Histoire de l’art irlandais Automatique traduire

Les 10 étapes clés

1. Newgrange (3300 AEC)

Insensible à la vague de peintures, de sculptures et de gravures rupestres du Paléolithique supérieur qui a balayé l’Europe de l’âge de pierre (entre 40 000 et 10 000 ans avant notre ère), l’Irlande a reçu ses premiers visiteurs vers 6 000 avant notre ère, ou un peu plus tôt. Mais l’histoire réelle de arts visuels en Irlande commence par les sculptures en pierre néolithiques découvertes à la Tombe mégalithique de Newgrange , fait partie du complexe Bru na Boinne dans le comté de Meath. Ce superbe exemple de Art de l’âge de pierre irlandais a été construit entre 300 et 2900 av. J.-C.: cinq siècles avant la grande pyramide de Gizeh en Egypte, ainsi que le Stonehenge Stone Circle En Angleterre. Ainsi qu’une variété de art mégalithique Newgrange présente ce que les archéologues pensent être la première carte enregistrée de la lune.

Ces magnifiques pétroglyphes à Newgrange et au Knowth tombeau mégalithique illustrent une forme particulièrement sophistiquée d’architecture cérémonielle et funéraire de la fin de l’âge de pierre et font partie des plus beaux exemples connus de Art néolithique en Europe. Cependant, la fonction précise de ces structures préhistoriques ou l’identité de leurs bâtisseurs est mal connue, si ce n’est que leur construction suggère un environnement social relativement intégré et cohésif. Un deuxième type contemporain de nécropole néolithique – la longue brouette – se retrouve également dans l’âge de pierre en Irlande, mais sa conception est plus primitive et nécessite beaucoup moins d’organisation.

L’art au bronze et au fer

Au cours de la période suivante de L’art du bronze en Irlande (vers 3000-1200 av. J.-C.), des artefacts de la culture du bécher (nommés d’après la forme de ses récipients en poterie) ont été découverts, ainsi qu’une série de tombes à coins. En outre, les artisans irlandais ont développé une industrie métallurgique florissante, fabriquant divers objets en or, en bronze et en cuivre. Cette période a également été témoin d’une croissance significative des échanges commerciaux entre l’Irlande et la Grande-Bretagne, ainsi que de l’Europe du Nord, notamment de l’Allemagne et des pays nordiques. L’âge du fer en Irlande (environ 1500-200 AEC), caractérisé par la production d’outils et d’armes en fer, a été fortement influencé au cours des derniers siècles (à partir de 400 AEC environ) par l’arrivée des Celtes, maîtres orfèvres et forgerons. Leurs arts et métiers appartiennent cependant à l’idiome plus élaboré et curviligne de La Tene Art Celtique , qui a remplacé le précédent Culture de Hallstatt . C’étaient ces dessins celtiques – notamment le Dessins en spirale celtique , le complexe Motifs entrelacés celtiques et bien sur le Croix celtiques – Cela inspirerait les trois prochaines réalisations majeures de l’art visuel irlandais.

2. Métallerie celtique et sculpture sur pierre (400 AEC – 800 CE)

Contrairement à la Grande-Bretagne et au continent, l’éloignement géographique de l’Irlande a empêché la colonisation par Rome. Ainsi, malgré les échanges réguliers avec la Grande-Bretagne romaine, le pays devint un refuge pour le développement ininterrompu de Art celtique et des objets d’artisanat, qui ne furent ni déplacés par l’art gréco-romain, ni détruits au cours de "l’âge des ténèbres" qui s’ensuivit (environ 400 à 800) lorsque le pouvoir romain en Europe fut remplacé par l’anarchie barbare. Cela a conduit à une tradition ininterrompue de Culture celtique qui a conservé ses propres traditions orales, historiques et mythologiques, comme en témoignent les Lebor Gabala Erenn (Livre des invasions) .

C’était cette culture celtique avec sa tradition d’art métallurgique et ses talents de sculpteur (voir Art des armes celtiques ) responsable de la deuxième grande réalisation de l’art irlandais: une série d’objets exceptionnels de précieux ferronnerie destiné aux clients laïcs et chrétiens (voir aussi Art chrétien celtique ) ainsi qu’une série de pierres précieuses monumentales minutieusement gravées.

Voir également: Art celtique en Grande-Bretagne et en Irlande .

Impact du christianisme sur l’art irlandais

Alors qu’une grande partie de l’Europe connaissait une stagnation culturelle en raison du chaos et de l’incertitude qui régnait après la chute de Rome et le début de l’âge sombre, les autorités religieuses ont sélectionné l’Irlande comme base potentielle pour la propagation du christianisme et, vers 450 de notre ère, l’envoi de St Patrick dans le rôle de missionnaire. Son succès et celui de ses partisans (St Patrick, St Brigid, St Enda, St Ciariana, St Columcille et autres) ont conduit à la christianisation de l’Irlande et, de manière cruciale, à la création d’une série de monastères centres d’apprentissage et d’érudition dans des domaines religieux et laïques, ouvrant ainsi la voie à la prochaine grande étape de l’art visuel irlandais.

