Mouvements de l’art moderne (1870-1970) Automatique traduire

«L’art moderne» est un terme général qui désigne l’art créé entre 1870 et 1970. Certains historiens préfèrent limiter «l’art moderne» au 20e siècle, mais il est plus courant de prendre l’impressionnisme comme point de départ, et les années 1960 sont généralement considérées comme la transition entre «l’art moderne» et son successeur «l’art postmoderne».

«L’art moderne» a été le témoin de nombreux grands mouvements artistiques internationaux et a également donné naissance à des formes d’expression créative entièrement nouvelles, notamment : l’architecture des gratte-ciel (années 1880) ; la chromolithographie l’art de l’affiche (années 1880 et 90) ; l’art de l’animation (à partir du premier film d’animation en 1906) ; le collage (à partir de 1912) ; l’art de la performance (à partir de Dada) ; les assemblages (à partir de 1953) ; le land art (années 1960). Il a également poussé certaines formes vers de nouveaux sommets, par exemple : la caricature et la photographie. La dernière phase «de la période moderne» a vu l’émergence de plusieurs types d’art d’avant-garde, dont l’art conceptuel (dont Robert Rauschenberg a été le pionnier dans les années 1950) et l’art vidéo (dont Wolf Wostell et Andy Warhol ont été les pionniers à la fin des années 1950 et dans les années 1960), Cependant, comme ces formes sont plus étroitement liées à l’art actuel, nous les considérons dans notre article sur les mouvements d’art contemporain (à partir de 1970).

Pour un bref aperçu des principaux styles et écoles, voir : Mouvements, périodes et écoles artistiques .

Mouvement impressionniste (années 1870-1880)

Nommé par l’historien de l’art français Louis Leroy d’après le tableau de Monet Impression : soleil levant (1873), l’impressionnisme était un style spontané de peinture de paysage en plein air dont l’objectif était la représentation précise de la lumière. La peinture en plein air de Monet, Sisley, Renoir et Camille Pissarro illustre ce style, bien que d’autres artistes aient appartenu au groupe impressionniste, notamment Edgar Degas, Paul Cézanne, Frédéric Bazille, Gustave Caillebotte et Mary Cassatt, l’une des figures de proue du mouvement impressionniste américain (vers 1880-1900). Le mouvement a été introduit en Grande-Bretagne par Whistler, ses élèves Sickert et Steer, et a été promu par le New England Art Club. Après avoir produit certains des plus grands tableaux modernes du 19ème siècle, l’impressionnisme a été remplacé par le néo-impressionnisme de Seurat et le post-impressionnisme de Cézanne.

Néo-impressionnisme (années 1880)

Terme donné par le critique d’art français Félix Fénéon (1861-1944) aux œuvres de Georges Seurat, Paul Signac et de leurs disciples tels que Camille et Lucien Pissarro. Le style est basé sur une technique de peinture optique appelée pointillisme (une ramification du divisionnisme). Au lieu de mélanger les couleurs avant de les appliquer sur la toile, les couleurs primaires étaient appliquées directement sur le tableau - par groupes de petites touches ou de points - afin que l’œil du spectateur puisse se mélanger «lui-même». Ce style a ensuite influencé le fauvisme. Pour plus d’informations, voir : Néo-impressionnisme . Pour le développement du style en Italie sous la direction de Vittore Grubici, voir : Divisionnisme italien (1890-1907).

École de Newlyn (fl.1884-1914)

Dirigée par Stanhope Forbes, Frank Brumley et Norman Garstin , la Newlyn School s’inspire de la tradition de la peinture naturaliste en plein air de l’école française de Barbizon et cherche à reproduire les réalités de la vie rurale.

Moderne (1890-1914)

Dérivé d’un magasin parisien appelé «Maison de l’Art Nouveau» appartenant au collectionneur d’avant-garde Siegfried Bing (1838-1905), le style Art Nouveau trouve son origine dans le Mouvement Arts and Crafts en Grande-Bretagne (notamment les créations de William Morris) - il est le fruit d’un travail de longue haleine et d’une longue expérience, William Morris) - il est également influencé par les motifs celtiques et japonais - et a été popularisé lors de l’Exposition universelle de 1900 à Paris, avant de se répandre dans toute l’Europe et aux États-Unis. Style hautement décoratif de l’art du design (appelé Jugendstil en Allemagne, Sezessionstil en Autriche, Stile Liberty en Italie, Modernista en Espagne), l’Art nouveau se caractérise par des motifs complexes et fluides de lignes sinueuses et asymétriques basées sur des formes végétales.

Les motifs de feuilles et de vrilles sont populaires dans l’Art nouveau, tout comme les silhouettes et les formes féminines. Le style se manifeste dans la décoration d’intérieur, la métallurgie, la verrerie, la joaillerie, la conception d’affiches et d’illustrations, ainsi que dans la peinture, la sculpture et l’art de l’affiche. Les peintures et illustrations de Gustav Klimt, premier président de la Sécession viennoise, les affiches d’Alphonse Mucha (1860-1939), d’Arthur Rackham et d’Aubrey Beardsley, ainsi que les motifs architecturaux serpentins de Victor Horta du groupe d’artistes bruxellois Les Vingt, en sont des exemples. Il a également exercé une forte influence sur la Sécession de Munich (1892) et la Sécession de Berlin (1898) en Allemagne. Le Art déco lui a succédé.

Art symboliste (fin du 19e siècle)

Inspiré par la mythologie et caractérisé par une sensibilité mystique et sublime au contenu parfois érotique, le symbolisme était une amélioration de la tradition romantique. Ses pionniers furent Caspar David Friedrich et Heinrich Fuseli, et ses représentants contemporains furent Gustave Moreau, le muraliste Puvis de Chavannes et Odilon Redon. Il a influencé le mouvement moderniste et «Nabi», ainsi que les expressionnistes Edvard Munch et Franz von Stuck.

Post-impressionnisme (années 1880, années 1890)

Le post-impressionnisme est un terme générique qui englobe les nombreux groupes et styles de la peinture post-impressionniste, illustrés par les œuvres d’artistes tels que Paul Gauguin, Paul Cézanne, Vincent van Gogh, Henri de Toulouse-Lautrec et Henri Rousseau. Cézanne a suivi une approche classique stricte de la peinture en plein air ; Gauguin a utilisé des couleurs saturées mais a préféré peindre en studio à l’intérieur ; Van Gogh a peint en plein air mais plus pour exprimer ses émotions intérieures que pour capturer la nature ; et Toulouse-Lautrec s’est spécialisé dans les scènes de genre à l’intérieur.

