Tout ce qu’il faut savoir sur le romantisme

À la fin du XVIIIe siècle, les artistes commencent à rejeter les idées des Lumières, qui plaçaient la raison avant tout. Ils voulaient prendre en compte l’émotion et l’individualité, ainsi que la liberté artistique. C’est ainsi qu’est apparu le romantisme dans le monde de l’art . Aujourd’hui, nous vous rappellerons les noms d’Eugène Delacroix, JM Turner et Francisco de Goya. Mais qu’est-ce qui fait d’eux des artistes romantiques? Cet article explique les principaux aspects de ce mouvement, en s’intéressant à ses plus grands représentants et œuvres d’art.

Rejet des Lumières et du néoclassicisme

L’année 1789 marque un tournant dans l’histoire européenne : le peuple français fait une révolution pour renverser l’ancien régime, en tenant compte des idées des Lumières. À cette époque, la raison, l’ordre et la pensée critique semblaient être la voie idéale vers la réalisation de soi. Ironiquement, les violences infligées par les révolutionnaires ont alarmé nombre de leurs partisans : force est de constater que la raison n’a pas prévalu lors de ces massacres. Dans le même temps, les artistes ont commencé à rejeter le canon néoclassique établi imposé par les académies d’art. L’aspiration au monde classique ne s’adaptait pas à cette ère nouvelle ; les artistes s’efforçaient d’avoir leurs propres styles et thèmes. Ils ont mis l’accent sur l’émotion, l’individualité, l’irrationalité et l’imagination.

Le romantisme dans toutes les formes d’art

Le romantisme trouve son origine dans la littérature allemande. L’œuvre la plus représentative est Les Souffrances du jeune Werther de Goethe , écrite en 1774. Cette histoire d’un artiste confronté à un amour non partagé, qui finit par se suicider, a tellement captivé le public que des imitateurs de suicide ont émergé. Bien que le roman ait été fortement critiqué, l’idée de l’artiste en tant que génie de longue date et expression excessive d’émotion est devenue incroyablement populaire. Dans les arts visuels, on peut commencer par les travaux de William Blake (1757-1827). Pour lui, la science ne suffisait pas à voir la vérité car elle était «sans âme».

Le poète et artiste a exprimé ses idées dans le tableau «Newton», où le scientifique est assis, concentré sur un parchemin et une boussole, ignorant complètement le monde qui l’entoure. Blake est souvent considéré comme le père du romantisme.

Les idées d’individualité et de liberté artistique ont conduit à une variété de styles dans le romantisme. Pour cette raison, il est difficile d’identifier des qualités formelles spécifiques. On peut néanmoins identifier des thématiques spécifiques qui ont attiré ces artistes.

C’est arrivé dans un rêve

En général, le tableau "Cauchemar" de Heinrich Fuseli (1741-1825) est considéré comme le premier tableau romantique. Son thème – les rêves – allait à l’encontre de la pensée rationnelle des Lumières. Naturellement, l’intrigue érotique et sombre a suscité de vives critiques.

En Espagne, Francisco de Goya (1746-1828) réalise une série de gravures sur les rêves. En 1799, il réalise le tableau «Le sommeil de la raison crée des monstres». C’est aussi une représentation du génie artistique torturé auquel s’adressait le romantisme.

Nature sublime

Pendant des siècles, les paysages ne sont restés qu’une partie du tableau : toile de fond d’une bataille historique ou décor d’un mythe. Mais le romantisme l’a amené à un nouveau niveau. Il s’agissait en partie d’une rébellion contre les règles dictées par les académies d’art, qui considéraient le genre comme moins important et indigne d’éloges.

