Peinture romane en Italie Automatique traduire
Pour un guide général sur les peintures murales d’église, voir: Art Chrétien (150-2000).
introduction
En Italie, la période de Art roman duré un peu plus longtemps que dans d’autres pays. Le développement rapide de Peinture romane, en raison du contact direct avec l’Est, a été intensifié par le fait que les exposants byzantins de art de la mosaïque, concentrés à Rome et ailleurs dans la péninsule, poursuivent leur travail impressionnant, qui a sans aucun doute influencé les peintres en fresque. Sa continuation est due, en outre, à l’apparition tardive de la Art gothique on peut dire que l’art roman italien arrive à sa conclusion entre les mains de Maîtres Anciens du DuCento et Trecento tels que Duccio di Buoninsegna (c.1255-1319) – chef du conservateur Ecole siennoise de peinture – le peintre florentin plus âgé Cimabue (Cenni di Peppi) (1240-1302) et même peut-être Giotto di Bondone (1267-1337) – qui ont tous ouvert la voie au quattrocento Début de la renaissance, qui a émergé à Florence.
Il y en a peu peintures religieuses en Italie qui ne montrent pas de traces de Art byzantin d’une source ou une autre. Même dans le nord, nous pouvons clairement reconnaître les caractéristiques byzantines survivant dans Art ottonien dans le Christus Pantocrator de la voûte absidale de l’église de Monte Maria à Burgusio, près de Bolzano.
Bien entendu, comme dans d’autres pays, chaque artiste réconcilie l’influence byzantine qu’il a subie sur les traditions et les coutumes locales, ajoutant ainsi le poids de son pouvoir créateur. L’importance de sa personnalité sera déterminée par le résultat total, en fonction de la part assumée par les différents éléments.
Remarque: pour plus d’informations sur l’art mural français des XIe et XIIe siècles, voir: Peinture romane en France. Pour peindre en Allemagne, voir: Art médiéval allemand.
Peinture romane en Lombardie
Dans la peinture romane lombarde, la plus ancienne fresques se trouvent dans la basilique de San Vincenzo à Galliano, près de Cantu. Celles-ci remontent à peu de temps avant 1007, année où cette église fut consacrée après sa reconstruction, sur les fondations d’un temple du Ve siècle, d’Ariberto da Intimiano, devenu Archevêque de Milan en 1018. Son portrait, transféré sur toile, est aujourd’hui à la bibliothèque ambrosienne de Milan.
Le merveilleux peinture médiévale à San Vincenzo a malheureusement subi de nombreuses vicissitudes, mais il reste l’un des exemples les plus importants de l’art roman dans le nord de l’Italie. Les peintures de l’abside sont plus habilement exécutées que celles de la nef, et on peut supposer que seul le premier peut être attribué à un maître peintre, le reste étant l’œuvre de son atelier, probablement de la même époque.
Dans le demi-dôme de l’abside se trouve une immense figure debout du Christ, sous laquelle on voit les prophètes Jérémie et Ézéchiel se prosterner vaincus dans une attitude d’adoration, bouleversés par la clarté de la vision, tandis que, derrière lui, se tient l’archange Michel portant pancarte sur laquelle on peut lire petitio. Derrière Ezekiel, à la droite du Pantocrator (le Christ dans la culture byzantine), il devait y avoir l’archange Gabriel tenant l’inscription postulatio, qui est maintenant effacée. (Il faut se rappeler que la basilique a été vendue en 1801 et est devenue une habitation privée; la municipalité de Cantu l’a rachetée en 1909, l’a restaurée puis reconséculée en 1934.) Le Christ est ici dans sa mandorla soutenue par des archanges représenté en tant que juge suprême. Sur le registre inférieur de l’abside, quatre panneaux représentent des scènes de la vie de saint Vincent.
le peinture murale sur les murs de la nef, que certaines autorités ont cru plus récents, sont néanmoins probablement de la même période, mais pas de la main du maître peintre. Malgré leur état mutilé, ils sont remarquables par l’équilibre de leur composition. Sur le mur nord, on trouve dans le registre supérieur (les deux murs de la nef sont divisés en trois registres) les restes de l’histoire d’Adam et Eve, puis au milieu, presque complètement effacés, probablement les traces de l’histoire d’Abraham, tandis que au fond, on peut encore reconnaître la vie de sainte Marguerite d’Antioche. Sur le mur sud, une figure colossale de Saint-Christophe occupe une grande partie du mur sur plusieurs registres; son histoire est racontée dans le registre inférieur, tandis que celle de Samson est au-dessus.