3. Manuscrits enluminés (c.650-1000)

La troisième grande réalisation de l’art irlandais a été la production d’une série d’images de plus en plus magnifiques. manuscrits enluminés , consistant en une illustration complexe Art biblique avec des panneaux richement décorés (parfois des pages entières de "tapis") d’animaux entrelacés à la manière celtique, de spirales, de nœuds, de visages humains, d’animaux et autres, le tout exécuté avec la plus grande précision et parfois agrémenté de métaux précieux comme l’or et l’argent feuille. Voir, par exemple, La page du monogramme du Christ dans le livre de Kells. Créés dans les scriptoriums de monastères comme Clonmacnoise et Durrow (Co Offaly), Clonard et Kells (Co Meath), parmi beaucoup d’autres, ces fabuleux exemples de Art monastique irlandais étaient un mélange de compétences calligraphiques chrétiennes et d’œuvres d’art celtes, ainsi que d’autres travaux de conception saxon / germanique, tels que les entrelacs. Les historiens les considèrent comme l’une des plus grandes œuvres d’art de la période médiévale en Europe.

Les manuscrits bibliques irlandais célèbres (illustrés par des dessins entrelacés, noués et en spirale celtiques) comprennent Cathach de St. Columba (début du 7ème siècle), le Livre de Durrow (c.670), le Évangiles de Lindisfarne (c.698-700), et le Livre de Kells (c.800). Voir également: Histoire des manuscrits enluminés (600-1200). Ces œuvres peuvent être visionnées à Bibliothèque Trinity College Dublin ou la Royal Irish Academy.

Ces trésors bibliques ont donné lieu à une renaissance progressive mais significative de l’art irlandais (parfois appelé style hiberno-saxon ou art insulaire), qui s’est ensuite répandue via le réseau monastique jusqu’à Iona, en Écosse, dans le nord de l’Angleterre et sur le continent. Au 12ème siècle, il n’y avait guère de cour royale en Europe occidentale sans un conseiller irlandais en matière de culture.

Pendant ce temps, les monastères irlandais ont continué de jouer un rôle actif dans la vie culturelle du pays jusqu’à la fin du 12ème siècle et au-delà. En plus de leur rôle de centres de dévotion religieuse et de Art chrétien , ils ont beaucoup investi dans des icônes ecclésiastiques, telles que les calices susmentionnés (Derrynaflan, Ardagh), les sanctuaires et les croix de procession, dont la fabrication nécessitait le maintien d’une forge et d’une forteresse animées, ainsi que de la conservation de nombreux artisans. Enfin, outre un scriptorium occupé (pour les manuscrits enluminés) et une forge (pour le travail des métaux précieux), environ 750 monastères ont également financé un important programme de sculpture biblique qui allait devenir le prochain grand accomplissement de l’art irlandais.

4. Sculpture haute croix (c.750-1150)

La quatrième grande réalisation de l’art irlandais était le travail religieux en pierre. Au cours de la période 750-1150, des sculpteurs irlandais travaillant dans des monastères ont créé une série de Sculptures de haute croix celtique qui constituent le corpus le plus important de sculptures libres réalisées entre l’effondrement de l’empire romain (environ 450) et le début de la Renaissance italienne (environ 1450). Cette sculpture de haute croix représente la contribution sculpturale majeure de l’Irlande à l’histoire de l’art.

Les Hautes Croix traversées appartiennent à deux groupes de base, en fonction du type de gravures et de relief illustrés. Le premier groupe, datant en grande partie du IXe siècle, est décoré exclusivement d’ornements entrelacés abstraits, d’entrelacs d’animaux Ultimate La Tene, ainsi que de motifs de touches et de frettes. Le deuxième groupe est constitué de croix avec des scènes narratives de l’Ancien et du Nouveau Testaments de la Bible, bien que celles-ci soient souvent ornées de rouleaux charnus à bosses, comme sur la croix de Muiredach du 10ème siècle, à Monasterboice.

Les High Crosses survivent dans de nombreux endroits en Irlande, notamment à Kilfenora dans le comté de Clare; Boho et Lisnaskea dans le comté de Fermanagh; Castledermot, Moone et Old Kilcullen dans le comté de Kildare; Graiguenamanagh, Kilkieran, Killamery, Kilree et Ullard dans le comté de Kilkenny; Dromiskin, Monasterboice et Termonfeckin dans le comté de Louth; Kells dans le comté de Meath; Clones dans le comté de Monaghan; Clonmacnois, Durrow et Kinnitty dans le comté d’Offaly; Drumcliffe dans le comté de Sligo; Ahenny dans le comté de Tipperary; Ardboe et Donaghmore dans le comté de Tyrone; et Bealin dans le comté de Westmeath.

