Art Rococo Automatique traduire
Pour une brève introduction aux aspects architecturaux de ce style artistique, voir: Architecture Rococo.
introduction
Centré sur la France et émergeant en réaction à la grandeur baroque de la cour royale du roi Louis XIV à la château de Versailles, le mouvement rococo ou le style de Peinture française Elle était particulièrement associée à Madame Pompadour, la maîtresse du nouveau roi Louis XV et aux demeures parisiennes de l’aristocratie française. C’est un style d’art fantasque et richement décoratif, dont le nom dérive du mot français «rocaille» qui signifie «travail de roche d’après les formes de coquillages».
Dans le monde rococo, toutes les formes d’art, y compris peinture d’art, architecture, sculpture, la décoration intérieure, les meubles, les tissus, la porcelaine et d’autres objets d’art font partie d’un idéal de beauté élégante.
L’art rococo est illustré dans les œuvres de peintres célèbres comme Jean-Antoine Watteau (1684-1721), en particulier ses soirées de cour en plein air «fete galante»; Jean-Honoré Fragonard (1732-1806) avec ses images d’amour et de séduction; François Boucher (1703-70) avec ses somptueux tableaux d’indulgence pour soi-même; le vénitien Giambattista Tiepolo (1696-1770) connu pour son décor fantastiquement Fresques de la résidence Wurzburg (1750-3); et la sculpture de Claude Michel Clodion (1738-1814), sculpteur de l’Arc de Triomphe à Paris, plus connu pour ses sculpture en terre cuite des nymphes et des satyres. En Grande-Bretagne, la peinture rococo atteint son zénith dans les portraits féminins de Thomas Gainsborough (1727-1788). Rococo a finalement été remplacé par Art néoclassique, qui était la signature visuelle de Napoléon en France et de la révolution américaine.
Rococo: Origines
Rococo est l’enfant frivole et capricieux de noble, grand Baroque. Le parent est né en Italie, l’enfant en France. Le baroque (barocco, perle grossière) s’est développé au début du XVIIe siècle et s’est rapidement répandu dans toute l’Europe. Au début, il s’agissait principalement d’un style architectural et sculptural, son plus grand représentant et son génie étaient: Gianlorenzo Bernini (1598-1680) qui, comme Michel-Ange avant lui, était avant tout un sculpteur, mais se tourna naturellement vers la peinture, les décorations théâtrales et l’architecture tout en servant plusieurs papes lors du remodelage de Rome. Le sien " Extase de Sainte Thérèse "et la petite église de S. Andrea al Quirinale à Rome révèlent toutes deux les tendances qui conduisent au style rococo: une utilisation brillante de la lumière et de l’ombre sur des matériaux coûteux et élaborés, tels que le marbre coloré et le bronze.
Le dix-septième siècle était un âge de grandeur, de forts sentiments religieux exprimés clairement et avec force dans des formes visuelles frappantes dans les peintures de Caravage et de Cortone, les sculptures de Bernini et l’architecture de Francesco Borromini (1599-1667). Ses manifestations les plus importantes étaient italiennes et c’était vraiment le chant du cygne de l’Italie en tant que puissance créatrice, car déjà à la mort du pape Urbain VIII, patron du Bernin, la nouvelle étoile faisait son apparition – la France, qui allait continuer sa météorite. tout au long du siècle et dominent l’Europe à la mode et artistique au siècle suivant. Voir également: Artistes Rococo.
Le style rococo en France – Caractéristiques
En 1651, le jeune Louis XIV atteignit sa majorité et, dans les années 1660, toutes les dissensions en France avaient été totalement supprimées, de sorte que Louis pouvait se consacrer à la construction et à la décoration de son palais à Versailles . Ici, le style baroque italien a été adopté et modifié par le tout puissant artiste, designer et décorateur d’intérieur de Louis, Charles Lebrun , pour glorifier non les saints de l’Eglise catholique, mais le roi de France: "Le Roi Soleil". La règle absolue de Louis impliquait non seulement une preuve visuelle de sa suprématie, mais également une étiquette de cour élaborée, aussi raide et artificielle que les jardins aménagés par Le Notre autour du Palais. Cette extrême formalité a été ressentie dans des appartements tels que la célèbre Galerie des Glaces et l’escalier multicolore des ambassadeurs, et c’est dans ce contexte que se situe le rococo; La France démontrait qu’elle était déjà arbitre du goût et avide de nouveauté.
Rococo français Architecture, design d’intérieur et décoration
Le rococo est à juste titre associé au 18ème siècle en France, mais même dans les dernières années du siècle précédent, des indications du nouveau style apparaissent, comme dans le travail de l’architecte de la cour, Jules Hardouin Mansart (1646-1708), au Trianon à Versailles et à Marly, autre résidence royale. Dans ces deux bâtiments, Mansart a rompu avec l’utilisation abusive du marbre et du bronze pour adopter plutôt des boiseries et des couleurs plus pâles. L’échelle même du Trianon indique une volonté de s’échapper du palais grandiose, sentiment qui a donné lieu à de nombreuses œuvres très significatives au XVIIIe siècle. [Notez aussi l’influence de la précédente Ecole de Fontainebleau (1530-1610) sur l’évolution du style rococo, en particulier de ses sculptures en stuc espiègles et d’autres motifs rappelant celui du rococo.]
Louis XIV semble avoir beaucoup encouragé cette réaction, comme l’illustre sa célèbre injonction à Mansart concernant la décoration de la chambre de la très jeune duchesse de Bourgogne au château de la Ménagerie: "Vous devez répandre partout le sentiment de la jeunesse". C’était en 1699, et le roi avait encore seize ans à vivre, années qui devaient déterminer le cours de l’art et de la décoration pour au moins la génération suivante, non seulement en France, mais aussi loin que la Sicile et l’Autriche.
Si le rococo était une création spécifiquement française, de nombreux facteurs plus éloignés ont influencé et favorisé le style, comme par exemple les œuvres graphiques d’artistes italiens du XVIIe siècle tels que Stefano delia Bella , qui a longtemps séjourné à Paris. Dans ses créations, des lignes délicates et plumeuses enveloppent des formes dont l’intention est souvent purement décorative, à l’instar de l’art rococo.
De nombreux livres gravés des dernières décennies du XVIIe siècle révèlent le style rococo sous forme embryonnaire. Le manuscrit serré, caractéristique des décorations de la Renaissance flamande et allemande, et même de l’école de Fontainebleau, a été libéré, ce qui l’a rendu moins sévère et symétrique, et des éléments fantastiques ont été introduits, inconnus dans les originaux. C’est ce que l’on voit en France dans les meubles d’ Andre-Charles Boulle et à Venise dans les meubles d’ Andrea Brustolon , où des formes baroques complexes et courbes ont commencé à être modifiées vers le tournant du siècle.