Dans la lignée du synthétisme (développé par Gauguin) et du cloisonnisme (inventé par Emile Bernard et Louis Anquetin) est né un groupe artistique du début du siècle appelé Les Nabis, composé de jeunes artistes attirés par le contenu décoratif et spirituel de la peinture. Le chef de file Paul Sérusier (1864-1927) et le principal théoricien du groupe Maurice Denis (1870-1943) ont été rejoints par Pierre Bonnard (1867-1947), Paul Ranson (1862-1909), Ker-Xavier Roussel (1867-1944), Henri Ibels (1867-1936) et Edouard Vuillard (1868-1940). Du «nabi» est né un autre style de peinture post-impressionniste connu sous le nom d’intimisme, illustré par les scènes de genre domestiques calmes d’Édouard Vuillard, de son ami proche Pierre Bonnard et de Gwen John. Des artistes scandinaves comme Hammershøj et P. S. Kroyer l’ont également compris. En Grande-Bretagne, le post-impressionnisme est porté par le groupe Camden Town, fondé en 1911 par Walter Richard Sickert, qui se fait connaître par ses nus et ses intérieurs.

Les Fauves (1905-1908)

Influencé par Paul Gauguin, le fauvisme est un mouvement important dans l’histoire de la peinture expressionniste, qui prône les couleurs vives et les coups de pinceau sauvages - d’où leur surnom Les Fauves («Wild Beasts») donné par le critique Louis Vossel après leur première exposition au Salon d’Auto à Paris en 1905. Parmi les peintres fauves, on trouve Henri Matisse, André Derain, Maurice de Vlaminck, Albert Marquet et Georges Braque. En Grande-Bretagne, le fauvisme était pratiqué par un groupe d’artistes écossais connus sous le nom de Scottish Colourists . Parmi eux, J. D. Fergusson, Samuel John Peplow, Francis Cadell et Leslie Hunter. Pour plus de détails, voir Fauvisme .

Mouvement expressionniste (à partir de 1905)

Personnifié par Vincent van Gogh, dont le coup de pinceau frénétique et les couleurs intenses reflétaient davantage son état intérieur que les scènes qu’il peignait, l’expressionnisme est un style dont le but est de dépeindre une interprétation d’une scène plutôt que d’en reproduire simplement les caractéristiques réelles. L’un des premiers exemples de ce style est l’expressionnisme allemand, qui s’est développé à Munich et dans ses environs avec le tableau Der Blaue Reiter («Le cavalier bleu»), et à Dresde avec Die Brucke («Le pont»).

Le mouvement s’est ensuite répandu dans le monde entier, engendrant ses propres variétés - dont l’expressionnisme abstrait - en Amérique dans les années 1940 et 1950. Influencé par le romantisme, le symbolisme, le post-impressionnisme, le fauvisme et le cubisme, le mouvement expressionniste a embrassé tous les genres, y compris le paysage, le portrait, la peinture de genre et la nature morte. Parmi les peintres expressionnistes notables, citons Wassily Kandinsky, Franz Marc, Edward Munch, Modigliani, Egon Schiele, Oskar Kokoschka, Otto Dix, ainsi que Pablo Picasso et Francis Bacon.Pour des œuvres spécifiques, voir : Peinture expressionniste (1880-1950).

Le pont (Die Brucke) (1905-13)

«Le Pont» est un groupe expressionniste allemand fondé à Dresde en 1905. Il combine des éléments de l’art allemand traditionnel avec des styles africain, post-impressionniste et fauve. Ses principaux membres étaient Ernst Ludwig Kirchner, Karl Schmidt-Rottluff, Fritz Bleul, Erich Geckel et Emil Nolde. Il n’a pas duré longtemps, mais a été influent.

Le Cavalier bleu (Der Blaue Reiter) (1911-14)

Fondé à Munich, le groupe «Cavalier bleu» comprend Wassily Kandinsky, Franz Marc, Alexei von Jawlensky, August Mack, Gabriele Münter et Paul Klee. Il s’agit d’une association souple plutôt que d’un groupe soudé, qui doit son nom à la peinture que Kandinsky a utilisée pour la couverture de l’Almanach ou du Manifeste de 1912. Les activités du groupe ont été interrompues par la Première Guerre mondiale, au cours de laquelle Macke et Marc sont morts.

École Ashcan, New York (active de 1900 à 15)

La soi-disant école Ashcan consistait en un groupe progressiste d’artistes et d’illustrateurs américains du début du XXe siècle (parfois appelés les réalistes new-yorkais) qui dépeignaient la réalité urbaine de la vie new-yorkaise dans un style sinistre, spontané et sans fioritures. Le mouvement Ashan comprenait Arthur B. Davis, William Glackens, Robert Henri, George Loucks, Everett Shinn et John Sloan. Parmi les autres artistes dont le travail est considéré comme représentatif de l’école Ashan, on peut citer : George Wesley Bellows, Guy Pan Du Bois, le célèbre Edward Hopper et Alfred Maurer.

L’art du cubisme (Europe, 1908-1914)

Le cubisme a été inventé et formulé entre 1908 et 1912 dans le cadre d’une collaboration entre Georges Braque et Pablo Picasso, fortement influencés par les paysages quadrillés de Paul Cézanne et (dans le cas de Picasso) par l’imagerie africaine : voir ses étonnantes «Demoiselles d’Avignon»).

En partie une réaction contre les belles images de l’impressionnisme, un style qui ne présentait aucun intérêt intellectuel pour Picasso, le cubisme a recentré l’attention sur la nature bidimensionnelle essentielle de la toile plate, bouleversant ainsi les systèmes traditionnels de perspective et les modes de perception de la forme.

Le mouvement s’est développé en trois étapes : le proto-cubisme (le premier stade de Picasso et Braque contenant des cubes singuliers «», qui peuvent être vus) ; le cubisme analytique, un style rigoureux qui décompose les images tridimensionnelles en une série de plans qui se croisent ; enfin, le cubisme synthétique, un style plus léger et plus coloré qui «construit» des images, parfois en utilisant différents «matériaux trouvés».

Le cubisme tardif de Picasso, un idiome plus représentatif que ses styles cubistes antérieurs, est illustré dans des œuvres telles que Femme en pleurs (1937, Tate Collection), et Guernica (1937, Reina Sofia, Madrid). Parmi les autres artistes cubistes importants, citons Juan Gris et Fernand Léger.

