tedeschi en 1508, mais son tempérament artistique semble s’être affirmé très tôt. Il a développé un style d’expression visuelle bien plus dramatique que les contemplations calmes de son maître.. Dans sa vie des artistes , Giorgio Vasari rapporte une anecdote qui illustre cette différence. En décrivant la collaboration sur les fresques du Fondaco dei Tedeschi, il déclare:
"En rapport avec cette façade, Titien a découvert une partie de ce qu’il a fait, puis de nombreux messieurs, ne réalisant pas qu’il travaillait là-bas au lieu de Giorgione, ont chaleureusement félicité Giorgione quand ils l’ont rencontré par hasard et ont déclaré qu’il travaillait mieux. face à la Merceria qu’il ne l’avait fait pour la partie qui donne sur le Grand Canal. Ce Giorgione tellement en colère que, jusqu’à ce que Titian ait été complètement achevé et que sa part dans l’œuvre soit devenue une connaissance générale, il ne se montrerait guère à l’extérieur. il ne permettrait jamais à Titien de s’associer à lui ou d’être son ami. "
Un religieux peinture d’histoire illustre la maîtrise de Titian art du paysage : son "Noli me tangere" montre le Christ ressuscité avertissant Marie-Madeleine de ne pas le toucher, car il n’a pas encore rejoint son Père. Le fond, comme ceux des peintures de Giorgione, montre des collines douces et ondulées, des fermes et des moutons au pâturage. Cependant, ce qui est très différent, c’est l’échelle des personnages et la relation dramatique et intime établie par leurs gestes, contrastant avec la mélancolie ambiguë et lointaine des compositions de Giorgione. Frappant aussi, est la nouvelle intensité de Titian peinture de couleur – l’écarlate chaude et vibrante de la robe de Madeleine et le vert luxuriant de la végétation. Voir ses travaux païens énergiques Bacchus et Ariane (1520-23) et Bacchanal des Andriens (1523-5), ainsi que son nu féminin Vénus d’Urbino (1538, Uffizi).
Même avant la mort de Raphaël, Titien était perçu comme un talent extraordinaire – voyez son impressionnant retable Assomption de la Vierge (c.1518). Après la disparition de Raphaël, Titien est devenu le portraitiste le plus célèbre de son temps. Parmi ses meilleurs portrait d’art est son portrait du peintre et critique Pietro Aretino et un merveilleux autoportrait . La peinture d’Aretino, réalisée vers 1555 environ, et l’autoportrait, exécuté vers 1563, treize ans avant la mort de l’artiste, révèlent sa maîtrise de la technique de la peinture à l’huile. Dans chacune d’elles, la gardienne émerge d’un fond sombre et son visage pensif est présenté selon une vue aux trois quarts, partiellement masquée par des ombres qualificatives. Une chaude lumière dorée imprègne chaque toile et anime les riches textures des vêtements des modèles. Comparée à la "Femme à la fourrure", réalisée environ vingt ans plus tôt, le coup de pinceau des derniers portraits de Titian semble beaucoup plus libre et son effet plus spontané. Voir également: Portrait de Venise (1400-1600 environ).
La liberté croissante de coup de pinceau ou de qualité picturale qui caractérise le style tardif de Titian se retrouve également dans le portrait de son groupe Le pape Paul III avec ses petits-fils , ce qui pourrait être comparé au portrait de Raphaël du pape Léon X et de ses neveux. À l’opposé de la surface très finie de l’œuvre de Raphaël, la toile de Titian semble presque incomplète: des traces de peinture sont visibles, et certaines parties de la toile restent pratiquement intactes, tandis que dans d’autres zones, le pigment est fortement appliqué et les globules d’huile luisante semblent presque accrocher à la surface.
La capacité habile de Titien à saisir la personnalité ou le caractère de la gardienne est remarquable. Dans la peinture de Paul III et de ses neveux, cette délimitation de caractères est très fortement affirmée. La figure svelte et fragile du pontife domine nettement celle de ses assistants, faisant un commentaire intéressant sur la nature de la relation; le peintre souligne la dépendance des hommes plus jeunes vis-à-vis de leur puissant oncle.
Au cours de sa vie, Titien a remporté le titre de "prince parmi les peintres". Vasari a noté dans sa vie de Titien qu’il n’y avait guère un seul grand seigneur ou dame dont il n’a pas peint la ressemblance. Il était un favori de l’empereur Charles Quint qui l’avait nommé comte palatin en 1534. Ses manières étaient cultivées et sa maison luxueuse, et il recevait régulièrement tous les dignitaires importants venus à Venise. L’une des biographies de Titian indique que l’empereur le tenait tellement en estime qu’il lui rendit l’honneur, en visitant son atelier, de ramasser un pinceau que le peintre avait laissé tomber. L’impact des innovations coloristes du Titien fut si grand que même les Florentins furent émus d’admiration. (Voir également: Peinture de couleurs du Titien et de Venise 1500-176.) Michel-Ange, bien qu’il ait déploré le manque de Titian " disegno ", ou le dessin, le loua néanmoins pour sa couleur et son style. Toute l’influence des réalisations de Titien ne fut probablement ressentie qu’au dix-septième siècle, lorsque d’innombrables artistes d’Italie et d’Europe du Nord se rendirent à Venise pour étudier et absorber son style extraordinaire et célèbre..
