Claude Lorrain: Peintre paysagiste, paysages italiens classiques Automatique traduire
Biographie
Une figure majeure de Peinture française, à Chamagne en Lorraine, l’artiste connu sous le nom de Claude Gellee ou Claude Lorrain est l’un des meilleurs paysagistes du 17ème siècle. Il s’est spécialisé dans les paysages idéaux, forme traditionnelle de peinture de paysage cela vise à présenter une vision idyllique de la nature qui est encore plus belle et harmonieuse que la nature elle-même. Cette forme d’art paysager était régie par des concepts classiques et comportait généralement des ruines classiques et des figures pastorales en costume classique. Outre une brève visite en Allemagne et en France de 1625 à 1627, Claude Lorrain a passé toute sa vie active en Italie. Son travail doit être examiné dans le contexte de l’école romaine de Art baroque. En effet, avec Nicolas Poussin (1594-1665), il était l’un des plus importants représentants de l’idiome classique au sein de Peinture baroque. Les œuvres de Claude sont axées sur les préoccupations majeures de l’art italien du XVIIe siècle, à savoir l’étude de la nature et l’exploration de la lumière. Ses réalisations dans ces domaines le classent parmi les plus grands de ses contemporains, bien qu’il se soit limité à explorer la peinture de paysage, à la différence des autres pays. Maîtres Anciens tel que Rubens (1577-1640), Rembrandt (1606-69), et Poussin pour qui ce n’était qu’un aspect de leur approche. Claude a radicalement élargi le concept de paysage en lui attribuant une signification historique sans sacrifier sa sensibilité aux effets de la nature. De cette manière, le style claudéen a développé la tradition classique de la peinture de paysage qui s’est développée en Italie depuis la Renaissance du Quattrocento. Voir, par exemple, Classicisme et naturalisme dans la peinture italienne du XVIIe siècle. Pour une approche différente du paysage, voir Salvator Rosa (1615-73) et ses œuvres anti-classiques.
Sources biographiques
Il existe deux sources pour la vie de Claude: les biographies de Joachim von Sandrart ) Academia Artis Pictoriae, 1683) et de Filippo Baldinucci. Sandrart (1606-88) était un contemporain de Claude au cours de ses premières années en Italie. Il était l’un des nombreux artistes du Nord qui ont afflué à Rome au début du 17ème siècle et avec qui Claude a été initialement associé. Sandrart a accompagné Claude lors de nombreuses expéditions dans la campagne autour de Rome qui restèrent sa plus grande inspiration. Sa biographie est particulièrement précieuse pour son récit de première main de la méthode de travail de Claude – en particulier des études de Nature qui constituent la base de son art. En comparaison, Baldinucci (1624-1696) appartenait à la génération d’après Claude et tirait l’essentiel de ses informations auprès du neveu de l’artiste. Il s’agit d’une biographie plus professionnelle, détaillée et objective, mais moins circonstancielle. Tous deux tendaient à souligner la naïveté supposée du peintre, mais la vision moderne apprécie plus justement le contenu intellectuel de son peintre. art et le sérieux du but de cet artiste attentif et consciencieux.
Entraînement sous Agostino Tassi
Né Claude Gellee, le troisième de cinq fils, à Chamagne en Lorraine, Sandrart affirme avoir été à l’origine apprenti chez un pâtissier, tandis que Baldinucci affirme avoir commencé dans l’atelier de son frère aîné, graveur sur bois à Strasbourg. Quoi qu’il en soit, sa première formation importante a commencé en Italie, où il était arrivé en 1615. Il a peut-être travaillé pour le peintre allemand Gottfried Wals à Naples pendant les deux premières années, mais la première preuve certaine d’une formation artistique est son apprentissage chez Agostino Tassi. (1580-1644) à Rome, en 1618. Il resta chez cet artiste jusqu’en 1625. Le tassi fut une influence majeure dans la formation du style de Claude – en tant que peintre paysagiste décoratif travaillant principalement pour fresque, son art est fermement basé sur les traditions classiques du paysage. Il utilisait des éléments de scènes de paysage et de côte, avec des figures pastorales, bibliques ou mythologiques, une architecture et des transports maritimes. Tous ces thèmes faisaient partie du style claudéen de la peinture de paysage.
Art du paysage
Il faut rappeler que dans la Contre-Réforme du XVIIe siècle, Rome était le centre philosophique de l’art italien et une ville encore fortement influencée par l’esprit Art de la Renaissance, le paysage en tant que sujet indépendant n’a pas été pris au sérieux. Classé 4 sur 5 dans le " Hiérarchie des genres ", il manquait la valeur esthétique et éthique des grands genres de peinture – à savoir la peinture d’histoire et le portrait. Pour surmonter cela, les paysagistes tels que Claude injectaient un récit mythologique et des thèmes nobles dans leurs images, afin d’ajouter un sérieux supplémentaire. Voir aussi: Adam Elsheimer (1578-1610).
