Comment apprécier les peintures Automatique traduire

La peinture est un art, ce qui signifie que les plus grandes peintures ont généralement le plus grand impact visuel, et que les domaines les plus populaires de la peinture sont généralement ceux qui sont les plus faciles à regarder. Mais cela ne veut pas dire que la peinture est triviale ou superficielle ; au contraire, de nombreuses peintures peuvent être extrêmement complexes. Cette complexité est due aux techniques artistiques utilisées dans la peinture ) colourito) et/ou à son contenu narratif et à son message ) disegno).

Les techniques picturales utilisées peuvent être très variées. Jan van Eyck est célèbre pour sa technique virtuose de peinture à l’huile, qui permet d’obtenir un éclat caractéristique ; Mantegna et Tiepolo - raccourcissement ; Leonardo - sfumato ; Michelangelo - technique de peinture à fresque, habileté anatomique et nus masculins ; Titien, Véronèse, Matisse et Jawlensky pour le colorisme ; Caravage pour le ténébrisme ; Rembrandt pour le clair-obscur ; Mazaccio, Raphaël et Canaletto pour la perspective linéaire ; Degas pour les dessins au pastel ; Georges Seurat et Paul Signac pour le pointillisme ; Frank Auerbach pour les empâtements . Toutes ces techniques et bien d’autres encore sont des éléments importants qui peuvent être utilisés pour augmenter la complexité et la profondeur d’une peinture. Par conséquent, pour apprécier une peinture, il est nécessaire d’analyser la présence de ces éléments et leur influence.

La couleur a toujours été un élément important et son utilisation a souvent obéi à certaines règles. Par exemple, les artistes égyptiens n’utilisaient que six couleurs : le rouge, le vert, le bleu, le jaune, le blanc et le noir. Le rouge était la couleur de la force et du pouvoir. Le vert symbolisait la vie nouvelle et la fertilité. Le bleu symbolisait la renaissance et le jaune l’éternel, comme les qualités du soleil et de l’or. Le blanc symbolisait la pureté et le noir la mort.

Le corps des hommes était toujours peint dans des couleurs plus sombres que celui des femmes. La compréhension de ces règles de couleur est très importante pour comprendre la peinture égyptienne. Les peintres d’icônes byzantins suivaient des règles similaires dans l’utilisation des couleurs. Le bleu était réservé à la vie humaine, le blanc à la résurrection et à la transformation du Christ. Si nous analysons les icônes du Christ et de la Vierge Marie, nous constatons que Jésus est généralement vêtu d’un vêtement inférieur rouge et d’un vêtement supérieur bleu (Dieu devient humain), et Marie d’un vêtement inférieur bleu et d’un vêtement supérieur rouge (elle est d’abord un être humain, mais se rapproche de Dieu).

Après la Renaissance, les académies d’art européennes naissantes ont établi des règles limitant l’utilisation de couleurs vives, sauf lorsque le contexte s’y prête. Plusieurs conflits ont éclaté à ce sujet, les coloristes comme Rubens (et plus tard Delacroix) s’opposant à Poussin (et plus tard Engrah). Ce n’est qu’avec l’arrivée des impressionnistes et des fauves français que la couleur a commencé à être utilisée librement comme un élément indépendant. Bien entendu, la mise au point de nouveaux pigments colorants a eu, de temps à autre, un impact significatif sur la gamme de tons dont disposaient les artistes. Ainsi, les couleurs d’une palette de la Renaissance étaient très différentes de celles d’une palette du XIXe siècle.

Le contenu narratif d’une peinture comprend au moins quatre types de contenu de base :
❶ Le message principal.
❷ Les messages de soutien.
❸ Le symbolisme.
❹ Les références et les analogies. Tous ces éléments nécessitent une interprétation et une analyse avant que nous puissions vraiment apprécier le tableau.