Bien que le mouvement ait été relativement éphémère, il a révolutionné la peinture du XXe siècle et lancé une nouvelle tradition d’art abstrait. Le cubisme a bénéficié d’un soutien promotionnel considérable de la part de son porte-parole, le marchand d’art d’origine allemande Daniel-Heinrich Kahnweiler (1884-1979). Pour un important groupe cubiste dissident, voir : Secteur d’Or, une ramification du groupe parisien Pouteau.

Cubisme orphique (Orphisme) (1914-15)

Mouvement parisien d’art abstrait, plus communément appelé Orphisme, dont le style se caractérise par une peinture libre avec des taches de couleurs arc-en-ciel. Le nom (Orphée était un poète et musicien mythologique de la Grèce antique) a été inventé par l’historien de l’art français Guillaume Apollinaire pour décrire l’effet «musical» des peintures abstraites du cubiste Robert Delaunay (qui consistait en des plans superposés de couleurs contrastées ou complémentaires) afin de les distinguer du cubisme dans son ensemble. Delaunay lui-même utilisait le terme simultanéisme pour caractériser ses œuvres.

Un autre représentant de l’orphisme est l’artiste franco-tchèque et anarchiste Frank Kupka, l’un des premiers à créer un véritable art abstrait caractérisé par des blocs de couleurs géométriques solides. Ce style est très proche du Synchromisme, une méthode de peinture proposée à Paris en 1913 par deux artistes américains, Morgan Russell (1886-1953) et Stanton MacDonald-Wright (1890-1973).

Photographie

La photographie devient de plus en plus importante à mesure que l’époque progresse. En Amérique, cela est dû en grande partie au travail influent d’Alfred Stieglitz, qui a fondé la Sécession photographique dans sa galerie «291» à New York. Edward Steichen fut un autre pionnier. Tous deux sont connus pour leur pictorialisme (1885-1915). D’autres genres photographiques ont été développés au cours de l’ère de l’art moderne : la photographie de rue (de 1900 à nos jours), illustrée par le travail d’Henri Cartier-Bresson ; la photographie documentaire, comme dans la série de photographies d’action-peinture de Jackson Pollock de Hans Namuth ; la photographie de mode (à partir de 1880), illustrée par les images de Man Ray, Richard Avedon, Cecil Beaton, Norman Parkinson, et Irving Penn.

Collage (à partir de 1912)

Également connu sous le nom de papier collé ou découpage, l’art du collage a été introduit pour la première fois par Georges Braque en 1912 lorsqu’il a attaché trois morceaux de papier peint à son dessin cubiste synthétique «Coupe de fruits et verre». Le collage implique l’utilisation d’objets tels que des morceaux de papier, des photographies, des coupures de journaux, du tissu et d’autres «objets trouvés», même des objets tridimensionnels, qui sont attachés à la toile pour créer un effet de média mixte. Parmi les autres artistes connus pour leur travail sur la technique du collage, citons Picasso, Alexander Rodchenko et l’extraordinaire solitaire Kurt Schwitters, connu pour ses collages à petite échelle Merzbilder . La technique du collage a fortement influencé les formes ultérieures d’assemblage.

Futurisme (1909-1914)

Lancé en 1909 par le poète italien Filippo Tommaso Marinetti dans un manifeste publié en première page du journal parisien Le Figaro, le futurisme rejette tout art traditionnel, célébrant au contraire le monde moderne de l’industrie avec des œuvres combinant des éléments du néo-impressionnisme et du cubisme. Parmi les principaux membres, on trouve également Umberto Boccioni, Giacomo Balla, Carlo Carra et Gino Severini.

Lucisme (v. 1912-14)

Le luchisme est un mouvement artistique russe d’avant-garde dans le style du quasi-cubisme, dirigé par Mikhaïl Larionov et sa compagne Natalia Gontcharova, qui s’installent ensuite à Paris. Le sujet du luchisme était le paysage abstrait, composé de lumière ou de rayons de lumière représentés dans des motifs de formes linéaires.

Le suprématisme (v. 1913-1918)

Fondé sur les idéaux utopiques du nihiliste Kazimir Malevitch (1878-1935), le suprématisme exprime une confiance illimitée dans la capacité des ingénieurs à créer un nouveau monde soviétique. La première exposition suprématiste se tient à Saint-Pétersbourg en décembre 1915 et présente trente-cinq œuvres abstraites de Malevitch, dont son célèbre «Carré noir», accroché comme une icône au coin d’une rue, ainsi que de nombreux autres rectangles, triangles et cercles, souvent de couleurs vives.

L’exposition fait ensuite le tour de Moscou et de Vitebsk. En 1918, Malevitch est nommé membre du Commissariat à l’éducation et enseigne à l’Académie d’art de Vitebsk, fondée par Mark Chagall. Le suprématisme est un mouvement artistique clé en Russie, étroitement associé à la révolution. Parmi les autres artistes suprématistes célèbres, citons Lazar Lissitzky, Ivan Vasilievich Klun et László Moholy-Nagy. Désillusionné par la suite, il s’est mis à peindre des tableaux réalistes dès 1935.

Le constructivisme (c. 1919-32)

Le constructivisme est un mouvement russe austère mais important d’art abstrait et de design fondé par Vladimir Tatlin (1885-1953), rejoint ensuite par Alexandre Rodchenko (1891-1956) et les frères Antoine Pevzner (1886-1962) et Naum Gabo (1890-1977). Intéressés par l’abstraction, l’espace, les nouveaux matériaux et les formes tridimensionnelles, les artistes constructivistes ont développé un art architectural dans une tentative directe de refléter le monde industriel moderne.

Vladimir Tatlin lui-même a été fortement influencé par les constructions tridimensionnelles de Picasso, dont il a pu voir certaines dans l’atelier parisien de Picasso en 1913. En 1923, le mouvement expose ses idées dans un manifeste, exprimant l’opinion que les artistes doivent se concentrer sur l’organisation des matériaux et la construction d’œuvres comme s’ils fabriquaient une voiture.

Supprimées par la suite par Staline, les idées du constructivisme ont atteint l’Occident par l’intermédiaire de Naum Gabo et d’Antoine Pevzner et ont fortement influencé des sculpteurs contemporains tels que Barbara Hepworth et Ben Nicholson. En Grande-Bretagne, vers 1950, le mouvement a été réinterprété en tant que constructivisme, dans les peintures géométriques de Victor Pasmore et d’autres.

Vorticisme (vers 1914-15)

Analogue britannique du futurisme italien, le vorticisme est un mouvement artistique d’avant-garde influencé par le cubisme et le futurisme, fondé à Londres par le peintre, illustrateur et artiste de guerre Percy Wyndham Lewis (1882-1957). La seule exposition vorticiste s’est tenue à Londres en 1915. Prétendant créer «une nouvelle abstraction vivante», les œuvres des vorticistes combinent la fragmentation cubiste avec une iconographie rigide reflétant la technologie et l’environnement urbain.

