Goya: peintre d’histoire espagnol, artiste de portrait, graveur Automatique traduire

Le peintre espagnol Francisco José de Goya y Lucientes est considéré comme une figure clé de la peinture espagnole et un important précurseur de l’art moderne. Ses portraits, dessins figuratifs et gravures ont représenté des événements historiques importants de la fin du XVIIIe siècle et du début du XIXe siècle en Espagne. Il est surtout connu pour ses peintures d’une grande violence émotionnelle, en particulier celles qui représentent l’invasion de l’Espagne par Napoléon.

Parmi ses œuvres les plus connues figurent «Macha nue» (vers 1797), «Macha habillée» (vers 1800), «Troisième mai 1808» (1814) et «Saturne dévorant son fils» (1819), qui sont conservées au Museo del Prado à Madrid. Parmi ses autres œuvres, citons Scène de l’Inquisition (1800, Accademia S. Fernando) ; Portrait de Charles IV et de sa famille (1800, Prado) ; Colosse (Géant) (1810, Prado) ; Portrait du duc de Wellington (1814, National Gallery, Londres). Son romantisme sombre est illustré par les séries «Fantaisie et invention» (peintures, 1793), «Caprices» (eaux-fortes, satire politique, 1799), «Désastres de la guerre» (aquatintes, 1812-15) et «Peinture noire» (14 fresques, 1819-23).

Biographie

Goya est né en 1746 à Saragosse, un petit village du nord de l’Espagne. Quelques années plus tard, la famille déménage à Saragosse et son père travaille comme doreur. Vers l’âge de 14 ans, Goya entre en apprentissage chez un artiste local, José Luzán, qui lui apprend le dessin et, comme c’était la coutume à l’époque, le jeune Goya passe des heures à copier des gravures des maîtres anciens . À l’âge de 17 ans, Goya s’installe à Madrid et subit l’influence du peintre et graveur vénitien Giambattista Tiepolo et du peintre Anton Raphael Mengs . En 1770, il s’installe à Rome, où il remporte le deuxième prix d’un concours des beaux-arts organisé par la ville de Parme.

Reconnaissance

Il reçoit sa première commande importante en 1774, en dessinant 42 motifs pour décorer les murs de pierre de l’Escorial et du Palacio Real de El Pardo, les nouvelles résidences de la monarchie espagnole. Ce travail a attiré l’attention de la monarchie espagnole, ce qui lui a valu d’être nommé peintre du roi en 1786.

Les peintures de Francisco Goya

Goya était un observateur attentif des gens et ne cessait de dessiner la vie quotidienne. Cependant, après avoir été victime d’une fièvre en 1792, Goya est devenu définitivement sourd. Isolé des gens par sa surdité, il s’enferme dans son imagination et un nouveau style se dessine, plus satirique, plus proche de la caricature. Son œuvre prend de plus en plus une tournure macabre, comme en témoigne par exemple une série de treize tableaux «Fantaisies et inventions», 1793 - une fantaisie cauchemardesque dramatique avec des fous dans la cour. Au moment où il réalise ces séries de tableaux, Goya lui-même se remet d’une dépression nerveuse.

Le romantisme lugubre

En 1799, il réalise une série de 80 eaux-fortes intitulées Los Caprichos (Caprices ou Fancies), commentant divers comportements humains à la manière de William Hogarth.

En 1812-15, après la guerre napoléonienne, il réalise une série de gravures à l’aquatinte intitulée «Les désastres de la guerre», représentant des scènes choquantes et horribles du champ de bataille. Ces gravures sont restées inédites jusqu’en 1863. Comparez la représentation réaliste de la guerre par Goya avec la représentation plus romantique d’Antoine-Jean Gros (1771-1835).

En 1814, pour commémorer le soulèvement des Espagnols contre les troupes françaises à la Puerta del Sol à Madrid, Goya crée l’un de ses plus grands chefs-d’œuvre, «Le Troisième Mai 1808» (1814, Prado, Madrid), qui est reconnu comme l’un des premiers véritables tableaux de l’art moderne .

Après 1815, Goya se retire pratiquement de la vie publique et devient de plus en plus renfermé et expressif dans son œuvre, qui fait écho au Greco plusieurs années avant lui. Une autre série de peintures, quatorze grandes fresques connues sous le nom de «Peintures noires» (1819-23), dont «Saturne dévorant l’un de ses enfants» (1821, Prado, Madrid), révèlent un monde extraordinaire de fantaisie et d’imagination noires.

Ses dernières années

Son œuvre s’étend sur plus de 60 ans et, au fil du temps, il devient de plus en plus critique à l’égard du monde. Il a ressenti de l’amertume et de la désillusion à l’égard de la société au fur et à mesure que le monde autour de lui changeait, et a exprimé ces émotions à travers son art.