«Le Jardin des délices» (1500-05) de Jérôme Bosch, l’un des plus grands tableaux de la Renaissance, peut servir à illustrer ces éléments de la narration.
❶ L’idée de base du triptyque est que l’humanité est intrinsèquement pécheresse et doit suivre la parole de Dieu pour éviter le feu de l’enfer et la damnation.
❷ Les idées complémentaires sont les suivantes :
* Livrés à eux-mêmes, les hommes et les femmes succombent aux tentations de la chair (illustré par l’ensemble du panneau central du triptyque).
* Le plaisir est fragile comme le verre (illustration - un couple d’amoureux dans une bulle de verre).
* Les gloutons, les vaniteux et autres pécheurs mortels seront punis dans l’avenir (illustration du panneau de droite).
❸ Bosch utilise le symbolisme tout au long de l’œuvre. Dans le «Jardin d’Eden» (panneau de gauche), un personnage au long nez lisant un livre symbolise le mal. Dans «Le jardin des délices» (panneau central), les fruits, par exemple, sont le symbole de la tentation physique, de sorte que la cueillette des fruits est une métaphore de la tentation, et la peau, qui ravit tant les amoureux, symbolise l’inutilité.
❹ Les références sont nombreuses. Par exemple, dans le «Enfer», il représente un homme dont le torse creux contient une sorte de taverne infernale fréquentée par des «diables» au repos. Deux grandes oreilles sont transpercées par une flèche et coupées par une lame de couteau. Cet objet symbolise la surdité de l’homme à l’exhortation du Nouveau Testament : "Que celui qui a des oreilles entende."

Pour d’autres réflexions et recommandations de lecture des tableaux, voir : L’appréciation de l’art : comment comprendre l’art .

Les styles de peinture hiératiques, tels que l’art byzantin (v. 500-1430) - en particulier ses icônes, le gothique occidental (v. 1150-1375) et sa plus haute manifestation, le gothique international (v. 1375-1450), étaient généralement empreints d’un symbolisme narratif. Cependant, la plupart de ces styles étant associés à l’art chrétien, le symbolisme utilisé était soumis à des conventions strictes, ce qui le rendait beaucoup plus facile à déchiffrer.

L’art du retable de la Renaissance (1400-1600), comme l’imagerie fantastique d’artistes néerlandais tels que Hieronymus Bosch et Pieter Bruegel l’Ancien, est souvent un type de peinture plus difficile à interpréter. La Haute Renaissance, avec les œuvres publiques de Léonard de Vinci (1452-1519), Michel-Ange (1475-1564) et Raphaël (1483-1520), est peut-être l’apogée de cette esthétique.

En comparaison, la peinture baroque était (dans l’ensemble) moins sophistiquée, car elle était largement orientée vers la transmission des idées de la Contre-Réforme catholique afin de vaincre l’attrait du protestantisme. Les meilleures œuvres baroques sont les fresques de plafond avec trompe-l’œil et les œuvres religieuses de grande envergure. La grande exception est le baroque hollandais, en particulier l’école réaliste, dont les natures mortes sont remplies d’images énigmatiques.

Pour les biographies de critiques professionnels tels que John Ruskin et d’autres, voir : Critique d’art : Critique des beaux-arts (1750-aujourd’hui).

Le réalisme hollandais (v. 1630-90) : Des tableaux difficiles à voir

Au cours de la période (1600-90), plusieurs écoles exceptionnelles de réalisme néerlandais ont vu le jour dans les provinces néerlandaises protestantes, notamment à Amsterdam, Haarlem, Dordrecht, Leyde, Delft et Utrecht. Cet essor de la peinture hollandaise du XVIIe siècle est dû en partie à la prospérité commerciale croissante des ports flamands et hollandais et à l’émergence d’un nouveau type d’acheteur d’art hollandais : le marchand mercantile. Quoi qu’il en soit, le mouvement réaliste néerlandais a produit certaines des plus grandes peintures de genre, ainsi que certaines des natures mortes les plus méticuleuses et les plus complexes, dont beaucoup sont extrêmement difficiles à analyser et à interpréter.

Les œuvres suivantes de peintres réalistes néerlandais en sont des exemples : La jeune fille au chapeau rouge (1665-6), L’atelier de l’artiste (1665-6) et La lettre (1668) de Jan Vermeer ; La ronde de nuit (1642), Bethsabée (1654) et Le syndicat de la guilde des drapiers (De Staalmeesters) (1662) de Rembrandt ; Nature morte avec une cruche en porcelaine chinoise (1662) et Nature morte avec une coupe Nautilus (1662) de Willem Kalf ; Table avec desserts (1640) et Feston de fruits et de fleurs (c. 1660) de Jan Davidson. 1660) de Jan Davids de Heem ; Vue dans un couloir (1662) de Samuel van Hoogstraten et bien d’autres.

Le déclin de la peinture religieuse (à partir de 1700)

C’est dans les dernières années de l’époque baroque que l’art religieux connaît son premier déclin significatif, en raison de la diminution du nombre de mécènes. Une nouvelle classe de mécènes individuels, souvent laïques, s’est substituée à eux. De plus, ces nouveaux acheteurs, qui appartenaient généralement aux classes professionnelles et moyennes émergentes, recherchaient un nouveau type d’art.