L’art irlandais stagne (c.1200-1700)

La période 1200-1700 a vu beaucoup d’histoire en Irlande mais peu d’activités culturelles. Par conséquent, Art irlandais après le moyen âge a subi cinq siècles de stagnation. L’impact de cette période "morte", causée principalement par les ambitions coloniales des premiers colons normands, puis britanniques puis écossais, ne peut pas être surestimé. Il a séparé la culture irlandaise de l’influence de l’art de la Renaissance et a envoyé le pays dans un état d’isolement culturel duquel il n’a (sans doute) pas émergé récemment. En tout état de cause, depuis le XIIe siècle, l’Irlande n’a apporté aucune contribution majeure à l’art visuel européen qui puisse rivaliser avec ses réalisations antérieures.

5. Peinture: la renaissance de l’art irlandais (1650-1830)

Cette période a été témoin des premières pousses vertes d’une reprise artistique. L’augmentation de la prospérité au début du XVIIIe siècle a conduit à la création d’un certain nombre de nouvelles institutions culturelles, telles que le Royal Dublin Society (commencé en 1731) et le Académie royale irlandaise (fondée en 1785). Entre-temps, un certain nombre d’artistes talentueux ont commencé à apparaître à partir de la fin du 17ème siècle. Conformément aux exigences de l’époque, le domaine d’activité principal était la peinture, en particulier le portrait et les paysages.

Cette reprise artistique se poursuivit jusqu’au XIXe siècle avec la création du Académie royale hibernienne (RHA) en 1823, et l’extension de la Royal Dublin Society (fondée en 1731) et la Crawford College of Art Tous ces éléments ont contribué à stimuler l’infrastructure des beaux-arts en Irlande, en particulier pour les arts visuels comme la peinture.

Peinture de portrait du 18ème siècle
La peinture irlandaise s’est d’abord établie dans le genre de l’art du portrait, qui a débuté en Irlande au tournant du XVIIe / XVIIIe siècle, quelque 50 ans avant l’avènement des peintures de paysages topographiques. Les premiers portraitistes sont restés en grande partie non enregistrés, à l’exception de Garret Morphy (fl.1680-1716), qui dominèrent le genre à la fin du XVIIe siècle, et le moins connu Thomas Bate (fl.1690-1700). Celles-ci ont été suivies par le groupe né à Dublin mais basé au Royaume-Uni Charles Jervas (1675-1739), le portraitiste irlandais par excellence du début du 18ème siècle, puis l’influent né des Tipperary James Latham (1696-1747). Le peintre de Cork James Barry (1741-1806) était un autre portraitiste de l’époque, tout comme Nathaniel Hone the Elder (1718-1784), Hugh Douglas Hamilton (1739-1808), spécialiste du pastel et de la craie, le miniaturiste Horace Hone (1756-1825), l’éminent Martin Archer Shee (1769-1850) et William Mulready (1786-1863), né dans le comté de Clare, et d’autres, dont beaucoup sont obligés d’émigrer en Angleterre pour poursuivre leur carrière.

Peinture de paysage du 18ème siècle
Le principal Paysagistes irlandais Susanna Drury (1733-1770), suivie de John Butts (1728-1764) et de George Barret, Senior (1732-1784). Thomas Roberts (1749-1778), son frère au style romantique, Thomas Sautelle Roberts (c.1760-1826), maître peintre paysagiste, fut un artiste influent plus tard. William Ashford (1746-1824), et le dessinateur / graveur James Malton (d.1803) célèbre pour ses vues sur Dublin, ainsi que sur la famille Brocas, Henry Brocas Senior (1762-1837) et ses fils Samuel Frederick Brocas (1792-1847) et Henry Brocas Junior (1798-1873). L’influence de la famille Brocas fut considérable, notamment parce qu’elle dirigea effectivement l’école de peinture de paysage RDS pendant la première moitié du siècle suivant. (Voir également: Artistes irlandais du 18ème siècle .)

Cette renaissance artistique se poursuivit jusqu’au 19ème siècle avec l’établissement en 1823 de la Académie royale hibernienne (RHA), l’extension des installations éducatives de la Royal Dublin Society (devenue plus tard la Dublin Metropolitan School of Art et, à terme, le Collège national des arts et du design), et la rénovation (1830-1884) du Crawford College de l’art (défendu par James Brenan et financé par William Horatio Crawford, un bienfaiteur de Cork), qui ont tous contribué à stimuler l’infrastructure des beaux-arts en Irlande, en particulier pour les arts visuels comme la peinture.

