Comment apprécier les peintures Automatique traduire
Les peintures de fresques de Giotto
dans la chapelle des Scrovegni,
Padoue, Italie. (1303-10)
Série d’éducation artistique
Cet essai d’appréciation d’art,
écrit par notre éditeur général
Neil Collins, est conçu pour
étudiants en art et écoles d’art
dans le cadre de notre série en cours
sur l’éducation artistique. Pour analyse
de superbes photos, voir:
Tableaux célèbres analysés.
Ressources additionnelles
La peinture est un art visuel qui signifie que le plus grandes peintures ont tendance à être ceux qui ont le plus grand impact visuel, tandis que les mouvements de peinture les plus populaires sont généralement ceux qui sont les plus faciles à regarder. Mais cela ne signifie pas que la peinture est triviale ou superficielle; au contraire, de nombreuses images peuvent être extrêmement complexes. Cette complexité est due aux méthodes artistiques utilisées pour brosser l’image ) colorito) et / ou son contenu narratif et son message ) disegno). Les techniques picturales utilisées peuvent varier énormément. Jan Van Eyck était célèbre pour sa technique de peinture à l’huile virtuose qui lui a permis d’obtenir sa finition lumineuse caractéristique. Mantegna et Tiepolo pour leur raccourcir ; Leonardo pour son sfumato ; Michelangelo pour son fresque technique, compétence anatomique et nus masculins; Titien, Véronèse, Matisse et Jawlensky pour leur colorisme; Caravaggio pour son ténébrisme; Rembrandt pour son clair-obscur ; Masaccio, Raphael et Canaletto pour leur perspective linéaire; Degas pour ses dessins au pastel; Georges Seurat et Paul Signac pour leur pointillisme; Frank Auerbach pour son empâtement . Ces techniques, et bien d’autres encore, sont des éléments importants qui peuvent être utilisés pour accroître la complexité et la profondeur d’une image. Donc, pour apprécier un tableau, il faut analyser la présence de ces éléments et leurs effets.
Couleur a toujours été une caractéristique importante et son utilisation a souvent été soumise à certaines règles. Les peintres égyptiens, par exemple, n’utilisaient que six couleurs: le rouge, le vert, le bleu, le jaune, le blanc et le noir. Le rouge était la couleur du pouvoir et de l’autorité. Le vert symbolisait la nouvelle vie et la fertilité. Le bleu symbolisait la renaissance, tandis que le jaune symbolisait l’éternel, tels que les qualités du soleil et de l’or. Le blanc symbolisait la pureté, tandis que le noir était la couleur de la mort. Les corps des hommes étaient toujours peints de couleurs plus sombres que les corps des femmes. Comprendre ces règles de couleur est essentiel pour lire des peintures égyptiennes. Les peintres d’icônes byzantins étaient soumis à des règles similaires dans leur utilisation de la couleur. Le bleu était réservé à la vie humaine, le blanc à la résurrection et à la transfiguration du Christ. Si vous analysez les icônes du Christ et de la Vierge Marie, vous remarquerez que Jésus porte généralement un sous-vêtement rouge avec un vêtement de dessus bleu (Dieu devenant un homme), tandis que Marie porte un sous-vêtement bleu avec un survêtement rouge (elle a commencé en tant qu’humaine mais se rapproche de Dieu). À la suite de la Renaissance, les nouvelles académies d’art européennes ont établi des règles qui limitaient l’utilisation de couleurs vives, à moins que le contexte ne soit approprié. Plusieurs disputes ont éclaté à ce sujet, avec des coloristes comme Rubens (et plus tard Delacroix) opposés à Poussin (et plus tard Ingres). Ce n’est qu’avec l’avènement des impressionnistes français et des fauvistes que cette couleur a été librement utilisée comme élément indépendant. Bien sûr, le développement de nouveaux pigments de couleur a eu de temps à autre un effet significatif sur la gamme de tons disponible pour les peintres. Ainsi, les couleurs d’une palette de couleurs de la Renaissance paraissaient assez différentes de celles d’une palette du 19ème siècle.
Le contenu narratif d’une image comprend au moins quatre types de contenu de base:
❶ Le message principal.
❷ Messages subsidiaires.
❸ le symbolisme.
❹ Références et analogies. Tous ces éléments nécessitent une interprétation et une analyse avant que nous puissions vraiment apprécier le tableau concerné.
Le jardin des délices (1500-05) de Jérôme Bosch, l’un des plus grands tableaux de la Renaissance, peut servir d’illustration à ces éléments narratifs.
❶ Le message principal du triptyque est que l’humanité est naturellement pécheuse et doit suivre la parole de Dieu pour éviter les flammes infernales et la damnation.
