Mouvements de l’art moderne (1870-1970) 4 110 Automatique traduireAuteur du texte original - Neil Cоllins

Pour un bref guide sur les principaux styles et écoles,
s’il te plait regarde: Mouvements d’art, périodes, écoles .

introduction

" Art moderne "est un terme large qui désigne l’art produit entre 1870 et 1970. Certains historiens préfèrent limiter" l’art moderne "au XXe siècle, mais il est plus courant de prendre l’ impressionnisme comme point de départ, alors que vu comme la transition entre "l’art moderne" et son successeur " art postmoderniste ".

"L’art moderne" a été le témoin de nombreux grands mouvements artistiques internationaux et a donné naissance à de toutes nouvelles formes d’expression créative, notamment: architecture de gratte-ciel (Années 1880); chromolithographique art de l’affiche (Années 1880/90); art d’animation (tiré du premier film de dessin animé en 1906); collage (à partir de 1912); art de la performance (à partir de Dada); assemblages (à partir de 1953); art terrestre (fl.1960). Il a également soulevé certaines formes à de nouveaux sommets, comme: art de la caricature et la photographie. Au cours de la phase finale de la période "moderne", plusieurs types de art d’avant-garde apparu, y compris art conceptuel (créé par Robert Rauschenberg dans les années 1950) et art vidéo (mis au point par Wolf Vostell et Andy Warhol à la fin des années 50/60), cependant, car ces formes sont plus étroitement associées à art contemporain , nous les traitons dans notre article sur mouvements d’art contemporain (À partir de 1970).

MOUVEMENTS D’ART MODERNE

Mouvement impressionniste (1870-1880)

Baptisé par le critique d’art français Louis Leroy après le titre du tableau de Monet Impression: Lever de soleil (1873), Impressionnisme était une manière spontanée de plein air peinture de paysage dont le but était la représentation exacte de la lumière. Le style a été illustré par la peinture en plein air de Monet, Sisley, Renoir et Camille Pissarro, bien que d’autres peintres fassent également partie du groupe des impressionnistes, notamment Edgar Degas, Paul Cézanne, Frédéric Bazille, Gustave Caillebotte, ainsi que Mary Cassatt, une des figures majeures du groupe. Impressionnisme américain mouvement (c.1880-1900). Introduit en Grande-Bretagne par Whistler, il fut repris par ses élèves Sickert et Steer et promu par le New English Art Club. Après avoir donné naissance à certains des plus grandes peintures modernes du 19ème siècle, l’impressionnisme a été remplacé par le néo-impressionnisme de Seurat et le post-impressionnisme de Cézanne.

Néo-impressionnisme (années 1880)

Le terme donné par le critique d’art français Felix Feneon (1861-1944) à l’œuvre de Georges Seurat, Paul Signac et de leurs disciples, tels Camille et Lucien Pissarro. Le style était basé sur la technique de peinture optique appelée Pointillisme (une émanation de Divisionnisme ). Au lieu de mélanger les couleurs avant de les appliquer sur la toile, les couleurs primaires ont été placées directement sur l’image – organisées en groupes de petites touches ou de petits points – pour permettre à l’œil du spectateur de faire le "mélange". Le style a eu une influence ultérieure sur le fauvisme. Pour plus de détails, veuillez consulter: Néo-impressionnisme . Pour les développements en Italie, sous Vittore Grubicy, veuillez consulter: Divisionisme italien (1890-1907).

Ecole de Newlyn (fl.1884-1914)

Dirigé par Stanhope Forbes, Frank Bramley et Norman Garstin le École newlyn s’inspire de la tradition naturaliste de la peinture à l’air libre de l’école française de Barbizon et vise à reproduire les réalités de la vie à la campagne.

Art nouveau (1890-1914)

Dérivé d’une boutique parisienne appelée "La Maison de l’Art Nouveau", propriété du collectionneur d’art avant-gardiste Siegfried Bing (1838-1905), le Art Nouveau le style trouve son origine dans Mouvement des arts et métiers en Grande-Bretagne (notamment les dessins de William Morris) – influencé également par les dessins celtiques et japonais – et popularisé par l’Exposition Universelle de 1900 à Paris avant de se répandre en Europe et aux États-Unis. Un style très décoratif de art design (appelé Jugendstil en Allemagne, Sezessionstil en Autriche, Stile Liberty en Italie, moderniste en Espagne), l’Art nouveau se caractérise par des motifs complexes et fluides de lignes asymétriques sinueuses, basées sur des formes végétales. Les motifs de feuilles et de vrilles sont des motifs populaires d’Art Nouveau, de même que les formes et les silhouettes féminines. Le style est apparu dans la décoration intérieure, le travail du métal, la verrerie, la bijouterie, la conception d’affiche et l’illustration, ainsi que dans la peinture, la sculpture et l’affiche. Cela a été illustré par les peintures et illustrations de Gustav Klimt, premier président de la Sécession de Vienne , ainsi que des affiches d’Alphonse Mucha (1860-1939), Arthur Rackham et Aubrey Beardsley, ainsi que des motifs architecturaux en serpentin de Victor Horta du Les Vingt groupe d’artistes à Bruxelles. Il a également eu une forte influence sur le Sécession de Munich (1892) et Sécession de Berlin (1898) en Allemagne. Il a été remplacé par Art Deco .

Art symboliste (fin du 19e siècle)

Inspirée de la mythologie et caractérisée par une sensibilité mystique et amplifiée avec un contenu érotique occasionnel, Symbolisme était un raffinement de la tradition romantique. Les pionniers comprenaient Caspar David Friedrich et Henry Fuseli, tandis que les représentants modernes incluaient Gustave Moreau, le peintre muraliste Puvis de Chavannes et Odilon Redon. Influencé par le mouvement Art nouveau et Les Nabis, ainsi que par les expressionnistes Edvard Munch et Franz von Stuck.

Post-impressionnisme (années 1880, 1890)

Post-impressionnisme est un terme générique incorporant de nombreux groupes et styles de Peinture post-impressionniste , comme en témoignent les travaux de peintres tels que Paul Gauguin, Paul Cézanne, Vincent van Gogh, Henri de Toulouse-Lautrec et Henri Rousseau. Cézanne a adopté une approche classique rigoureuse de la peinture en plein air; Gauguin a utilisé des couleurs riches mais a préféré peindre en studio à l’intérieur; Van Gogh peint à l’extérieur mais exprime davantage ses émotions intérieures que de capturer la nature; tandis que Toulouse-Lautrec s’est spécialisé dans les scènes de genre d’intérieur.