6. Les artistes irlandais émigrent (c.1830-1900)

Malgré ce renforcement de l’infrastructure artistique et du système éducatif, Art irlandais du 19ème siècle a été marquée par une émigration continue. C’est parce que le mécénat était rare et que Londres – avec son marché de l’art très vaste, ses studios d’art et son potentiel de carrière – demeurait la Mecque des talentueux peintres et sculpteurs irlandais. Parmi ces artistes émigrés figurent les sculpteurs Patrick MacDowell (1799-1870), John Foley (1818-1874), John Lawlor (1820-1901) et John Hughes (1865-1941), ainsi que l’aquarelliste Francis Danby (1793- 1861) et le peintre d’histoire et portraitiste Daniel Maclise (1806-1870). Plus tard, ils sont suivis à Londres par des portraitistes comme John Butler Yeats (1839-1922), né dans le comté de Down, à la manière académique Gerald Festus Kelly (1879-1972) et William Orpen (1878-1931), qui apportent tous une contribution importante. à Art victorien dans une variété de genres. En revanche, de nombreux peintres paysagistes irlandais de renom ont passé de longues périodes en France, travaillant à Barbizon près de Fontainebleu, ou Pont-Aven et Concarneau en Bretagne, où ils ont absorbé les méthodes de peinture en plein air des impressionnistes. Parmi ces "émigrés" figuraient des artistes tels que: Augustus Nicholas Burke (1838-91), Frank O’Meara (1853-88), Aloysius O’Kelly (1853-1941), Sir John Lavery (1856-1941), Stanhope Forbes (1857-1947), Henry Jones Thaddeus (1859-1929), Walter Osborne (1859–1903), Joseph Malachy Kavanagh (1856-1918), Richard Thoman Moynan (1856-1906), Roderic O’Conor (1860-1940), Norman Garstin (1847-1926) et William Leech (1881-1968). Voir également: Peinture en plein air en Irlande .

Il ne s’agit pas de sous-estimer les talents des artistes irlandais autochtones qui sont restés en Irlande (ou qui sont revenus de l’étranger), mais du terrible traumatisme de la Grande Famine (vers 1845-50), des querelles politiques persistantes entre les établissements artistiques de Londres et de Londres. Dublin, ainsi que le manque relatif de commissions à Dublin (sans parler de Cork, Galway et Limerick) par rapport aux promesses commerciales de Londres et de la météo en plein air en France, ont contribué à créer un puissant incitant à peindre ou à sculpter à l’étranger. Une école indigène de peinture irlandaise commençait à voir le jour, mais elle n’avait pas encore acquis une masse critique, de sorte que l’histoire de l’art irlandais du XIXe siècle a été marquée par l’exode à l’étranger. (Voir également: Artistes irlandais du XIXe siècle .)

7. La croissance de l’art autochtone (environ 1900-40)

Au tournant du siècle, progressivement, les effets bénéfiques de l’éducation, ainsi que l’augmentation du mécénat à Dublin, les efforts de Hugh Lane et l’impact de la Mouvement néo-celtique , tous ont conduit à l’apparition d’une nouvelle génération d’artistes irlandais indigènes, tels que George ’AE’ Russell (1867-1935), Margaret Clarke (1888-1961), Sean Keating (1889-1977), James Sinton Sleator (1889-1950), Leo Whelan (1892-1956) et Maurice Macgonigal (1900-1979). Ce groupe, avec des sculpteurs émigrés de retour comme John Foley et Oliver Sheppard (1864-1941), des peintres comme l’artiste de genre irlandais Richard Thoman Moynan (1856-1906), l’artiste paysagiste Paul Henry , l’expressionniste Jack B Yeats (1871-1957) et le portraitiste William Orpen (1878-1931) – qui revenait régulièrement pour enseigner à la Dublin Metropolitan School of Art – constituaient le noyau d’un corps actif d’artistes locaux. À ceux-ci, il convient d’ajouter une nouvelle génération de peintres irlandais d’esprit plus international, notamment Mary Swanzy (1882-1978), Mainie Jellett (1897-1944) et Evie Hone (1894-1955), qui introduisit le Cubisme et d’autres formes d’art abstrait en Irlande pendant cette période, formant ainsi la Société d’ avant-garde des peintres de Dublin . Le brillant francophile Louis Le Brocquy (1916-2012) a été ajouté au groupe par la suite.

Art irlandais du XXe siècle a été nourrie par la mise en place de la Hugh Lane Galerie d’Art Moderne (1908) et par l’émergence d’un État irlandais indépendant au début des années 1920. Cependant, si l’indépendance entraînait une augmentation de la fréquentation de l’État par certains sculpteurs et peintres, elle ne pouvait déclencher aucune renaissance générale des arts visuels. Par exemple, la sculpture irlandaise offrait moins de possibilités de création: John Foley (1818-1874) et plus tard Albert Power (1881-1945) et Seamus Murphy (1907-75) étaient pleinement occupés par les statues traditionnelles et les bustes d’éminents personnages du jour, plutôt que par leur créativité individuelle. Les arts décoratifs ne s’en tirent pas mieux. Dans le domaine du vitrail, par exemple, malgré les efforts de création individuels de Harry Clarke (1889-1931), Sarah Purser (1848-43) et Evie Hone (1894-1955), le gouvernement irlandais à l’esprit étroit ne fournit aucune aide, allant même jusqu’à rejeter certaines des plus belles œuvres de Clarke pour leur "modernité" excessive.