La tête du saint, seul fragment visible des vestiges de la décoration murale de l’ancien monastère de Sant’Ilario, détruite lors de la suppression des églises et des couvents au XIXe siècle, rappelle les peintures de Galliano, avec lesquelles il est contemporain. par ses qualités de stylisation géométrique; les contours sont clairement accentués par des lignes fortes qui lui donnent une expression intense.
Art Roman
Pour la conception des bâtiments, voir: Architecture romane (environ 800-1200).
L’histoire de saint Christophe de Galliano, étroitement liée à l’histoire de ses couleurs vives (bleu, vert, rouge, ocre, jaune, noir et blanc) et à ses contours fortement marqués, peintures de la collégiale San Pietro e Sant’Orso à Aoste; pour les voir, il faut gravir des échelles allant de la voûte (reconstruite au XVe siècle) au plafond d’origine.
Sur le mur de gauche, nous trouvons successivement: le miracle de la fête de Cana, les anges veillant sur le sépulcre après la résurrection, un fragment de la résurrection, un archange avec un ange. Sur le mur de droite: le martyre de l’apôtre Pierre, un roi, Jésus et les apôtres sur le lac de Gennesareth, l’orage sur le lac de Gennesareth, le martyre de Saint-Jacques le Majeur, Saint Jean à Éphèse, Saint Andrew ou le prophète Élie à Patras; et sur le mur d’entrée, à gauche, une scène de martyre. Les historiens n’arrivent pas à se mettre d’accord sur la date de ces fresques: certains les situent à la fin du Xe siècle, d’autres à la fin du onzième ou au début du douzième.
Ils sont également en désaccord sur la période à laquelle l’église abbatiale de San Pietro al Monte à Civate a été modifiée et même sur la forme que cette modification a prise. Cela rend difficile la datation de ces peintures, qui étaient contemporaines de la modification. A l’heure actuelle, cette abbaye, qui surplombe le lac de Côme d’une hauteur considérable, est décorée de peintures dans le vestibule (narthex), la nef et la crypte. Leur thème principal est la Cité Céleste.
Sur la voûte du vestibule, nous voyons le Christ Roi, assis sur un globe terrestre, avec l’Agneau à ses pieds. Sur une autre voûte se trouvent les quatre rivières du paradis, tandis que dans la nef, sur la lunette qui surmonte et comprend les trois arches donnant sur le vestibule, se trouve un Christ en majesté encadré par la bataille de Saint Michel et les anges contre le dragon. de l’apocalypse. À gauche du Christ, nous voyons saint Michel et six anges armés de lances et transperçant la tête et le corps du dragon. Ce dernier occupe toute la partie inférieure de la composition, tandis que le côté droit est occupé par des cohortes d’anges participant à la bataille. Malgré le lourd, presque archaïque dessin Parmi les visages, ces peintures ne datent probablement que de cinquante ans environ de celles de Galliano, bien qu’elles ne puissent être antérieures à la première moitié du XIIe siècle compte tenu de certains emprunts à des modèles grecs.
Pour plus d’informations sur la peinture de livres médiévaux italiens et les enluminures du gospel, voir: Manuscrits romans enluminés.
Peinture romane à Venise
Les origines des éléments byzantins dans la peinture romane de Venise et du Frioul sont beaucoup plus faciles à expliquer que dans le cas de la Lombardie, du Piémont et du Latium. À Aquilée, les fresques de la cathédrale, commandées par le patriarche Poppo (1019-1042), sont un exemple typique du travail de artistes médiévaux formé dans la tradition des mosaïstes. Les peintures de la crypte sont postérieures à celles de l’abside, mais tout aussi majestueuses, et suggèrent un apport plus considérable de l’esprit inventif des artistes locaux. Les combats de chevaliers qui ornent le pied de la crypte, représentés sur un fond de rideaux brodés, sont purement romans.