Patrons
Après son retour en Italie en 1627, Claude reçut un certain nombre de commandes pour peintures murales dans les palais de certains hauts ecclésiastiques à Rome. Cependant, il a rapidement abandonné ce média en faveur de peinture à l’huile. Ses patrons sont restés des milieux aristrocatiques – les Médicis, le cardinal Bentivoglio, le pape Urbain VIII, Philippe IV d’Espagne. En cela, il se distinguait de son contemporain, Poussin, dont les peintures étaient généralement commandées par la bourgeoisie intellectuelle.
Première période: paysages marins, paysages
Dans sa première période, jusqu’aux années 1640, Claude a créé de nombreux paysages marins qui ont grandement développé les compositions assez schématiques de Tassi et de l’artiste flamand Paul Bril (1554-1626). Il réussit à relier les plans de ses compositions par de subtiles dégradés aériens qui produisirent une véritable unité d’ambiance. Ses paysages sont baignés de lumière – résultat de ses observations de la nature, comme en témoignent ses nombreuses études en plein air. Il fut le premier à tenter de représenter le soleil sur une toile et à explorer ses effets aussi précisément que possible.
Deuxième période: accentuation des éléments mythologiques
Dans sa deuxième période, des années 1640 jusqu’à sa mort, Claude naturalisme est de plus en plus affecté par un sentiment humaniste classique. Cela découle de son étude de l’art de Domenichino (1581-1641) et de Annibale Carracci (1560-1609), notamment dans les contributions de ce dernier aux fresques du palais Aldobrandini à Rome (vers 1604). Son objectif artistique est devenu plus ambitieux avec l’inclusion de sujets spécifiques tirés de la mythologie classique ou de la Bible. Ses compositions étaient plus posées et compliquées que les pastorales antérieures et peuvent être considérées comme totalement historiques: la forme du paysage dépend directement de la signification du sujet traité, et les personnages font partie intégrante de la composition. Ce style mature est brillamment représenté par des images telles que Paysage avec des danseurs (1669, Hermitage, Saint-Pétersbourg) et Vue de Carthage (1676, Kunsthalle, Hambourg), deux de ses meilleures peintures baroques, dans lequel Claude a manipulé les figures et les décors avec un grand effet dramatique.
Des années plus tard
À la recherche d’un style plus sévère et épique de La peinture, Claude s’est inspiré de l’ Énéide de Virgile qui lui convenait de mieux en mieux vers la fin de sa vie. Les dernières peintures réalisent un mélange suprême de sentiment poétique et art décoratif égale en sublimité à celle du poète classique. Il n’ya aucune perte perceptible dans la capacité technique ou son utilisation sublime de Couleur les tons. L’acceptation des qualités de Maniérisme admettons maintenant que sa manière très personnelle de manipuler ses personnages soit reconnue comme un ingrédient essentiel de son art et non comme un échec longtemps envisagé. Cela est assez évident dans son dernier tableau, Ascanius Tirant du cerf de Silvia (1682, Ashmolean Museum, Oxford), peint à son 82e anniversaire.
Style de peinture
Représentant par excellence du paysage classique, Claude présente un concept idéalisé de son thème – à quelques exceptions près, par exemple, les sites de ses peintures ont tendance à être imaginaires. La composition, en fonction des dimensions de la toile, contient un nombre variable de plans et d’éléments (groupes d’arbres, bâtiments). La mise en page tend à être basée sur de simples proportions mathématiques (tiers et quarts de hauteur ou de largeur). Presque toutes ses œuvres ont été exécutées par paires, illustrant le même thème et avec les mêmes proportions intérieures, mais contrastant dans la composition, l’atmosphère et l’heure de la journée, ainsi que dans des caractéristiques telles que l’espèce et la disposition des arbres, et même le style. de construction. La lumière froide venant de la gauche indique le matin; venant de la droite, avec ses chauds couchers de soleil, il indique le soir.
La conception que Claude avait du monde classique était d’une conception très différente de celle de Nicolas Poussin, l’autre géant de la peinture du XVIIe siècle, l’artiste qui a travaillé le plus étroitement pour lui au cours de sa vie. Les paysages de Poussin sont des constructions intellectuelles qui dépendent directement de l’imagination de l’artiste. Les paysages de Claude, non moins idéaux et moins «extérieurs» que ceux de Poussin, sont enracinés dans son observation du monde naturel. C’est ce naturalisme précoce qui a rendu son art si attrayant pour les générations suivantes, en particulier pour ceux qui sont tombés sous le charme du terrain classique de l’Italie.
Comparez le style réaliste réaliste hollandais de la peinture de genre popularisé en France par Le Nain Brothers, au début du 17ème siècle.
Dessins
Avec plus de 1 200 dessins à son actif, tous hautement qualifiés, Claude est l’un des plus grands maîtres du art du dessin (le British Museum possède à lui seul plus de 500 de ses œuvres sur papier). Il existe en fait deux groupes principaux de dessins, les études de la vie réalisées sur un thème particulier et celles réalisées en atelier, qui sont typiques du travail ultérieur de l’artiste. Mais que ce soit à l’extérieur ou en studio, tous ses dessins révèlent la même structure soignée et les mêmes effets picturaux et peuvent donc être numérotés parmi ses œuvres finies.