Le romantisme a apporté l’idée du sublime. Des philosophes comme Edmund Burke et Immanuel Kant ont beaucoup écrit à ce sujet . Le sublime fait référence à quelque chose qui est plus grand que lui-même, quelque chose d’incontrôlable qui rend l’existence d’une personne insignifiante. C’est quelque chose qui ne peut être observé qu’avec crainte et horreur. C’est la nature. Le meilleur exemple en est peut-être le travail de JMW Turner. Prenons cette photo. On voit à peine le navire, qui est encerclé par une forte tempête. Cette idée était très différente de la croyance précédente selon laquelle l’homme pouvait contrôler la nature. De plus, dans cette partie de sa carrière, Turner s’oriente vers une abstraction complète .

Caspar David Friedrich (1774-1840) a également représenté la sublimité de la nature, mais pas de manière aussi brutale. Le tableau « Wanderer Above the Sea of Fog » représente un homme contemplant le paysage devant lui. Malgré sa position, il ne démontre aucune supériorité ou domination sur la nature, mais éprouve un sentiment de respect envers elle.

la nature sauvage

Un autre aspect de la nature qui intéressait les artistes de l’époque romantique était les animaux ; plus c’est sauvage, mieux c’est. Les chevaux, les tigres et les léopards figuraient parmi les thèmes les plus appréciés en raison de leur explosion d’instincts bruts et de leur manque de rationalité.

Nature paisible

John Constable (1776-1837) a consacré sa carrière à montrer l’autre face de la nature : celle paisible et calme. Il a pratiqué la peinture en plein air dans sa campagne britannique bien-aimée. Si vous regardez l’image ci-dessous, cette nature n’est pas idéalisée. Il ne présente pas non plus de figures classiques, comme dans les œuvres de Claude Lorrain ou de Nicolas Poussin. Les peintures de Constable représentent des gens ordinaires dans leurs activités quotidiennes. Malheureusement, ses peintures n’ont pas été reconnues par la critique. Il ne fut autorisé à devenir membre de la Royal Academy qu’en 1829, alors qu’il avait 52 ans. Néanmoins, les Français apprécient grandement son travail, ce qui lui permet d’exposer au Salon de Paris.

Nature spirituelle

Caspar David Friedrich était un protestant dévoué qui apportait un élément spirituel et religieux à ses paysages romantiques. Il suffit de regarder sa «Croix dans les montagnes» de 1808. Cette œuvre était à l’origine exposée dans la chapelle de Tetschen, dans l’actuelle République tchèque . Il ne s’agit pas d’un retable typique, car le paysage occupe la majeure partie de l’espace et la croix est visible de loin. Cela peut paraître inhabituel, mais Dieu est toujours là, dans la nature. Sans surprise, le film a été critiqué négativement pour avoir rompu avec la tradition.

Nostalgie

La nostalgie était présente dans de nombreuses œuvres de l’époque romantique. Les artistes et les architectes portèrent un intérêt particulier au Moyen Âge . En fait, le nom du mouvement vient des romans médiévaux. Cette nouvelle mode architecturale a vu une renaissance du style gothique dans des bâtiments tels que le Palais de Westminster à Londres.

À cette époque, la révolution industrielle battait son plein en Europe et tout était en train de changer. Sur la base de ces changements, Turner a peint son célèbre tableau «Le cuirassé Temer amarré au dernier quai vaincu», 1838.

orientalisme

Les romantiques ont également démontré leur nostalgie du passé à travers les œuvres des orientalistes . Alors que les Européens colonisaient le reste du monde, les artistes et les écrivains ont laissé libre cours à leur imagination et ont créé des représentations irréalistes des modes de vie africains et moyen-orientaux. Par exemple, La Mort de Sardanapale d’Eugène Delacroix s’inspire de la pièce Sardanapale de Lord Byron.

Il est important de savoir que ces travaux ont contribué à justifier la colonisation de ces régions. Il fallait montrer ces gens comme s’ils étaient coincés dans le passé ; ils étaient également censés présenter leurs sociétés en ruines, au sens figuré comme au sens littéral. Beaucoup de ces œuvres représentent des bâtiments en mauvais état. Même sur la photo ci-dessus, nous pouvons voir des ruines en arrière-plan. Regardez maintenant la photo suivante. Tout semble être en ordre, mais il y a des fissures sur le mur et une partie de la peinture est tombée, ce qui donne au tableau un aspect vieux et négligé.