Sur les traces de Synthétisme (développé par Gauguin) et Cloisonnisme (inventé par Emile Bernard et Louis Anquetin) est venu le groupe d’art fin de siècle appelé Les Nabis , composé de jeunes peintres attirés par le contenu décoratif et spirituel de la peinture. Le dirigeant, Paul Serusier (1864-1927) et le théoricien du groupe, Mauris Denis (1870-1943), ont été rejoints par Pierre Bonnard (1867-1947), Paul Ranson (1862-1909) et Ker-Xavier Roussel (1867-1944). Henri Ibels (1867-1936) et Edouard Vuillard (1868-1940). Parmi les Nabis, un autre style de peinture post-impressionniste, connu sous le nom d’intimisme, est illustré dans les scènes de genre domestiques tranquilles d’Edouard Vuillard, de son ami proche Pierre Bonnard et de Gwen John. Repris par des peintres nordiques, comme Hammershoi et PS Kroyer. En Grande-Bretagne, le post-impressionnisme était pratiqué par les Camden Town Group , fondée en 1911 par Walter Richard Sickert, connu pour ses intérieurs et ses nus.

Les Fauves (1905-1908)

Influencé par Paul Gauguin, le fauvisme était un mouvement important dans le histoire de la peinture expressionniste , qui prônait couleurs brillantes et coups de pinceau sauvages – d’où leur surnom Les Fauves , donné par le critique Louis Vauxcelles après leur première participation à la Salon d’Automne à Paris en 1905. Parmi les peintres fauvistes figurent Henri Matisse, André Derain, Maurice de Vlaminck, Albert Marquet et Georges Braque. En Grande-Bretagne, le fauvisme était pratiqué par un groupe d’artistes écossais connu sous le nom de Coloristes écossais . Ils comprenaient JD Fergusson, Samuel John Peploe, Francis Cadell et Leslie Hunter. Pour plus, voir Le fauvisme .

Mouvement expressionniste (à partir de 1905)

Personnalisé par Vincent Van Gogh – dont les coups de pinceau agités et les couleurs intenses reflétaient son état intérieur plutôt que les scènes qu’il peignait – Expressionnisme est un style dont le but est de représenter une interprétation d’une scène plutôt que de simplement reproduire ses traits réels. Un des premiers exemples du style est Expressionnisme allemand , qui a été développé à Munich et aux alentours par Der Blaue Reiter [Le Cavalier bleu], et à Dresde par Die Brucke [Le pont]. Après cela, le mouvement se répandit dans le monde entier, donnant naissance à des variantes – parmi lesquelles l’expressionnisme abstrait – en Amérique dans les années 1940 et 1950. Influencé par le romantisme, le symbolisme, le post-impressionnisme, le fauvisme et le cubisme, le mouvement expressionniste englobait tous les genres, y compris le paysage, le portrait, la peinture de genre et la nature morte. Parmi les peintres expressionnistes célèbres figurent Wassily Kandinsky, Franz Marc, Edvard Munch, Modigliani, Egon Schiele, Oskar Kokoschka, Otto Dix, ainsi que Pablo Picasso et Francis Bacon. Pour des travaux spécifiques, veuillez consulter: Peintures expressionnistes (1880-1950).

Le pont (Die Brucke) (1905-13)

Le pont était un groupe expressionniste allemand basé à Dresde en 1905. Éléments combinés de l’art traditionnel allemand avec des styles africains, postimpressionnistes et fauvistes. Ses principaux membres étaient Ernst Ludwig Kirchner, Karl Schmidt-Rottluff, Fritz Bleyl, Erich Heckel et Emil Nolde. De courte durée mais influent.

Blue Rider (Der Blaue Reiter) (1911-14)

Basés à Munich, les membres de Blue Rider inclus Wassily Kandinsky, Franz Marc, Alexei von Jawlensky, August Macke, Gabriele Munter et Paul Klee. Une association lâche plutôt qu’un groupe restreint, il a été nommé d’après un tableau de Kandinsky utilisé pour la couverture de leur Almanach ou Manifesto de 1912. Coupé court par la Première Guerre mondiale au cours de laquelle Macke et Marc ont été tués.

Ashcan School, New York (actif de 1900 à 1915)

La dite École Ashcan Il s’agissait d’un groupe progressif de peintres et d’illustrateurs américains du début du XXe siècle (parfois appelés les réalistes de New York) qui décrivaient la réalité urbaine de la vie new-yorkaise dans un style brutal et non poli. Arthur B. Davies, William Glackens, Robert Henri, George Luks, Everett Shinn et John Sloan faisaient partie du mouvement Ashcan. George Wesley Bellows, Guy Pène Du Bois, le célèbre Edward Hopper et Alfred Maurer comptent parmi les autres artistes dont le travail est le reflet de l’école Ashcan.

Art cubiste (Europe, 1908-1914)

Cubisme a été inventé et formulé entre 1908 et 1912 environ par un partenariat entre Georges Braque et Pablo Picasso, fortement influencés par les paysages maillés de Paul Cézanne et (dans le cas de Picasso, par l’imagerie africaine: son époustouflant Les Demoiselles D’Avignon ). Partiellement contre les jolies images de l’impressionnisme, un style qui n’avait aucun intérêt intellectuel pour Picasso, le cubisme a recentré son attention sur la nature 2D du plat, renversant les systèmes de perspective conventionnels et les façons de percevoir la forme.. Le mouvement s’est développé en trois étapes: Proto-cubisme (Phase précoce de Picasso & Braque, contenant les seuls "cubes" visibles); Cubisme Analytique , un style austère qui désassemble des vues 3D en une série de plans qui se chevauchent; enfin, Cubisme synthétique , un style plus léger, plus coloré, qui "construit" des images en utilisant parfois divers matériaux "trouvés". Le cubisme tardif de Picasso – un idiome plus représentatif que ses styles cubistes précédents – est illustré dans des œuvres telles que Femme en pleurs (1937, Collection Tate), et Guernica (1937, Reina Sofia, Madrid). Juan Gris et Fernand Leger sont d’autres artistes cubistes importants. Bien que de courte durée, le mouvement révolutionna la peinture au XXe siècle et instaura une nouvelle tradition de l’art abstrait. Le cubisme a bénéficié d’un important soutien promotionnel de la part de son porte-parole, le marchand d’art allemand Daniel-Henry Kahnweiler (1884-1979). Pour un groupe dissident cubiste important, voir: Section d’Or , une émanation du groupe parisien de Puteaux.