Peinture romane en Italie centrale
En ce qui concerne le 11ème / 12ème siècle art chrétien médiéval en Italie, les fresques de la basilique Sant’Angelo in Formis, situées parmi des ruines antiques à cinq milles au nord de Capoue, dans le centre de l’Italie, témoignent de la plus grande influence byzantine de toute l’Italie. Les parties les plus anciennes remontent peut-être à l’époque de Desiderius, abbé de Monte Cassino, dont dépendait Sant ’Angelo in Formis. Sur les murs latéraux de la nef centrale, est présenté un cycle narratif de la vie du Christ, couvrant trois registres. Une large composition recouvre le mur d’entrée de la nef centrale, représentant le Jugement dernier, où nous sommes conscients que l’artiste a pris certaines libertés vis-à-vis de ses prototypes byzantins: l’intrusion de formules romaines (dans les plus grandes dimensions de la crucifixion) et occidentaux (dans le Jugement dernier, où des expressions plus vives renforcent l’action dramatique).
le La peinture dans la nef, et aussi dans l’abside, avec le Christ en majesté tenant un livre portant l’inscription Ego sum alfa et oméga, appartient probablement à la seconde moitié du onzième siècle, tandis que celui du Jugement dernier pourrait avoir été exécuté vers 1100.
À Rome, deux petites églises, San Bastianello – construite vers l’an 1000 – et Sant’Urbano, qu’une inscription permet de dater de 1011, contiennent les restes de fresques qui anticipent une véritable peinture romane, notamment celle de l’église inférieure. de San Clemente, le travail d’un artiste très talentueux.
Parmi ces peintures de l’église souterraine – qui ne forment pas un tout cohérent, étant de périodes très différentes – seuls ceux qui décorent le vestibule et les deux piliers de la nef nous intéressent, car ils sont véritablement romans. Les scènes hagiographiques de la tombe sous-marine du miracle de Saint-Clément, du transfert des cendres de Saint-Cyrille du Vatican à l’église de San Clemente en 869 (à moins que cela ne représente le transfert des reliques de saint Clément en 868), ainsi que trois scènes de la vie de saint Alexis, combinées dans une seule composition, doivent être considérées comme l’un des chefs-d’œuvre de la peinture romane en Italie. (Voir aussi l’influence de Art carolingien.)
Les peintres qui décorèrent l’église abbatiale de Castel Sant’Elia, près de Nepi, à une cinquantaine de kilomètres au nord de Rome, utilisèrent également avec plaisir les modèles de draperies et divers accessoires, ainsi que les thèmes iconographiques fournis par les studios romains. Castel Sant’Elia possède le plus grand ensemble mural du Latium. Dans l’abside: le Christ entre saint Pierre et saint Paul. Derrière eux, séparés par des arbres, à gauche Moïse et à droite Saint-Élie, un soldat romain reconverti en 309. Ci-dessous, dans une bande décorative où l’Agneau occupe le centre dans un médaillon, les douze moutons, six sur chaque côté, venant de Bethléem et de Jérusalem. Le vêtement sur lequel reposent les vases de l’offrande à l’Agneau est représenté avec une étonnante inventivité.
Sur les murs du transept, au-dessous et en direction de l’abside, figuraient à l’origine les vingt-quatre anciens de l’Apocalypse, dont il ne reste que ceux de droite. Leurs tentures sont remarquables par la finesse et la fermeté du relief. Les peintures de Castel Sant’Elia ont la richesse des couleurs caractéristiques de l’école romane, avec du rouge, de l’ocre et du blanc. pigments de couleur prédominante, soulignée par le bleu profond.
Il est probable que plusieurs peintres, presque tous à la même époque – environ 1255 – ont travaillé à la crypte de la cathédrale d’Anagni, à une cinquantaine de kilomètres au sud de Rome. Cet ensemble est extrêmement important, de caractère conservateur et formant une seule séquence iconographique.
Une série de peintures est liée à la cérémonie d’inauguration de la crypte: d’abord, des sujets «scientifiques» liés au service de la dédicace (les éléments composant l’univers selon la doctrine d’Aristote, très en vogue à cette époque bien qu’est rarement illustrée ichnographiquement: l’homme le microcosme est inclus, montré à différentes étapes de sa vie), puis les deux docteurs de l’antiquité, Galen et Hippocrate. Viennent ensuite des scènes hagiographiques: le martyre de saint Jean l’évangéliste devant la porte latine et plusieurs scènes de la vie de saint Magnus, évêque d’Anagni, qui a été mis à mort lors des persécutions de Decius: saint Magnus guérit un paralytique, son martyre par décapitation et sa déposition. De l’autre côté, des scènes de l’Apocalypse: le Jugement dernier, les anciens de l’Apocalypse, et dans la voûte de l’abside Christ en majesté avec un élément iconographique inhabituel: l’épée de justice qui sort de sa bouche.