En 1824, après de grands bouleversements politiques en Espagne, Goya décide de s’exiler en France. Il y travaille jusqu’à sa mort en 1828, à l’âge de 82 ans. Vers la fin de sa vie, il devient encore plus solitaire, se plongeant dans la folie et la fantaisie.

Le rôle de Goya dans l’histoire de l’art ne se limite pas à ses superbes portraits. Outre sa maîtrise de la gravure, son style de peinture dramatique a influencé une grande partie de l’art français du XIXe siècle, et son œuvre a été le précurseur du mouvement expressionniste et un important précurseur de l’art moderne. Avec Velázquez et Picasso, il est considéré comme l’un des trois meilleurs peintres espagnols.

Francisco José Goya : sa vie et son œuvre

Deux virtuoses espagnols : Goya contre Velázquez

Avant l’ère moderniste, l’Espagne a produit deux de ses plus grands artistes - le calme Velázquez et le turbulent Goya. Semblables par leur génie, ils étaient dissemblables par tout le reste. Velázquez était un spectateur souriant de la tragicomédie de la vie. Goya était un acteur exubérant. Vélasquez, le philosophe, secouait la tête avec condescendance et disait : "Quels imbéciles sont ces mortels." Goya, le combattant, brandit son poing de façon menaçante et s’écrie : "Quelle canaille que ces mortels!". Et il n’était pas le pire des tyrans. Vélasquez et Goya étaient tous deux des Espagnols dans l’âme. Mais l’esprit de la peinture de Velasquez était avant tout national, tandis que l’esprit de la peinture de Goya était toujours universel. Velázquez était un citoyen espagnol. Goya était un homme du monde.

Velázquez a dépeint la vie de ses compatriotes. Goya a dépeint la vie de l’humanité. Goya était l’un des artistes les plus complets du monde. On peut l’appeler le Shakespeare du pinceau. Son imagination s’étendait à tous les domaines. Son génie s’étendait aux portraits, aux paysages, à la peinture mythologique, aux histoires réalistes, aux représentations symboliques, à la tragédie, à la comédie, à la satire, à la farce, aux hommes, aux dieux, aux diables, aux sorcières, au visible et à l’invisible et, comme dans le cas du génie extravagant de Shakespeare, à l’excursion occasionnelle dans l’obscène.

Physiquement, cet exubérant chevalier de la dague et du pinceau était plus imposant que beau. D’une taille légèrement inférieure à la moyenne, il avait la silhouette d’un athlète. Les traits de son visage étaient rudes et irréguliers, mais il y brûlait le feu d’une impétuosité irrépressible. Ses yeux d’un noir profond s’illuminaient soudain de l’audace d’un enfant prêt à faire une farce. Son nez était épais, charnu, sensuel. Ses lèvres étaient fermes, agressives et impassibles. Mais dans leurs coins, il y avait parfois un sourire d’amusement bon enfant. Son menton était le menton rond, sensible et lisse d’un amoureux. Un amoureux de la vie, du plaisir, de la beauté. Il aimait également trois choses : flirter avec une jeune fille, se battre en duel et peindre des tableaux. Il était passé maître dans l’art de vivre dans la promiscuité - un audacieux, un bagarreur, un coureur de jupons, un matelot, un brigand et un rêveur : Don Juan de Saragosse!

Premières années

Francisco José Goya y Lucientes, fils d’un paysan de la province d’Aragon, naît le 13 mars 1746, à une époque où l’art espagnol est au plus bas. Le réalisme baroque espagnol de Velázquez et Ribera avait dégénéré en figures roses et blanches anémiques de peintres du XVIIIe siècle en manque d’inspiration. Ces artistes possédaient le génie de la médiocrité. Le monde était vieux et très fatigué. Il dormait sous les neiges de l’une des époques hivernales de l’histoire. Personne ne se doutait, lorsque Goya se promenait dans les champs de son village natal de Fuendetodos, qu’il avait devant lui le jeune homme qui inaugurerait un nouveau printemps. La dernière chose que Goya lui-même savait de son destin était qu’il était un jeune homme. Pour occuper ses mains occupées, il s’amusait à faire des croquis dans les champs bordant la route de Saragosse.

Un jour, en 1760, un moine marchait lentement sur cette route en lisant son bréviaire. Une ombre s’étendit sur son chemin. En levant les yeux, il vit un jeune homme qui faisait des dessins au fusain sur le mur d’une grange. Le moine, un peu expert, s’arrêta pour examiner le travail du jeune homme. Il fut stupéfait par l’habileté du jeune homme. «Ramène-moi chez tes parents", dit-il. "Je veux leur parler.

