Cubisme synthétique Automatique traduire

Introduction: Histoire et caractéristiques

Après les phases de Peinture cubiste ancienne et Cubisme Analytique , troisième et dernier acte de la collaboration cubiste entre Georges Braque (1882-1963) et Pablo Picasso (1881-1973) se sont produits entre 1912 et 1414. Connu sous le nom de cubisme synthétique, ce style d’art symbolique est plus coloré que la forme analytique antérieure. Cubisme , incorpore une grande variété de matériaux étrangers, et est particulièrement associé à la nouvelle technique de Picasso collage et le papier colles de Braque. L’Espagnol Juan Gris (1887-1927) a largement contribué au nouveau style. Si le cubisme analytique fournissait une alternative picturale révolutionnaire au point unique perspective linéaire , Le cubisme synthétique était également novateur dans son utilisation des collages et des colles en papier , qui ont tous deux comblé le fossé entre la vie et l’art en insérant des morceaux du monde réel sur la toile. Ils ont également souligné le fait qu’un tableau est un objet plat en deux dimensions et estompe la frontière entre peinture et sculpture. Il a eu une influence notable sur les mouvements ultérieurs tels que Dada (c.1916-24) Surréalisme (À partir de 1924) et Pop Art (c.1960-75). Le cubisme synthétique de Picasso a coïncidé avec son déménagement de Monmartre de Bohême à Montparnasse et s’est achevé avec le déclenchement de la guerre à l’automne 1914, peu après quoi Braque partit se battre et Daniel-Henry Kahnweiler (le principal marchand d’art du duo) s’est enfui en Suisse. En tant que neutre espagnol, Picasso était libre de continuer sa carrière de peintre à Paris. En temps voulu, il était représenté par Paul Rosenberg (1881-1959), frère cadet du marchand cubiste Léonce Rosenberg (1879-1947).

Du cubisme analytique au cubisme synthétique

Cette nouvelle forme synthétique de l’art cubiste a inversé le principe de composition du cubisme analytique. Au lieu de décomposer un objet en fragments, puis de les ré-assembler (cubisme analytique), l’image était construite (synthétisée) à partir de nouveaux éléments et formes. Les deux techniques principales utilisées étaient le collage (du français "coller", signifiant coller) et le papier colles (du français, signifiant papier collé).

Le nouveau type de art moderne émergé dans deux travaux particuliers. En portugais (1911, Kunstmuseum, Basel), Braque avait introduit l’utilisation du lettrage au pochoir. L’année suivante, il commença à expérimenter le mélange de matériaux tels que le sable et la sciure de bois afin de créer des textures intéressantes. Picasso réalise son premier collage ( Still Life with Chair-Caning , 1911-12, Musée Picasso, Paris), dans lequel il incorpore un morceau de toile cirée et une longueur de corde, à la suite de quoi Braque répond en collant des morceaux de papier de couleur Les peintures ressemblent beaucoup à un collage, sauf que la forme des papiers collés sont des objets eux-mêmes. Il a d’abord utilisé du papier collé dans Fruit Dish and Glass (1912, collection privée).

Synthèse pour créer de l’art moderne

Ce processus d’incorporation de bouts de matériaux quotidiens (coupures de journaux, billets, enveloppes à tabac, etc.) dans leurs peintures marquait le passage de l’intellectualisme austère du cubisme analytique à un ensemble de textes plus décontractés et fantaisistes. esthétique . La théorie était que, en introduisant des éléments physiques de la vie réelle, les peintures deviendraient plus «réelles». En outre, l’utilisation de petits morceaux d’ordures quotidiennes était une attaque délibérée de l’image supérieure et de la haute conscience de beaux arts . L’inclusion de ces éléments suggère que l’art pourrait être fait avec des ciseaux et de la colle aussi facilement qu’avec des pinceaux et de la peinture – une approche libératrice et peu conventionnelle de l’époque. Le genre choisi était, pour la plupart, nature morte , et l’une des conséquences évidentes de leur souci d’une plus grande richesse de surface, est que Braque et Picasso (et surtout Juan Gris) ont réintroduit Couleur à leur peinture.

Réel ou illusion

Les deux artistes étaient ravis de leurs textures et surfaces factices. Picasso en particulier a utilisé le collage pour amuser les spectateurs avec des transformations spirituelles d’objets du quotidien et a pleinement exploité la fantaisie du médium. Bien qu’il ait co-inventé le cubisme pour faire valoir un argument sérieux, on sent que son sens de l’humour obscur l’empêchait de prendre le mouvement aussi au sérieux que (par exemple) Apollinaire ou Albert Gleizes et Jean Metzinger , dont le livre Du Cubisme (1912) avait contribué à établir le cubisme comme un type d’art ultra-intellectuel.