Plusieurs des plafonds voûtés sont consacrés à l’histoire de l’arche de l’alliance: les juifs, coupables du péché d’idolâtrie, perdent l’arche sacrée – les Philistins emportent l’arche à Azotum – les quatre villes philistines, Gaza, Dagon, Acaron et Ascalon, qui ont gardé l’arche à son tour – Samuel réconcilie les Juifs avec Dieu, la destruction de l’idole, le retour de l’Arche, Samuel parle aux Juifs – l’histoire du retour de l’Arche. Un autre plafond nous montre l’ascension d’Élie dans le char de feu.
Comparé à Castel Sant’Elia et à San Clemente, qu’il surpasse de loin en splendeur décorative, l’ensemble Anagni affiche, outre son élément byzantin, une observation beaucoup plus étroite de la réalité et une plus grande force expressive.
Considérant que, dans le cas des fresques d’Anagni, l’érudit Grabar écarte pour des raisons de disposition les possibilités de leur modelage manuscrits enluminés, les scènes qui ornent les murs de l’oratoire de Saint-Sylvestre dans le couvent du Quattro Coronati à Rome lui suggèrent que l’artiste doit avoir conçu ses peintures murales comme des miniatures agrandies.
Construit en 1246, cet oratoire est dédié à saint Sylvestre Ier, pape et confesseur. L’histoire de Constantine et de saint Sylvestre est exposée sur trois des quatre murs: Constantin, qui souffre de la lèpre et qui pourrait être guéri, selon les médecins, par un bain de sang humain, rassure les mères qui sont venues l’implorer d’épargner leurs enfants; Saint Pierre et Saint Paul apparaissent à l’empereur dans un rêve; Les envoyés de Constantine vont chercher l’ermite sur le mont Soracte; ils invitent Sylvester à revenir avec eux; Sylvestre montre à l’empereur les images des saints qu’il a vus dans son rêve; Baptême de Constantin, immergé par saint Sylvestre; l’Empereur, guéri, présente la tiare et le fregium (symboles du pouvoir temporel papal) à l’ermite; Constantine, à pied, conduit le cheval sur lequel le pape Sylvestre monte à Rome, qu’il lui avait présentée; Saint Sylvestre ressuscite le taureau et confond le rabbin; le pays est délivré du dragon, grâce à saint Sylvestre.
Ce thème a certainement été imposé au peintre, car les papes ont bien insisté sur la doctrine du Saint-Siège concernant la subordination de l’empereur au pape.
Peinture romane dans le nord de l’Italie
Revenons une fois de plus au nord de l’Italie où les grandes villes, au fur et à mesure de leur prospérité, sont devenues des centres art religieux dont l’influence s’étendit dans les régions les plus reculées.
Sur une colline surplombant l’embouchure de la vallée de Suse (route du Mont-Cenis), la petite chapelle de Sant’Eldrado, construite dans l’enceinte du monastère bénédictin de Novalesa sous la direction du père Giacomo delle Scale, antérieure au monastère 1229 à 1265, est décorée de peintures restaurées de façon désastreuse en 1828. C’est un grand regret, car elles présentent un grand intérêt du point de vue iconographique; ils représentent la vie de saint Nicolas et montrent le nourrisson, déjà voué à une stricte abstinence, refusant le lait de sa mère.
Il faut aussi noter, sur la route de Cuneo, à Roccaforte Mondovi, l’église de Pieve di San Maurizio, où l’ensemble du bas-côté droit et de l’abside sont décorés de fresques qui, sous certains aspects (grotesques et figures de monstres) rappellent les peintures de l’église San Jacopo de Termeno. Cependant, nous sommes ici confrontés au travail d’un peintre qui, sans pour autant ignorer la tradition byzantine, a également été influencé par l’art roman toscan, tel que nous le connaissons dans les scènes latérales de Pisan et surtout de croix florentines. : les personnages ont des yeux en amande avec des pupilles élargies. Les couleurs, dans lesquelles prédominent les verts et les bleus intenses, ont été appliquées en masses uniformes entre des contours délicatement dessinés et des touches claires et sombres appliquées de manière conventionnelle sans rechercher d’effet de relief, mais uniquement de couleur et de motif. Sur le mur de gauche de l’allée latérale, on trouve une scène montrant le baiser de Judas qui rappelle les peintures de la crypte de Saint-Savin, bien qu’elle manque de leur puissance classique.
