Mouvement artistique du surréalisme Automatique traduire

Le symbolisme, avec ses références ésotériques et ses significations cachées ou inconscientes, a été une source importante d’images et de formes. L’œuvre de René Magritte a même été appelée «Symbolisme Freud». Par ailleurs, les compositions inquiétantes de Chirico sur des places italiennes désertes (par exemple «Le mystère et la mélancolie de la rue», 1914) avec des perspectives exagérées, des ombres irrationnelles, des objets et des personnes de taille inappropriée, contenaient une atmosphère de menace incompréhensible. Selon Breton, qui l’admirait beaucoup, Chirico était considéré comme le principal précurseur du surréalisme. Mais l’influence la plus importante et la plus immédiate sur le mouvement a été le dadaïsme : pour son approche antithétique, sa détermination à détruire la tradition bourgeoise dominante de l’art et ses méthodes novatrices.

NOTE. Pour des informations sur d’autres mouvements artistiques historiques importants, tels que le surréalisme, voir Dans «Mouvements artistiques et écoles» (à partir d’environ 100 av. J.-C.).

Histoire du mouvement surréaliste

Le surréalisme est né à Paris et est devenu partie intégrante du monde de l’art d’avant-garde (dont la capitale française était le centre). Dans les années 1930, certains membres quittent le mouvement et d’autres le rejoignent. Puis, pendant la guerre, de nombreux participants se sont réfugiés en Amérique, où ils ont exercé une influence significative sur l’art moderne aux États-Unis, avant de revenir à Paris à la fin des années 1940 et au début des années 1950.

Paris

Se considérant comme des révolutionnaires dans l’esprit du dadaïsme, les surréalistes sont attirés par les philosophies libératrices du socialisme et du communisme, avec lesquelles ils tentent en vain de s’allier, ainsi que par les structures organisationnelles de type soviétique. Ils publient leur premier manifeste en 1924 et fondent en même temps le Bureau d’études surréalistes ainsi qu’une revue irrévérencieuse et scandaleuse intitulée La Révolution surréaliste (1924-9). La plupart des premières discussions, échanges et mises en commun d’idées ont lieu dans les cafés. D’abord littéraire, le mouvement s’étend rapidement aux arts plastiques (Breton courtise assidûment Picasso, mais en vain), et sa première exposition de peintures &ndash ; La Peinture Surréaliste &ndash ; se tient à la Galerie Pierre en 1925. La Galerie Surréaliste s’ouvre sur une exposition du photographe Man Ray. Le mouvement a continué à prospérer à Paris à la fin des années 1920, devenant l’école dominante parmi les artistes d’avant-garde de la ville dans tous les domaines de l’art.

Le surréalisme des années 1930

Le mouvement a fait irruption sur la scène internationale dans les années 1930 avec de grandes expositions à Bruxelles, Copenhague, Londres, New York et Paris. Il devient rapidement un phénomène populaire mondial avec des ramifications en Angleterre, en Tchécoslovaquie, en Belgique, en Égypte, au Danemark, au Japon, aux Pays-Bas, en Roumanie et en Hongrie.

Les peintures surréalistes les plus mémorables offertes au monde par Salvador Dalí et René Magritte, qui, à eux deux, ont largement contribué à créer le style visuel du surréalisme entre 1930 et 1935, un style qui visait à explorer la vérité psychologique en séparant des objets ordinaires de leur contexte normal pour créer une image irrésistible. Les horloges en fusion de Dali (par exemple dans «Constance de la mémoire»), ainsi que les formes en fusion et les formes liquides d’Yves Tanguy (par exemple dans «Le Palais du Cap»), sont devenues des marques reconnaissables du nouveau style. Bien que les aspirations philosophiques et intellectuelles n’aient peut-être pas été réalisées, leur imagerie picturale a captivé l’imagination du public. L’imagerie de rêve se reflète dans tous les domaines, des beaux-arts à la photographie et au cinéma, en passant par la haute couture, la publicité, etc. L’art appliqué (par exemple le téléphone homard de Dali , le canapé à lèvres de Mae West, la tasse de thé recouverte de fourrure de Meret Oppenheim) n’est pas en reste. Le même désir de glamour et d’évasion qui, dans les années 1930, a conduit à la popularité de l’ Art déco, a également attiré le public vers le surréalisme.