L’une des premières apparitions de ce nouveau style dans un cadre extrêmement important est celle de la chambre de Louis XIV à Versailles. Celle-ci a été redécorée vers 1701, principalement en blanc et or, en s’appuyant entièrement sur les contrastes nets de pilastres finement sculptés contre de riches zones de sculptures dorées et, au-dessus des cheminées, de grands miroirs à sommets arrondis. Bien entendu, lors de la création de la Galerie des Glaces et de la Mirror Room du Grand Trianon, de vastes zones de glace en verre vénitien constituaient bien sûr d’importants éléments décoratifs: elles ont souvent été identifiées par erreur uniquement à l’avènement du rococo style, dans lequel, en effet, ils devaient jouer un rôle important. Cependant, la conception de la chambre de Louis témoigne toujours d’une préférence marquée pour les ordres classiques, avec une décoration en pilastre dans la tradition typiquement académique du dix-septième siècle.
Un des problèmes de tout examen de la décoration rococo est que nous ne savons pas quelle part provient de la petite armée de dessinateurs, dont les personnalités telles que Mansart ont gardé les coulisses, et combien des grands architectes eux-mêmes. Ainsi, alors qu’un bâtiment ou un intérieur devient l’œuvre de Mansart ou de De Cotte, les nouveaux détails qu’il contient pourraient tout aussi bien provenir d’un designer «fantôme» doté d’un certain fantasme et d’une originalité que l’architecte royal a passé. comme le sien.
Ces dessinateurs étaient probablement familiarisés avec les livres de motifs décoratifs – dérivés de l’ère de la Art de la Renaissance – illustrant les célèbres grotesques de Raphaël dans la Villa Madama et la Loggia du Vatican. Les grotesques , issus des bas-reliefs en stuc et des peintures de tombeaux romains (ou grottes, donc des «grotesques»), ont joué un rôle important dans la décoration française dès les années 1650 et sont apparus plus tard dans certains de ses propres décorations, telles que celles de la Galerie. d’Apollon au Louvre. Elles consistaient en des formes de plantes et de parchemins courbés, souvent originaires d’une urne ou d’un pot et s’enroulant selon un motif régulier, habités par des singes espiègles, des insectes et d’autres créatures apportant une légère touche asymétrique. Pierre Lepautre a rappelé la légèreté de ce type de décoration lorsqu’il a décoré les suites du roi à Marly en 1699.
Les intérieurs de Lepautre à Marly ne nous sont tragiquement connus que par des dessins. Ils montrent qu’il s’est débarrassé des lourds cadres rectangulaires autour des portes et des miroirs pour les remplacer par de minuscules décorations incurvées intégrées dans les angles des moulures, qui étaient elles-mêmes plus fines et plus élégantes que jamais. À la place du plafond peint et doré traditionnel, Lepautre a simplement articulé la grande étendue de plâtre blanc avec une rosace dorée délicate au centre – cela devait être imité à la fois sur les plafonds et les lambris de la période rococo.
Le style rococo s’est développé plus fortement pendant la régence du duc d’Orléans (1715-1723), dont la ville principale était le Palais Royale. Ici, la licence était la règle et le ton de la société rococo était défini: une société qui exigeait une constante nouveauté, esprit et élégance – précisément les qualités du style rococo. La société a ouvert ses portes à des gens que Louis XIV n’aurait jamais acceptés: des intellectuels nouvellement riches et de plus en plus importants. Pendant la Régence, une grande partie de l’aristocratie, qui s’était retrouvée confinée à Versailles sous le règne de Louis XIV, rentre à Paris et commande de nouveaux hôtels particuliers, comme sur la place Vendôme, où le style de transition est encore clairement perceptible.
Leurs intérieurs n’appelaient pas les peintures de plafond élaborées du siècle précédent et cédaient leur place à une nouvelle école de peintres spécialisée dans les trumeaux légèrement courbés et les panneaux peints à petite échelle qui forment une grande partie la sortie de (par exemple) François Boucher (1703-70). Les scupteurs, qui exécutèrent la sculpture souvent minutieusement détaillée sur les boiseries, les encadrements décorés, étaient également en activité constante de cette période jusqu’à la Révolution.
C’est vers 1720 que le style de transition a commencé à céder la place à un style rococo clair. Le terme «rococo» provient probablement de la «rocaille» française, qui faisait à l’origine référence à un type de décoration sculptée dans la conception d’un jardin. Gilles-Marie Oppenordt , Nicolas Pineau et Juste-Aurèle Meissonnier , les grands créateurs du style rococo, en étaient bien conscients. Les grotesques du XVIIe siècle sont maintenant transformés en arabesques sous Claude Audran , l’instituteur de Watteau, plein d’une nouvelle fantaisie et d’une nouvelle délicatesse.
Les principales avancées ont été réalisées dans les domaines de la décoration intérieure et de la peinture, tandis que l’apparence extérieure avait peu d’importance, sauf qu’une certaine sophistication légère remplaçait la lourdeur du style Louis XIV et qu’au lieu de s’appuyer sur les ordres classiques, les architectes comme Jean Courtonne et Germain Boffrand ont réalisé des bâtiments dont l’effet principal réside dans le traitement subtil du travail de la pierre et la disposition habile de la sculpture délicate contre la rustication sophistiquée. À Paris, deux des meilleurs exemples sont le célèbre Hôtel de Matignon de 1722-17 et l’Hôtel de Torcy de 1714.
Dans la décoration intérieure, on observe une progression constante vers une extrême élaboration pendant la Régence, comme en témoignent le Palais Royale et l’Assy d’Assy, qui aboutissent à des salles aussi sophistiquées que le Salon Ovale de l’Hôtel de Soubise à Paris (1738-1739) de Boffrand, dont l’influence sur l’architecture rococo allemande devait être considérable.
On constate également une tendance à remplacer les énormes séries d’appartements très formels privilégiés sous Louis XIV par des pièces plus petites et plus intimes, comme dans les Petites Appartements à Versailles, où la forme suit davantage. Malheureusement, ceux-ci, ainsi que nombre des plus grandes salles rococo, ont disparu sans laisser de traces. En dehors de Paris, beaucoup d’architecture et de décoration de style rococo ont été réalisées à Nancy, où vivait le roi de Pologne détrôné.