Pour plus de détails sur pigments de couleur utilisé par les peintres vénitiens de la Renaissance, en fresque, tempera et peinture à l’huile, voir: Palette de couleurs Renaissance . Pour une revue générale du colorisme, voir: La couleur en peinture .
Paolo Veronese
Paolo Veronese (1528-1588) est arrivé à Venise après avoir acquis une formation artistique approfondie dans sa ville natale, Vérone. Peu de temps après son arrivée dans la ville, il est devenu l’un des principaux Artistes maniéristes et exposant de la manière vénitienne colorée qui se reflète dans ses toiles monumentales Le festin de noces à Cana (1563). Cette œuvre n’est que l’une des nombreuses scènes de banquet exécutées par Véronèse: "Le repas à la maison de Simon" et Fête à la maison de Levi (1573) font partie des autres œuvres célèbres illustrant le goût contemporain pour les groupements élaborés de personnes et d’animaux sur des fonds d’architecture palatiale. Les peintures de Véronèse semblent presque être des représentations théâtrales d’une ampleur et d’une magnificence spectaculaires. Des hommes et des femmes richement vêtus apprécient les plaisirs de la vie parmi une profusion de détails matériels: vases en or étincelants, verres remplis de vin, dans l’atmosphère exotique et l’architecture vénitienne du XVIe siècle.
Dans ses peintures d’histoires religieuses solennelles telles que "La découverte de l’enfant Moïse", Veronese traduit l’Ancien Testament en un idiome contemporain. La fille du pharaon égyptien et son accompagnateur sont dépeints comme deux dames vénitiennes vêtues de manière exquise, en promenade dans la campagne qui entoure la ville, en compagnie d’une servante et d’un nain difforme. La joie et l’apparat de la société de la Renaissance émergent assez des toiles de Véronèse et il n’est pas surprenant d’apprendre que ses peintures ont été très appréciées du public, bien que leur esprit mondain ait incité l’Église à censurer l’artiste. Pour les dessins de Véronèse, voir: Dessin vénitien (c.1500-1600).
Voir aussi le peintre vénitien maniériste: Jacopo Bassano (1515-152).
Tintoret
Le dernier grand maître vénitien du XVIe siècle était Jacopo Robusti, appelé Tintoret (1518-154). Selon la légende, l’artiste aurait proclamé son intention de combiner la couleur de Titian et le dessin de Michelangelo. Même un simple coup d’œil sur ses toiles et ses fresques révèle à quel point elles sont différentes des compositions majestueuses de son maître Titian. Dans un tableau comme "Christ avec Marie et Marthe", malgré son lien évident avec la somptueuse tradition coloriste vénitienne, on observe une nouvelle agitation, un nouveau sens de l’urgence dramatique, typique de Peinture maniériste en Italie (c.1530-1600). Tintoretto introduit un puissant mouvement diagonal qui attire le spectateur le long du bord de la table, de figure en figure. De plus, à la place de la palette de couleurs riche et chaleureuse de Titian ou de Veronese, Tintoretto introduit un sous-fond blanc subtil mais indiscutable qui illumine les vêtements de toutes les figures de manière troublante et surnaturelle.
Au fur et à mesure que son style évoluait, les peintures du Tintoret semblaient se multiplier en dramatiques et en mouvements. Cela est visible dans son tableau "Le transport du corps de Saint-Marc", une des trois scènes relatant la légende du saint patron vénitien peinte par l’artiste entre 1548 et 1566 pour la Scuola di San Marco. Dans ce travail, le mouvement diagonal dans l’espace est encore plus exagéré que dans "Christ avec Marthe et Marie" et les distorsions de couleur se sont également intensifiées. L’atmosphère psychologique de la peinture s’intensifie, en raison principalement de la qualité de lumière inquiétante et menaçante qui tend à priver les formes de leur tridimensionnalité. Le spectateur sent qu’il est témoin d’un événement extraordinaire – la récupération et le retour du corps du défunt Saint-Marc de son lieu de sépulture d’Alexandrie à la ville de Venise -, car l’événement est représenté de la manière la plus émouvante et la plus dramatique. En fait, le corps de Saint-Marc a été volé à Alexandrie par deux marchands vénitiens aventureux en 828, et c’est cet événement qui a inspiré le doge Giustiniano Partecipazio à ériger une église pour abriter la sainte relique.
Afin de développer son nouveau style pictural de peinture maniériste – un style qui devint un véhicule très efficace pour communiquer le fort sentiment des histoires religieuses – Tintoretto sacrifia la couleur saine de Titian au profit de teintes qui paraissaient dures ou anormalement intenses. Il a été rapporté que Titian avait expulsé le jeune Tintoret de son studio car il était mécontent de ses formes et couleurs déformées. Pourtant, tout comme les peintures de Titian avaient poussé plus loin les réalisations de la Renaissance, celles du Tintoret ouvraient la voie à de nouvelles innovations formelles et psychologiques de la Style baroque au siècle prochain. Pour l’impact des peintres de Venise sur l’art européen, voir: Héritage de la peinture vénitienne (après 1600).
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