Le groupe comprenait également Cuthbert Hamilton, William Roberts, Lawrence Atkinson, Jessica Dismorr, Helen Saunders, Edward Wadsworth, et les sculpteurs Jacob Epstein et Henri Gaudier-Brzeska. Après l’exposition, le groupe se dissout, bien que Wyndham Lewis tente de raviver brièvement ses idées en formant le Groupe X en 1920 «».

Dada (Europe, 1916-1924)

Fondé à Zurich pendant la Première Guerre mondiale, Dada est le premier des mouvements anti-art modernes dont les membres, indignés par le carnage de la guerre de 1914, se consacrent à un style artistique qui vise à remettre délibérément en question toutes les valeurs traditionnelles d’une société qui peut autoriser une telle barbarie.

Les dadaïstes utilisaient des tactiques de choc et l’absurdité pour créer des œuvres d’art et des «performances» complètement irrationnelles ou absurdes, y compris des sculptures et les premières installations, qu’ils créaient souvent à l’aide de divers objets trouvés ) found objects), dont une sous-catégorie était les «readymades «de Marcel Duchamp.

Dada s’est développé en un mouvement international, et ses thèmes ont fini par devenir une partie importante du surréalisme à Paris après la guerre. Les principaux membres de Dada étaient Jean Arp, Marcel Duchamp, Francis Picabia, Man Ray, John Hartfield et Schwitters. Dada a inspiré de nombreux styles et groupes ultérieurs, notamment Fluxus, Néo-Dada, le Nouveau Réalisme et le Pop Art.

De Stijl (1917-31)

De Stijl (mot néerlandais «style») - nom d’un groupe d’artistes (et du magazine d’art, de design et d’esthétique qu’ils publiaient, qui fut l’un des magazines d’avant-garde les plus influents des années 1920). Fondé aux Pays-Bas pendant la Première Guerre mondiale par Theo van Doesburg, le vieux Piet Mondrian, l’architecte Gerrit Rietveld et Bart van der Lek, il prône un art abstrait de type géométrique (Van Doesburg l’appellera plus tard l’art concret) basé sur des lois universelles d’harmonie qui s’appliqueraient aussi bien à la vie qu’à l’art. La plus grande influence de ce mouvement s’est exercée sur l’architecture.

Bien que Piet Mondrian se soit séparé du groupe en 1923, il est resté fidèle à ses thèmes jusqu’à la fin de sa vie, devenant ainsi l’un des peintres abstraits les plus célèbres. En comparaison, Van Doesburg, plus agité, abandonne en 1924 l’un des principes fondamentaux de De Stijl, remplaçant les diagonales par des verticales et des horizontales, à la recherche d’un plus grand dynamisme.

Néoplasticisme (1918-26)

Terme utilisé pour décrire un style de peinture inventé par Piet Mondrian. Dérivé des mots néerlandais «Nieuwe Beelding», que Mondrian a utilisés dans ses articles de la revue De Stijl (1917-19) et dans son livre «Neo-Plasticisme» de 1921 pour décrire son propre type d’art abstrait. Il s’agit essentiellement de «Néo-Plasticisme», puisque la sculpture et certains types de peinture sont considérés comme des «arts plastiques». Cependant, la version allemande «Neue Gestaltung» (nouvelle création de formes) traduit le mieux le sens des mots de Mondrian. Il utilise ce titre pour promouvoir «la nouvelle formation de formes» au sens large, ainsi que ses propres idées et images.

Dans son long essai «Le néoplasticisme dans l’art pictural», Mondrian écrit : "La nouvelle idée plastique doit trouver son expression dans l’abstraction de la forme et de la couleur, c’est-à-dire dans une ligne droite et une couleur primaire clairement définie". Ainsi, dans un sens , le néoplasticisme était une forme idéale de peinture qui n’utilisait que des couleurs, des lignes et des formes pures. En plus de n’insister que sur les couleurs (ou non-couleurs) primaires, il prône exclusivement le carré, le rectangle et les lignes droites horizontales ou verticales. Malgré son désaccord avec Van Doesburg sur le début de l’élémentarisme , en 1924, les théories de Mondrian ont eu une influence énorme sur la peinture ultérieure, et il est aujourd’hui considéré comme l’un des plus grands artistes modernes.

Mouvement parisien à la mode des années 1920, fondé par Edouard Jeanneret (plus connu sous le nom de Le Corbusier) et Amedy Ozenfant, sur la base des théories exposées dans leur livre de 1918 Après le Cubisme. En désaccord avec la fragmentation du cubisme, ils ont produit un art figuratif (principalement des natures mortes) dont les formes de base sont dépourvues de détails et ostensiblement pures en termes de couleur, de forme et de conception. D’autres artistes vaguement associés à ce mouvement, qui a atteint son apogée lors de l’Exposition internationale des arts décoratifs et industriels à Paris en 1925, sont Fernand Léger, Juan Gris et le sculpteur russo-lituanien Jacques Lipchitz.

Précision (cubisme-réalisme) (début des années 1920)

Influence importante sur la peinture moderne aux États-Unis, le Précisionnisme est un mouvement américain (aussi appelé Réalisme cubiste) centré sur l’industrie moderne et les paysages urbains, caractérisé par des représentations réalistes des objets, mais d’une manière qui mettait aussi l’accent sur leur forme géométrique.

Style idéalisé, presque romantique, il a été illustré par les œuvres de Charles Demuth et de Charles Sheeler, tandis que les peintures urbaines de Georgia O’Keeffe appartiennent également au genre du précisionnisme. Voir aussi les photographies de Charles Sheeler de Ford Motor Works «River Rouge».

Mouvement surréaliste (à partir de 1924)

Enraciné dans la peinture métaphysique de Giorgio de Chirico (1888-1978), les idées picturales révolutionnaires du cubisme, l’art subversif de Dada et les idées de la psychanalyse de Sigmund Freud et Carl Jung, le surréalisme a été le mouvement artistique d’avant-garde le plus influent de l’entre-deux-guerres. Son but, selon son père fondateur, l’écrivain français André Breton - dans son Manifeste du surréalisme de 1924 - était de fusionner l’inconscient (la partie de l’esprit humain où sont stockés les souvenirs et les instincts) avec la conscience pour créer une nouvelle «super-réalité» - Surréalisme .