Claude a conservé plusieurs albums de dessins en guise d’enregistrement de ses progrès artistiques, dont l’album Wildenstein qui contient 60 dessins couvrant toute sa carrière et qui révèle l’influence de Tassi et de Deruet dans les années 1620, celui de Breenburgh vers 1630 et le développement de son style mature après 1633.
Après 1636, Claude nota soigneusement ses compositions et ses patrons dans un livre de 200 pages, le Liber Veritatis (Livre de la vérité, British Museum). Ce livre est une série chronologique de dessins à la plume – de ses principales commandes – qui sont une réalisation aussi remarquable que ses peintures. Environ 50% sont des études de la nature. Dessinés librement à la craie ou à la plume, à l’encre et au lavis, ils sont plus spontanés que ses peintures ou ses dessins d’atelier et constituent une collection de motifs informels – arbres, ruines, cascades, parties de prairies ou vues de rivières au soleil – dont Claude a été témoin esquisse expéditions dans la campagne italienne. Le livre a été gravé deux fois par Earlom dans les années 1770, puis par Caracciolo en 1815.
Héritage
Claude n’avait qu’un seul élève, Angeluccio, qui mourut jeune, mais l’influence de sa peinture, surtout de sa première période, fut immense, même de son vivant, particulièrement sur Dughet et son école et sur certains réalistes hollandais, comme Aelbert Cuyp, qui a peint à l’italienne. Au XVIII e siècle en Angleterre, le style claudien tant admiré avait un impact tangible sur la configuration de nombreux domaines et avait une influence majeure sur l’école anglaise, de Richard Wilson (1714-1782) au grand JMW Turner (1775-1851). En Italie, son exemple a été suivi jusqu’au début du XIXe siècle par des paysagistes classiques tels que Orizzonte, Vanvitelli, Locatelli et Anesi. Son influence s’étendit à la France (Patel, Rousseau) et à Artistes baroques allemands, pour qui Claude en est venu à représenter l’idée même de l’Italie en peinture.
Mais Claude reste avant tout un peintre de la nature, raison pour laquelle le grand John Constable (1776-1837) – une des figures principales de la École anglaise de peinture de paysage – a décrit Claude Lorrain comme "le paysagiste le plus parfait que le monde ait jamais vu".
Peintures de Claude Lorrain
Un des plus grands du 17ème siècle Artistes baroques français, des œuvres de Claude Lorrain sont exposées dans bon nombre des meilleurs musées d’art du monde, comme le montre la liste de ses peintures de paysages célèbres.
Paysage avec des bovins et des paysans (1629) Philadelphia Museum of Art.
Paysage avec des marchands (1630), National Gallery of Art, Washington DC.
Paysage avec Goatherd (1636), Galerie nationale, Londres.
Le Ford (1636) Metropolitan Museum, New York.
Port avec Villa Medici (1637) Galerie des Offices, Florence.
Découverte de Moïse (1638) Musée du Prado, Madrid.
Paysage pastoral (1638) Institut des arts de Minneapolis.
Seaport (1639) Galerie nationale, Londres.
Port maritime au coucher du soleil (1639), Louvre, Paris.
Vue de la campagne (1639), collection d’art royal britannique, Londres.
Embarquement de Sainte Paula Romana à Ostie (1639) Prado, Madrid.
L’embarquement de Sainte Ursule (1641), Galerie nationale, Londres.
Le débarquement de Cléopâtre à Tarse (1642), Louvre, Paris.
Les femmes de Troie mettent le feu à leur flotte (1643) The Met, NY.
Vue de Tivoli au coucher du soleil (1644), musée d’art de San Francisco.
Mercure volant les boeufs d’Apollon (1645) Galleria Doria-Pamphilj, Rome.
Paysage w. Céphale et Procris réunis par Diana (1645), Londres.
Le jugement de Paris (1645-1646), Galerie d’art nationale, Washington DC.
Lever de soleil (1646-1647) Metropolitan Museum, New York.
Paysage avec le mariage d’Isaac et Rebekah (1648), Londres.
Embarquement de la reine de Saba (1648), Galerie nationale, Londres.
Paysage avec Paris et Oenone (1648) Louvre, Paris.
Vue de La Crescenza (1648-1650) Metropolitan Museum of Art, New York.
Paysage avec figures dansantes (1648) Galleria Doria-Pamphili, Rome.
Vue de la Crescenza (1648-50) Metropolitan Museum, New York.
Le repos lors de la fuite en Égypte (1651-61) Hermitage, Saint-Pétersbourg.
Paysage avec Acis et Galatea (1657) Gemaldegalerie, Dresden.
Paysage avec Apollo et Mercure (1660) Collection Wallace, Londres.
Scène de côte avec le viol d’Europe (1667) Collection royale, Londres.
L’expulsion de Hagar (1668) Alte Pinakothek, Munich.
Port maritime (1674) Alte Pinakothek, Munich.
Ascanius tirant du cerf de Sylvia (1682), musée Ashmolean, Oxford.
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