NOTE: Pour d’autres tendances artistiques et de design importantes similaires à Rococo, voir Mouvements d’art et écoles (à partir de 100 avant notre ère).
Peinture rococo française
Paradoxalement, le style rococo a été annoncé beaucoup plus tôt que dans les autres arts par un peintre flamand, Jean-Antoine Watteau (1684-1721). Vers 1702, il s’installe à Paris et commence à travailler comme peintre de scènes de théâtre. Il étudie ensuite avec le garde du palais du Luxembourg, Claude Audran, artiste qui peint dans un style décoratif du baroque tardif. Ce sont la série Rubens intitulée La vie de Marie de Médicis au Palais du Luxembourg qui ont le plus impressionné Watteau et qui, à travers lui, ont influencé le cours de la peinture rococo française. Il étudia ces thèmes avec les grands peintres vénitiens et, pour reprendre les termes de Michael Levey, bien qu’il n’ait "aucune carrière publique, aucune commande importante de la part de Church ou Crown; exécute rarement de grands tableaux: ne s’intéressait pas à la peinture de sujets historiques", il est devenu le plus grand artiste français de la première moitié du siècle.
Photos de Watteau – Voir: Pèlerinage à Cythère (1717) Louvre, Paris; Charlottenburg, Berlin – avec leur combinaison de la couleur de Rubens et de son érotisme délicat, était toujours plus qu’un peu mélancolique. La qualité lyrique de sa peinture, suggérant une amoralité sophistiquée, était précisément celle recherchée par la société française à l’époque de la Régence: Watteau ne servait pas seulement à créer un goût, il en créait un. Pour plus d’informations sur la nudité dans la peinture rococo, voir: Nus féminins en histoire de l’art.
Les deux autres peintres majeurs de la période rococo française, François Boucher (1703-70) (noté aussi comme directeur de la Tapisserie des Gobelins usine) et Jean-Honoré Fragonard (1732-1806), tous deux ont proposé une variété de styles totalement différente de celle de Watteau et sont souvent soupçonnés d’avoir vulgarisé là où Watteau avait perfectionné. Alors que Watteau créait une aura enveloppante de distanciation aristocratique, Boucher et Fragonard produisirent un effet plus intime et plus évident.
Il est intéressant de noter que la carrière de Boucher s’est ouverte en tant que graveur de tableaux de Watteau et qu’à partir de ce moment-là, elle a adopté le modèle du succès traditionnel. Gagnant du Prix de Rome, il travailla en Italie de 1727 à 1731. En 1734, il devint académicien et, avec l’aide de son amie et maîtresse de Louis XV, Madame de Pompadour , il devint le peintre le plus recherché de France pour tous les temps. type d’image, mais en particulier pour sa vivacité peinture mythologique des matières classiques. Dans ceux-ci, souvent rendus dans une veine quelque peu érotique, Boucher, comme Watteau, révèle une forte dette envers Rubens et l’art vénitien, en particulier envers Paolo Veronese, son plus beau prédécesseur dans la peinture brillante et mythologique. Boucher devint directeur de l’Académie en 1765 et apporta une contribution très importante au mouvement rococo à travers ses nombreuses peintures et ses projets de tapisseries et autres décorations.
Dans l’irréalité de la plupart de ses formes ultérieures, on se souvient du sentiment d’indignation exprimé par Sir Joshua Reynolds lorsqu’il découvrit que Boucher avait abandonné les modèles. En comparaison avec le monde irréel de Watteau, les réglages de Boucher sont encore moins réels, tandis que le contraste avec Thomas Gainsborough , qui composait ses paysages avec des morceaux de miroir, de brindilles et de mousse, était encore plus extrême. Des arbres miniatures entourent des bâtiments rustiques, apparemment faits de sucre glace, et l’eau a l’air d’être en verre. Il n’y a pas de véritable ombre ni lumière, peut-être pour ne pas trop contraster avec la décoration de boiserie rococo pâle et peu profonde dans laquelle elle a été placée.
Il y avait un certain nombre de grands artistes individuels, mais il y avait aussi des familles de peintres qui suivaient une tradition stylistique presque immuable. Parmi ceux-ci figurent les Coypels , qui ont exécuté le plafond de la chapelle de Versailles, les Van Loos et les De Troy , qui ont tous peint des tableaux toujours amusants pour les classes supérieures et les classes moyennes montantes, qui apparaissent pour la première fois à l’époque rococo. en tant que clients importants et expliquent dans une certaine mesure la demande accrue de portraits. Certaines des évocations les plus délicieuses de la sophistication de la société se trouvent dans les portraits de Nattier, Drouais, Roslin et, bien sûr, de Boucher lui-même, dont la délicate ressemblance de Madame de Pompadour figure parmi les plus beaux portraits de femmes de ce siècle. Voir aussi les portraits rococo de Elisabeth Vigee-Lebrun (1755-1842), portraitiste à la reine française Marie-Antoinette.
Outre le portrait, de nombreuses autres branches spécialisées de la peinture sont apparues, telles que la nature morte, où dominaient Jean Baptiste Oudry (1686-1755) et François Desportes (1661-1743).
Dans ces domaines "mineurs", un homme est remarquable: Jean Chardin (1699-1779). Ses sujets de genre délicieusement simples et profondément sincères et ses peintures de natures mortes ont une qualité qui semble au premier abord se rapprocher Réalisme hollandais – avec un soupçon de précision et de sensibilité françaises – que dans le style rococo dominant. Un chef-d’œuvre pourrait naître d’une petite image d’un vase de Delft avec quelques fleurs ou d’une simple étude à deux chiffres. C’est leur finesse même et leur raffinement qui les relie au rococo. Un autre peintre de genre rococo exceptionnel était le «moraliste» Jean-Baptiste Greuze (1725-1805).
Mobilier et Arts Décoratifs Rococo Francais
La même délicatesse caractérise Meubles français et une bonne partie de la Art Décoratif Français de la période. Entre 1715 et 1770 environ Designers français mobilier créé qui reste inégalé dans sa beauté de ligne et de détail, finition minutieuse et matériaux coûteux utilisés avec expertise. C’est également à cette époque que sont apparus la plupart des types de meubles auxquels nous sommes habitués aujourd’hui: des meubles tels que le bureau plat, le secrétaire (de nombreux types, notamment les modèles à abattant et à cylindre) et les canapé dans de nombreuses formes (canapés, lits de repos).