L’exposition surréaliste London International, organisée par l’historien de l’art Herbert Read en 1936, représente le zénith de la réputation et de l’influence du surréalisme. La même année, le New York Museum of Modern Art organise une grande exposition intitulée «Fantastic Art, Dadaism and Surrealism». La dernière grande exposition des années 1930, l’ Exposition internationale du surréalisme (conçue par Marcel Duchamp), se tient en 1938 à la Galerie des Beaux-Arts de Paris. À l’entrée, les visiteurs en tenue de soirée étaient accueillis par une vue du «Rain Taxi» de Dali - un vieux taxi, aménagé de manière à ce que des jets d’eau coulent à l’intérieur des vitres, il contenait un personnage à tête de requin sur le siège du conducteur et un mannequin blond avec des escargots vivants à l’arrière. À l’intérieur, le hall de l’espace d’exposition était décoré comme l’intérieur d’une grotte sombre, avec plus d’un millier de sacs de charbon suspendus au plafond, éclairés par une seule ampoule. Des torches sont distribuées aux visiteurs pour leur permettre de voir les objets exposés. Le sol était recouvert d’un tapis de feuilles mortes et d’autres végétaux. Comme on pouvait s’y attendre, les visiteurs ont été scandalisés &ndash ; pour le plus grand plaisir des organisateurs.

Le surréalisme pendant la Seconde Guerre mondiale

En 1939, la plupart des grands surréalistes, dont André Breton, Max Ernst et André Masson, sont bien représentés aux États-Unis. Grâce à l’influence et aux contacts américains de Marcel Duchamp lors de ses précédentes visites en Amérique, et au mariage de Max Ernst avec la collectionneuse d’art millionnaire Peggy Guggenheim en 1941, ils sont très influents et gagnent de nouveaux partisans tels que Dorothea Tanning, Frederick Kiesler, Enrico Donati, Arshile Gorky et Joseph Cornell. Bien que l’école d’art américaine dominante des années 1940 soit l’expressionnisme abstrait, ses premières œuvres contiennent un certain nombre de caractéristiques surréalistes (et dadaïstes). En effet, une grande partie de l’art américain moderne et contemporain (par exemple le Pop Art, Assembly Art, Installation, Conceptual Art, Performance Art) a été inspirée d’une manière ou d’une autre par le surréalisme.

Le surréalisme en Grande-Bretagne

Les artistes britanniques ont commencé à prendre le surréalisme à cœur à partir de 1936, si ce n’est plus tôt, mais surtout dans les années 1940. Le sculpteur Henry Moore (1898-1986) s’intéresse aux figures biomorphiques, tandis que Lucian Freud (né en 1922), petit-fils du mentor surréaliste Sigmund Freud, Francis Bacon et Paul Nash expérimentent les techniques surréalistes. L’artiste britannique Conroy Maddox (1912-2005), qui a déclaré en 1978 : "Aucun autre mouvement ne pourrait en dire plus sur la condition humaine", en est le plus fervent et le plus fidèle défenseur.

Le surréalisme d’après-guerre.

Bien que le retour d’André Breton à Paris après la guerre ait marqué le début d’une nouvelle phase de l’activité surréaliste, l’humeur exceptionnellement déprimée de la France d’après-guerre n’était pas propice à la fantaisie ou à la satire. Au contraire, Breton a vu le mouvement attaqué par d’anciens membres tels que Tristan Tzara, et par le nouveau leader de l’avant-garde, le philosophe Jean-Paul Sartre, qui l’a condamné pour son optimisme insensé. Malgré cela, d’importantes expositions surréalistes ont été organisées à Paris en 1947 et 1959, et les idées et méthodes surréalistes ont laissé leur empreinte sur de nombreux mouvements artistiques de l’après-guerre. Pour un artiste sud-américain influencé par ce mouvement, voir Fernando Botero (né en 1932). Pour un artiste canadien dont l’œuvre emprunte au canon surréaliste, voir l’article sur le réaliste magique Alex Colville (né en 1920).

Le pop art est un autre sous-produit du surréalisme. Voir, par exemple, les sculptures satiriques d’objets géants de Claes Oldenburg (né en 1929), qui font clairement écho à l’œuvre de René Magritte.