Vaste mouvement intellectuel, le surréalisme comprend une variété de styles allant de l’abstraction à l’expressionnisme en passant par le réalisme intégral, caractérisé par des images étranges, hallucinatoires ou fondamentalement «irréelles». Parmi les principaux artistes surréalistes figurent Salvador Dalí (1904-1989), Max Ernst (1891-1976), René Magritte (1898-1967), André Masson (1896-1987), Yves Tanguy (1900-1955), Joan Miró (1893-1983), Jean Arp (1886-1966) et Man Ray (1890-1976). Leur influence directe s’est manifestée en Allemagne dans le réalisme magique de Franz Roh, puis en Grande-Bretagne, où le surréalisme britannique a été fondé en 1936 par l’écrivain Herbert Read avec les artistes David Gascoyne, Paul Nash et Roland Penrose.

La première exposition surréaliste internationale s’est ouverte à Londres en 1936 et a suscité un vif intérêt, notamment en raison de la performance de l’auto-promoteur épathique Salvador Dalí à l’intérieur d’un scaphandre de haute mer. Le surréalisme a eu un impact considérable sur l’Europe, et peu d’artistes européens des années 1930 n’ont pas été touchés par le mouvement. Il continue d’exercer une influence considérable sur l’art, la littérature et le cinéma.

Art déco (c. 1925-40)

Style de décoration et d’architecture populaire et à la mode dans l’entre-deux-guerres (très apprécié des architectes de cinéma et d’hôtels), l’Art déco s’est également étendu au mobilier, à la céramique, aux tissus textiles, à la joaillerie et au verre. Présenté en 1925 lors de l’Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes qui s’est tenue à Paris, l’Art déco était essentiellement une réaction contre l’Art nouveau, remplaçant les formes curvilignes et fluides de ce dernier par des formes géométriques inspirées du cubisme et du précisionnisme.

Les exemples classiques du design Art déco sont le Chrysler Building et l’Empire State Building de New York. L’Art déco s’est également inspiré de l’architecture contemporaine du Bauhaus. Parmi les artistes notables associés à l’Art déco, citons la portraitiste séculaire russo-polonaise Tamara de Lempicka, le verrier René Lalique et le graphiste Adolphe Mouron.

École de Paris (École de Paris)

Pendant un demi-siècle (1890-1940), Paris est resté le centre de l’art mondial, culminant dans les œuvres éblouissantes de l’impressionnisme, du post-impressionnisme, du fauvisme, du cubisme, de Dada et du surréalisme. École de Paris - terme utilisé par les historiens de l’art pour désigner la communauté d’artistes, français et étrangers, travaillant dans la ville au cours de la première moitié du XXe siècle, plutôt qu’un style, une école ou un mouvement strictement défini.

Pour de nombreuses raisons, Paris était exceptionnellement attirante pour les artistes. Elle n’était pas soumise à la répression politique, elle abritait un certain nombre d’artistes influents du 20e siècle (par ex. Pablo Picasso, Georges Braque, Georges Rouault, Henri Matisse, Fernand Léger, Amedeo Modigliani, Piet Mondrian, Marc Chagall, Chaim Sutin, Mikhail Larionov, Wassily Kandinsky, Constantin Brancusi, et bien d’autres), ainsi qu’un monde de l’art florissant avec des galeries, des collectionneurs et des critiques qui soutenaient les artistes talentueux. Les deux chefs d’école ) chefs d’école) étaient Picasso et Matisse.

Neue Sachlichkeit (Allemagne, vers 1925-35)

Die Neue Sachlichkeit, terme allemand signifiant «Nouvelle Objectivité», est le nom donné à un groupe de peintres expressionnistes en Allemagne dans les années 1920, formé à partir de leur exposition Neue Sachlichkeit de 1925 à Mannheim. Il s’agit de la troisième phase du mouvement expressionniste en Allemagne, après Die Brucke («Le Pont») et Der Blaue Reiter («Le Cavalier bleu»). Otto Dix, Georg Grosz, Christian Schad et, dans une moindre mesure, Georg Schrimpf et Max Beckmann ont été les principaux contributeurs. Bien que le commissaire de l’exposition, G.F. Hartlaub, ait décrit les peintures du groupe «comme du nouveau réalisme à la sauce socialiste», le style était clairement expressionniste dans sa représentation satirique de la corruption et de la décadence dans l’Allemagne de Weimar d’après-guerre.

Réalisme magique (1925-40)

Malgré l’influence du surréalisme, le réalisme magique s’inscrit dans le courant «de retour à l’ordre» qui émerge en Europe après la Première Guerre mondiale, dans les années 1920. Le nom vient d’un livre de 1925 de l’historien et critique d’art allemand Franz Roch intitulé «Nach Expressionismus : Magischer Realismus «(Après l’expressionnisme : le réalisme magique). Le groupe comprenait Giorgio de Chirico, Alberto Savinio, Alexander Kanoldt et Adolf Ziegler.

Réalisme socialiste (1928-1980)

Le réalisme socialiste est une forme de propagande politique héroïque utilisée par le dictateur Joseph Staline en Russie à partir de 1929 pour soutenir son programme de développement industriel accéléré. Officiellement proclamé par son icône artistique, Maxime Gorki, lors du Congrès des écrivains soviétiques en 1934, ce style ou cette tendance impliquait la création d’images audacieusement optimistes pour prêcher les réalisations de l’État soviétique et inciter les travailleurs à accomplir des exploits stakhanovistes.

Le support le plus couramment utilisé par les artistes réalistes socialistes était l’affiche, bien que des peintures et des sculptures aient également été produites, généralement à une échelle monumentale, représentant des individus et des groupes de personnes intrépides dans des poses idéalistes et héroïques.

Réalisme socialiste (Amérique) (1930-45)

Catégorie générale décrivant les œuvres d’art qui se concentrent sur des sujets relativement discrets liés à la vie quotidienne, par opposition aux peintures «idéalistes» ou romantiques utilisées par les artistes avant le XIXe siècle. Elle englobe la peinture de paysage américaine et le régionalisme.

Le réalisme social se réfère aux artistes de l’époque de la Dépression, orientés vers le social, tels que Ben Shahn, Reginald Marsh, Moses Sawyer, Raphael Sawyer, William Gropper, Jack Levine, Jacob Lawrence et Isabel Bishop. Ils s’inspirent des traditions de l’ancienne école Ashcan de New York. Des photographes comme Dorothea Lange (1895-1965) et Walker Evans (1903-1975) ont également contribué au mouvement en réalisant des portraits de travailleurs immigrés à l’époque de la Grande Dépression.