❷ Les messages subsidiaires incluent: (A) Laissés à eux-mêmes, les hommes et les femmes succombent aux tentations de la chair (illustrés par l’ensemble du panneau central du triptyque). (B) Le plaisir est aussi fragile que le verre (illustré par un couple d’amoureux dans une bulle de verre). (C) Les gloutons, les individus vains et les autres pécheurs mortels seront punis dans l’au-delà (illustré dans le panneau de droite).
❸ Bosch utilise le symbolisme tout au long du travail. Dans le jardin d’Eden (panneau de gauche), la figure au long nez qui lit un livre est un symbole du mal. Dans le jardin des délices (panneau central), le fruit, par exemple, est un symbole de la tentation physique. Cueillir du fruit était donc une métaphore de la séduction, tandis que les épluchures, que les amoureux trouvent si fascinantes, symbolisaient l’inutilité.
❹ Les références abondent. Par exemple, en enfer, il peint un homme dont le torse creux contient une sorte de taverne infernale, fréquentée par des «diables» au repos. Deux énormes oreilles sont percées d’une flèche et coupées par la lame d’un couteau. L’objet symbolise la surdité de l’homme à l’exhortation du Nouveau Testament: "Si quelqu’un a des oreilles pour écouter, qu’il entende."
Remarque: pour plus de conseils et d’astuces sur la lecture d’un tableau, voir: Évaluation de l’art: comment apprécier l’art.
Les styles de peinture hiératiques, tels que l’art byzantin (environ 500-1430) – notamment ses icônes – l’art gothique occidental (environ 1150-1375) et son expression ultime, le gothique international (environ 1375-1450), étaient généralement riches en récits symbolisme. Cependant, comme la plupart de ces styles impliquaient de l’art chrétien, le symbolisme utilisé suivait des conventions strictes, ce qui facilitait grandement le décodage. Les retables d’art de la Renaissance (1400-1600) étaient souvent plus difficiles à interpréter, de même que l’imagerie fantastique d’artistes néerlandais, comme Jérôme Bosch et Pieter Bruegel l’aîné. La Haute Renaissance, avec des œuvres publiques de Léonard de Vinci (1452-1519), Michel-Ange (1475-1564) et Raphaël (1483-1520), était sans doute le zénith de cette esthétique. En comparaison, la peinture baroque était (dans l’ensemble) moins compliquée, car elle visait essentiellement à transmettre le message de la contre-réforme catholique, afin de surmonter l’attrait du protestantisme. Les meilleures peintures baroques étaient composées de fresques en trompe-l’œil au plafond et d’œuvres religieuses de grande envergure. La grande exception était l’art baroque hollandais, notamment l’école réaliste, dont les natures mortes étaient remplies d’images cryptiques.
Pour les biographies de critiques professionnels, tels que John Ruskin et d’autres, voir: Critiques d’art: Critique des arts visuels (1750-présent).
Réalisme hollandais (c.1630-90): peintures difficiles à lire et à apprécier
Au cours de la période (1600-1690), les provinces néerlandaises protestantes des Pays-Bas ont donné naissance à un certain nombre d’écoles exceptionnelles du réalisme hollandais, notamment celles d’Amsterdam, Haarlem, Dordrecht, Leiden, Delft et Utrecht. Cette recrudescence de la peinture hollandaise du XVIIe siècle est en partie le résultat de la croissance de la prospérité commerciale des ports flamands et néerlandais et de l’émergence d’un nouveau type d’acheteur d’art néerlandais: le marchand matérialiste. Quoi qu’il en soit, le mouvement néerlandais du réalisme est à l’origine de certaines des plus grandes peintures de genre jamais vues, ainsi que de certaines des natures mortes les plus méticuleuses et complexes jamais vues, dont beaucoup sont extrêmement difficiles à analyser et à interpréter. Les exemples incluent des œuvres d’artistes réalistes néerlandais, telles que: Fille au chapeau rouge (1665-1636), The Artist’s Studio (1665-16) et The Letter (1668), de Jan Vermeer; The Nightwatch (1642), Bethsabée (1654) et Syndics de la guilde des drapiers (De Staalmeesters) (1662), de Rembrandt; Nature morte avec un bocal en porcelaine chinoise (1662) et Nature morte avec une coupe de Nautilus (1662) de Willem Kalf; Un tableau de desserts (1640) et une fête de fruits et de fleurs (c.1660) de Jan Davidsz de Heem; Vue sur le couloir (1662) de Samuel van Hoogstraten et beaucoup d’autres.