Cubisme Orphique (Orphisme) (1914-1915)

Le mouvement d’art abstrait basé à Paris est le plus souvent appelé Orphisme , dont le style est caractérisé par des taches de couleurs arc-en-ciel légèrement peintes. Le nom (Orphée était un poète mythologique et musicien de la Grèce antique) a été inventé par le critique d’art français Guillaume Apollinaire en décrivant l’effet «musical» des peintures abstraites du cubiste Robert Delaunay (qui comprenaient des plans superposés de couleurs contrastantes ou complémentaires). afin de les distinguer du cubisme en général. Delaunay lui-même a utilisé le terme simultanisme pour caractériser son travail. Le peintre et anarchiste franco-tchèque Frank Kupka, qui est l’un des premiers à créer un véritable art abstrait, se caractérise par de solides blocs de couleurs géométriques. Le style était très similaire à Synchromisme , une méthode de peinture lancée à Paris en 1913 par deux peintres américains, Morgan Russell (1886-1953) et Stanton MacDonald-Wright (1890-1973).

Art photographique

La photographie est devenu plus important que l’ère développée. En Amérique, cela est dû en grande partie aux activités influentes d’Alfred Stieglitz, qui a fondé Photo-Secession dans sa galerie "291" à New York. Edward Steichen était un autre pionnier. Les deux hommes ont été notés pour leur pictorialisme (1885-1915). Parmi les autres genres photographiques développés au cours de l’ère de l’art moderne, citons: Photographie de rue (1900-présent), illustré par le travail de Henri Cartier-Bresson; photographie documentaire , comme dans la série de photos de Hans Namuth sur la peinture d’action de Jackson Pollock; photographie de mode (à partir de 1880), illustrés par les images de Man Ray, de Richard Avedon, de Cecil Beaton, de Norman Parkinson et d’Irving Penn.

Collage (à partir de 1912)

Aussi appelé papier collé ou découpage , art de collage a été introduit pour la première fois par Georges Braque en 1912, lorsqu’il a associé trois papiers peints à son dessin synthétique cubiste Fruit Dish and Glass . Le collage implique l’utilisation d’objets trouvés, tels que des morceaux de papier, des photographies, des coupures de journaux, du tissu et d’autres objets "trouvés", voire d’objets à trois dimensions, qui sont fixés à la toile pour créer un effet de média mixte. Picasso, Aleksandr Rodchenko et l’extraordinaire solitaire comptent parmi les autres artistes connus pour leurs œuvres de collage. Kurt Schwitters , noté pour ses petits collages Merzbilder . Les techniques de collage ont fortement influencé les formes d’assemblage ultérieures.

Futurisme (1909-1914)

Lancé en 1909 par le poète italien Filippo Tommaso Marinetti dans un manifeste qui a fait la une du journal parisien Le Figaro , Futurisme a rejeté tout l’art traditionnel, célébrant le monde industriel moderne avec des œuvres combinant des éléments du néo-impressionnisme et du cubisme. Parmi les autres membres principaux figurent Umberto Boccioni, Giacomo Balla, Carlo Carrà et Gino Severini.

Rayonisme (c.1912-14)

Rayonisme était un mouvement artistique russe de style quasi cubiste d’avant-garde dirigé par Mikhail Larionov et sa partenaire Natalia Goncharova, qui se sont par la suite installés à Paris. Le sujet du Rayonisme (ou Rayisme) était un paysage abstrait composé de lumière ou de rayons de lumière représentés par des motifs de formes linéaires.

Suprématisme (c.1913-1918)

Fondé sur les idéaux utopiques par le nihiliste Kasimir Malevich (1878-1935), Suprématisme a exprimé sa confiance illimitée dans la capacité des ingénieurs à créer un nouveau monde soviétique. La première exposition suprématiste (Zero-Ten) a eu lieu à Saint-Pétersbourg en décembre 1915. Elle comprenait trente-cinq œuvres abstraites de Malevitch, dont son célèbre Black Square, suspendu comme un symbole haut dans un coin, ainsi qu’une foule de autres rectangles, triangles et cercles, dont beaucoup sont de couleurs vives. Le spectacle a ensuite tourné à Moscou et à Vitebsk. En 1918, Malevitch est nommé au Commissariat des Lumières et enseigne à l’académie des arts de Vitebsk créée par Marc Chagall. Le suprématisme était un mouvement artistique clé en Russie, étroitement lié à la Révolution. Parmi les autres artistes suprématistes célèbres, citons Lazar Lissitsky, Ivan Vasilievich Kliun et Laszlo Moholy-Nagy. Désillusionné plus tard, en 1935, il peint des tableaux réalistes.

Constructivisme (c.1919-32)

Constructivisme était un art abstrait russe austère mais important et le mouvement de conception créé par Vladimir Tatlin (1885-1953), qui fut rejoint plus tard par Aleksandr Rodchenko (1891-1956) et les frères Antoine Pevsner (1886-1962) et Naum Gabo (1890-1977). Soucieux d’abstraction, d’espace, de nouveaux matériaux et de formes tridimensionnelles, les artistes constructivistes développent l’art architectural de manière à refléter le monde industriel moderne. Vladimir Tatlin lui-même a été fortement influencé par les constructions en 3D de Picasso, dont il a été témoin directement dans l’atelier parisien de Picasso en 1913. En 1923, le mouvement exposa ses idées dans un manifeste, exprimant le point de vue selon lequel les artistes devraient se concentrer sur construire des œuvres, comme si elles fabriquaient une voiture. Plus tard, réprimées par Staline, les idées de constructivisme atteignirent l’Occident à travers Naum Gabo et Antoine Pevsner, et exercèrent une forte influence sur des sculpteurs modernes tels que Barbara Hepworth et Ben Nicholson. En Grande-Bretagne, vers 1950, le mouvement a été transformé en constructionisme , dans les peintures géométriques de Victor Pasmore et d’autres.

Vorticisme (c.1914-15)

La contrepartie britannique au futurisme italien, Vorticisme était un mouvement artistique d’avant-garde, influencé par le cubisme et le futurisme, fondé à Londres par le peintre, illustrateur et artiste de guerre Percy Wyndham Lewis (1882-1957). La seule exposition vorticiste a eu lieu à Londres en 1915. Affirmant être une "nouvelle abstraction vivante", les œuvres vorticistes combinent la fragmentation cubiste avec une iconographie aux contours élancés reflétant la technologie et l’environnement urbain. Les autres membres comprenaient Cuthbert Hamilton, William Roberts, Lawrence Atkinson, Jessica Dismorr, Helen Saunders, Edward Wadsworth, ainsi que les sculpteurs Jacob Epstein et Henri Gaudier-Brzeska. Le groupe a sombré après l’exposition, bien que Wyndham Lewis ait tenté de relancer brièvement ses idées avec le groupe X en 1920.