De plus, au cours des deux décennies qui ont suivi l’indépendance, le pouvoir au sein des institutions artistiques irlandaises, notamment le comité au pouvoir de la Royal Hibernian Academy, était exercé par une phalange conservatrice de traditionalistes – tirée presque exclusivement du groupe autochtone d’artistes irlandais – qui résistait à toute tentative. par des individus plus ouverts d’esprit pour aligner l’art irlandais avec les styles de peinture et de sculpture européens du XXe siècle. Cette période s’achève avec l’avènement de la Seconde Guerre mondiale, qui voit émerger la question de la modernisation.

8. La formation de l’exposition irlandaise d’art vivant (1943)

Les tristes années 1940 ont été témoins d’un déclin créatif et matériel de l’art visuel irlandais. Non seulement le mécénat pour les arts était rare, mais l’établissement artistique conservateur irlandais – représenté par la Royal Hibernian Academy (RHA) – semblait incapable de s’adapter aux développements artistiques européens – tels que le fauvisme, le cubisme, le dadaïsme et le surréalisme. Et puisqu’ils contrôlaient la composition de l’exposition annuelle RHA (la principale vitrine pour les peintres et sculpteurs professionnels en Irlande), ils ont pu rejeter des œuvres qui ne correspondaient pas à leur conception traditionaliste de ce que devrait être l’art – une approche qui a provoqué une opposition considérable. des modernistes.

Les conservateurs n’ignoraient pas les développements européens en matière de peinture et de sculpture, mais ils n’aimaient pas ce qu’ils voyaient et espéraient que cela disparaîtrait et que l’art reviendrait aux traditions représentationnalistes de la Renaissance. Malheureusement, la lourdeur avec laquelle ils ont appliqué ce point de vue a sapé sa valeur. Par exemple, la galerie d’art moderne Hugh Lane n’accepterait presque jamais d’œuvres peintes plus récemment que l’époque de Jean Baptiste Corot (1796-1875): ainsi, par exemple, elles ont rejeté un tableau de Rouault comme blasphématoire et une sculpture d’Henry Moore comme obscène.. En revanche, les modernistes ne cherchaient pas à rompre avec le traditionnel, mais à le dépasser.

La bataille entre les traditionalistes et les modernistes a été interrompue en 1942 à la suite d’une attaque flagrante de Mainie Jellett contre l’ORS par laquelle le comité de sélection a rejeté le "Châle espagnol" de Louis le Brocquy et de nombreuses autres œuvres modernes. Le rejet en 1942 du "Christ and the Soldier" de Rouault par la galerie Hugh Lane à Dublin était une autre provocation. En conséquence, l’année suivante, un certain nombre de (surtout) de la classe moyenne supérieure Artistes de Dublin réunis et organisé la Exposition irlandaise d’art vivant (IELA) , un nouveau forum annuel pour les peintres et les sculpteurs qui ne sont pas d’accord avec la vision "aveuglée" de la Royal Hibernian Academy. Sa mission déclarée était de mettre à la disposition des artistes irlandais vivants une enquête exhaustive sur les œuvres les plus significatives, quels que soient leur lieu d’école ou leur manière de vivre. "Les principaux organisateurs de l’IELA étaient: Mainie Jellett (1897-1944), Evie Hone (1894-1955), père Jack Hanlon (1913-1968), Norah McGuinness (1901-1980), Louis le Brocquy (né en 1916) et Margaret Clarke (1888-1961). Patrick Scott (né en 1921), Tony O’Malley (1913-2003), Camille Souter (né en 1929) et Barrie Cooke (né en 1931), entre autres partisans.

Les salons IELA ont injecté un peu d’enthousiasme visuel dans la grisaille de Dublin en temps de guerre et ont offert une alternative bienvenue aux expositions plus conservatrices de la RHA. Cela dit, de nombreux artistes irlandais ont exposé dans les deux cas. Même ainsi, chacun représentait des points de vue différents. La RHA a maintenu ce qu’elle croyait être «la tradition», tandis que l’IELA était ouverte à tout nouveau développement.

Même ainsi, la formation de l’IELA n’était pas une révolution bolchevique. Le monde artistique plutôt paroissial de Dublin abritait un petit nombre d’organes importants tels que la Royal Hibernian Academy, les Amis des collections nationales, le Haverty Trust, le Comité consultatif sur les arts de la galerie municipale, l’Exposition irlandaise d’art vivant, etc. sur. Et les conservateurs et les modernistes ont relativement bien coexisté dans les mêmes comités. En outre, l’IELA était parfaitement conscient du fait que ses objectifs seraient inaccessibles sans la coopération du Collège national des arts et de l’ORS qui le dominaient, ainsi que de la bonne volonté du directeur de la Galerie nationale et du président de l’ORS. Au lieu de cela, l’émergence de l’IELA doit être considérée comme une affirmation de la nécessité pour l’Irlande d’adopter un concept d’art plus large, plutôt que défini uniquement par ses racines culturelles. D’une certaine manière, il a laissé le chat sortir du sac. Maintenant, par exemple, les artistes pourraient explorer l’art abstrait sans être accusés de blasphème! En ce sens, l’IELA a été une étape déterminante dans le développement de l’école irlandaise.