Les lourdes pièces de la fin du XVIIe siècle incrustées de laiton et d’écaille de tortue à la manière de Boulle ont été remplacées à partir de la Régence par des pièces plus petites et plus légères, une évolution qui a coïncidé avec la réduction de la taille des pièces et la réduction des formalités. La commode a été soulevée du sol sur de délicates jambes incurvées et les façades de bombe ont été recouvertes de dorures sinueuses qui coulaient souvent sur toute la pièce et dans lesquelles se trouve une grande partie de la plus belle décoration du rococo. Dans cet art rococo, de superbes utilisations de tous les types de bois incrustés, souvent importés d’Orient, contribuaient à la fois au coût élevé de la pièce et à l’engouement pour l’exotisme qui envahissait la société française et conduisait à son utilisation (souvent entièrement des termes tels que "à la polonaise", "à la grecque" et "à la chinoise". Dans le secteur des meubles, la principale manifestation de cet intérêt pour l’Orient a été l’utilisation de laque importée ou imitation, de nombreuses pièces de laque orientale de qualité subissant de grandes souffrances au cours du processus de dissection et de transformation.
La présentation du luxe dans l’artisanat rococo ne se limite pas, bien sûr, aux meubles, et l’apparence cruelle de nombreux ensembles rococo aujourd’hui est trompeuse. Les frivolités et les garnitures – volants, rubans, tentures sophistiquées sur les lits, les portes et les fenêtres, guirlandes, guirlandes et boules – souvent associées uniquement aux victoriens, ajoutaient à l’atmosphère de luxe et de confort, qualité peu connue au XVIIe siècle. Intérieurs français.
Malgré l’extrême rigueur du système de guildes, peut-être même grâce à lui, le mobilier français a atteint, au XVIIIe siècle, un état de perfection tel qu’il était recherché dans toute l’Europe. Les règlements de la Guilde encourageaient la spécialisation et incitaient les fils de maîtres artisans à continuer à exercer le métier de père en leur offrant des avantages économiques. Le résultat a été une compétence professionnelle exceptionnelle et la montée de véritables dynasties de menuisiers et d’ébénistes, transmettant les secrets de leur métier de père en fils.
Ainsi, le menuisier ne pratiquait que la création de la forme actuelle du meuble; l’ébéniste a créé les couches élaborées d’incrustation et de décoration de surface et un autre artisan a également été chargé d’installer le décor en bronze doré sur le cadre préparé; aucune guilde n’était autorisée à pénétrer sur le territoire d’une autre. Comme dans les autres arts, de grands noms sont apparus dans chaque domaine: Foliot , Lelarge , Sene , Cressent et un nombre croissant d’Allemands: Oeben , Riesener , Weisweiler . Ils occupèrent des positions de grande influence et une pièce signée par l’un de ces artisans était aussi recherchée que n’importe quel tableau de Boucher ou Fragonard.
Le rococo était un style dans lequel l’élément féminin prédominait, comme en témoignaient les meubles aux courbes souples et souvent sensuelles, à l’aspect fragile, voire à la terminologie: duchesse (duchesse) et sultane (sultane). Les fleurs décoraient une grande partie des boiseries et des meubles de l’époque, et de nombreuses boiseries rococo renferment des trompes d’oeils de guirlandes et des gerbes de fleurs habités par de minuscules oiseaux et animaux, descendants directs du grotesque. La petite taille de la plupart des meubles, en particulier des pièces conçues pour l’écriture, empêche presque son utilisation par un homme, bien que, paradoxalement, l’une des plus belles créations de l’époque, le bureau de Louis XV exécuté par Oeben et Riesener entre 1760 et 1769 large et étonnamment masculin.
La porcelaine était parfois incorporée dans la conception de meubles français, généralement sous la forme de plaques peintes ou de disques montés dans des cadres en bronze. Une grande partie provient de l’usine de Sèvres. Louis XV avait lui-même fourni des fonds pour financer une entreprise de porcelaine à Vincennes, près de Paris, visant à imiter la porcelaine Meissen, déménagée en 1756 à Sèvres. Bien qu’elle ne soit pas la première usine en France à produire de la porcelaine (Rouen et Saint-Cloud fonctionnaient toutes les deux dans les dernières années du XVIIe siècle), Vincennes-Sèvres fut certainement la plus performante dans la production de porcelaine à pâte dure, comptant de nombreux peintres comme Boucher parmi ses concepteurs.
La valeur attachée à la porcelaine de Sèvres est attestée par le nombre de pièces ou ensembles individuels tels que celui réalisé pour l’impératrice Marie-Thérèse en 1758, envoyé par Louis XV à titre de cadeau diplomatique. Parmi les autres ensembles célèbres, citons les services rendus à Catherine la Grande et à Madame du Barry. Les couleurs mises au point à Sèvres ne sont pas si différentes de celles que l’on retrouve dans les peintures de Boucher: des bleus verts et une rose merveilleuse appelée rose Pompadour. Les types d’objets fabriqués vont des appliques murales aux puits d’encre et aux vases en pot-pourri, dont certains des plus beaux exemples figurent dans la Wallace Art Collection, Londres.
Pour en savoir plus sur la porcelaine rococo et la sculpture rococo, consultez deux importants sculpteurs français. Jean-Baptiste Pigalle (1714-1785) et Etienne Maurice Falconet (1716-1791).
Le style rococo en France représente sa plus grande contribution artistique avant la montée de l’impressionnisme au XIXe siècle et embrasse tous les arts dans une mesure que l’on ne trouve nulle part ailleurs en Europe, à l’exception de l’Allemagne. La qualité étonnante du rococo français est due au maintien des normes les plus élevées. Elle a l’attrait supplémentaire du favoritisme de personnalités telles que Mme de Pompadour, à qui le style est attribué, et elle constitue la fin d’une longue tradition du meilleur savoir-faire français.
Le style rococo en Italie – Caractéristiques
Une grande partie de l’histoire du rococo en Italie est celle de la peinture à Venise – en particulier celle du grand génie Giambattista Tiepolo (1696-1770) – puisque l’on y trouve les produits importants du style dans sa forme la plus originale. À l’exception de quelques bâtiments de Juvarra et de Bernardo Yittone, l’architecture italienne de la première moitié du siècle passe assez directement du style baroque tardif au néoclassicisme ancien, avec peu de traces d’un style rococo bien défini.