Après tout, il suffit de coller des déchets sur un La peinture ne l’a pas forcément rendu plus réel. En effet, de nombreux matériaux ont été utilisés pour créer une illusion de réalité, ce que Picasso et Braque avaient reproché aux beaux-arts traditionnels de s’appuyer sur une perspective à un seul point.

En général, cependant, la plupart des critiques d’art traitez le cubisme synthétique très au sérieux et donnez une très grande importance à l’utilisation de matériaux non-artistiques. Ils voient le style comme le point de départ de plusieurs junk art mouvements et écoles anti-art telles que Dada.

Juan Gris: Poète du cubisme synthétique

Le cubisme analytique a eu tendance à perdre de vue les valeurs expressives, si ce n’est selon des critères trop ésotériques pour avoir une grande signification pour quiconque non absorbé par le mouvement. De plus, l’individualité stylistique des peintres avait été quelque peu entravée. Mais le cubisme synthétique a libéré chaque peintre pour qu’il trouve sa propre voie dans le vaste champ de la libre invention selon les principes cubistes, qui a été ouvert par une nouvelle façon de concevoir la forme. La couleur est maintenant revenue en force, parfois liée aux couleurs naturelles des motifs formels, parfois arbitraire. Les formes des objets ont été utilisées comme base pour des improvisations, des inventions, des compositions ambitieuses ou ludiques, dans chaque combinaison et recombinaison de formes abstraites inventées de manière imaginative, sans règle ni théorie. Si le cubisme analytique était avant tout une question de "démantèlement" ou de déconstruction d’objets, le cubisme synthétique visait uniquement leur reconstruction ou "synthèse". C’est à ce stade de l’évolution du cubisme que Juan Gris est devenu le poète du mouvement. Juan Gris (1887-1927), né Jose Victoriano Gonzalez , ressemblait à Picasso, un Espagnol qui avait mis la routine académique derrière lui dans son pays et qui était venu à Paris à 19 ans. NOTE: Pour une interprétation des grandes images cubistes de Picasso et d’autres, voir: Analyse des peintures modernes (1800-2000).

Dans le plat de fruits typique de Gris (1916, Philadelphia Museum of Art), il est facile de reconnaître la forme générale d’une compote avec sa base, son cou et son bol et d’identifier deux formes colorées en tant que morceaux de fruits. Le plateau et même quelque chose comme l’ombre du bol, à droite de la base, sont également reconnaissables. La forme rectangulaire définie par un triple contour à l’arrière-plan peut être une répétition de la forme du tableau ou peut avoir été suggérée par une serviette ou un napperon. Ou ce pourrait être un cadre photo sur le mur. Aucune des formes ne doit être reconnaissable avec des détails spécifiques, mais chacune a été utilisée de manière inventive et les formes ont été colorées de manière plus ornementale pour produire une combinaison de formes et de couleurs qui n’aurait pas été atteinte sans la résolution préliminaire du cubisme analytique, mais maintenant des branches s’en éloignent. Dans The Open Window (1917, Philadelphia Museum of Art), il est possible de voir que la fenêtre, ou ce que nous pourrions appeler une porte à la française, est ouverte sur un balcon surmonté d’un arbre. On peut même dire que les longues doubles portes sont à trois carreaux. Sur le côté gauche de l’image, la porte de gauche est représentée avec un réalisme comparé. Sur la droite, les formes sont plus brisées, mais un morceau de tissu décoré de gros points et rassemblé sur le panneau inférieur est immédiatement reconnaissable. Le tableau est empreint de douceur et de calme, tout en conservant la connotation de pièce agréable avec une fenêtre s’ouvrant sur les arbres et composé de formes simples dominées en couleurs par des bleus mous, des gris et des blancs modifiés.