Dada (Europe, 1916-1924)

Fondée à Zurich pendant la Première Guerre mondiale, Dada fut le premier des mouvements anti-art modernes dont les membres furent révoltés par la boucherie de la guerre mondiale de 1914 et se consacrèrent à un style artistique visant à remettre en cause délibérément toutes les valeurs traditionnelles d’une société qui aurait pu permettre à une telle barbarie se produire. Les dada-ists ont eu recours à des tactiques de choc et à l’absurdité pour produire des œuvres d’art et des «performances» totalement irrationnelles ou dénuées de sens, y compris des sculptures et des installations anciennes qu’ils ont souvent construites à l’aide de divers objets trouvés ( objets trouvés ) dont Marcel Duchamp " readymades "étaient une sous-catégorie. Dada devint un mouvement international et ses thèmes formèrent finalement une partie importante du surréalisme à Paris après la guerre. Les principaux membres de Dada étaient Jean Arp, Marcel Duchamp, Francis Picabia, Man Ray, John Heartfield et Schwitters. Dada a inspiré de nombreux styles et groupes ultérieurs, y compris Fluxus, Neo-Dada, Nouveau Réalisme et Pop-Art.

De Stijl (1917-31)

De Stijl (En néerlandais "le style") était le nom d’un groupe d’artistes (et de la revue d’art, de design et d’esthétique qu’ils ont publiée, qui était l’un des magazines d’avant-garde les plus influents des années 1920). Fondé aux Pays-Bas pendant la Première Guerre mondiale, par Theo van Doesburg, l’ancien Piet Mondrian, l’architecte Gerrit Rietveld et Bart Van der Leck, il prônait un art abstrait de type géométrique (appelé plus tard art concret par Van Doesburg). sur des lois universelles d’harmonie qui seraient également applicables à la vie et à l’art. Le mouvement a eu son plus grand impact sur l’architecture. Bien que Piet Mondrian se soit séparé du groupe en 1923, il resta fidèle à ses thèmes jusqu’à la fin de sa vie, époque à laquelle il était devenu l’un des plus célèbres peintres abstraits. En comparaison, Van Doesburg, plus agité, abandonna l’un des principes fondamentaux de De Stijl en 1924 lorsqu’il substitua des diagonales aux verticales et aux horizontales à la recherche d’un plus grand dynamisme.

Néo-plasticisme (fl.1918-26)

Terme utilisé pour décrire le style de peinture inventé par Piet Mondrian. Il provient des mots néerlandais "Nieuwe Beelding", utilisés par Mondrian dans ses articles dans le magazine De Stijl (1917-19) et dans son livre "Neo-Plasticisme" à partir de 1921 pour décrire son propre type d’art abstrait. Cela signifie essentiellement "nouvel art", car la sculpture et certains types de peinture sont considérés comme des "arts plastiques". Cependant, la version allemande "Neue Gestaltung" (nouvelle mise en forme) résume mieux la signification de Mondrian. Il a utilisé le nom pour préconiser une «nouvelle formation» au sens le plus large, ainsi que ses propres idées et images. Dans son long essai "Le néo-plasticisme dans l’art pictural", Mondrian écrivait: "La nouvelle idée plastique… doit trouver son expression dans l’abstraction de la forme et de la couleur, c’est-à-dire dans la ligne droite et le Couleur". Donc dans un sens Néo-plasticisme était une forme idéale de peinture, qui n’utilisait que des couleurs, des lignes et des formes pures. En plus d’insister uniquement sur les couleurs primaires (ou non-couleurs), il préconisait uniquement les carrés, les rectangles et les lignes droites horizontales ou verticales. Malgré son désaccord avec Van Doesburg sur le lancement de ce dernier par Élémentarisme En 1924, les théories de Mondrian exercées ont eu un impact énorme sur la peinture ultérieure, et il est maintenant considéré comme l’un des plus grands artistes modernes.

Ecole Bauhaus (Allemagne, 1919-1933)

Fondé en 1919 par l’architecte moderne innovant Walter Gropius à Weimar en Allemagne, le Ecole de design Bauhaus était une école d’art révolutionnaire sur laquelle tant d’autres ont été modelés. Son nom, dérivé des deux mots allemands "bau" pour bâtiment et "haus" pour maison, ainsi que de son système de communauté d’artistes, suggère l’idée d’une fraternité travaillant à la construction d’une nouvelle société. Très influents dans l’architecture et le design, ses professeurs comprenaient Josef Albers, Lyonel Feininger, Paul Klee, Wassily Kandinsky, Oskar Schlemmer, Laszlo Moholy-Nagy, Anni Albers et Johannes Itten. Son objectif déclaré était de mettre l’art au contact de la vie quotidienne, c’est pourquoi le design avait autant de poids que les beaux-arts. Parmi les principes de base enseignés au Bauhaus, il y avait les vertus d’un design simple et épuré; abstraction; production de masse; les avantages éthiques et pratiques d’un environnement bien conçu, ainsi que la démocratie et la participation des travailleurs. En 1925, le Bauhaus s’installe dans un nouveau bâtiment à Dessau en 1925-1926 et s’installe à Berlin en 1932 où il est finalement fermé par les nazis en 1933. Ses professeurs se dispersent ensuite et plusieurs d’entre eux s’installent en Amérique: Moholy-Nagy se rend à Chicago où il fonda le New Bauhaus en 1937, tandis qu’Albers emmena avec lui les méthodes du Bauhaus au Black Mountain College de Caroline du Nord, puis à l’Université de Yale.

Purisme (début des années 1920)

Mouvement parisien des années 1920 fondé par Edouard Jeanneret (plus connu sous le nom de le Corbusier ) et Amedee Ozenfant, inspirés des théories exposées dans leur livre de 1918 Après le Cubisme . En désaccord avec la fragmentation cubiste, ils ont produit de l’art figuratif (principalement des natures mortes) des formes de base dépourvues de détails et supposées pures en couleurs, en formes et en dessins. Fernand Léger, Juan Gris et le sculpteur russo-lituanien Jacques Lipchitz ont également été associés au mouvement qui a culminé à l’Exposition internationale des arts décoratifs et industriels de Paris en 1925.

Precisionism (Cubist-Realism) (Fl.1920s)

Une influence importante sur la peinture d’art moderne aux États-Unis, Le précisionisme Il s’agissait d’un mouvement américain (également appelé réalisme cubiste) axé sur l’industrie moderne et les paysages urbains, caractérisé par la représentation réaliste d’objets, mais d’une manière qui souligne également leur forme géométrique. Un style idéalisé, presque romantique, il a été illustré dans les œuvres de Charles Demuth et Charles Sheeler, tandis que les images urbaines de Georgia O’Keeffe tombent également dans le genre Precisionist. Voir également les photographies de Charles Sheeler sur l’usine Ford de l’usine de voitures River River.