9. Art irlandais moderne (1943-présent)

En dépit de l’élargissement de ses perspectives, l’art irlandais durant les quatre décennies de l’après-guerre a été autant influencé par les événements économiques et politiques du pays que par rien dans le monde de l’art international. Les années 1950 terne ont entraîné une nouvelle émigration d’artistes, tandis que l’excitation du milieu des années 1960 s’est rapidement apaisée avec l’apparition des «Troubles» dans le Nord, dans les années 1970 et 1980, lorsque la politique faisait la une des journaux.

Néanmoins, la génération suivante, arrivée à maturité au milieu des années 1960, était plus ouverte aux développements internationaux. Ils bénéficiaient également des activités d’un certain nombre de nouveaux Organismes artistiques irlandais venir en cours. Par exemple, le Conseil des arts (An Chomhairle Ealaion) , fondée en 1951, achetait des œuvres d’artistes irlandais et distribuait des subventions, de même que son homologue du Nord, le Conseil pour la promotion de la musique et des arts (CEMA), désormais renommée Conseil des arts d’Irlande du Nord ; le Haverty Trust, les médailles d’or Oireachas Douglas Hyde, les généreux prix Carroll pour des œuvres aux salons IELA et les concours ouverts de Belfast dispersaient des récompenses financières; il y avait des expositions à Londres et (à partir de 1967) des expositions de Rosc au RDS. L’Académie royale d’Hibernian et le Académie royale d’Ulster étaient des vitrines en cours pour les talents autochtones. Hugh Lane Gallery (qui devient enfin une véritable galerie d’art moderne), la National Gallery, le Musée des Beaux-Arts d’Ulster , ainsi que novateur Galeries d’art irlandaises comme la galerie Dawson et David Hendricks, ils présentaient aux artistes des œuvres internationales; et des peintres et sculpteurs irlandais ont été sélectionnés pour des biennales à Venise et à Paris et ont été primés.

La révolution postmoderniste

Années 1970
La tendance des années 1970 vers Art postmoderniste L’Irlande s’est traduite par des changements au sein de la Dublin Metropolitan School of Art, l’un des principaux instituts d’art du pays, alors connue sous le nom de Collège national d’art et de design (NCAD) . Une philosophie et un programme d’enseignement plus modernes ont été introduits et le contrôle a été confié à un conseil (An Brd) nommé par le ministre de l’éducation et des sciences. À l’avenir, le NCAD a commencé à jouer un rôle de premier plan dans la promotion des arts visuels contemporains, tels que l’installation, la vidéo, la performance et diverses formes d’art conceptuel. Au cours du processus, les formes traditionnelles d’art figuratif ont été remplacées, voire mises de côté.

Dans l’intervalle, en 1973, le comité au pouvoir de l’IELA a décidé de confier à un tout nouveau comité de jeunes artistes le soin de préserver l’impact contemporain de l’organisation. L’artisanat irlandais a également bénéficié d’une modernisation avec la mise en place de la Conseil des métiers d’Irlande en 1971.

Années 1980
Dans les années 1980, l’art irlandais avait digéré une quantité considérable de théories de l’art contemporain, notamment en réfutant la notion traditionaliste selon laquelle une image ou une statue devait avoir un objet reconnaissable, et que ce sujet devait être présenté de manière à ne pas déformer la réalité et que la beauté devrait être l’objectif. Il avait également commencé à embrasser l’idée postmoderniste qu’une œuvre d’art permanente n’était plus nécessaire, mais que "l’idée" sous-jacente était également (sinon plus) valable. Et même les formes traditionnelles de peinture et de sculpture devenaient moins "esthétiques", plus didactiques et plus satiriques. En bref, si, au cours des années 1920 et 1930, des artistes irlandais avant-gardistes avaient eu du mal à se faire accepter pour leurs idées abstraites d’avant-garde et que les traditionalistes contrôlaient l’establishment artistique, la situation était maintenant complètement inverse. Le NCAD, à l’avant-garde, contrôle maintenant, ainsi que plusieurs des principaux comités de l’infrastructure artistique et des médias.

