Cubisme synthétique Automatique traduire

Après les phases de Peinture cubiste primitive et de Cubisme analytique, le troisième et dernier acte de la collaboration cubiste entre Georges Braque (1882-1963) et Pablo Picasso (1881-1973) s’est produit dans la période 1912-14. Connu sous le nom de cubisme synthétique, ce style d’art symbolique est plus coloré que la forme analytique antérieure du cubisme, incorpore un large éventail de matériaux étrangers et est particulièrement associé à la nouvelle technique de Picasso , le collage, et au papier collé de Braque .

L’Espagnol Juan Gris (1887-1927) a largement contribué au développement du nouveau style. Si le cubisme analytique est une alternative picturale révolutionnaire à la perspective linéaire à point unique, le cubisme synthétique est tout aussi novateur dans son utilisation du collage et du papier-collé, qui comblent le fossé entre la vie et l’art en insérant des morceaux du monde réel sur la toile. Ils ont également mis l’accent sur le fait qu’une peinture est un objet plat bidimensionnel et ont brouillé la frontière entre la peinture et la sculpture.

Il a eu une influence marquée sur des mouvements ultérieurs tels que Dada (c. 1916-24) Surréalisme (à partir de 1924) et Pop Art (c. 1960-75). Le cubisme synthétique de Picasso coïncide avec son déménagement de la bohème de Montmartre à Montparnasse et s’achève avec l’éclatement de la guerre à l’automne 1914, peu après laquelle Braque part au combat et Daniel-Henric Kahnweiler (le principal marchand d’art du duo) s’enfuit en Suisse. En tant qu’Espagnol neutre, Picasso est libre de poursuivre sa carrière d’artiste à Paris. Il est finalement représenté par Paul Rosenberg (1881-1959), frère cadet du marchand cubiste Léonce Rosenberg (1879-1947).

Du cubisme analytique au cubisme synthétique

Cette nouvelle forme synthétique de l’art cubiste abolit le principe de composition du cubisme analytique. Au lieu de décomposer un objet en fragments et de les réassembler (cubisme analytique), l’image est construite (synthétisée) à partir de nouveaux éléments et de nouvelles formes. Les deux principales techniques utilisées sont le collage «coller» et le papier collé.

Un nouveau type d’art moderne est apparu dans deux œuvres spécifiques. Dans «Portugais» (1911, Kunstmuseum, Bâle), Braque introduit l’utilisation de lettres au pochoir et, l’année suivante, il commence à expérimenter le mélange de matériaux tels que le sable et la sciure de bois avec de la peinture pour créer des textures intéressantes.

Picasso réalise son premier collage ) Nature morte aux chaises, 1911-12, Musée Picasso, Paris) dans lequel il inclut un morceau de serviette et une corde, ce à quoi Braque répond en collant des morceaux de papier coloré imprimé ou décoratif sur ses peintures exactement de la même manière que dans le collage, sauf que la forme des papiers collés est un objet en soi. Il utilise pour la première fois le papier collé dans «Coupe de fruits et verre» (1912, collection particulière).

Synthèse pour créer l’art moderne

Ce processus d’incorporation dans les tableaux de matériaux quotidiens (coupures de journaux, tickets, emballages de tabac, etc.) marque une rupture avec l’intellectualisme strict du cubisme analytique, au profit d’une esthétique plus décontractée et plus fantaisiste.

La théorie était qu’en introduisant des éléments physiques de la vie réelle, les peintures devenaient plus «réelles». En outre, l’utilisation de déchets banals était une attaque délibérée contre l’imagerie supérieure et les pensées élevées des beaux-arts . L’inclusion de ces objets suggérait que l’art pouvait être créé avec des ciseaux et de la colle aussi facilement qu’avec des pinceaux et de la peinture - une approche libératrice et très peu conventionnelle pour l’époque.

Le genre choisi était principalement la nature morte, et une conséquence évidente de leur souci d’une plus grande saturation de la surface était que Braque et Picasso (et surtout Juan Gris) réintroduisaient la couleur dans leur peinture.

Réalité ou illusion

Les deux artistes sont fascinés par les fausses textures et les surfaces. Picasso, en particulier, utilisait le collage pour amuser les spectateurs avec des transformations pleines d’esprit d’objets quotidiens, et profitait pleinement de la nature fantaisiste de ce médium. Bien qu’il ait été l’un des inventeurs du cubisme, on estime que son sens de l’humour l’a empêché de prendre le mouvement aussi sérieusement que, par exemple, Apollinaire, ou Albert Gleizes et Jean Metzinger, dont le livre Du Cubisme (1912) a contribué à établir le cubisme comme une forme d’art ultra-intellectuelle.