Mouvement surréaliste (à partir de 1924)

Enraciné dans le Peinture métaphysique de Giorgio de Chirico (1888-1978), les idées picturales révolutionnaires du cubisme, l’art subversif de Dada et les idées psychanalytiques de Sigmund Freud et Carl Jung, Surréalisme était le mouvement artistique d’avant-garde le plus influent de l’entre-deux-guerres. Son but, selon son père fondateur, l’écrivain français André Breton – dans son Manifeste du surréalisme de 1924 – était de fondre l’inconscient (la partie de l’esprit humain où sont stockés les souvenirs et les instincts) avec le conscient, pour créer un nouvel " super-réalité "- un surréalisme . Un large mouvement intellectuel, le surréalisme, englobe un large éventail de styles allant de l’abstraction à l’expressionnisme et au réalisme complet, ponctués de manière caractéristique par des images étranges, hallucinantes ou fondamentalement «irréelles». Parmi les principaux artistes surréalistes figuraient Salvador Dali (1904-1989), Max Ernst (1891-1976), René Magritte (1898-1967), André Masson (1896-1987), Yves Tanguy (1900-1955), Joan Miro (1893-1983).), Jean Arp (1886-1966) et Man Ray (1890-1976). Leur impact immédiat a été vu en Allemagne dans le réalisme magique de Franz Roh, puis en Grande-Bretagne, où le surréalisme britannique a été fondé en 1936 par l’écrivain Herbert Read, aux côtés des artistes David Gascoyne, Paul Nash et Roland Penrose. La première exposition internationale surréaliste a ouvert ses portes à Londres en 1936 et a suscité un énorme intérêt, notamment à cause des propos tenus par le flamboyant journaliste indépendant Salvador Dali dans une combinaison de plongée sous-marine. Le surréalisme a eu une influence considérable sur l’Europe et peu d’artistes européens des années 1930 n’ont été touchés par le mouvement. Il continue d’avoir une influence significative sur l’art, la littérature et la cinématographie.

Art déco (c.1925-40)

Un style populaire et à la mode de design décoratif et d’architecture dans l’entre-deux-guerres (très apprécié des architectes de cinéma et d’hôtels), Art Déco les conceptions ont également été étendues aux meubles, à la céramique, aux textiles, aux bijoux et au verre. Exposé en 1925 à l’Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes à Paris, l’Art Déco était essentiellement une réaction contre l’Art Nouveau: il remplaçait les formes curvilignes fluides de ce dernier par des formes géométriques d’inspiration cubiste et précisiste. Les exemples classiques de design Art déco incluent le New York Chrysler Building et l’Empire State Building. L’Art Déco s’est également inspiré des conceptions architecturales modernes du Bauhaus. Parmi les artistes célèbres associés à l’Art déco, on compte le portraitiste de la société polono-russe Tamara de Lempicka , l’artiste verrier René Lalique et le graphiste Adolphe Mouron.

Ecole de Paris

Pendant un demi-siècle (1890-1940), Paris demeura le centre de l’art mondial, culminant dans les œuvres éblouissantes de l’impressionnisme, du post-impressionnisme, du fauvisme, du cubisme, du dada et du surréalisme. le École parisienne C’est un terme utilisé par les historiens de l’art pour désigner la communauté d’artistes français et étrangers travaillant dans la ville au cours de la première moitié du XXe siècle, plutôt qu’un style, une école ou un mouvement strictement défini. Pour de nombreuses raisons, Paris attirait particulièrement les artistes. Elle était libre de toute répression politique, elle abritait un certain nombre de personnalités influentes. Peintres du 20ème siècle (par exemple, Pablo Picasso, Georges Braque, Henri Roubert, Henri Matisse, Fernand Leger, Amedeo Modigliani, Piet Mondrian, Marc Chagall, Chaïm Soutine, Mikhail Larionov, Wassily Kandinsky, Constantin Brancusi, pour n’en nommer que quelques-uns) monde de l’art en plein essor avec des galeries, des collectionneurs et des critiques pour soutenir les artistes talentueux. Les chefs jumeaux ( chefs d’école ) étaient Picasso et Matisse.

Neue Sachlichkeit (Allemagne, c.1925-35)

Die Neue Sachlichkeit – un terme allemand qui signifie "nouvelle objectivité" – était le nom donné à un groupe d’artistes expressionnistes en Allemagne dans les années 1920, dérivé de leur spectacle Neue Sachlichkeit de 1925 à Mannheim. C’était la troisième phase de la Mouvement expressionniste en Allemagne, après Die Brucke (The Bridge) et Der Blaue Reiter (The Blue Rider). Les membres clés comprenaient Otto Dix, George Grosz, Christian Schad et, dans une moindre mesure, Georg Schrimpf et Max Beckmann. Bien que le commissaire de l’exposition, GF Hartlaub, ait décrit ses peintures comme "un nouveau réalisme à la saveur socialiste", le style était clairement expressionniste dans sa représentation satirique de la corruption et de la décadence dans l’Allemagne de Weimar après la guerre.

Réalisme magique (1925-1940)

Bien que influencé par le surréalisme, le réalisme magique s’inscrivait en réalité dans la tendance au «retour à l’ordre» observée dans l’Europe de l’après-guerre, dans les années vingt. Le nom provient d’un livre de 1925 de Franz Roh, historien de l’art allemand et critique, intitulé " Nach Expressionismus: Magischer Realismus " (d’après l’expressionnisme: le réalisme magique). Les membres comprenaient Giorgio de Chirico, Alberto Savinio, Alexander Kanoldt et Adolf Ziegler.

Réalisme socialiste (1928-1980)

Réalisme socialiste était une forme de propagande politique héroïque employée par le dictateur Joseph Staline en Russie, à partir de 1929, pour étayer son programme de développement industriel accéléré. Le style ou la direction impliquait officiellement l’imaginaire optimiste audacieux de son père Maxim Gorki lors du Congrès des écrivains soviétiques de 1934. Il s’agissait de créer une image optimiste audacieuse pour évangéliser les réalisations de l’État soviétique et inspirer les travailleurs aux exploits stakhanoviens. L’affiche est le média le plus utilisé par les artistes socialistes réalistes. La peinture et la sculpture ont également été réalisées, généralement à l’échelle monumentale, montrant des individus et des groupes intrépides dans des poses idéalistes et héroïques.

Réalisme social (Amérique) (1930-1945)

Une catégorie générale décrivant les œuvres d’art qui se concentrent sur des sujets relativement bas liés à la vie quotidienne, par opposition aux cadres «idéaux» ou romantiques employés par les artistes jusqu’au 19ème siècle. Il embrasse la peinture de scène américaine et le régionalisme.