Parmi les autres développements survenus dans les années 80, on peut citer: la création du Collection nationale d’autoportraits (1980); la formation de la Société des sculpteurs d’Irlande (1980) (actuellement Artistes visuels Irlande ) la fondation de Aosdana (1981), le groupe d’élite des praticiens de la création en Irlande; le lancement de ENVIRON (1981), première revue irlandaise d’arts visuels contemporains; et la fondation de la Fabrique Nationale de Sculptures (NSF) à Cork en 1989.

Années 1990
Les années 1990 ont été définies par le boom économique du "Tigre celtique", qui a entraîné une augmentation significative du budget des arts. le Musée irlandais d’art moderne (IMMA) a été fondée en 1990 pour succéder à la galerie Hugh Lane (plus connue sous le nom de galerie métropolitaine d’art moderne de Dublin) et, en 1997, le département des arts a institué le % Pour l’art , afin de récolter des fonds pour les arts visuels en Irlande. Des plans ont également été établis pour deux nouvelles galeries: la Naughton Gallery de la Queens University Belfast (achevée en 2001) et la Lewis Glucksman Gallery de l’University College Cork (achevée en 2004). Culture Irlande (Cultúr Na hÉireann) – l’organisme qui promeut l’art et la culture irlandais à l’étranger – a été créé en 2005.

Quelques réflexions sur les styles et les thèmes de l’art irlandais

Nous n’avons pas tendance à analyser la musique. Soit on aime le son, soit on l’aime pas. Mais si nous jugeons un tableau uniquement sur son aspect visuel, nous sommes accusés d’être (au mieux) un philistin ou (au pire) un idiot. Et en tant que monteur artistique, je dois avoir une connaissance approfondie, ce qui est franchement pénible, car je ne le suis pas. Et pour le prouver, voici certaines de mes réflexions sur l’art irlandais du milieu du XXe siècle. Au moins, cela me donne l’occasion de mentionner de merveilleux artistes.

Il n’y a jamais eu de style spécifique de peinture ou de sculpture irlandaise. Certes, certains paysages, figures humaines et héros nationaux attirent régulièrement l’attention, mais il serait difficile de trouver un point commun entre (disons) Paul Henry, Francis Bacon, William Orpen et Sean Scully. Le mieux que nous puissions faire est d’identifier certaines approches et les artistes qui leur sont associés.

Art abstrait
L’abstraction – un style artistique qui a gagné beaucoup en respectabilité après la création de l’IELA – est bien illustrée par les œuvres monumentales de Sean Scully (B.1945), l’abstraction géométrique de Francis Tansey (B.1959), Patrick Scott et Cecil King, les paysages de Tony O’Malley (1913-2003) et Patrick Collins (1910-1994), et les natures mortes de William Scott (1913-1989). Dans la sculpture irlandaise, l’abstraction est illustrée par les formes en acier inoxydable d’Alexandra Wejchert (1921-1995) et les pièces semi-abstraites de Conor Fallon (1939-2007).

Art représentationnel
Le représentationnalisme, cousin pauvre pendant une grande partie de la période, a été très bien maintenu dans les œuvres des peintres académiques Niccolo D’Ardia Caracciola (1941-1989) et Martin Mooney (né en 1960), maîtres de la nature morte James English (né en 1946).), et Mark O’Neill (b.1963), le portraitiste Edward Maguire, le photoréaliste John Doherty (b.1949), et par le virtuose de l’équitation Peter Curling (b.1955). Peinture représentationnelle en Irlande L’art a récemment connu un regain d’efforts grâce à des artistes contemporains tels que le portraitiste David Nolan (né en 1966), le classique Conor Walton (né en 1970) et les remarquables peintres de plein air Norman Teeling (né en 1944), John Morris 1959), Paul Kelly (né en 1968) et Henry McGrane (né en 1969). Dans la sculpture irlandaise, le réalisme est mieux illustré par les bronzes contemporains de Rowan Gillespie (b.1953).

Primitivisme
En comparaison, une approche plus informelle est évidente dans les travaux de Daniel O’Neill (1920-1974) et Gérard Dillon (1916-1971), qui opéraient dans un langage compositionnel plus informel, mélangeant fréquemment des formes et des compositions naïfs avec de la couleur et des commentaires.

le romantisme
La romance – appelez cela nostalgie, héroïsme, tragédie ou autre chose – a été un élément important de nombreuses peintures irlandaises, inspirant des artistes aussi divers que Paul Henry, Brian Bourke (né en 1936) et John Doherty (né en 1949). Même l’élémentaire Hughie O’Donoghue (né en 1953) et Donald Teskey (né en 1956) me semblent être de cœur romantique. La série de «portraits» de personnages du passé historique et littéraire de l’Irlande, ainsi que les peintures de Robert Ballagh représentant des républicains irlandais, ont été particulièrement héroïques.