Murales mexicaines (Muralisme) décrit une campagne nationale de peinture murale conçue par le secrétaire à l’éducation José Vasconcelos Calderón (1882-1959). Les artistes mexicains impliqués dans cette campagne comprenaient Diego Rivera, José Clemente Orozco et David Alfaro Siqueiros, ainsi qu’Alfredo Martínez (1871-1946), Roberto Nervo (1885-1968) et Amado de la Cueva (1891-1926), Ramón Alva de la Canal (1892-1985), Pedro Nel Gómez (1899-1984), Rufino Tamayo (1899-1991), Fermín Revueltas Sánchez (1901-1935), Federico Heraclio Cantu Garza (1907-1989), Jorge González Camarena (1908-1980), Alfredo Zalce Torres (1908-2003), entre autres.

La peinture de paysage américaine a été une sorte de réaction patriotique à l’art abstrait européen d’avant-garde. Les artistes se détournent de l’hypermodernisme européen et recherchent la vérité dans l’imagerie spécifiquement américaine. Le régionalisme est une variante du Midwest de la peinture de paysage américaine qui s’inspire des décors réalistes et nostalgiques de l’Amérique rurale et des petites villes.

Art dégénéré (Entartete Kunst) (1933-45, Allemagne)

Le terme «Entartete Kunst», introduit par Adolf Hitler pour signifier art dégénéré, exprime l’idée nazie selon laquelle tout art qui ne se conforme pas à l’idéal d’images figuratives bien exécutées représentant des actes héroïques ou une vie quotidienne confortable est le produit de personnes dégénérées. Il n’est pas surprenant que la plupart des œuvres d’art moderne aient été qualifiées de dégénérées, ce qui signifie que la plupart des artistes modernes en Allemagne (à partir de 1933) n’ont pas pu exposer ou vendre leurs œuvres.

En 1937, les nazis ont retiré toutes les œuvres modernes des musées d’art allemands. Quelques œuvres sont alors exposées à Munich pour démontrer leur caractère répugnant, mais le plan échoue et l’exposition attire des foules immenses. Voir aussi Art nazi (1933-45).

Néo-romantisme (1935-55)

Terme désignant les peintures de paysages britanniques intenses, poétiques, figuratives et semi-abstraites de Paul Nash, Graham Sutherland et d’autres artistes à la fin des années 1930, dans les années 1940 et 1950, qui donnaient une interprétation moderne aux œuvres romantiques et visionnaires de William Blake (XVIIIe siècle) et de Samuel Palmer (XIXe siècle). Les premières œuvres étaient généralement sombres, reflétant les angoisses liées à l’approche de la guerre. Parmi les autres néo-romantiques britanniques, citons Michael Ayrton, John Craxton, Ivon Hitchens, John Minton, John Piper, Keith Vaughan et les dessins d’Henry Moore réalisés pendant la guerre. Un groupe moins connu, parfois appelé les néo-romantiques, était composé des artistes parisiens Eugène Berman, Leonid Berman et Pavel Chelitchev : tous étaient connus pour leurs travaux pensifs et nostalgiques.

Art brut

L’art brut est une expression inventée par Jean Dubuffet (1901-1985) pour désigner les œuvres d’art créées par des personnes en marge du monde de l’art établi, telles que des artistes isolés, des inadaptés, des malades mentaux et toutes sortes de banlieusards - généralement sans but d’exposition ou de profit. En anglais, le terme «Outsider Art» («Outsider Art», une expression inventée par Roger Cardinal en 1972) est parfois utilisé pour décrire ce type d’œuvres. Selon Dubuffet, ce type d’art détaché de la culture possède une originalité unique qui n’est pas supprimée par l’éducation. La collection d’art brut de Dubuffet, qui compte plus de 5 000 objets, a été donnée à la ville de Lausanne en 1972 et ouverte au public en 1976.

Abstraction biomorphique et organique (années 1930 et 1940)

L’abstraction biomorphique/organique décrit un style d’art qui utilise des formes abstraites arrondies tirées de la nature. Il ne s’agit pas d’un mouvement en soi, mais plutôt d’un style d’art qui s’est manifesté dans l’œuvre de nombreux artistes tels que Wassily Kandinsky, Constantin Brancusi, Jean Arp, Joan Miró et Yves Tanguy, ainsi que les sculpteurs britanniques Barbara Hepworth et Henry Moore. Voir aussi : Sculpture britannique moderne 1930-70

L’attrait de l’abstraction organique s’est étendu aux expressionnistes abstraits et à des légions de créateurs de meubles américains et européens, dont Charles Eames (1907-1978), son épouse Ray Eames (1912-1988), Isama Noguchi (1904-1988) et le Finlandais Eero Saarinen (1910-1961). Ce style a survécu au-delà des années 1950 et peut être observé dans le travail d’artistes 3D contemporains tels que les designers Ron Arad, Werner Panton et Oscar Tuskets, ainsi que les sculpteurs Linda Benglis, Richard Deacon, Anish Kapoor, Ursula von Rydingsvard et Bill Woodrow.

L’école St Ives (1939-1975)

L’école de St Ives était une colonie artistique britannique basée dans la ville de pêche de St Ives en Cornouailles. Elle était associée au peintre abstractionniste Ben Nicholson et à sa femme, la grande sculptrice Barbara Hepworth, qui se sont installés près de la ville en 1939, rejoints peu après (jusqu’en 1946) par le sculpteur constructiviste russe Naum Gabo.

Un autre artiste important a vécu à St Ives à partir de 1923, lorsqu’il a ouvert un atelier de poterie avec son collègue Shoji Hamada, le céramiste britannique Bernard Howell Leach. Après 1945, avec l’arrivée d’autres artistes, St Ives est devenu un centre d’art moderne et abstrait, dont une grande partie était basée sur le paysage local.

Parmi les principaux représentants de l’école, citons Wilhelmina Barnes-Graham, Paul Feiler, Terry Frost, Patrick Heron, Roger Hilton, Peter Lanyon, Carl Weschke et Brian Winter. En 1993, la galerie d’art Tate St Ives a ouvert ses portes sur la plage de Porthmeor, présentant la collection d’art de l’école de St Ives. Le Barbara Hepworth Museum and Sculpture Garden, fondé en 1980, se trouve également à proximité.

L’art existentiel (fin des années 1940, années 1950)

L’existentialisme est une philosophie populaire qui s’est développée autour des écrits des Français Jean-Paul Sartre et Albert Camus dans les années 1940 et 1950. Elle a eu une influence significative sur les arts visuels, où ses thèmes d’aliénation et d’irritation face à la condition humaine se retrouvent dans les œuvres de l’expressionnisme abstrait américain et de l’art informel, ainsi que dans les œuvres du groupe COBRA, du groupe français Homme-Temoin, du groupe britannique Kitchen Sink art et des Beatles américains, qui ont tous été parfois qualifiés d’existentiels.