Architecture rococo italienne, design d’intérieur et décoration
Architecture et art décoratif a été dominé par le travail de deux hommes au tournant du siècle, Bernini et Borromini, mais en particulier le dernier. Bientôt, cependant, l’architecte principal à Rome est Ferdinando Fuga (1699-1782), un florentin dont les plus grandes œuvres sont le Palazzo delia Consulta (1732-37) et la façade de Santa Maria Maggiore (1741-1743). Dans le premier cas, un rythme délicat était créé non pas par des ordres de colonnes massifs, mais par des panneaux légèrement proportionnés et légèrement en retrait. Des fenêtres très décoratives étaient placées contre celles-ci et l’ensemble était couronné par une grande sculpture centrale d’anges soutenant un cartouche. En effet, il est beaucoup plus sculptural que n’importe quel bâtiment français de la même date et se lie davantage au rococo allemand. La façade de Santa Maria Maggiore a la même importance centrale, mais toute la façade est conçue comme une loggia ouverte, soulagée uniquement par une sculpture lumineuse. Ailleurs à Rome, d’autres entreprises architecturales se rapprochent de l’esprit du rococo, comme par exemple sur la place d’Espagne (1723-25) de Francesco de Sanctis .
Alors que des architectes français tels que Boffrand cherchaient un moyen économique d’exprimer la sophistication de leurs intérieurs à l’extérieur, les architectes italiens étaient encore beaucoup plus préoccupés par le fait que l’extérieur leur permettait de se faire une impression immédiate. Ils y ont souvent consacré leurs énergies au détriment des intérieurs et ne réussissent donc que de manière interne, là où de vastes espaces sont impliqués, comme dans certaines œuvres de Filippo Juvarra (1678-1736).
Juvarra est né à Messine dans une famille de forgerons et a été formé à Rome par Carlo Fontana. Il a obtenu ses premiers succès en tant que concepteur de décors de scène élaborés et décoratifs, une expérience qui le remplira plus tard. Après avoir été nommé premier architecte du roi à la cour de Savoie en 1714, il se rendit au Portugal, à Londres et, en 1719-1920, à Paris, voyant probablement le rococo français à ses débuts. À son retour, il est devenu le parallèle le plus proche de l’Italie avec l’architecte-concepteur français, impliqué non seulement dans l’architecture, mais également dans les intérieurs, le mobilier et les arts appliqués. Ses réalisations remarquables sont le pavillon de chasse qu’il a conçu entre 1729 et 1733 pour la Cour du château de Stupinigi, l’église du Carmine (1732-1735) à Turin et le sanctuaire de la Superga près de Turin (1717-1731). Stupinigi est sa création la plus excitante. Des ailes gigantesques émanent d’un noyau central en forme de dôme surmonté d’un cerf en bronze. L’extérieur blanc en préserve l’incroyable acrobaties spatiales et les couleurs à l’intérieur du grand hall central, proche de nombreux fantasmes architecturaux et de dessins théâtraux de Juvarra. On utilise beaucoup la peinture illusionniste, trompe l’oeil des urnes remplissant des niches géantes peintes au-dessus des nombreuses cheminées de la salle, tandis qu’une galerie légèrement ondulée contourne les murs et semble percer les grandes jetées. C’est un tour de force théâtral. En comparaison, la Superga et le Carmine semblent un peu pédant, mais le premier est situé au sommet d’une colline qui domine les environs avec son élégant portique et son haut dôme flanqué de tours à dôme en oignon.
Bernardo Yittone (1704-1770), qui travaillait exclusivement dans le Piémont où il est né, est comparable à Juvarra. Il y est retourné après avoir étudié à Rome et édité ’Architettura Civile’ du grand architecte baroque Guarini. Ses œuvres les plus importantes se trouvent dans des villages obscurs du Piémont et unissent la complexité spatiale de Guarini à la légèreté et à la brio de Juvarra. Dans cette optique, ses chefs-d’œuvre sont le sanctuaire de Vallinotto (1738-1739) et l’église de Santa Chiara à Bra de 1742.
Bien que l’architecture domestique de Vittone soit piétonne, celle de Juvarra ne l’est pas et ses intérieurs rococo comptent parmi les plus beaux d’Italie. Contrairement à la France, l’Italie n’était dirigée par aucun monarque et le favoritisme était donc généralement limité à une région donnée du pays, comme dans le cas de Juvarra. Son patron, Vittorio Amadéo II de Savoie, eut la chance de pouvoir compter sur un architecte de cour aussi talentueux. Juvarra conçut pour lui la façade du palais Madama à Turin (1718-1721), ainsi que quelques-uns des rares intérieurs de qualité française.; telle est la salle chinoise du palais royal de Turin avec ses boiseries laquées et dorées, influencée peut-être par le livre d’ornements de JA Meissonnier publié en 1734. Une comparaison des intérieurs de Juvarra avec d’autres en Italie montre qu’il était le seul sur un pied d’égalité. avec d’autres designers européens.
Mobilier et Objets Décoratifs Rococo Italien
Malheureusement, l’histoire des meubles rococo italiens ne suit pas un modèle aussi simple que celui des Français. Le style du dix-septième siècle a été imbriqué dans le dix-huitième, et les pièces qui sont soi-disant datables avant le tournant du siècle sont souvent en réalité beaucoup plus tardives. Une grande partie du mobilier de Juvarra reste relativement lourde, utilisant des formes naturelles d’une manière très différente de celle de designers français tels que Nicolas Pineau ou Meissonnier.
La splendeur, laissée de l’époque baroque, était toujours l’ambiance dominante dans tous les grands projets d’intérieur, et il n’y avait pas de sentiment, comme en France ou même en Allemagne, dans les petites dimensions. Ainsi ont été produits des meubles et des décors plus sophistiqués mais tout aussi imposants. Alors que le goût français était de nouveauté constante, les intérieurs italiens ont peu changé après l’acceptation du basculement initial vers le Rococo. Comme en France, et dans une plus grande mesure en Angleterre, les nouveaux riches ou les mieux nantis tentent maintenant de se tenir au courant de l’évolution de la situation.
Ce qui a surpris la plupart des voyageurs étrangers en Italie, c’est le vide des grandes suites situées derrière les façades de la plupart des grands palais. Outre les quelques magnifiques appartements exposés, les palais contenaient de nombreuses pièces non distinguées et leur contenu ne pouvait se comparer au mobilier français et au chic des styles parisiens, auxquels les Italiens substituaient une extravagance sans goût. Les images de Pietro Longhi, d’intérieurs vénitiens, évoquent les pièces peu meublées de nombreuses maisons rococo italiennes.