Nationalisme
Si Irishness était une présence dominante dans le travail de Jack B. Yeat, le nationalisme politique était un élément clé de Micheal Farrell ’s Madonna Irlanda (1977), qui présentait le point de vue d’une Irlande prostituée corrompue par la partition persistante et un sentiment d’asservissement culturel. Pendant ce temps, The Troubles figure dans les œuvres de David Crone, Rita Duffy, Brian O’Doherty, Dermot Seymour et la sculpture saisissante de Deborah Brown et FE McWilliam (1909-1992). La sculpture nationaliste englobe l’art gaélique d’Albert Power (1881-1945) et les figures nostalgiques d’Eamonn O’Doherty, ainsi que la pierre religieuse du maître de Cork Seamus Murphy (1907-1975).

D’autres styles
Le colorisme a été magnifiquement représenté par Brian Ballard (b.1943) et Marja Van Kampen (b.1949); Impressionnisme par Arthur Maderson (b.1942); le surréalisme de Colin Middleton (1910-1983) et Pop-Art de Robert Ballagh (né en 1943). Parmi les styles contemporains, notons le travail figuratif de Graham Knuttel (né en 1954) et celui de Colin Davidson (vers 1968), l’un des meilleurs artistes contemporains. Peintres de genre irlandais . Un certain nombre d’autres artistes du milieu du XXe siècle défient toute tentative de catégorisation, notamment le talentueux Basil Blackshaw (né en 1932).

10. Art irlandais du 21e siècle

Le tournant du siècle a vu la Marché de l’art irlandais monter en flèche vers de nouveaux sommets. Bien que la valeur commerciale des meilleurs artistes irlandais ait considérablement augmenté au cours des années 1990, le nouveau millénaire a vu Francis Bacon bat le record du monde de l’œuvre d’art contemporaine la plus chère (son Triptych de 1976 s’est vendu pour 86, 3 millions de dollars à Sothebys New York en 2008), tandis que six autres peintres irlandais ont franchi la barre des millions d’euros:

Ces disques reflétaient un degré de confiance surprenant mais indéniable dans la valeur de l’art irlandais et donnaient un coup de pouce considérable à la valeur marchande d’artistes moins célèbres. Avec Sothebys déjà établie à Dublin, ainsi que des maisons de vente aux enchères indigènes comme Adams, deVeres et Wytes, entre autres, la ville est devenue un lieu important pour la vente de peintures et de sculptures irlandaises – qui, comme les prix de l’immobilier, semblaient défier la gravité. (Pour plus de détails sur les œuvres les plus chères, voir: Peintures irlandaises les plus chères .)

Dans le même temps, l’industrie artistique de l’île d’Irlande – avec des milliers d’employés répartis dans deux ministères, deux conseils des arts, de nombreux autres organismes et magazines gérés par l’État ou parrainés par l’État, des groupes d’artistes tels qu’Aosdana et Visual Artists Ireland et un vaste réseau de musées nationaux, de centres d’art et de galeries commerciales – ont continué à se développer pour répondre à la demande accrue.

Malheureusement, en 2008, la bulle a éclaté, laissant la renaissance culturelle de l’Irlande sous une pression financière extrême à la suite de la récente récession mondiale. À l’heure actuelle, on estime que 83% des créateurs irlandais restent tributaires des revenus de leurs partenaires et la situation risque de s’aggraver compte tenu de la réduction de 18, 5% du budget actuel de l’art. Malgré tout, avec des responsables des arts à temps plein dans presque tous les 32 comtés d’Irlande, un budget de plusieurs millions d’euros et un pool talentueux de artistes irlandais contemporains , l’avenir à long terme de l’art irlandais pourrait difficilement être plus brillant, du moins par rapport aux époques précédentes d’émigration et de lutte financière.

En tout état de cause, il convient de rappeler que le développement réussi des arts visuels (en Irlande ou ailleurs), bien que lié à la prospérité financière, en est rarement défini. La dynastie des Médicis a peut-être financé la Renaissance italienne à Florence, mais leur argent aurait été inutile sans les talents autochtones de Brunelleschi , Donatello , Masaccio et autres. Ainsi, l’avenir de l’art irlandais est, comme toujours, entre les mains de ses artistes, de ses professeurs et de ses élèves. Vont-ils réussir à créer des œuvres d’art pertinentes qui intéressent le grand public? Pourront-ils maintenir (et améliorer éventuellement) les grandes traditions de la peinture et de la sculpture occidentales? Seul le temps nous le dira.

Une chose est sûre. Si les écoles d’art irlandaises attachent trop d’importance à la "créativité" subjective – et les récentes expositions de diplômés ne sont pas rassurantes à cet égard – nous risquons de perdre la base de compétences nécessaire pour créer des œuvres d’art durables. L’art éphémère (qui attache moins de valeur au produit fini que l’idée qui le sous-tend) peut être une mode à la mode dans les milieux artistiques et peut même toucher un public séduit par des émissions télévisées telles que "Big Brother", mais il n’a aucune valeur durable. Après tout, les cultures et les civilisations ne sont pas jugées par les idées brillantes qu’elles ont pu avoir, mais par ce qu’elles laissent derrière elles.