Réalisme social dénote les peintres socialement conscients de la période de dépression, tels que Ben Shahn, Reginald Marsh, Moses Soyer, Raphael Soyer, William Gropper, Jack Levine, Jacob Lawrence et Isabel Bishop. Ils se sont inspirés des traditions de la plus ancienne école Ashcan de New York. Des photographes comme Dorothea Lange (1895-1965) et Walker Evans (1903-75) ont également contribué au mouvement avec leurs portraits de travailleurs migrants de la Dépression.

Murales mexicaines / Muralisme décrit la campagne nationale de peinture murale, conçue par le ministre de l’Éducation, José Vasconcelos Calderon (1882-1959). Les peintres mexicains impliqués incluaient Diego Rivera, Jose Clemente Orozco et David Alfaro Siqueiros, ainsi que Alfredo Martinez (1871-1946), Roberto Nervo (1885-1968), Amado de la Cueva (1891-1926), Ramon Alva de la Canal. (1892-1985), Pedro Nel Gomez (1899-1984), Rufino Tamayo (1899-1991), Fermin Revueltas Sanchez (1901-1935), Federico Heraclio Cantu Garza (1907-89), Jorge Gonzalez Camarena (1908-80) et Alfredo Zalce Torres (1908-2003), pour ne citer que quelques-uns.

Peinture de scène américaine était une sorte de réaction patriotique à l’art abstrait européen d’avant-garde. Les artistes ont tourné le dos à l’hypermodernisme européen et ont recherché la vérité dans des images spécifiquement américaines. Régionalisme était la variante du Midwest de la peinture de scène américaine, qui s’appuyait sur le cadre nostalgique réaliste de l’Amérique rurale et des petites villes.

Art dégénéré (Entartete Kunst) (1933-1945, Allemagne)

Formulé par Adolf Hitler, le terme " Entartete Kunst " signifie art dégénéré , exprime l’idée nazie selon laquelle tout art qui ne se conformait pas à l’idéal d’images figuratives bien conçues représentant des actes héroïques ou une vie confortable, était le produit de peuples dégénérés. Sans surprise, la plupart des œuvres d’art moderne étaient qualifiées de dégénérées, ce qui signifiait que la plupart des artistes modernes en Allemagne (à partir de 1933) ne pouvaient ni montrer ni vendre leurs œuvres. En 1937, les nazis retirèrent toutes les œuvres modernes des musées d’art allemands. Une sélection a ensuite été présentée à Munich pour montrer à quel point elles étaient répugnantes, mais le plan s’est retourné contre lui et le spectacle a attiré une foule immense. Voir également Art nazi (1933-1945).

Néo-romantisme (1935-1955)

Terme désignant les paysages britanniques intenses, poétiques, figuratifs et semi-abstraits de Paul Nash, Graham Sutherland et d’autres à la fin des années 1930, 1940 et 1950, qui donnaient une interprétation moderne aux œuvres romantiques et visionnaires du XVIIIe siècle, William Blake et au 19ème siècle Samuel Palmer. Les premiers travaux étaient généralement sombres, reflétant les inquiétudes de l’approche de la guerre. Parmi les autres néo-romantiques britanniques, citons Michael Ayrton, John Craxton, Ivon Hitchens, John Minton, John Piper, Keith Vaughan et les dessins de guerre de Henry Moore. Les artistes Eugène Berman, Leonid Berman et Pavel Tchelitchew, dont le siège est à Paris, sont un groupe moins connu, parfois appelé néo-romantiques. Ils se distinguent tous par leurs œuvres nostalgiques.

Art brut

Art brut Jean Dubuffet (1901-1985) est une expression inventée pour désigner les œuvres d’art réalisées par des personnes extérieures au monde de l’art établi, telles que les artistes solitaires, les inadaptés, les patients en institution psychiatrique et les résidents marginaux de toutes sortes – généralement non destinés à être exposés. ou de profit. En anglais, le terme " Art brut "(une phrase inventée par Roger Cardinal en 1972) est parfois utilisée pour décrire ce type de travail. Selon Dubuffet, ce type d’art détaché de la culture possédait une originalité unique, sans faille dans l’éducation. La collection d’Art brut de Dubuffet, qui compte finalement plus de 5 000 articles, a été présenté à la ville de Lausanne en 1972 et en 1976 a été ouvert au public.

Abstraction Biomorphique / Organique (fl.1930s, 1940s)

L’abstraction biologique / organique décrit un style d’art qui utilise des formes abstraites arrondies dérivées de la nature. Cela ne constituait pas un mouvement en tant que tel, mais plutôt un style d’art apparaissant dans les œuvres de nombreux artistes, tels que Wassily Kandinsky, Constantin Brancusi, Jean Arp, Joan Miro et Yves Tanguy, ainsi que des sculpteurs britanniques Barbara Hepworth. et Henry Moore. Voir également: Sculpture britannique moderne 1930-70. L’appel de l’abstraction organique a étendu les expressionnistes abstraits, ainsi que des légions de designers de meubles américains et européens, dont Charles Eames (1907-1978), son épouse Ray Eames (1912-1988), Isamu Noguchi (1904-1988) et le Finlandais. Eero Saarinen (1910-1961). Le style a perduré au-delà des années 1950 et est visible dans le travail d’artistes 3D tels que les designers Ron Arad, Verner Panton et Oscar Tusquets, ainsi que les sculpteurs Linda Benglis, Richard Deacon, Anish Kapoor, Ursula von Rydingsvard et Bill Woodrow.

Ecole St Ives (1939-1975)

le Ecole St Ives Colonie d’art britannique basée à St Ives, une ville de pêcheurs de Cornouailles, elle était associée à l’artiste abstrait Ben Nicholson et à sa femme, la grande sculpteur Barbara Hepworth, qui s’installèrent près de la ville en 1939 et rejoignirent peu après (jusqu’en 1946).) du sculpteur constructiviste russe Naum Gabo. L’artiste britannique Bernard Howell Leach, qui vit à St Ives depuis 1923, lorsqu’il fonda un atelier de poterie avec son collègue céramiste, Shoji Hamada, était également britannique. Après 1945, au fur et à mesure de l’arrivée d’autres artistes, St Ives devint un centre d’art moderne et abstrait, dont une grande partie était issue du paysage local. Les principaux membres de l’école étaient Wilhelmina Barns-Graham, Paul Feiler, Terry Frost, Patrick Heron, Roger Hilton, Peter Lanyon, Karl Weschke et Bryan Wynter. En 1993, Tate St Ives, une galerie d’art construite à cet effet a été ouverte sur la plage de Porthmeor pour exposer la collection d’œuvres d’art de la State School de la Tate. À proximité, vous trouverez également le musée Barbara Hepworth et le jardin de sculptures, créé en 1980.