Au lieu d’œuvres de grande envergure destinées à de grands bâtiments publics (églises, instituts, etc.), ils voulaient de petites peintures de chevalet portables qui pouvaient être accrochées dans leurs maisons. En outre, à quelques exceptions près, ces acheteurs bourgeois ne s’intéressent pas aux peintures religieuses complexes comme, par exemple, «La Cène» de Léonard (1495-1498), ou aux œuvres allégoriques comme «Primavera» de Botticelli (1478). Ils recherchaient plutôt des portraits, des paysages ou des peintures de genre qui témoignaient de leur richesse, de leur statut et de leur pouvoir dans le monde.

En d’autres termes, à partir de cette date (vers 1700), une part croissante des beaux-arts était relativement matérialiste (avec moins de références arcaniques) et donc plus facile à analyser et à interpréter.

Interprétation des différents types de peinture (à partir de 1700)

Du point de vue de l’analyse et de l’interprétation, la peinture à partir de 1700 peut être divisée en types (genres). Les principaux types sont les suivants :
❶ Peinture historique .
❷ L’art du portrait - portraits individuels, de groupe ou autoportraits.
❸ Peinture de genre (représentations de scènes quotidiennes, de scènes de la vie des gens).
❹ Peinture de paysage .
❺ Nature morte .

Peinture historique : la plus difficile à percevoir et à interpréter

Cette catégorie comprend toutes les «œuvres narratives», telles que les peintures mythologiques, ainsi que les peintures historiques et religieuses. Ce sont généralement les peintures les plus difficiles à interpréter, car elles sont destinées à transmettre un message inspirant ou philosophique. Cependant, depuis 1700, leur popularité et leur nombre ont considérablement diminué.

Parmi les exemples, citons La mort de Marat (1793) de Jacques-Louis David, Le 3 mai 1808 de Francisco Goya, Orphée (1865) de Gustave Moreau, Le matin de l’exécution des Streltsy (1881) de Vassili Sourikov, «Procession de la croix dans la province de Koursk» (1883) par Ilya Repin, «La Dame de Shalott» (1888) par John William Waterhouse, «Le Christ jaune» (1889) par Paul Gauguin, «Guernica» (1937) par Pablo Picasso.

Peinture de portrait : facile à évaluer et à analyser

Cette catégorie est moins complexe et relativement facile à analyser. Pour les nobles, les gentilshommes et les personnes fortunées de la période 1700-1900, le portrait remplissait la fonction de la photographie moderne, à ceci près que l’artiste pouvait manipuler l’image pour optimiser l’apparence, le statut et le pouvoir.

Les portraits postérieurs ont tendance à être plus expressifs et donc plus intéressants à interpréter. Parmi les exemples contemporains, citons : «Arrangement en gris et noir : Portrait de la mère de l’artiste» (1871) par James Whistler, Portrait de Madame X (1883-4) par John Singer Sargent, Portrait d’Isaac Levitan (1893) par Valentin Serov, Portrait de la journaliste Sylvia von Harden (1926) par Otto Dix, Portrait de Dora Maar (1942) par Pablo Picasso, Marilyn (1967) par Andy Warhol, Mr and Mrs Clark (1970) par David Hockney. [Примечание: мощный портрет Уинстона Черчилля, написанный Грэмом Сазерлендом, был признан семьёй Черчилля неприемлемым и уничтожен].

Peinture de genre : parfois difficile à lire et à apprécier

Cette catégorie de peinture est généralement la plus facile à analyser lorsque l’artiste se concentre sur l’histoire sociale du sujet. Des œuvres telles que Derby Day (1856-8) de William Powell Frith, Man with a Hoe (1862) de Jean-François Millet, Third Class Carriage (1864.) d’Honoré Daumier, Barges sur la Volga (1870-3) d’Ilya Repin, Rue de Paris un jour de pluie (1877) de Gustave Caillebotte, Déjeuner en barque (1881) de Pierre Auguste Renoir, Terrasse de café le soir (1888) Van Gogh, «Au Moulin Rouge» (1890) Toulouse-Lautrec, «Auberge de campagne, Brannenburg, Bavière» (1894) Max Liebermann, «Venant du moulin» (1930) L. S. Lowry.