La fin du surréalisme

Il n’y a pas d’accord clair entre les historiens de l’art et les historiens sur la fin du surréalisme. Certains historiens de l’art pensent qu’il s’est désintégré après la guerre ; d’autres citent la mort d’André Breton en 1966 (ou la mort de Salvador Dalí en 1989) comme la fin du surréalisme en tant que mouvement organisé. Quel que soit son déclin, le surréalisme en tant que style était (et est toujours) extrêmement populaire auprès du public artistique. Des expositions surréalistes ont été organisées à New York au Guggenheim Museum et au Metropolitan Museum of Art (1999, 2002), et en 2001, la galerie Tate Modern de Londres a organisé une exposition d’art surréaliste qui a attiré 170 000 visiteurs. Cette exposition a été suivie d’une exposition à grand déploiement en Europe «La Révolution Surréaliste» au Centre Georges Pompidou à Paris.

Les styles artistiques surréalistes : figuration et abstraction

Il y avait deux mouvements principaux dans le surréalisme. L’un, représentatif, repose sur la figuration, sur la reproduction exacte de formes naturelles &ndash ; généralement détachées, déplacées, juxtaposées, transposées ou modifiées par rapport à des situations réelles. Le second style du surréalisme était abstrait, basé sur des images sans référence spécifique aux formes naturelles, et dépendait fortement des formes générées par l’inconscient.

Surréalisme figuratif

Le style figuratif ou représentatif du surréalisme (verismo) se manifeste avec le plus de succès dans l’œuvre de Magritte, Dalí et Delvaux, ainsi que dans celle de plusieurs autres artistes qui, par leur diversité et leurs réalisations, ont évité d’être classés dans un style particulier. Picasso en est un, Ernst &ndash en est un autre, Arp &ndash en est un troisième, et dans les années 1930 et 1940 &ndash, Giacometti et Moore (1898-1986) présentent leur vision. En outre, il convient de noter que ce style de peinture surréaliste a été anticipé par le symboliste français Odilon Redon (1840-1916).

René Magritte

Le surréaliste figuratif le plus en vue est le Belge René Magritte, qui s’est spécialisé dans les peintures académiques, naturalistes mais illusionnistes. À l’exception d’un bref séjour près de Paris entre 1927 et 1930, au cours duquel il rencontra Breton et exposa avec les surréalistes. Magritte a mené une vie sobre et laborieuse à Bruxelles, peignant l’impossible avec une conviction calme et confiante. C’est en décevant les attentes conventionnelles, en utilisant des différences d’échelle frappantes (une pomme remplit une pièce, un train fait irruption dans une cheminée géante) et en défiant les lois de la gravité qu’il s’est montré le plus flamboyant. Son effet unique est renforcé par l’utilisation d’objets quotidiens. Par exemple, le héros de nombre de ses derniers tableaux &ndash ; un homme en costume de ville &ndash ; manteau, melon, parfois mallette &ndash ; est aussi inexpressif qu’un mannequin de tailleur. L’ambiguïté de l’objet et de son image peinte est constamment soulignée &ndash ; la ressemblance exacte d’une pipe avec l’inscription «Ceci n’est pas une pipe». Ses peintures surréalistes les plus célèbres &ndash ; «La condition humaine» (1933) et «Modèle rouge» (1935).

Salvador Dalí

Contrairement à la publicité faite autour d’autres artistes, la tranquillité de la méthode de Magritte fait que ses réalisations sont d’abord sous-estimées. L’attention du public se porte plutôt sur les activités fiévreuses de l’Espagnol Salvador Dalí, principal provocateur de la bourgeoisie depuis sa première association avec le surréalisme parisien en 1927. Ironiquement, comme celle de Magritte, la technique picturale de Dalí était l’un des traits académiques du naturalisme du XIXe siècle, appliqué à des sujets irréels comme s’ils étaient réels. Il a travaillé dans de nombreux médias, a été écrivain, peintre, a fait du design de bijoux, a fait du cinéma (avec Luis Buñuel) &ndash ; mais peut-être surtout chez cet homme fantastiquement moustachu, dans une carrière publique impressionnante, souvent presque la même que dans le show-business &ndash ; on a senti un égocentrisme gigantesque nourri d’une paranoïa énergique. Ses relations avec le surréalisme officiel ont d’abord été euphoriques, avant de devenir tendues. Parmi les œuvres surréalistes célèbres de Dalí, citons «Constance de la mémoire» (1931), «Construction molle avec haricots bouillis» (1936), et bien d’autres encore.