Les figures d’Andrea Brustolon et d’Antonio Corradini ont dominé la conception vénitienne au début du siècle, leurs formes baroques lourdes continuant à être produites par des artisans successifs bien après leur mort, presque jusqu’à la fin du siècle. Les Vénitiens étaient néanmoins les seuls Italiens à prendre au sérieux le style rococo et à imiter les Français, produisant des commodes bombe exagérées, souvent sur des jambes minuscules et fragiles. Peu de grands noms sont connus dans le domaine des meubles italiens du XVIIIe siècle et on pense principalement à des pièces très importantes telles que le pare-étincelles peint et doré de GM Bonzanigo au palais royal de Turin. En Italie, plus encore qu’en France, une demande apparemment insatiable de pièces curieuses ou inhabituelles est apparue, minutieusement peinte dans le style vénitien avec des scènes rustiques ou des fleurs, incrustée, mais jamais avec le talent intime des ebenistes français. Laque, des dorures lourdes, des miroirs, du verre peint et des combinaisons d’autres matériaux ont conduit à un mélange ahurissant et pas toujours heureux de styles.
Exceptionnelle dans l’art de la marqueterie était Pietro Piffetti (1700-1777), qui a travaillé pour la Maison de Savoie à Turin, ce qui crée des meubles très individuels combinant des incrustations en bois et en ivoire avec de tels raffinements en métal comme des masques dans les coins et supports pour les jambes. Le Palais royal de Turin contient des pièces à couper le souffle, littéralement recouvertes d’une incrustation d’ivoire et semblant parfois être uniquement soutenues par le hasard, tant les jambes sous leurs parties supérieures élaborées sont fragiles. Au Museo Civico de Turin se trouve une table à cartes de Piffetti, estampillée et datée de 1758, avec un trompe-l’œil tout à fait convaincant de cartes à jouer en ivoire et bois rares.
Dans les arts mineurs, rien d’important n’a été produit en Italie par rapport à d’autres en Europe, et aucune usine de céramique n’a semblé rivaliser avec celle de Sèvres. Mais deux usines produisaient de la porcelaine, dont une grande partie est certainement très belle: Vinovo dans le Piémont et Capodimonte en dehors de Naples. La porcelaine de Capodimonte se caractérise par la brillance de sa couleur, souvent dans des combinaisons inattendues, comme dans la célèbre salle de la porcelaine du palais de Portici (1754-1859).
Peinture rococo italienne
Sommaire
Le rococo est apparu en Italie un peu plus tard qu’en France. Des traces précoces se retrouvent dans le style plus léger de la peinture baroque tardive, introduit à Rome et à Naples par des artistes tels que Luca Giordano (1634-1705) et Francesco Solimena (1657-1747).
Puis, en 25 ans, Venise a produit Giambattista Tiepolo (1696-1770), son fils, Giandomenico (1727-1804), Antonio Canaletto (1697-1768), Pietro Longhi (1701-1785), Francesco Guardi (1712-1793), Giovanni Battista Piranesi (1720-1778) et Canaletto neveu Bernardo Bellotto (1720-1780). Tous, sauf les deux derniers, ont passé leur vie active à Venise, bien que Canaletto se soit rendu en Angleterre en 1746. Longhi et, dans une moindre mesure, le jeune Tiepolo, décrivaient la vie quotidienne de Venise, la première dans de petites toiles, la dernière dans les dessins; tandis que Canaletto, Guardi et Bellotto ont peint des scènes extérieures sur les canaux et la place. Piranesi, bien que né à Venise, vint à Rome en 1738. On ne connaît pas ses peintures, et sa renommée repose entièrement sur ses gravures à l’eau-forte d’architecture et de ruines. L’ancien Tiepolo est surtout connu pour son extraordinaire décoration de fresques de la salle à manger d’état ) Kaiseraal) et le plafond du grand escalier ) Trepenhaus) dans la résidence de Wurzburg de l’évêque-prince Karl Philipp von Greiffenklau, qui fut sans aucun doute le chef-d’œuvre le plus grand et le plus imaginatif de sa carrière. La fresque de Apollo Bringing the Bride (1750-1) au centre du Trepenhaus constituait le point de mire, une œuvre qui achève de manière majestueuse la tradition italienne de la fresque initiée par Giotto (1270-1337) quatre cents ans plus tôt..
Tiepolo
Dans le vieux Tiepolo, et dans lui seul, peut-on parler d’un style purement rococo, lié au baroque tardif de nombreuses manières, mais créant un type d’expérience visuelle totalement nouveau. Sans surprise, plusieurs des plus grandes qualités vénitiennes du passé sont présentes dans son travail: la couleur et l’imagination originale de Titien ; les types de figure et matériaux luxueux de Paolo Veronese, avec son amour de l’architecture classique opulente comme toile de fond de riches reconstitutions historiques et mythologiques.
Le caractère artificiel de l’atmosphère de ses premières fresques relie Tiepolo au courant dominant de l’art rococo, mais à une époque où il ne pouvait en savoir beaucoup sur la peinture française contemporaine. Dès lors, sa carrière connaît un succès fulgurant jusqu’à son éclipse à Madrid, à la fin de sa vie, aux mains des néo-classicistes de Mengs (1728-1779).
Sa plus grande commission vint en 1750, lorsqu’il se rendit à Würzburg pour y peindre des fresques du palais récemment achevé. Il resta jusqu’en 1753 pour décorer l’escalier (le plus grand peinture murale dans le monde), le Kaisersaal et la chapelle. Peu de temps avant son départ pour Wurzburg, Tiepolo avait décoré le Palazzo Labia de Venise avec l’histoire d’Anthony et de Cléopâtre, l’une de ses plus évocatrices de l’histoire classique.
Une comparaison du style de Tiepolo avec celui de son contemporain exact, Boucher, révèle un tempérament différent et peut-être plus intellectuel. Ses nus élégamment glacés mais toujours voluptueux et sa juxtaposition subtile de types, comme dans l’escalier de Wurzburg où les "Continents" sont brillamment contrastés, sont plus originaux et complexes que tout de Boucher. Ce n’est pas un hasard si Boucher admira Tiepolo par-dessus tous les autres; "Bien plus que celui de Watteau, son art est celui du théâtre, avec une scène délibérément surélevée au-dessus de nous et des acteurs qui gardent leurs distances", explique Michael Levey. En effet, son art est le dernier qui soit vraiment représentatif des idéaux aristocratiques et qui sera bientôt remplacé par les valeurs républicaines de la Révolution française.un art qui ne pouvait s’épanouir que dans une cité aussi décadente que Venise au XVIIIème siècle
Afficher les peintres
Tiepolo, son père et son fils, étaient les plus grands décorateurs de la ville, mais il y avait aussi des vedutisti, ou peintres panoramiques, comme Canaletto (1697-1768), dont la grande renommée l’avait amené en Angleterre entre 1746 et 1756, et sa neveu Bernardo Bellotto (1720-1780).