Cependant, lorsqu’un artiste utilise une peinture de genre pour exprimer une idée philosophique, son interprétation peut être plus problématique. De nombreuses œuvres de genre urbain d’Edward Hopper entrent dans cette catégorie, notamment «Night Hawks» (1942) ; un autre peintre de genre dont les tableaux sont difficiles à lire est le peintre polonais Balthus (Balthazar Klossowski de Rola). Parmi les peintures de genre difficiles, citons «Vierges d’Avignon» (1907) de Picasso, «Scène dans une rue de Berlin» (1913) d’Ernst Ludwig Kirchner, «Ennui» (1914) de Walter Siekert, Maquereau avec prostituées (1922) d’Otto Dix, American Gothic (1930) de Grant Wood, Christina’s World (1948) d’Andrew Wyeth, The Bigger Splash (1967) de David Hockney. Pour quelques grandes peintures de genre modernes, voir Analyser la peinture moderne (1800-2000).

La peinture de paysage : généralement facile à apprécier et à interpréter

Entre 1700 et 1800, la plupart des paysages commandés étaient topographiques et financés par des propriétaires terriens qui souhaitaient une description picturale de leurs propriétés : une sorte de portrait de la terre, par exemple «Mr and Mrs Andrews» (1750) de Thomas Gainsborough. Ce type de paysage est souvent d’une grande fadeur et ne nécessite aucune interprétation.

À la fin du XVIIIe siècle, le mouvement romantique a provoqué une recrudescence du naturalisme, les artistes voyageant dans la nature pour la capturer. Dans les années 1840, ce type de peinture en plein air a été simplifié par l’invention du tube de peinture métallique pliable. Cette catégorie comprend des représentants de l’impressionnisme tels que Claude Monet, Alfred Sisley, Camille Pissarro et d’autres, ainsi que les grands paysagistes russes du XIXe siècle, Ivan Shishkin et Isaac Levitan. Leurs peintures présentent de nombreuses caractéristiques picturales à analyser, mais peu de signification indépendante «», de sorte qu’elles ont tendance à être faciles à lire.

Enfin, les peintures à signification philosophique appartiennent au paysage. Elles nécessitent une interprétation plus profonde. Exemples : «Hannibal et son armée traversant les Alpes» (1812) J. M. M. Griffiths et son armée traversant les Alpes. М. Turner, «Le dernier des Mohicans» (série) (1826) de Thomas Cole, «Un homme et une femme regardent la lune» (1830-5) de Caspar David Friedrich, «Le grand jour de sa colère» (1853) de John Martin, L’île des morts (1880) d’Arnold Bocklin, La route de Vladimirka (1892) d’Isaac Levitan, Champ de blé avec corbeaux (1890) de Van Gogh et Nigredo (1984) d’Anselm Kiefer.

Les natures mortes : difficiles à interpréter et à apprécier

Ces tableaux peuvent sembler trop statiques, mais beaucoup d’entre eux sont remplis de symbolisme, conformément aux traditions établies dès le XVIIe siècle. Par conséquent, les natures mortes peuvent être exceptionnellement difficiles à apprécier. Parmi les grands peintres contemporains de natures mortes, citons Paul Cézanne ) Nature morte au Cupidon en plastique, 1895), Georges Braque ) Nature morte sur une table, 1914), et l’artiste italien Giorgio Morandi ) Nature morte, 1960).

Comment comprendre la peinture abstraite

Le principe de base de l’art abstrait est que les qualités formelles d’une peinture sont aussi importantes que ses qualités figuratives. Par exemple : un tableau peut contenir un très mauvais dessin de la tête d’une femme, mais si (disons) ses couleurs sont belles, nous pouvons néanmoins la considérer comme belle. Cela illustre la manière dont la qualité formelle (couleur) peut l’emporter sur la qualité représentationnelle (dessin). À l’inverse, un portrait photoréaliste de la même femme peut représenter fidèlement son visage, mais une palette de couleurs et une composition générale hyperréalistes peuvent rendre l’image sans vie et terne. Comparez, par exemple, les différentes approches du portrait de Lucian Freud et d’Alexei von Jawlensky.

Ainsi, la peinture abstraite est une forme, et pour l’interpréter il faut étudier ses qualités formelles : les formes, les couleurs, les textures et leurs relations. Les formes utilisées sont-elles naturalistes (Jean Arp, Joan Miró), géométriques (Piet Mondrian) ou monumentales (Sean Scully)? Quel est l’effet des couleurs utilisées? (Rothko, Barnett Newman) L’artiste a-t-il porté une attention particulière à la texture de la surface du tableau? Comment tous ces éléments s’articulent-ils? Etc.

Note : Pour d’autres conseils et astuces sur la lecture d’un tableau, voir : Appréciation de l’art : comment comprendre l’art .