Nationalisme

Mais le romantisme ne s’est pas seulement tourné vers l’extérieur. Le XIXe siècle était une époque de nationalisme et l’art romantique était idéal pour cela. Pour mettre en valeur l’histoire de leur pays, les artistes se sont tournés vers des moments historiques. Par exemple, Goya a créé son tableau «Le 3 mai» en 1808 pour commémorer la résistance de l’Espagne à l’invasion napoléonienne. Ce tableau a longtemps été discuté et noté que la figure centrale ressemble à la Crucifixion . C’était précisément le type de symbolisme qui inspirait le patriotisme.

Les artistes romantiques américains de l’Hudson School utilisaient les paysages pour montrer la beauté naturelle de leur pays. Ils ont créé des compositions saisissantes à l’ambiance nostalgique et pittoresque. Il suffit de regarder le tableau d’Albert Bierstadt. La manière dont les lumières éclairent la scène semble presque religieuse. La nature apparaît calme et majestueuse.

Portrait romantique

La recherche de l’individualité ne se limite pas au style pictural de l’artiste . Le portrait est devenu un moyen d’exprimer l’état psychologique de la personne représentée. Un exemple en est une série de portraits de Théodore Géricault (1791-1824), consacrés aux habitants des refuges.

Justice sociale

Les artistes français ont développé la peinture historique dans de nouvelles directions. En plus des sujets mythologiques et bibliques habituels, ils ont voulu dépeindre les événements récents, notamment ceux qui révèlent des actes d’injustice. En 1819, Géricault choque le Salon de Paris avec son «Radeau de la Méduse». Un groupe de survivants d’un naufrage, en raison de la négligence du capitaine, s’accroche à la vie, tandis que le capitaine et les officiers supérieurs ont abandonné 147 personnes de rang inférieur sur le radeau. Géricault a décidé de représenter le moment où ils voient un bateau qui peut les sauver. À cette époque, seule une poignée de personnes étaient encore en vie. La plupart d’entre eux sont morts de faim, certains ont été jetés par-dessus bord pour perdre du poids. Pour survivre, ils ont même dû se livrer au cannibalisme. La tragédie est devenue un scandale en France, alors les gens ont reconnu l’intrigue du tableau de Géricault.

Révolution

Delacroix est un autre artiste français qui a utilisé ses toiles à des fins sociopolitiques. Nous parlerons bien sûr de sa célèbre «La Liberté guidant le peuple» de 1830. Nous voyons ici la figure féminine comme une allégorie de la liberté, faisant référence à la peinture historique traditionnelle. Le tableau rappelle le récent soulèvement contre le roi Charles X.

D’autres tableaux de Delacroix illustrent la guerre d’indépendance grecque contre l’Empire ottoman. A gauche, le «Massacre de Chios», témoignage de l’oppression ottomane. À droite, une allégorie de la Grèce debout dans les ruines de Missolonghi après le siège ottoman.

L’héritage du romantisme

Les idées de liberté artistique ne signifiaient pas un rejet total des institutions artistiques. Les exemples donnés dans cet article montrent que les artistes ont conservé des idées sur la proportion, la perspective, le dessin académique et l’anatomie. De plus, nombre d’entre eux recherchaient toujours l’approbation institutionnelle. Turner a enseigné à la Royal Academy au début de sa carrière et Constable s’est battu pour en devenir membre pendant des années. Delacroix et Géricault exposent leurs tableaux au Salon. Cependant, le romantisme a finalement inspiré une génération ultérieure qui a rompu avec l’Académie : les impressionnistes . La gestion de la lumière par Turner n’en est qu’un exemple. Un autre exemple pourrait être son intérêt pour une invention moderne : le train.