Déclin des peintures religieuses (à partir de 1700)
C’est au cours des dernières années de l’ère baroque que l’art religieux a connu pour la première fois un déclin important en raison de la réduction du nombre de mécènes ecclésiastiques. A leur place, s’est développée une nouvelle classe de clients individuels, souvent laïques. En outre, ces nouveaux acheteurs d’art, qui appartenaient généralement aux classes émergentes des professions libérales et des classes moyennes, souhaitaient un nouveau type d’art. Au lieu d’œuvres de grande envergure conçues pour de grands bâtiments publics (églises, instituts, etc.), ils souhaitaient que de petits tableaux de chevalets portables soient accrochés chez eux. En outre, à quelques exceptions près, ces acheteurs d’art de la classe moyenne ne s’intéressaient pas aux peintures religieuses complexes, comme (par exemple) La Cène de Léonard (1495–1498), ni à d’autres œuvres allégoriques telles que Primavera (1478) de Botticelli. Au lieu de cela, ils voulaient des portraits, des paysages ou des peintures de genre qui montraient leur richesse, leur statut et leur puissance terrestre. En d’autres termes, un pourcentage croissant d’œuvres d’art à partir de cette date (environ 1700) était relativement matérialiste (avec moins de références mystérieuses) et était donc plus facile à analyser et à interpréter.
Interprétation de différents types de peinture (à partir de 1700)
Du point de vue de l’analyse et de l’interprétation, il est préférable de diviser les peintures depuis 1700 en types (genres). Les principaux types sont:
❶ Peinture d’histoire.
❷ Portrait d’art – Individuel, groupe ou autoportraits.
❸ Peinture de genre (images de toutes les scènes).
❹ Peinture de paysage.
❺ Nature morte.
Peintures d’histoire: le plus difficile à apprécier et à interpréter
Cette catégorie comprend toutes les "œuvres narratives", comme peinture mythologique ainsi que des images historiques et religieuses. C’est généralement le type d’image le plus difficile à interpréter, car il est conçu pour transmettre un message inspirant ou philosophique. Depuis 1700, toutefois, sa popularité et son nombre ont considérablement diminué. Exemples: Mort de Marat (1793) de Jacques-Louis David, Le 3 mai 1808 de Francisco Goya, Orphée (1865) de Gustave Moreau, Le matin de l’exécution du Streltsy (1881) de Vasily Surikov, Procession religieuse de Kursk Gubernia (1883) de Ilya Repin, La Dame de Shalott (1888) de John William Waterhouse, Le Christ jaune (1889) de Paul Gauguin et Guernica (1937) de Pablo Picasso.
Portraits: facile à apprécier et à analyser
Cette catégorie est moins complexe et relativement facile à analyser. Pour les nobles, les gentilshommes et les riches, durant la période approximative de 1700 à 1900 environ, un portrait remplissait la fonction de la photographie actuelle, à ceci près que l’artiste pouvait manipuler l’image pour optimiser son apparence, son statut et sa puissance. Les portraits plus récents ont tendance à être plus expressionnistes et donc plus intéressants à interpréter. Les exemples modernes incluent: Arrangement in Grey and Black: Portrait de la mère de l’artiste (1871) de James Whistler, Portrait de madame x (1883-4) de John Singer Sargent, Portrait d’Isaac Levitan (1893) de Valentin Serov, Portrait de la journaliste Sylvia von Harden (1926) d’Otto Dix, Portrait de Dora Maar (1942) de Pablo Picasso, Marilyn (1967) par Andy Warhol, M. et Mme Clark (1970) de David Hockney. [Remarque: Le puissant portrait de Winston Churchill, peint par Graham Sutherland, a été jugé inacceptable par la famille Churchill et détruit].
Tableaux de genre: peut être difficile à lire et à apprécier
Cette catégorie de peinture a tendance à être la plus facile à analyser lorsque l’artiste se concentre sur l’histoire sociale de la scène. Ce type de peinture de genre comprend des œuvres telles que: Derby Day (1856-8) de William Powell Frith, Homme avec une houe (1862) de Jean-François Millet, La voiture de troisième classe (1864) de Honore Daumier, Barge Haulers sur la Volga (1870-3) de Ilya Repin, Paris Street, Rainy Day (1877) de Gustave Caillebotte, déjeuner de la fête des bateaux (1881) de Pierre Auguste Renoir, Café Terrasse de nuit (1888) de Van Gogh, Au Moulin Rouge (1890) de Toulouse-Lautrec, Brasserie Paysanne, Brannenburg Bavière (1894) de Max Liebermann, Venant du moulin (1930) de LS Lowry.
Cependant, lorsque l’artiste utilise une peinture de genre comme véhicule d’un message philosophique, son interprétation peut être plus problématique. Beaucoup d’œuvres de genre urbaines d’Edward Hopper entrent dans cette catégorie, notamment Nighthawks (1942); L’artiste polonais Balthus (Balthazar Klossowski de Rola) est un autre peintre de genre dont les peintures sont difficiles à lire. Les autres images de genre complexes comprennent: Les Demoiselles d’Avignon (1907) de Picasso, Scène de rue de Berlin (1913) d’Ernst Ludwig Kirchner, Ennui (1914) de Walter Sickert, Pimp With Prostitutes (1922) d’Otto Dix, gothique américain (1930) de Grant Wood, Christina’s World (1948) de Andrew Wyeth, A Bigger Splash (1967) de David Hockney. Pour une explication de certaines des grandes peintures de genre modernes, veuillez consulter: Analyse de peintures modernes (1800-2000).