En effet, le simple fait de coller des déchets sur une peinture ne la rendait pas forcément plus réelle. En effet, de nombreux matériaux ont été utilisés pour créer l’illusion de la réalité - ce pour quoi Picasso et Braque ont critiqué les beaux-arts traditionnels dans leur dépendance à l’égard de la perspective unique.

En général, cependant, la plupart des critiques d’art prennent le cubisme synthétique très au sérieux et attachent une grande importance à l’utilisation de matériaux non artistiques. Ils considèrent ce style comme le point de départ d’un certain nombre de mouvements artistiques de pacotille et d’écoles anti-art telles que Dada.

Juan Gris : poète du cubisme synthétique

Le cubisme analytique a eu tendance à perdre de vue les valeurs expressives, à l’exception de normes trop ésotériques pour signifier grand-chose à ceux qui n’étaient pas absorbés par le mouvement. En outre, l’individualité stylistique des artistes était quelque peu limitée. Mais le cubisme synthétique a donné à chaque artiste la possibilité de trouver sa propre voie dans le vaste champ général de l’invention libre selon les lignes cubistes, qui était maintenant ouvert par une nouvelle façon de représenter la forme.

La couleur revient en force, tantôt liée aux couleurs naturelles des motifs formels, tantôt arbitraire. Les formes des objets servent de base à des improvisations, des inventions, des compositions ambitieuses ou ludiques dans toutes les combinaisons et associations de formes abstraites inventées par l’imagination, n’obéissant à aucune règle ou théorie.

Alors que le cubisme analytique visait à «désassembler» ou déconstruire les objets, le cubisme synthétique visait à les reconstruire ou «les synthétiser». C’est à ce stade du développement du cubisme que Juan Gris devient le poète du mouvement. Juan Gris (1887-1927), né José Victoriano González, est, comme Picasso, un Espagnol qui abandonne la routine académique de son pays et vient à Paris à l’âge de dix-neuf ans.

Pour une interprétation de certains des grands tableaux cubistes de Picasso et d’autres, voir : Analyses de tableaux modernes (1800-2000).

Dans le typique «Gris Fruit Dish» (1916, Philadelphia Museum of Art), il est facile de reconnaître la forme générale de la compote avec sa base, son col et son bol et d’identifier la paire de figures colorées comme des morceaux de fruits. Le plateau de la table et même quelque chose comme l’ombre du bol, à droite de la base, sont également reconnaissables.

La forme rectangulaire délimitée par le triple contour à l’arrière-plan peut être une répétition de la forme de la table ou être suggérée par la serviette ou le napperon. Il peut aussi s’agir du cadre d’un tableau accroché au mur. Aucune des formes n’a besoin d’être reconnaissable dans un détail spécifique, mais chacune est jouée avec ingéniosité, et les formes sont peintes de la manière la plus ornementale pour créer une combinaison de formes et de couleurs qui n’aurait pas été atteinte sans avoir d’abord résolu l’énigme du cubisme analytique, mais qui s’en détache à présent.

Dans «Fenêtre ouverte» (1917, Philadelphia Museum of Art), nous pouvons voir que la fenêtre, ou ce que nous pourrions appeler une porte-fenêtre, s’ouvre sur un balcon avec un arbre derrière. Nous pourrions même dire que les longues doubles portes sont des triples portes. Le long du côté gauche du tableau, la porte de gauche est représentée avec un réalisme comparable.

Sur la droite, les formes sont plus déchiquetées, mais le morceau de tissu, tacheté de gros points et rassemblé sur le battant tout en bas, est immédiatement reconnaissable. Le tableau est empreint d’une ambiance douce et tranquille, gardant la connotation d’une pièce agréable avec une fenêtre donnant sur les arbres, et est composé de formes simples dont les couleurs sont dominées par des bleus doux, des gris et des blancs altérés.

Dans le cubisme synthétique, les formes et les couleurs ne pouvaient être déterminées que par la sensibilité de l’artiste ; la peinture revenait ainsi à son ancienne base - la réaction de l’artiste au monde et son interprétation dans des formes colorées. Mais elle revient avec un nouveau vocabulaire, un vocabulaire plus souple que ne le promettait le cubisme analytique.

Le cubisme synthétique ne limite l’artiste qu’aux contraintes de sa propre ingéniosité inventive. Même si, pour un novice, toutes les peintures cubistes se ressemblent et que l’idée qu’une forme de cubisme est plus poétique qu’une autre peut sembler absurde, la qualité poétique des peintures de Griese devient évidente lorsque les similitudes superficielles de toutes les peintures cubistes sont effacées. Même lorsqu’il travaillait de manière plus analytique, Gris a toujours insisté sur le fait qu’un haut degré de reconnaissabilité devait être maintenu dans un tableau, même si l’artiste était impliqué dans la destruction cubiste et le réassemblage des formes pour créer de nouvelles structures.