Paul Delvaux

Un autre Belge, Paul Delvaux, avait un talent un peu plus limité, mais il a ajouté une note mystérieuse constante à la gamme de l’imagerie surréaliste. Dans ses peintures mémorables, il présente un monde d’aliénation solitaire : des banlieues désertes hantées par des trains et des tramways, peuplées de femmes silencieuses qui, en y regardant de plus près, se révèlent être identiques &ndash ; peut-être la réalisation la plus vivante d’un rêve ou d’un cauchemar réalisée par un surréaliste. Cependant, il n’était pas officiellement associé au mouvement. Pas plus que Maurits Escher (1898-1972), un Néerlandais dont les œuvres les plus connues &ndash ; ses dessins brillamment calculés &ndash ; jouent avec la perspective, présentant avec une grande précision des images complètement différentes, s’interpénétrant avec une telle ambiguïté que l’œil ne peut pas dire où l’une commence et où l’autre finit.

Francis Bacon

Artiste irlandais Francis Bacon (1909-1992) doit être considéré comme l’un des principaux représentants contemporains du surréalisme figuratif, bien que des entretiens suggèrent que son répertoire complexe de formes humaines représentait sa tentative consciente de créer un nouveau type de récit figuratif en accord avec l’imagerie cinématographique contemporaine, ainsi que sa vision de l’époque d’aliénation dans laquelle il vivait.

Le surréalisme figuratif était-il inconscient? Si ce n’est pas le cas, était-il surréaliste?

Etant donné que ces œuvres figuratives ont nécessité une réflexion «rationnelle» minutieuse, on aurait pu penser qu’elles allaient au-delà de la définition de l’art surréaliste comme produit d’une pensée inconsciente. Apparemment, ce n’est pas le cas. Les œuvres figuratives étaient autorisées (par Breton et d’autres théoriciens) à condition qu’elles remettent en question la réalité rationnelle «normale». Ainsi, les œuvres de Magritte en style académique étaient considérées comme surréalistes en raison de leurs juxtapositions bizarres qui renversaient la réalité et présentaient une nouvelle surréalité. Les œuvres de Dalí ont également passé le test parce qu’elles ont été créées (selon Dalí) dans un état semi-hallucinatoire qu’il appelait la paranoïa critique. "Je me réveillais au lever du soleil et, sans me laver ni m’habiller, je m’asseyais devant mon chevalet…. Je me réveillais au lever du soleil et, sans me laver ni m’habiller, je m’asseyais devant mon chevalet, les yeux fixés intensément, essayant «de voir» comme un médium les images qui surgissaient dans mon imagination. Quand je voyais ces images positionnées avec précision dans le tableau, je les dessinais immédiatement". Les images de Dalí, telles que ses horloges en fusion et ses étranges figures à moitié humaines, ont fait de lui le plus célèbre de tous les peintres surréalistes. Cependant, en 1937, lorsqu’il adopte un style académique plus conventionnel, Breton l’exclut du mouvement. D’autre part, on peut dire que l’art surréaliste incluait même des œuvres très figuratives, à condition qu’elles illustrent les limites de la réalité sensible.

Surréalisme abstrait

L’abstraction surréaliste rejette les formes géométriques au profit de l’impact visuel et émotionnel des formes organiques de la nature : réelles (Jean Arp, André Masson, Juan Miró) ou imaginées (Yves Tanguy, Robert Matta). Le courant non figuratif du surréalisme n’est pas moins vigoureux. L’œuvre, en particulier celle de Jean Arp, est plus souvent non figurative que non figurative, mais les principaux artistes les plus systématiquement indépendants des phénomènes naturels sont l’Espagnol Juan Miró (1893-1983) et le Français André Masson (1896-1987), dont les ateliers sont voisins à Paris et qui rejoignent tous deux le groupe surréaliste de Breton au tout début, en 1924. Pendant un certain temps, les deux artistes ont expérimenté librement le dessin «automatique», l’analogue visuel de l’écriture «automatique», la non-technique» cruciale de l’irrationalisme surréaliste. (Son but était de permettre la libre association nécessaire à la création d’une expression totalement spontanée). Mais les deux artistes ont trouvé cette abstraction géométrique &ndash ; que ce soit dans les théories cubistes doctrinaires rigides de Gleizes ou dans les réductions géométriques strictes de Piet Mondrian (1872-1944) &ndash ; stérile et inadéquate à leurs besoins.