Peintures de paysages: généralement faciles à apprécier et à interpréter
De 1700 à 1800, la majorité des images de paysages commandées étaient de type topographique, financées par des propriétaires qui souhaitaient obtenir une représentation graphique de leur propriété: une sorte de portrait de la terre ) M. et Mme Andrews (1750) de Thomas Gainsborough). Ce type de paysage est souvent totalement ennuyeux et ne nécessite aucune interprétation.
À la fin du XVIIIe siècle, le mouvement romantisme déclenche une montée en puissance du naturalisme, alors que des artistes se rendent à la campagne pour capturer la nature. Ce type de peinture en plein air a été facilité au cours des années 1840 par l’invention du tube de peinture en métal pliable. Les représentants de l’impressionnisme comme Claude Monet, Alfred Sisley, Camille Pissarro et d’autres font partie de cette catégorie, de même que les grands paysagistes russes du XIXe siècle comme Ivan Shishkin et Isaac Levitan. Leurs peintures contiennent de nombreuses caractéristiques picturales qui nécessitent une analyse, mais peu de «signification» indépendante, elles ont donc tendance à être faciles à lire.
Enfin, le paysage comprend également des peintures panoramiques avec un message philosophique. Ceux-ci nécessitent plus d’interprétation. Exemples: Hannibal et son armée traversant les Alpes (1812) de JMW Turner, Le dernier des Mohicans (série) (1826) de Thomas Cole, Un homme et une femme regardant la lune (1830-1835) de Caspar David Friedrich, Le Grand Le jour de sa colère (1853) de John Martin, l’ île des morts (1880) de Arnold Bocklin, Road to Vladimirka (1892) de Isaac Levitan, Le champ de blé aux corneilles (1890) de Van Gogh et Nigredo (1984) de Anselm Kiefer.
Nature morte: difficile à interpréter et à apprécier
Ces images peuvent paraître un peu trop statiques pour plus de confort, mais beaucoup sont remplies de symbolisme, en accord avec les traditions établies au 17ème siècle. En conséquence, les peintures de natures mortes peuvent être exceptionnellement difficiles à lire. Parmi les peintres modernes de natures mortes, citons Paul Cezanne ) Nature morte avec un cupidon en plastique, 1895), Georges Braque ) Nature morte sur une table, 1914) et l’artiste italien Giorgio Morandi ) Nature morte, 1960).
Comment apprécier les peintures abstraites
Le principe de base de l’art abstrait est que les qualités formelles d’une peinture sont tout aussi importantes que ses qualités de représentation. Par exemple: une image peut contenir un très mauvais dessin de la tête d’une femme, mais si (disons) ses couleurs sont belles, nous pouvons néanmoins la considérer comme une belle image. Ceci illustre comment une qualité formelle (couleur) peut remplacer une qualité représentative (dessin). Inversement, un portrait photoréaliste de la même femme peut donner une réplique exacte de son visage, mais la palette de couleurs hyperréaliste et la composition générale peuvent rendre la photo sans vie et ennuyeuse. (Comparez par exemple les différentes approches adoptées par Lucian Freud et Alexei Von Jawlensky en matière de portrait.) Ainsi, la peinture abstraite est une question de forme, et pour l’interpréter, nous devons examiner ses qualités formelles – y compris les formes, les couleurs, les textures et leurs qualités mutuelles. des relations. Les formes sont-elles naturalistes (Jean Arp, Joan Miro), géométriques (Piet Mondrian) ou monumentales (Sean Scully)? Quel est l’effet des couleurs utilisées? (Rothko, Barnett Newman) L’artiste a-t-il porté une attention particulière à la texture de surface du tableau? Comment tous ces éléments s’emboîtent-ils? Etc.
Remarque: pour plus de conseils et d’astuces sur la lecture d’un tableau, voir: Évaluation de l’art: comment apprécier l’art.
Peintures analysées (NOUVEAU!!)
Dans le cadre de notre série Art Education, nous écrivons un certain nombre de mini-essais analysant et interprétant certaines des plus grandes peintures jamais réalisées. Voir ci-dessous pour plus de détails. De nouvelles peintures sont ajoutées presque tous les jours, n’hésitez donc pas à mettre cette page en favori pour vous tenir au courant.
Pour une liste des 50 meilleurs portraits, voir: Grandes peintures de portrait.
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