Il en va de même pour de nombreux peintres et sculpteurs : les peintres français Jean Fautrier, Germain Richier et Francis Gruber, le sculpteur suisse Alberto Giacometti, ainsi que Francis Bacon et Lucian Freud. Pour un artiste plus tardif dont l’œuvre est inextricablement liée à l’absurdité existentielle «» de la vie, voir le sculpteur contemporain Eva Hesse (1936-1970).

Mouvement expressionniste abstrait (c. 1947-65)

L’expressionnisme abstrait est un mouvement majeur de l’art américain de la fin des années 1940 et des années 1950 qui se compose d’un certain nombre de styles différents. Basé principalement sur des artistes new-yorkais, il est parfois appelé École de New York . Comme son nom l’indique, le style général était abstrait, mais plutôt que de suivre l’idiome géométrique du cubisme, il suivait une voie expressive ou émotionnelle. Les principaux styles composites sont les suivants la peinture totale animée (développée par Jackson Pollock, Lee Krasner) ; la peinture gestuelle (développée par Willem de Kooning) ; Colour Field Painting (pratiquée par Mark Rothko, Barnett Newman, Clyfford Still), et «Hard Edge Painting «(inventée par Frank Stella), dont la plupart ont été réalisées à une échelle monumentale. Une autre contribution importante a été apportée par l’ancien artiste du Bauhaus Josef Albers avec sa série «Honouring the Square».

Art Informel (années 1950)

Le terme français Art Informel, qui signifie art sans forme, était l’équivalent européen de la peinture expressionniste abstraite, qui a dominé le monde de l’art de 1946 à la fin des années 1950. Inventé par le sculpteur et écrivain français Michel Tapie dans son livre de 1952 «Un Art Autre», c’était l’un des mots à la mode «» utilisés par les critiques (un autre étant «Abstraction Lyrique») pour définir le style expressionniste abstrait sans forme qui a émergé pendant cette période à la fois en Amérique et en Europe.

Les œuvres thématiques varient dans une certaine mesure en termes de style, mais se caractérisent généralement par un manque de structure compositionnelle, ce qui représente (du moins aux yeux de Tapie) une rupture fondamentale avec la tradition artistique. Parmi les principaux artistes de l’Art Informel figurent Maria Elena Vieira da Silva, Jean Fautrier, Wols (Alfred Otto Wolfgang Schulze), Nicolas de Staël, etc.

Tachisme (années 1950)

Le terme Tachisme, dérivé du mot français «tache», décrit un type de peinture abstraite populaire à la fin des années 1940 et dans les années 1950, caractérisé par l’utilisation de traits irréguliers ou de taches de couleur. Popularisé par Michel Tapie «Autre art», Le tachisme s’est d’abord développé indépendamment du mouvement expressionniste abstrait américain et a continué à être un phénomène essentiellement français, bien qu’il soit généralement utilisé comme étiquette générique pour l’expressionnisme abstrait européen.

Parmi les praticiens, on trouve Karel Appel (1921-2006), Jean Fautrier, Georges Mathieu et l’artiste Alfred Otto Wolfgang Schulze, né en Allemagne mais basé à Paris, connu sous le nom de WOLS. En Australie , le tachisme a été adopté par l’école de Sydney. Pour plus d’informations, voir : Peinture moderne australienne (1900-1960).

Il est quelque peu déroutant que le terme Tachisme ait été diversement utilisé dans les années 1880 par le critique Félix Feneon pour décrire les techniques picturales des impressionnistes, et dans les années 1900 par le peintre Maurice Denis pour désigner les peintres italiens Macchiaioli et les peintres parisiens Fauvet.

Arte Nucleare (1951-60)

Le mouvement italien Nuclear Art Movement, créé en 1951 par l’artiste italien Enrico Bagge, était un mouvement artistique politiquement conscient qui produisait des peintures et des collages «pour l’ère nucléaire». Bajaj a évité les œuvres abstraites géométriques au profit des formes plus fluides caractéristiques du style Art Informel. Le travail de Budge comprenait des images rappelant les champignons atomiques et les paysages urbains dévastés. Parmi les autres membres du mouvement figurent les artistes Sergio Dangelo, Gianni Bertini et Gianni Dova. Plusieurs expositions de l’Arte Nucleare ont eu lieu dans toute l’Italie, mais à la fin de la décennie, le mouvement s’est essoufflé.

Assemblage (à partir de 1953)

Le terme L’art de l’assemblage a été introduit pour la première fois par Jean Dubuffet en 1953 pour désigner un type d’œuvre créé à partir de fragments d’objets naturels, préformés ou «trouvés» tels que des ordures ménagères, des débris urbains, des animaux empaillés - en fait n’importe quel matériau (généralement reconnaissable), grand ou petit. En règle générale, les objets sont sélectionnés et combinés pour leurs qualités visuelles (sculpturales) et leurs attributs expressifs. Bien qu’il soit généralement considéré comme l’analogue tridimensionnel du collage, l’assemblage comprend en réalité des collages bidimensionnels et des photomontages, ainsi que des sculptures tridimensionnelles et des pièces entières.

Cette forme d’art s’est répandue après l’exposition «The Art of the Assemblage» au Museum of Modern Art de New York (1961), où l’une des œuvres les plus insolites de Cesar Baldaccini (1921-1998) était constituée de voitures compressées. L’artiste new-yorkais Robert Rauschenberg, dont les assemblages révolutionnaires des années 1950 et 1960 ont largement contribué au développement du genre, est un maître en la matière.

Néo-Dada (1953-65)

L’art néo-dada est un terme presque synonyme du début du Pop Art américain, en particulier du collage et de l’assemblage de Robert Rauschenberg et Jasper Johns à New York à la fin des années 1950. Le pop art partageait également l’approche subversive de Dada, gonflant délibérément la signification esthétique d’objets et d’images de bas étage, ce qui a déconcerté de nombreux «critiques et conservateurs sérieux». Les méthodes de production «Factory» d’Andy Warhol , ainsi que sa démonstrativité iconoclaste et sa notoriété, font écho aux pitreries et aux tactiques de choc de l’artiste dada Marcel Duchamp, 40 ans plus tôt. Un autre mouvement étroitement lié au dadaïsme est Fluxus, fondé par George Maciunas, qui a émergé au début des années 1960 en Allemagne et à New York.