Les peintures de Francesco Guardi (1712-1793) est le triomphe de l’étude atmosphérique et de la compréhension des effets singuliers de la lumière vénitienne sur l’eau et l’architecture. Avec une palette minimale, réduite dans certains cas presque entièrement à de simples verts et gris, Guardi évoque le paysage et les vues des canaux de la même manière que Tiepolo exécute des figures, et avec des points de couleur magiques suggèrent des gens pressés ou engagés dans une conversation dans La place Saint-Marc ou l’une des nombreuses places de Venise qu’il aimait si clairement.
Pietro Longhi (1702-85), en revanche, se spécialisa dans les interprétations quelque peu gauche de la vie contemporaine; Cependant, dans leur désinvolture réside leur grand charme, et dans le choix de sujets souvent délicieusement inattendus tels que le «Rhinocéros» (National Gallery, Londres) ou le «Messager maure» (Ca ’Rezzonico, Venise).
Mais l’Italie n’a jamais été aussi heureuse avec le style rococo qu’avec le style précédent du baroque ou celui du néoclassicisme, tous deux plus lourds et plus capables d’exprimer la grandezza tant aimée de l’art italien de la Renaissance. Cela, cependant, apparaît dans Tiepolo sous une forme modifiée, et c’est son nom qui reste en suspens.
Le style rococo en Angleterre – Caractéristiques
De tous les pays européens qui ont adopté ou contribué au style baroque, l’Angleterre est celui qui accorde le moins d’attention au rococo.
Anglais Rococo Architecture, Design d’intérieur et Décoration
En architecture, du moins, l’Angleterre est passée directement du style baroque de Wren et de Vanbrugh au palladianisme, transition si rapide qu’elle ne permettait aucun développement intermédiaire. Avec des bâtiments tels que Walpole’s Strawberry Hill, Twickenham, construit à partir de 1748, et Arbury, Warwickshire, de la même date, ainsi que les autres bâtiments gothiques construits à l’époque de la fin du XVIIIe siècle, c’est le sentiment qui place ces œuvres dans la catégorie rococo. toute relation avec la rocaille.
En fait, le gothique anglais est divisé en deux catégories distinctes: "associatif" et "rococo", ce dernier constituant une décoration légère inspirée des précédents médiévaux, mais suffisamment frivole pour devenir presque une contrepartie du rococo continental abandonné. et la superficialité. William Kent (1684-1748), architecte et décorateur, a développé son propre vocabulaire de décoration gothique, qui s’est répandu aussi rapidement et efficacement en Angleterre que les arabesques du rococo continental. Mais à part cela, les rocailles n’ont touché en Angleterre que quelques intérieurs, des meubles de grande qualité, des peintures et des porcelaines, notamment les produits de Chelsea et de Bow.
Le premier exemple de rocaille en Angleterre a été confié au grand designer français Meissonnier par le duc de Kingston en 1735 pour une suite de meubles de table en argent. Mais il s’agissait là d’un cas assez rare et le dessin rococo se limitait généralement à une décoration gravée sur des formes sobres, presque entièrement insensible au style. Les nouvelles tendances ont été disséminées principalement par des modèles tels que Matthias Lock ou "The Gentleman’s or Builder’s Companion" de Jones, en 1739, qui rendaient les détails rococo ou quasi rococo accessibles à tous les artisans qui pouvaient se permettre le volume. Le fait qu’il ne s’agisse que de détails détachés de leur environnement explique la qualité souvent gauche de nombreux meubles rococo anglais. puisque l’artisan ne pouvait pas s’attendre à apprécier la nature organique du style à partir de fragments.
Comme en Italie et en France, le goût du patron du xvme siècle s’étend souvent à l’Oriental sous une forme ou une autre. représentant les quelques pièces rococo remarquables en Angleterre telles que la chambre à coucher du prieuré de Nostell, dans le Yorkshire, de 1745, ou la plus importante. Claydon House dans le Buckinghamshire (vers 1768), où une série de chambres ont été décorées par un certain Lightfoot, sur lequel on sait peu de choses. Dans ces salles, cependant, le style n’est en aucun cas aussi pur que le rococo continental.
L’art décoratif rococo apparaît dans d’autres intérieurs et maisons de campagne anglais et parfois de la plus haute qualité, notamment dans le hall de Ragley, à proximité de Hagley et dans le plâtre des tourbillons des frères Francini. qui ont exécuté beaucoup de stucs en Irlande et sont particulièrement célèbres pour leur travail à Russborough. Mais cet artisanat local attractif est bien loin des projets consommés et complets du continent.
English Rococo Mobilier et Objets d’Art
Contrairement aux Français, les ébénistes anglais ne signaient généralement pas leurs pièces. On en sait relativement peu sur des hommes tels que John Linnell, John Cobb, Benjamin Goodison et William Vile, qui semblent tous avoir beaucoup travaillé de la nouvelle façon. Le nom de Chippendale est cependant remarquable, non seulement pour la qualité de ses pièces, mais aussi pour son ouvrage "Le gentleman et le directeur de l’ébéniste" (1754).
Dans ses dessins de miroirs et de gants de verre, souvent parfumés à la chinoiserie, on retrouve des exemples exotiques du style rococo, tout aussi méticuleux que la boiserie française, mais conçus pour être utilisés comme des éléments isolés et rarement dans un schéma décoratif complet. De même, les sculptures élaborées et fantastiques de la salle de Claydon sont isolées dans un cadre par ailleurs classique.
Peinture rococo anglaise
En peinture, deux artistes anglais ont fait certaines concessions au rococo – William Hogarth (1697-1764) et Thomas Gainsborough (1727-1788). Hogarth réagit vivement contre le type de peinture d’histoire baroque, très recherché par les «amateurs», et introduisit dans son travail la «ligne de la beauté», qu’il expliqua dans «The Analysis of Beauty» (1753). et qui était une ligne serpentine un peu comme un «S» allongé. C’était, bien sûr, précisément la forme de beaucoup de décoration rococo.
Gainsborough, d’autre part, a commencé sa vie en tant que peintre de petits portraits sur pilotis développant plus tard un style plus sophistiqué après son passage à la mode, à Bath. Il a peint des portraits dans un style rococo étonnamment proche de Boucher, avec leurs pinceaux flottants et leurs paysages en plumes, leurs roses éclatants et leurs gris argentés, plus rococo que toute autre peinture anglaise contemporaine. Voir aussi le portraitiste de la société Regency, Thomas Lawrence .