André Masson

L’artiste français André Masson, influencé à jamais par les événements horribles de la Première Guerre mondiale, était obsédé par la domination de la loi de la dent et de la griffe sur toute vie, qu’elle soit animale ou humaine, et son œuvre &ndash ; est le déchaînement de la violence des bas instincts, comme en témoigne, par exemple, «La bataille des poissons» (1926). Masson était lui-même un homme violent et s’attaquait souvent physiquement aux toiles qu’il jugeait insatisfaisantes. En 1926, il a commencé à utiliser le «hasard» comme partie intégrante de sa technique : il répandait du sable sur des toiles préalablement posées (au hasard) avec de la colle, puis organisait très rapidement leurs configurations aléatoires pour en faire des motifs artistiques libres. Les images qui en résultent peuvent également être «violentes». Au fur et à mesure qu’elles se concrétisent, des créatures horribles apparaissent. Trois ans plus tard, il abandonne le mouvement surréaliste officiel et son œuvre des années 1930 perd de son intensité et de son succès. En Amérique, pendant la Seconde Guerre mondiale, il revient cependant aux techniques automatistes de ses débuts, et son travail de ces années-là influence l’émergence ultérieure de l’école de l’expressionnisme abstrait.

Juan (Joan) Miró

Le peintre et sculpteur espagnol Juan Miró est le plus prolifique, le plus polyvalent, le plus brillant et généralement le plus optimiste des créateurs du surréalisme abstrait, bien qu’il ait toujours rejeté l’idée que son œuvre était abstraite. À ses yeux, chacune de ses formes fantastiques représentait toujours un objet réel. Comme Picasso et Dalí, il faisait partie de ces jeunes et brillants artistes espagnols qui arrivèrent à Paris au début du XXe siècle, mais, contrairement à Picasso, il revenait sans cesse de l’agitation parisienne vers son pays natal.

À la fin de la Première Guerre mondiale, il travaillait dans un style de réalisme méticuleux dont son style mature émergea presque soudainement vers 1924, comme un papillon d’une chrysalide, en grande partie grâce à ses contacts avec les surréalistes. Si, comme l’ont affirmé certains historiens de l’art, son œuvre présente des accents sinistres, en particulier pendant et après la guerre civile espagnole (1936-39), ceux-ci sont largement compensés par la gaieté enfantine qui pétille dans ses toiles. Ses images abstraites sont généralement biomorphiques, semblables à celles d’Arp, et son imagination se rapproche souvent de celle de Paul Klee .

Des organismes obscurs mais représentés de manière convaincante prennent forme, définis par des contours clairs et des couleurs vives &ndash ; les rouges, les noirs et les blancs primaires prédominent, comme le montre le «Carnaval d’Arlequin» (1924). En revanche, l’imagerie picturale semi-abstraite de Miró est illustrée dans sa célèbre œuvre «Dog Barking at the Moon» (1926). Miró affirme que ses idées sont nées «d’un état d’hallucination provoqué par un choc, objectif ou subjectif, dont je ne peux absolument pas rendre compte». Quelle qu’en soit la source, sa conception initiale est ensuite rassemblée par un sens inégalé du design, de l’espace et de l’espacement en une étrange harmonie formelle.

En Espagne, pendant la Seconde Guerre mondiale, il se tourne vers la gravure, puis vers la sculpture et surtout vers la céramique . Il est ensuite attiré par les œuvres monumentales et les peintures murales géantes, par exemple pour l’hôtel Terrace Hilton à Cincinnati, et par les murs en céramique du bâtiment de l’UNESCO à Paris (1958). Innovateur constant, il est prêt à explorer les possibilités de tous les supports, souvent en collaboration avec des artisans professionnels, et la fécondité de sa vision ne s’est jamais démentie au cours de sa longue carrière.