Kitchen sink art (1954-57)

Terme inventé par le critique David Sylvester, apparu pour la première fois dans le numéro de décembre 1954 d’Encounter, pour décrire le travail de quatre artistes britanniques (John Bratby, Derrick Greaves, Edward Middleditch et Jack Smith) connus sous le nom de quatuor des Beaux-Arts. Il a souligné les sujets quotidiens (meubles, couches pour bébés, ustensiles de cuisine, toilettes) de ce quatuor, dont la célébration du banal dans la vie des gens ordinaires était leur tentative de rendre l’art plus pertinent et plus accessible, tout en faisant un commentaire social clair. Le mouvement «Kitchen Sink» a atteint son apogée en 1956 lorsque les membres du quatuor des Beaux-Arts ont été choisis comme représentants britanniques à la Biennale de Venise.

Pop Art (1958-70)

Le terme Pop Art décrit un style d’art - apparu simultanément en Amérique et en Grande-Bretagne - qui a puisé son inspiration, ses techniques de création et sa philosophie dans la culture populaire et commerciale. Ces sources populistes ou consuméristes englobaient le cinéma, la publicité, les emballages de produits, la musique pop et les bandes dessinées.

Le mouvement britannique diffère de son homologue américain en ce qu’il est moins effronté, plus romantique et nostalgique. Une version continentale du Pop Art, le Nouveau Réalisme «, est également apparue, bien qu’elle soit plus proche du mouvement anti-art Dada. Le Pop Art est né au milieu des années 1950 et a atteint son apogée au milieu des années 1960 sous l’influence d’Andy Warhol et d’autres artistes.

Inspiré en Amérique par les travaux pionniers de Robert Rauschenberg et de Jasper Johns, le Pop Art est également lié à des mouvements du début du 20e siècle tels que le surréalisme. Il s’agissait en partie d’une révolte contre le purisme artistique fermé de l’expressionnisme abstrait, dont les artistes du pop art cherchaient à se démarquer en utilisant des images simples et facilement reconnaissables, ainsi que des techniques d’impression modernes telles que la sérigraphie.

Parmi les artistes Pop Art les plus connus aux États-Unis, on peut citer Jim Dine (né en 1935), Robert Indiana (alias John Clark) (né en 1928), Jasper Johns (né en 1930), Alex Katz (né en 1927), Roy Lichtenstein (1923-1997), Claes Oldenburg (né en 1929), Edward Ruscha (né en 1937), Robert Rauschenberg (1925-2008), James Rosenquist (né en 1933), Andy Warhol (1928-1987) et Tom Wesselman (né en 1931). Parmi les artistes pop britanniques notables, citons Peter Blake (né en 1932), Patrick Caulfield (1936-2006), Richard Hamilton (né en 1922), David Hockney (né en 1937), Allen Jones (né en 1937), R.B. Kitaj (né en 1932), Sir Eduardo Paolozzi (1924-2005). Voir aussi notre guide du pop art des années 60 et 70 d’Andy Warhol.

Op Art (Art optique) (1965-70)

Raffinement de la peinture hard-edge, l’Op Art était un type d’art sans objet qui utilisait des motifs géométriques en noir et blanc pour créer divers effets optiques sur la physiologie et la psychologie perceptives du spectateur. Parce qu’il créait l’illusion du mouvement, ce style est mieux considéré comme faisant partie du mouvement plus large de l’art cinétique.

Par exemple, en bombardant les yeux de cette manière, les peintures leur font «voir» des couleurs ou des formes qui ne sont pas réellement là, ou confondent l’arrière-plan avec le premier plan, et ainsi de suite. Malgré ses effets étranges et parfois dérangeants, l’art optique s’inscrit pleinement dans les canons traditionnels des beaux-arts. Rappelons que toute la peinture traditionnelle repose sur l’illusion «» de la profondeur et de la perspective. L’op art ne fait que prolonger le caractère illusoire de l’art en interférant avec les règles de la perception optique.

Parmi les artistes abstraits notables de l’op-art, citons Bridget Riley, Victor Vasarely, Richard Anuszkiewicz, François Morellet et Jesús-Rafael Soto. La série d’œuvres de Josef Albers «Hommage au carré» était également un type d’op-art, tout comme les dessins illusoires de M.C. Escher. Voir aussi La peinture moderne en Grande-Bretagne (1960-2000).

Nouveau réalisme (années 1960)

Fluxus rencontre Dada rencontre le conceptualisme, Le Nouveau Réalisme est un mouvement d’avant-garde français fondé en 1960 par Yves Klein, dont le manifeste, «la Déclaration fondatrice du Nouveau Réalisme», énonce son objectif comme «la création de nouveaux modes de perception du réel». Parmi les fondateurs du mouvement, on trouve Pierre Restany, Yves Klein, Martial Reiss, Daniel Spoerri, Jean Tinguely, François Dufresne, Raymond Heyns et Jacques de la Villegle.

Plus tard, Mimmo Rotella, Niki de Saint Phalle et Gérard Deschamps rejoignent le groupe. Le groupe s’affaiblit après la mort d’Yves Klein en 1962, qui préférait personnellement le nom «réalisme d’aujourd’hui» ) réalisme d’aujourd’hui). Pour en savoir plus sur le nouveau réalisme et son fondateur, voir aussi : L’art postmoderne d’Yves Klein (1956-62).

Les œuvres du Nouveau Réalisme sont souvent caractérisées par le collage, le décollage et l’assemblage à partir d’objets réels. Le Nouveau Réalisme révèle ainsi ses liens avec Dada en général et avec les readymades de Marcel Duchamp en particulier. Une autre influence importante est celle du Pop Art américain, illustrée par l’utilisation par le mouvement d’objets commerciaux et d’iconographie produits en masse. Dans l’ensemble, on peut dire que le nouveau riche s’est détourné de l’abstraction et de l’émotivité au profit d’une approche plus froide et du retour de la figure.

Abstraction post-peinture (début, milieu des années 1960)

L’abstraction post-peinture est un terme inventé par le critique d’art Clement Greenberg (titre d’une exposition qu’il a organisée pour le Los Angeles County Museum of Art en 1964) pour décrire un type d’expressionnisme abstrait plus calme et plus retenu dans les années 1960. Essentiellement, le terme décrit le remplacement de la gestuelle du pinceau par un nouvel idiome basé sur de larges zones de couleurs non modulées. Parmi les représentants notables de l’abstractionnisme post-peinture des années 1960, on peut citer : Helen Frankenthaler, Al Held, Ellsworth Kelly, Morris Louis, Kenneth Noland, Jules Olitski et Frank Stella. Le terme (et le style) a été progressivement supplanté et remplacé par la nouvelle école du Minimalisme .