Dans le cubisme synthétique, les formes et les couleurs peuvent être déterminées par la seule sensibilité du peintre. ainsi la peinture est revenue à l’ancien fondement, à la réaction du peintre au monde et à son interprétation sous des formes colorées. Mais il est revenu avec un nouveau vocabulaire, un vocabulaire plus souple que celui promis par le cubisme analytique. Le cubisme synthétique laisse le peintre libre de tout, à l’exception des limites de sa propre ingéniosité inventive. Bien que, pour un novice, toutes les peintures cubistes puissent se ressembler et que l’idée d’une forme de cubisme plus poétique qu’une autre puisse sembler absurde, la qualité poétique de Gris devient évidente lorsque les similitudes de surface de toutes les peintures cubistes sont rayées. Même lorsqu’il travaillait de manière plus analytique, Gris a toujours insisté sur le fait que la peinture devait conserver un degré élevé de reconnaissabilité, en dépit du fait que l’artiste était impliqué dans le brisage et le réassemblage cubiques de formes afin de créer de nouvelles structures. Entre les mains de Picasso et de Braque, le cubisme analytique avait abandonné l’attrait du sujet, la réponse au monde, qui avait été à la base de l’impressionnisme et avait continué, avec des variations, dans les travaux de Cézanne, Gauguin, Van Gogh et Seurat. La matière a plutôt été réduite à une petite liste de motifs étroitement liés au studio ou au café associé au studio, tels que des tables avec des bols de fruits et des verres de vin, quelques instruments de musique et des modèles posés. Mais Gris investit fréquemment ces motifs avec des associations plus personnelles. The Open Window est l’un des nombreux souvenirs de ses quartiers de la rue Ravignan, où un groupe d’écrivains et de peintres habitait un ancien bâtiment peu recommandable appelé le Bateau-Lavoir . Picasso a vécu là pendant un moment. Pour les exposants parisiens de art d’avant-garde , le Bateau-Lavoir est devenu une sorte de club, s’inscrivant dans la tradition de la Brasserie des Martyrs de Courbet et du Café Guerbois des impressionnistes en tant que centre de formulation et de discussion.

Mais l’intérêt associatif de The Open Window ne suffit pas à rendre compte du sentiment poétique qui la pénètre. Ce sentiment est présent dans l’art de Gris même lorsque les images sont composées de la liste de motifs cubiste habituelle, comme dans The Violin (1916, Kunstmuseum, Basel). La couleur est généralement plus douce, les formes sont plus placides, leurs combinaisons plus sereines que celles des camarades cubistes de Gris et, de ces éléments abstraits, plutôt que d’éléments évocateurs spécifiques, réside la poésie de Gris. Il est le Corot du cubisme.

Les plus grandes peintures cubistes synthétiques

Voici une courte liste des meilleures œuvres du cubisme synthétique de Pablo Picasso, Georges Braque et Juan Gris.

Pablo Picasso :
Nature morte à la chaise (1911-12) Musée Picasso, Paris.
Instruments de musique (1912) Musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg.
Clarinette et Violon (1913) Musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg.
Composition avec une poire tranchée (1914) Musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg.
Composition avec une grappe de raisin et un tranches de poire (1914), Hermitage.
Femme portant une chemise et assise sur une chaise (1913-1914), collection privée.
Taverne (1914) Musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg.
Dés de verre et journal (1914) Musée Picasso, Paris.
Pipe, Verre, As de trèfle, Bouteille basse, Guitare, Ma Jolie, Dice (1914), Berlin.
Violon (1915) Musée Picasso, Paris.
Harlequin (1915) Museum of Modern Art, New York.
Homme à la pipe (1915) Art Institute of Chicago.
Femme à la guitare (1915) Norton Simon Fund, Los Angeles.
Trois musiciens (1921) Museum of Modern Art, New York.

Georges Braque :
Le Kunstmuseum portugais (1911), Bâle.
Fruit Dish and Glass (1912) collection privée.
Femme à la guitare (1913) Musee National d’Art Moderne.
Bouteille, journal, pipe et verre (1913), collection privée, New York.
Clarinette (1913) Collection Peggy Guggenheim.
Violon et Pipe (1913), Musée National d’Art Moderne, Paris.
Jeune femme à la guitare (1913), Musée national d’art moderne, Paris.
Glass, Carafe and Newspapers (1914), collection privée, Bâle.
Nature morte sur une table (1914), Musée national d’art moderne, Paris.
Nature morte (1914), Art Institute of Chicago.
Le violon (1914), Cleveland Museum of Art.
Café-Bar (1919) Kunstmuseum, Basel.

Juan Gris
Plat de fruits (1916) Musée d’art de Philadelphie.
Le violon (1916) Kunstmuseum, Bâle.
Assiette de fruits, livre et journal (1916) Collection privée.
La fenêtre ouverte (1917) Musée d’art de Philadelphie.

Pour les œuvres d’autres cubistes, comme Fernand Leger (1881-1955), Robert Delaunay (1885-1941), voir Peintres cubistes .