Yves Tanguy

Le peintre abstractionniste surréaliste Yves Tanguy a développé un style de paysages imaginaires (ou de fonds marins) peuplés de formes bizarres mais convaincantes, mi-végétales, mi-animales et d’organismes amibiens jusqu’alors inconnus de la science, issus d’hallucinations. Il développe de plus en plus les contrastes et la variété de ses textures, de sorte que ses peintures peuvent être classées comme une sorte de nature morte métaphysique hollandaise . Les formes se développent sous le pinceau de Tanguy sous leur propre impulsion mystérieuse, comme il le prétend, plutôt que par une intervention de sa part. Les œuvres majeures de Tanguy sont «Vue d’Ambre» (1929), «Palais du Cap» (1931), «Palais des Rochers de Fenêtre» (1942).

Jean Arp

Ancien dadaïste, Jean Arp, ami proche de Max Ernst, a participé à la première exposition surréaliste à Paris à la Galerie Pierre en 1925 et a contribué régulièrement au surréalisme jusqu’en 1930. Connu d’abord pour ses reliefs en bois dadaïstes, ses découpages en carton et ses collages de papier déchiré , ses œuvres surréalistes sont des formes biomorphiques simples, avec parfois des échos de l’art primitif. Il expérimente également la composition automatique (automatisme). En 1930, il rejoint Cercle et Carré, une société parisienne de discussion et d’exposition d’artistes abstraits (principalement géométriques), et en 1931, il devient membre de l’organisation plus large Abstraction-Création, un groupe avec lequel il commence à créer ses sculptures abstraites organiques et sensuelles en marbre ou en bronze. C’est ainsi que s’achève sa brève fascination pour le surréalisme. Malgré cela, il fut une figure forte du dadaïsme et du surréalisme, tandis que son style caractéristique d’abstraction biomorphique influença fortement un certain nombre d’autres sculpteurs, en particulier Henry Moore.

Techniques artistiques surréalistes

Les surréalistes ont inventé un certain nombre de techniques pour créer des images aléatoires ou «automatiques». L’éminent peintre, sculpteur, graphiste et poète allemand Max Ernst (1891-1976) a fait un travail de pionnier considérable dans ce domaine. Homme d’une immense créativité, Ernst a d’abord épousé une historienne de l’art, puis a vécu avec la peintre surréaliste d’origine britannique Leonora Carrington ; il a ensuite épousé la collectionneuse d’art Peggy Guggenheim, dont il a divorcé, avant d’épouser une autre artiste surréaliste de premier plan, Dorothea Tanning. Il a continué à créer des œuvres révolutionnaires jusqu’à sa mort. Parmi ses œuvres importantes, citons «Forêt et colombe» (1927), la série «La Femme 100 tetes» (années 1930), «La ville entière» (1935) et «Immortelle» (1966), ainsi qu’un jeu d’échecs en verre.

Frottage
L’un des premiers représentants du dadaïsme et du surréalisme, Ernst a inventé Frottage (1925) &ndash ; une technique pour créer une image en plaçant une feuille de papier sur une surface rugueuse, telle que du bois ou de la pierre, et en frottant le papier avec un crayon ou un crayon de couleur jusqu’à ce que la qualité de la surface de la substance sous-jacente donne l’impression d’une surface texturée.

Décalcomanie
Ernst a également inventé la décalcomanie, une technique dans laquelle la peinture est éclaboussée sur le papier, généralement avec un gros pinceau, puis &ndash ; le papier encore humide &ndash ; est recouvert d’une autre feuille de papier et frotté. Il en résulte un certain nombre de motifs étranges.

Grattage
Ernst a également été le pionnier d’une technique connue sous le nom de grattage . Cette technique consiste à poser une toile peinte sur une surface texturée (comme un grillage ou une planche de parquet) et à gratter la peinture pour obtenir une impression.

Collage
Vers 1930, Ernst entreprend une série de «romans-collages», dont le plus célèbre est «Une Semaine de Bonte» («Week of Plenty»). En découpant et en réarrangeant des gravures sur acier de l’époque victorienne, il a créé des fantaisies fantastiques sur le monde bourgeois et sûr dans lequel il a grandi.