Art existentiel (fin des années 1940, années 1950)

L’existentialisme était une philosophie populaire qui s’est développée autour des écrits des Français Jean-Paul Sartre et Albert Camus, dans les années 1940 et 1950. Il a eu un effet significatif sur les arts visuels, où ses thèmes d’aliénation, ainsi que d’angoisse face à la condition humaine, se retrouvent également dans les œuvres de l’expressionnisme abstrait américain et d’Art Informel, ainsi que dans les œuvres de l’artiste. Groupe COBRA , le groupe français Homme-Temoin , le groupe artistique British Kitchen Sink et le groupe American Beats, tous qualifiés de temps à autre d’Existential. Il en va de même pour de nombreux peintres et sculpteurs: à l’instar des artistes français Jean Fautrier, Germaine Richier et Francis Gruber; le sculpteur suisse Alberto Giacometti; ainsi que Francis Bacon et Lucien Freud. Pour un artiste ultérieur dont le travail est inextricablement lié à "l’absurdité" existentielle de la vie, voir le sculpteur contemporain Eva Hesse (1936-1970).

Mouvement expressionniste abstrait (c.1947-65)

Expressionisme abstrait était un mouvement parapluie majeur de l’art américain à la fin des années 1940 et dans les années 1950, qui consistait en une série de styles différents. Largement basé autour des artistes à New York, il est parfois appelé le École new yorkaise . Comme son nom l’indique, le style général était abstrait, mais, au lieu de suivre l’idiome géométrique cubiste, il suivait un cours expressif ou émotionnel. Les principaux styles de composants comprenaient: l’ action-peinture animée dans son intégralité (développée par Jackson Pollock, Lee Krasner); Peinture gestuelle (développé par Willem de Kooning); Peinture de champ de couleur (pratiqué par Mark Rothko, Barnett Newman, Clyfford Still), et " Peinture de bord dur "(inventé par Frank Stella), dont la plupart ont été exécutés à une échelle monumentale. Une autre contribution majeure a été apportée par Josef Albers, ancien peintre du Bauhaus, avec sa série" Homage to the Square ".

Art Informel (fl.1950s)

Le terme français Art Informel , signifiant art sans forme, était l’équivalent européen de la peinture expressionniste abstraite , qui a dominé le monde de l’art de 1946 à la fin des années cinquante environ. Formé par le sculpteur et écrivain français Michel Tapié dans son livre de 1952 " Un Art Autre ", il était l’un des mots à la mode utilisés par les critiques (un autre être " Abstraction Lyrique ") pour définir le style expressionniste abstrait sans formes qui est apparu à cette époque, tant en Amérique qu’en Europe. Les œuvres en question variaient dans les styles, mais étaient généralement caractérisées par l’absence de structure compositionnelle, qui représentait (du moins dans l’esprit de Tapié) une rupture fondamentale avec la tradition artistique. Parmi les principaux artistes d’Art Informel figuraient Maria Helena Vieira da Silva, Jean Fautrier, Wols (Alfred Otto Wolfgang Schulze), Nicolas de Stael, pour ne citer que quelques-uns.

Tachisme (années 1950)

Le terme Tachisme – dérivé du mot français "taché" qui signifie "tache" – décrit un type de peinture abstraite populaire à la fin des années 1940 et dans les années 1950, caractérisé par l’utilisation de touches irrégulières ou de tâches de couleur. Le livre " Un autre art " de Michel Tapie ayant été largement utilisé , le tachisme s’est initialement développé indépendamment du mouvement expressionniste abstrait américain et est resté essentiellement un phénomène français, bien qu’il soit couramment utilisé comme étiquette générique pour l’expressionnisme abstrait européen. Les pratiquants comprenaient Karel Appel (1921-2006), Jean Fautrier, Georges Mathieu et l’artiste né en Allemagne mais basé à Paris, Alfred Otto Wolfgang Schulze, connu sous le nom de WOLS. En Australie, Tachisme a été adopté par la Sydney School. Pour plus de détails, voir: Peinture moderne australienne (1900-1960).

De manière quelque peu déroutante, le terme de tachisme a été utilisé différemment dans les années 1880 par le critique Felix Feneon pour décrire la technique de peinture des impressionnistes, et à nouveau dans les années 1900 par l’artiste Maurice Denis faisant référence à la technique italienne. Macchiaioli artistes et les peintres fauves parisiens.

Arte Nucleare (1951-1960)

Le Movimento d’Arte Nucleare italien, lancé en 1951 par l’artiste italien Enrico Baj, était un mouvement artistique à la conscience politique qui produisait des peintures et des collages "pour l’ère nucléaire". Les géométriques abstraits évités favorisent les formes plus fluides, caractéristiques du style Art Informel. Les travaux de Baj comprenaient des images rappelant les nuages ​​de champignons atomiques et les paysages urbains dévastés. Parmi les autres membres du mouvement figuraient les peintres Sergio Dangelo, Gianni Bertini et Gianni Dova. Plusieurs spectacles d’Arte Nucleare ont eu lieu dans diverses salles d’Italie, mais le mouvement s’est effondré à la fin de la décennie.

Assemblage (à partir de 1953)

Le terme Assemblage d’art Jean Dubuffet a été créé en 1953 pour désigner un type de travail construit à partir de fragments d’objets naturels, préformés ou trouvés, tels que débris ménagers, débris urbains, animaux empaillés, voire tout matériau (généralement reconnaissable), grand ou petit. En règle générale, les éléments sont sélectionnés et combinés pour leurs propriétés visuelles (sculpturales), ainsi que leurs attributs expressifs. Bien que généralement considéré comme la contrepartie tridimensionnelle du collage, Assemblage comprend à la fois des collages 2D et des photomontages, ainsi que des sculptures 3D et des environnements de salle entière. La forme d’art a gagné en popularité après une exposition intitulée "The Art of Assemblage" qui s’est tenue au Museum of Modern Art de New York (1961), où l’une des œuvres les plus insolites de Cesar Baldaccini (1921-1998) a été réalisée automobiles compressées.L’artiste new-yorkais Robert Rauschenberg, dont les assemblages novateurs des années 1950 et 1960 ont énormément contribué à ce genre, a été l’un des principaux représentants de ce genre.

Néo-Dada (1953-1965)

Art néo-dada était un terme presque synonyme de Pop-Art américain ancien, en particulier des œuvres de Robert Rauschenberg et de Jasper Johns à New York à la fin des années 1950 sur les collages et les assemblages. Pop-Art a également partagé l’approche subversive de Dada, en gonflant délibérément la signification esthétique des objets et images bas-sourcils, à la grande consternation de nombreux critiques et conservateurs "sérieux". Les méthodes de production de l’ usine d’Andy Warhol, associées à sa créativité et à sa notoriété iconoclastes, font écho aux singeries et aux tactiques de choc de l’artiste dada Marcel Duchamp, il y a 40 ans. Un autre mouvement, étroitement lié au dadaïsme, est Fluxus , fondé par George Maciunas et apparu au début des années 1960 en Allemagne et à New York.