Toujours dans le Piémont, à Novara, une série de peintures dans différents bâtiments méritent l’attention. Tout d’abord, dans la sacristie du Duomo, un décor architectural avec un portrait d’évêque n’a plus qu’un intérêt secondaire, tandis que tout près, dans l’oratoire de San Siro (tout ce qui reste de la grandiose basilique romane détruite en 1857), l’histoire de la La vie de saint Syrus, premier évêque de Pavie, consacrée par saint Pierre en 46 de notre ère, couvre la chapelle et les murs. Ces peintures romanes appartiennent à la seconde moitié du XIIe siècle, à l’exception de celle du mur d’enceinte du XIIIe siècle, déjà gothique.
Sur la partie supérieure du mur d’entrée, nous voyons la veuve de Vérone implorer Saint Syrus de redonner vie à son fils mort. La scène est encadrée au sommet par une bande rouge qui s’élargit à droite pour devenir le fond sur lequel est peint un groupe de bâtiments enfermés dans les murs crénelés de la ville de Vérone, en grands blocs de tuffeau rougeâtre. L’expression du visage de la veuve est renforcée par son attitude dramatique.
Sur la face gauche du pilastre, sur le même registre, nous voyons Saint-Syrus ressusciter le fils de la veuve. Sur le côté droit du même pilastre, saint Syrus baptise la veuve. Ici encore, une bande orange en haut découpe le fond bleu, au centre duquel se détachent les fonts baptismaux blancs, avec des ombres vertes sur sa face externe et des bleues sur sa face interne. La figure d’une femme y est immergée; nous voyons sa tête et ses épaules nues, avec de longs cheveux roux dans le dos. À gauche, saint Syrus pose sa main droite sur la tête de la femme pour la baptiser; le diacre se tient derrière lui, debout et raide.
Ces peintures sont d’une qualité exceptionnelle, tant par leur mérite artistique que par leur sens dramatique. L’artiste inconnu qui les a produits dans la seconde moitié du XIIe siècle n’a pas seulement eu un sens subtil du Couleur et un sentiment de rythme et d’espace de haut niveau, mais un pouvoir expressif intense, comme on en trouve rarement dans les peintures romanes italiennes. L’originalité de la composition, la grâce facile avec laquelle les draperies sont représentées et les figures groupées sont une autre prérogative de ce grand maître, dont le style est inégalé parmi les spécimens existants d’œuvres contemporaines.
A Novara, l’ancien hôtel de ville, qui fait partie des bâtiments de Brolette, date de septembre 1208. La frise peinte sur le mur sud, sous la corniche, est contemporaine. Les scènes qui y sont représentées ont des thèmes variés: des chevaliers quittant une ville, des roturiers se battant, des hommes aux prises avec des animaux sauvages, des sujets profanes, des monstres, des centaures et même une scène érotique. La frise est fragmentaire dans sa partie centrale et la nature déconnectée du sujet ne permet pas de décider si le thème est emprunté à un roman de la chevalerie, s’il a une signification symbolique ou si son intention est simplement décorative. Le style est dans la tradition populaire de la fin du siècle précédent: vif, libre et facile, rugueux et sommaire, avec une touche de caricature amusante.
Peinture romane en Suisse italienne
Surplombant le lac Majeur en Suisse italienne, la petite chapelle de San Vigilio, à Rovio, construite au début du XIIIe siècle, conserve dans son abside des fresques romanes de la même époque. Un grand Christ en majesté, quelque peu effacé, trône dans la chapelle de l’abside, au-dessus de la Vierge et de l’apôtre Pierre.
Dans l’abside de l’église de San Jacopo à Grissiano près de Naples, le Christ en majesté, soutenu par la Vierge et saint Jean-Baptiste, portant les symboles des évangélistes aux quatre coins, rappelle les miniatures de l’école ottonienne.