Le néoclassicisme a balayé l’Angleterre du retour de Robert Adam au pays en 1758, mais même son style chaste et épicéen rappelle la qualité délicate et méticuleuse de la plupart des décorations rococo françaises et son Gothick est aussi rococo que n’importe quel décor de cette période en Angleterre. Le portraitiste et peintre d’histoire suisse, Angelica Kauffmann (1741-1807), admirée par Sir Joshua Reynolds pour son portrait, collabore avec Robert Adam à plusieurs de ses décorations architecturales.
Le style rococo en Allemagne – Caractéristiques
Contrairement à la superbe retenue du meilleur rococo français, l’Allemagne offre une gamme époustouflante de l’architecture et de la décoration intérieure les plus scandaleuses et magnifiques de l’histoire de l’art européen.
Rococo allemand Architecture, Design d’intérieur et Décoration
Ce haut niveau d’excellence s’étend de l’architecture à art appliqué – les meubles, les meubles et la porcelaine – bien que ceux-ci dépassent rarement ceux de la France. Au 18e siècle, la France, l’Italie et l’Angleterre ne rivalisent pas avec l’excès de chefs-d’œuvre architecturaux tels que Melk ou le Dresden Zwinger, et rien que par le nombre d’églises et de palais de premier ordre, l’Allemagne dépasse facilement les autres. Cela peut provenir du fait que ce que nous appelons maintenant l’Allemagne était, au XVIIIe siècle, divisée en plusieurs principautés, royaumes et évêchés, de sorte qu’une certaine rivalité devait avoir déterminé la création d’édifices d’importance majeure – contrairement à la France ou à l’Angleterre. où les commissions vraiment importantes étaient invariablement limitées à un petit nombre de clients.
Le rococo allemand puise ses origines dans des églises romanes de la période baroque, telles que le Sant ’Andrea al Quirinale du Bernin, où couleur, lumière et sculpture élaborée sont combinées. C’est ce qui apparaît pour la première fois en Allemagne dans l’église abbatiale de Weltenburg, construite après 1714, dont le dôme ovale a été découpé à l’intérieur pour laisser apparaître une vision au-dessus des fresques du ciel.
La couleur était la corde principale à l’arc du rococo allemand – rose, lilas, citron, bleu – toutes étaient combinées ou utilisées individuellement, comme dans l’Amalienburg, près de Munich. Les formes plus lourdes et courbes du baroque sont transformées en rythmes plus staccato en rococo allemand et on retrouve l’influence d’un monument baroque majeur tel que le baldacchino de Bernini dans la Rome Saint-Pierre, transformé par Balthasar Neumann (1687-1753), dans une confection de l’ordre du maître-autel de Vierzehnheiligen, peut-être la plus complexe et la plus satisfaisante des églises allemandes.
Alors que la forme des salles en France au XVIIIe siècle n’a pas beaucoup changé et que le plan des édifices ecclésiastiques n’a pratiquement pas changé, les architectes allemands du rococo ont exploré toutes les possibilités. Les murs semblent non seulement dominer malgré leur taille énorme, mais des pans entiers semblent avoir été coupés, de sorte que les énormes plafonds décorés de fresques, qui dominent entièrement la plupart de ces églises, semblent flotter au-dessus du fidèle.
L’une des caractéristiques les plus passionnantes de l’architecture rococo allemande est l’emplacement extrêmement spectaculaire de certains des exemples les plus importants, tels que l’abbaye de Melk de J. Prandtauer, commencée en 1702. Placé délibérément dans une position dominante au-dessus du Danube, deux grandes tours dominent une cour avant ouverte sur le monde extérieur par une grande arche de type palladien. Un tel sentiment de théâtre et d’implication totale des fidèles, tant à l’extérieur qu’à l’intérieur, se retrouve également chez Ettal, dans un rôle inversé, le monastère étant dominé par les montagnes environnantes.
La construction laïque a également atteint un haut niveau de perfection. Les exemples les plus sophistiqués se trouvent peut-être dans et autour de Munich où, en tant que nain de la cour et architecte, François Cuvillies (1695-1768) a été impliqué dans de nombreux bâtiments, le plus beau étant peut-être le Amalienburg. Ce petit pavillon, construit entre 1734 et 1739 et nommé d’après l’épouse de l’électeur, présente, selon les mots de Hugh Honour, «une élégance facile et une délicatesse fantasque». Son front légèrement balancé, son rustication peu profonde et ses frontons inhabituels annoncent l’une des plus belles salles d’Europe: la célèbre Galerie des Glaces avec sa rocaille d’argent sur fond bleu poudré et son verre étincelant. De l’autre côté de l’échelle, le Cuvillies Residenz-theatre à Munich (1751-53) utilise des figures richement dorées et des instruments de musique pour encadrer tout l’auditorium, contrastant vivement avec le damas et le velours rouges des murs et des sièges.
Potsdam et Dresde n’ont jamais produit un style rococo aussi raffiné que celui de Munich, mais des bâtiments tels que le Zwinger (1709-19) par Poppelmann à Dresde est bouleversé par son ampleur et sa surabondance de détails décoratifs. L’effet de ce type d’architecture se fait également sentir dans le petit palais de Sans Souci à Potsdam (1745-1751), construit pour Frédéric le Grand.
Le rococo allemand occupe une place prépondérante en Europe en raison de son ampleur, de son opulence et de sa majesté de détails.
Pour plus d’informations sur les intérieurs rococo en Russie, voir les travaux de Bartolomeo Rastrelli (1700-1771).
Variantes postérieures du rococo
Le style rococo ne s’est jamais vraiment éteint en France. Avec l’arrivée de l’historicisme dans les années 1820, de nombreux artisans trouvèrent relativement facile de produire des intérieurs et des bâtiments entiers dans le style «Second Rococo», privilégié par Louis Phillipe et sa reine, dont on trouve des exemples partout à Paris.
La renaissance de l’architecture et du design rococo est arrivée en Angleterre dès 1828 avec la chambre de Waterloo de Wyatville à Apsley House, les intérieurs de Lancaster House et le Elizabeth Saloon du château de Belvoir. Il plaira naturellement aux riches de l’époque et les Rothschild décorèrent plusieurs maisons dans ce style, intégrant même les intérieurs du XVIIIe siècle du manoir de Waddesdon dans les années 1880.
Louis de Bavière a donné son accord à ce style dans ses palais de Linderhof et de Herrenchiemsee de la même époque. Il est devenu le goût accepté dans la décoration des nombreux nouveaux hôtels de la fin du XIXe et du début du XXe siècle et Le gout Ritz devait être synonyme de luxe et d’élégance.
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