Art de l’évier de cuisine (1954-57)

Un terme inventé par le critique David Sylvester, apparu pour la première fois dans le numéro de décembre 1954 du journal Encounter , dans une description du travail de quatre artistes britanniques (John Bratby, Derrick Greaves, Edward Middleditch et Jack Smith), connus sous le nom de Beaux Arts. Quatuor. Il soulignait le sujet quotidien (meubles, couches pour bébés, ustensiles de cuisine, toilettes) du quatuor, dont la célébration du banal dans la vie des gens ordinaires consistait à tenter de rendre l’art plus pertinent et accessible, tout en faisant un commentaire social clair.. Le «mouvement» de l’évier de cuisine a atteint son apogée en 1956, lorsque les membres du Quatuor de Beaux Arts ont été choisis comme représentants britanniques à la Biennale de Venise.

Pop Art (1958-1970)

Le terme Pop Art décrit un style d’art – émergeant simultanément en Amérique et en Grande-Bretagne – qui puise son inspiration, ses techniques créatives et sa philosophie dans la culture populaire et commerciale. Ces sources populistes ou consuméristes englobent le cinéma, la publicité, le conditionnement de produits, la musique pop et les bandes dessinées. Le mouvement britannique se distingue de son homologue américain par son attitude moins audacieuse, plus romantique et plus nostalgique. Une version continentale de la pop, Nouveau Réalisme, est également apparue, même si elle entretient des liens plus étroits avec le mouvement anti-art dada. Le pop art a commencé au milieu des années 50 et a culminé au milieu des années 60 sous l’influence d’Andy Warhol et d’autres. Inspiré aux États-Unis par les travaux pionniers de Robert Rauschenberg et de Jasper Johns, Pop avait également des affinités avec des mouvements du début du XXe siècle comme le surréalisme. En partie, c’était une révolte contre le purisme artistique fermé de l’expressionnisme abstrait, à partir duquel les artistes pop cherchaient à se démarquer en utilisant des images simples et facilement reconnaissables, ainsi que des technologies modernes de gravure telles que la sérigraphie. Parmi les artistes Pop célèbres aux États-Unis, citons Jim Dine (né en 1935), Robert Indiana (alias John Clark) (né en 1928), Jasper Johns (né en 1930), Alex Katz (né en 1927), Roy Lichtenstein (1923). 97), Claes Oldenburg (né en 1929), Edward Ruscha (né en 1937), Robert Rauschenberg (1925-2008), James Rosenquist (né en 1933), Andy Warhol (1928-1987) et Tom Wesselmann (né en 1931).. Parmi les artistes britanniques célèbres, citons Sir Peter Blake (né en 1932), Patrick Caulfield (1936-2006), Richard Hamilton (né en 1922), David Hockney (né en 1937), Allen Jones (né en 1937), RB Kitaj (1932), Sir Eduardo Paolozzi (1924-2005). Voir aussi notre guide pourVoir aussi notre guide pourVoir aussi notre guide pourLes artistes pop ont cherché à se démarquer en utilisant des images simples et facilement reconnaissables, ainsi que la technologie de gravure moderne telle que la sérigraphie. Parmi les artistes Pop célèbres aux États-Unis, citons Jim Dine (né en 1935), Robert Indiana (alias John Clark) (né en 1928), Jasper Johns (né en 1930), Alex Katz (né en 1927), Roy Lichtenstein (1923). 97), Claes Oldenburg (né en 1929), Edward Ruscha (né en 1937), Robert Rauschenberg (1925-2008), James Rosenquist (né en 1933), Andy Warhol (1928-1987) et Tom Wesselmann (né en 1931).. Parmi les artistes britanniques célèbres, citons Sir Peter Blake (né en 1932), Patrick Caulfield (1936-2006), Richard Hamilton (né en 1922), David Hockney (né en 1937), Allen Jones (né en 1937), RB Kitaj (1932), Sir Eduardo Paolozzi (1924-2005). 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Op-Art ( Art optique) (fl.1965-70)

Un raffinement de la peinture Hard Edge, Op-Art était un type d’art non objectif qui utilisait des motifs géométriques en noir et blanc pour créer une variété d’effets optiques sur la physiologie et la psychologie de la perception du spectateur. Dans la mesure où il a créé l’illusion du mouvement, le style est mieux perçu comme faisant partie de l’ art cinétique plus large. mouvement. Par exemple, en bombardant les yeux de cette manière, les peintures les amènent à "voir" des couleurs ou des formes qui ne sont pas réellement présentes, ou à confondre le fond avec le premier plan, etc. En dépit de ses effets étranges, parfois inquiétants, Optical Art était parfaitement en ligne avec les canons traditionnels des beaux-arts. N’oubliez pas que toute peinture traditionnelle est basée sur "l’illusion" de profondeur et de perspective. Op-Art a simplement étendu la nature illusoire de l’art en interférant avec les règles régissant la perception optique. Parmi les artistes abstraits célèbres, citons Bridget Riley, Victor Vasarely, Richard Anuszkiewicz, François Morellet et Jesús-Rafael Soto. La série Homage to the Square de Josef Albers était également un type d’art optique, de même que les dessins illusoires de MC Escher. Voir également Peinture contemporaine britannique (1960-2000).

Nouveau réalisme (années 1960)

Fluxus rencontre Dada, conceptualisme, Nouveau Réalisme est un mouvement français très avant-gardiste lancé en 1960 par Yves Klein, dont le manifeste, "Déclaration constitutive du nouveau réalisme", avait pour objectif de "créer de nouvelles façons de percevoir le réel." Les membres fondateurs étaient Pierre Restany, Yves Klein, Martial Raysse, Daniel Spoerri, Jean Tinguely, François Dufrene, Raymond Hains et Jacques de la Villegle. Plus tard, les membres étaient Mimmo Rotella, Niki de Saint Phalle et Gérard Deschamps. Le groupe perd son élan après la mort d’Yves Klein en 1962, qui a personnellement privilégié le nom de "réalisme d’aujourd’hui " ( realisme d’aujourd’hui ). Pour en savoir plus sur Nouveau Réalisme et son fondateur, voir aussi: L’art postmoderniste d’Yves Klein (1956-1962).

Les œuvres de Nouveau Réaliste étaient souvent caractérisées par le collage, le décollage et l’assemblage, à l’aide d’objets de la vie réelle. De cette manière, le Nouveau Réalisme révèle ses liens avec Dada en général et les readymades de Marcel Duchamp en particulier. Le Pop-Art américain est une autre influence importante, illustrée par l’utilisation par le mouvement d’objets commerciaux de masse et d