Drip Painting
Installé à New York pendant la Seconde Guerre mondiale, Ernst commence alors à travailler avec de la peinture qui coule d’un pot oscillant, &ndash ; une méthode qui pourrait avoir initié le travail de Jackson Pollock dans sa méthode de peinture dynamique .

Fumage
Une autre technique surréaliste était connue sous le nom de fumage (smoking). Proposée pour la première fois par Wolfgang Paalen (1907-1959) à la fin des années 1930, elle consistait à placer une bougie sous une feuille de papier pour former un motif de suie. Le déplacement de la bougie modifiait les motifs.

Dessin automatique
La méthode du dessin automatique, mise au point par André Masson, Juan Miró et Paul Klee, consistait à déplacer un stylo ou un autre outil de dessin sans planification consciente.

Peinture automatique
Vers 1926, André Masson commence à expérimenter en appliquant du sable et de la colle sur une toile, puis en appliquant de la peinture à l’huile et en créant des peintures basées sur les formes obtenues.

L’expressionnisme abstrait utilise les techniques surréalistes

Bien que de nombreux surréalistes européens se soient essayés à certaines de ces techniques «de peinture automatique» à main levée, la plupart d’entre eux s’étaient éloignés de l’automatisme au début des années 1940. Cependant, leur influence en Amérique (où nombre d’entre eux s’étaient installés pendant la Seconde Guerre mondiale) était énorme. À New York, par exemple, les surréalistes européens ont présenté leurs idées à des leaders d’opinion tels que Leo Steinberg, Clement Greenberg et Peggy Guggenheim, ainsi qu’aux avant-gardistes connus sous le nom d’ École de New York, tels qu’Arshile Gorky (1904-1948), Jackson Pollock (1912-1956), Robert Motherwell (1915-1991), Mark Tobey (1890-1976) et Robert Matta (1911-2002). En particulier, les abstractions à grande échelle «des peintures d’action» de Pollock contiennent un fort élément d’automatisme surréaliste. Pour en savoir plus, voir : Les peintures de Jackson Pollock (c. 1940-56).

Sculpture surréaliste

Giacometti a créé des chefs-d’œuvre surréalistes tels que «Femme à la gorge tranchée» (1932), un dessin en bronze d’un cadavre féminin démembré, et «Objet invisible» (Mains tenant le vide) (1934). Ces deux œuvres représentent le corps de la femme comme inhumain et dangereux. Cependant, lorsqu’il revient à un style plus classique à la fin des années 1930, en travaillant avec des personnes assises, il est exclu du mouvement. De nombreux autres sculpteurs ont expérimenté les styles surréalistes, notamment Pablo Picasso, Henry Moore et le sculpteur irlandais F. E. McWilliam .

La photographie surréaliste

Man Ray a été le premier photographe surréaliste. L’une de ses œuvres les plus célèbres &ndash ; «L’énigme d’Isadore Ducasse» (1920), connue aujourd’hui uniquement par sa propre photographie d’une machine à coudre enveloppée d’un tissu noir attaché par une ficelle. Il l’a créée en l’honneur du poète Lautréamont (c’est-à-dire Isadore Ducasse), dont le commentaire succinct : "Beau comme la rencontre fortuite d’une machine à coudre et d’un parapluie sur une table de dissection" est devenu un commentaire déterminant de la philosophie esthétique du surréalisme. L’un des plus grands photographes de son temps, très habile dans la manipulation des chambres noires, les gros plans et les juxtapositions inattendues, Man Ray a travaillé avec succès dans les mondes apparemment incompatibles de l’avant-garde parisienne et de la photographie commerciale. Ses photographies ont été publiées dans des périodiques spécialisés et populaires &ndash ; de Vogue et Vanity Fair à La Surrealisme au service de la Révolution (1930-33) et La Révolution Surréaliste (1924-29). Il a inventé plusieurs techniques telles que la solarisation et la radiographie , et compte parmi ses associés de nombreux artistes de renom tels que James Joyce, Jean Cocteau et Meret Oppenheim. Parmi les autres représentants notables de la photographie de style surréaliste figurent Hans Bellmer (1902-1975), Brassai (1899-1984), Jacques-André Bouffard (1902-1961) et Raoul Ubac (1909-1985). Voir aussi : L’art de la photographie .