Entre les mains de Picasso et de Braque, le cubisme analytique abandonne l’attrait du sujet, la réponse au monde qui était la base de l’impressionnisme et qui s’est poursuivie avec des variations dans les œuvres de Cézanne, Gauguin, Van Gogh et Serat. Au lieu de cela, le sujet se réduit à une petite liste de motifs étroitement associés à l’atelier ou au café en tant que prolongement de l’atelier, des motifs tels que des tables avec des coupes de fruits et des verres de vin, quelques instruments de musique et des modèles qui posent. Mais Gries confère souvent à ces motifs des associations plus personnelles.

Fenêtre ouverte est l’un des nombreux souvenirs de son quartier de la rue Ravignan, où un groupe d’écrivains et d’artistes habitaient un vieil immeuble disgracieux appelé Bateau-Lavoir . Picasso y a vécu un temps. Pour les représentants parisiens de l’avant-garde, le Bateau-Lavoir devint une sorte de club, s’inscrivant dans la tradition de la Brasserie des Martyrs Courbet et Café Guerbois des Impressionnistes comme un centre où les idées étaient formulées et discutées.

Mais l’intérêt associatif de «Fenêtre ouverte» ne suffit pas à expliquer le sentiment poétique qui l’imprègne. Ce sentiment est présent dans l’œuvre de Gris même lorsque les tableaux consistent en la liste habituelle des motifs cubistes, comme dans Violon (1916, Kunstmuseum, Bâle). Typiquement, la couleur est plus douce, les formes sont plus calmes, leurs combinaisons plus sereines que chez les compagnons cubistes de Gris, et c’est dans ces éléments abstraits, plutôt que dans les éléments concrets évocateurs, que réside la poésie de Gris. Il est le Coro du cubisme.

Les plus grands tableaux du cubisme synthétique

Voici une courte liste des meilleures œuvres du cubisme synthétique de Pablo Picasso, Georges Braque et Juan Gris.

Pablo Picasso :
Nature morte à la chaise aux pois (1911-12) Musée Picasso, Paris.
Instruments de musique (1912) Musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg.
Clarinette et violon (1913) Musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg.
Composition avec poire tranchée (1914) Ermitage, Saint-Pétersbourg.
Composition avec grappe de raisin et poire en tranches (1914) Ermitage, Saint-Pétersbourg.
Femme en chemise, assise dans un fauteuil (1913-14) collection particulière.
Une auberge (1914) Musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg.
Cubes de verre et journal (1914) Musée Picasso, Paris.
Trompette, verre, as de trèfle, bouteille de basse, guitare, «Ma Joly», dés (1914) Berlin.
Violon (1915) Musée Picasso, Paris.
Arlequin (1915) Musée d’art moderne, New York.
Homme à la pipe (1915) Art Institute of Chicago.
Femme à la guitare (1915) Fondation Norton Simon, Los Angeles.
Trois musiciens (1921) Musée d’art moderne, New York.

Georges Braque :
Les Portugais (1911) Kunstmuseum, Bâle.
Coupe à fruits et verre (1912) collection particulière.
Femme à la guitare (1913) Musée national d’art moderne.
Bouteille, journal, pipe et verre (1913), collection particulière, New York.
Clarinette (1913) Collection Peggy Guggenheim.
Violon et trompette (1913), Musée national d’art moderne, Paris.
Jeune femme à la guitare (1913), Musée national d’art moderne, Paris.
Verre, carafe et journaux (1914), collection privée, Bâle.
Nature morte sur table (1914), Musée national d’art moderne, Paris.
Nature morte (1914), Art Institute of Chicago.
Violon (1914), Musée d’art de Cleveland.
Café Bar (1919), Kunstmuseum, Bâle.

Juan Gris
Plateau de fruits (1916) Philadelphia Museum of Art.
Violon (1916) Kunstmuseum, Bâle.
Plateau de fruits, livre et journal (1916) Collection privée.
Fenêtre ouverte (1917) Musée d’art de Philadelphie.

Pour les œuvres d’autres cubistes tels que Fernand Léger (1881-1955), Robert Delaunay (1885-1941), voir Artistes cubistes .

Artistes du XXe siècle
Pour un guide de référence rapide, voir : Artistes du XXe siècle .

ABSTRACT
Pour une liste des styles et des périodes, voir : Mouvements de l’art abstrait .

EVOLUTION DE L’ART VISUEL
Pour en savoir plus sur les mouvements et les styles dans l’art, voir : Histoire de l’art . Pour la chronologie et les dates, voir : Chronologie de l’histoire de l’art .

LE PLUS GRAND ART DU MONDE
Liste des 10 plus grands peintres et sculpteurs : Les plus grands peintres de tous les temps .

COMMENT APPRÉCIER L’ART
Pour apprendre à apprécier les peintures, tant pour les enseignants que pour les étudiants en art, voir Article : Appréciation de l’art : comment apprécier l’art .