Sous une frise aux motifs grecs entrecoupés, selon la tradition classique, de personnages et de masques, l’arc de triomphe représente un Sacrifice d’Isaac, exemple typique d’un art où les dernières formules byzantines cèdent le pas devant un naturalisme anticiper l’école gothique. Le décor rocheux de la scène est inspiré des Dolomites à proximité et le peintre a visiblement trouvé à portée de main le bûcheron, avec son âne, qui a servi de modèle au serviteur accompagnant Abraham et Isaac.
Peinture romane en Toscane
En Toscane, la plupart des fresques romanes ont disparu. On ne peut en retracer que quelques spécimens, comme le fragment d’édifice attenant à l’abside de l’église de San Michele à Salzi, conservé au musée civique de Pise. D’autre part, l’importante contribution des artistes toscans est représentée par toute une série de croix monumentales, de retables et de tabernacles. D’autres artistes travaillaient au même moment et dans le même esprit à Rome, dans le Latium et au centre de la péninsule.
C’était principalement en Italie et en Espagne (voir: Peinture romane en Espagne), pays directement affectés par l’influence byzantine, l’art du tableau de chevalet a été développé. Exemples d’orthodoxes peinture d’icônes, importés de Grèce puis imités à Venise et ailleurs, ont servi de modèles. Ensuite, les artistes italiens ont fini par abandonner la rigidité hiérarchique et se sont efforcés de rendre leurs figures plus souples et plus humaines.
Voir également: Peinture médiévale russe (c.950-1100), et son successeur le École de peinture d’icônes de Novgorod (et peintures murales) (1100-1500)
Quatre peintures sur panneaux sont des exemples typiques de l’art roman du centre de l’Italie et du Latium, encore fortement influencés par la dernière tendance byzantine. Dans la vierge et l’enfant détrempe panneau dans l’église de la Madonna del Serbo, à Campagnano, par exemple, la rigidité des attitudes, le regard fixe des yeux, les plis du drapé ressemblent beaucoup aux portraits de princesses et de servantes des mosaïques de San Vitale à Ravenne
le retable de l’église de Santa Maria Assunta à Trevignano, où le Christ en majesté est accompagné de la Vierge intercessorale sur le panneau de gauche et de Saint Jean l’évangéliste du panneau de droite, qui date du premier tiers du XIIIe siècle. Il porte la signature de ses deux peintres, Nicolaus de Petro Paulo et Petrus de Nicolao; c’est quelque chose d’exceptionnel en ce moment. Ces deux artistes étaient également responsables du panel décrit ci-dessus.
Une figure du Rédempteur, dans la cathédrale de Tarquinies, est traitée de la même manière.
À Viterbe, enfin, dans l’église de Santa Maria Nuova, un tabernacle, peint en parchemin fixé sur du bois, est dédié au Saint-Sauveur. Quand il est ouvert, il révèle – comme le Trevignano triptyque – un Christ en majesté soutenu par la Vierge et saint Jean l’évangéliste. Une fois fermées, les deux feuilles affichent les figures de saint Pierre et de saint Paul. Au dos, on voit un ange, lui aussi très influencé par l’art byzantin de l’école de Spoleto.
Sculpture romane était souvent peint pour l’effet. L’art des crucifix en bois peint, une invention italienne de la fin du XIIe siècle, s’apparente à celui de la peinture murale. La figure du Christ, d’abord peinte comme vivante mais raide et rigide, avec les yeux grands ouverts, comme dans la sacristie de la cathédrale de Spoleto, signée par Alberto di Sozio et datée de 1187, est plus tard montrée comme un cadavre avec yeux et tête pendante, de couleur verdâtre (croix n ° 20 du musée civique de Pise).
Les peintres toscans, prenant leurs libertés avec le canon oriental, inscrivent autour de la figure du Christ de petites scènes de sa vie, réalisées avec grâce et élégance, dans des couleurs dont la splendeur est renforcée par le contraste avec le fond doré sur lequel elles sont posées. Certains de ces artistes, à la fin du XIIe siècle, produisaient de véritables chefs-d’œuvre. Certains noms nous sont parvenus, bien qu’ils soient postérieurs à la période romane proprement dite: Rainaldo di Ranuccio, Giunta Pisano, Bonaventura di Berlinghiera, Coppo di Marcovaldo, conduisant à Cimabue, qui annonce Giotto et, au-delà, le gloires de Peinture début Renaissance (c.1400-90).
On peut voir des peintures romanes italiennes dans certaines des plus vieilles églises et cathédrales d’Italie, ainsi que dans meilleurs musées d’art autour du monde.
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