Arrivé à la ferme de Goya, il n’a aucun mal à convaincre les parents de lui confier l’enfant. C’est à ce moine anonyme que l’on doit l’éveil du génie caché de Goya et le renouveau de la peinture espagnole .

Goya a quinze ans lorsqu’il entre en apprentissage. Sur la recommandation de son protecteur ecclésiastique, il est admis dans l’atelier de Don José Luján Martínez . Il y reste cinq ans, acquérant une virtuosité exubérante de la couleur et du dessin, une admiration passionnée pour Vélasquez et un mépris sincère pour les conventions académiques de ses confrères. Parmi eux, il n’y en a qu’un seul pour lequel il éprouve le moindre respect, un peintre nommé Francisco Bayeu (1734-1795). Bien que Bayeu ait douze ans de plus que Goya, les deux élèves de Luhan se lient d’amitié.

Goya est un jeune homme sauvage

«Rapide» dans plus d’un sens. Goya et Baillieu étaient la vie de l’atelier - et le sujet de conversation de la ville. Ardents dans leur travail, déterminés dans leurs plaisirs et insouciants quant aux conséquences de leurs frasques, ils plongeaient tête baissée dans le maelström de la pègre aragonaise - chantant, dansant, buvant, faisant la fête, se querellant, tuant parfois pour le plaisir.

Goya a toujours été au premier rang des batailles de rue. Au cours d’une de ces bagarres, provoquée par une cause inconnue et insignifiante, trois jeunes gens appartenant à un groupe rival ont été laissés sans vie sur le sol. Quelqu’un avertit Goya que l’Inquisition a l’intention de l’arrêter. Préparant ses affaires à la hâte, il quitte Saragosse en pleine nuit et se dirige vers Madrid.

Madrid

Ici, sa réputation d’artiste l’a précédé. Bayeux, arrivé à Madrid peu avant lui, le présente à un Allemand Anton Raphael Mengs (1728-1779) (1728-1779), surintendant des beaux-arts de Madrid. Mengs, un artiste un peu plus que médiocre mais un peu moins qu’un professeur médiocre, s’occupait à l’époque de la décoration du palais royal de Madrid. Il exigeait de tous les élèves qui l’assistaient dans ce travail une obéissance servile et une imitation fidèle de ses propres idées inexpressives. Il invita Goya à le prendre dans son atelier comme l’un de ses assistants. Goya, dont les idées artistiques étaient supérieures à celles de Mengs, déclina l’offre.

Goya est venu à Madrid non pas pour trouver du travail mais pour poursuivre ses études. Malgré sa grande confiance en ses capacités, il ne se sent pas encore prêt pour une carrière professionnelle. Il croit fermement à la formule : l’argent facile grâce à l’étude. Il passe donc ses journées à étudier les trésors artistiques de la capitale. Et il passe ses nuits à conquérir le cœur des señoritas et des señoritas. Qu’elles soient célibataires ou mariées, les femmes sont toutes aussi désirables et disponibles les unes que les autres. Peu d’entre elles peuvent résister à ses avances impétueuses. L’épée au clair et la guitare à la main, il parcourait les rues et chantait pour conquérir le cœur des dames dont les messages écrits en secret lui parvenaient de derrière les fenêtres fermées. Les femmes l’adorent et les hommes en sont follement jaloux. Et ils avaient bien raison d’être jaloux.

Tôt ou tard, cette poursuite inconsidérée d’aventures amoureuses interdites devait lui coûter cher. En effet, elle a failli lui coûter la vie. Un matin, on le retrouva dans une rue, un poignard profondément enfoncé dans le dos. Pour le protéger de l’œil omniprésent de l’Inquisition, ses amis ont gardé le secret pendant un certain temps. Puis, lorsqu’il se porta bien, ils le firent sortir clandestinement de Madrid.

Italie

Cette fois-ci, Goya se rend en Italie. Là, comme à Madrid, il se consacre à l’étude des grands maîtres de la Renaissance et du Maniérisme, dont l’éphémère Caravage (1571-1610). Il applaudit la précision géométrique de leur dessin, il exalte la subtilité de leur clair-obscur, la qualité dramatique du caravagisme . Il admire la précision de leurs observations, s’incline devant le feu de leur génie - et refuse de se laisser influencer par l’un d’entre eux. Pendant la plus grande partie de sa vie, son inspiration est venue de l’intérieur et non de l’extérieur. Il n’a été éduqué par aucune école. Son art était strictement et entièrement le sien.

À Rome, comme à Saragosse et à Madrid, il vécut une vie d’aventures romantiques et dangereuses. "Une fois, raconte le signor Cardarera, Goya a gravé son nom au couteau sur la lanterne du dôme de Michel-Ange, ce qui lui a brisé le cou, sur l’angle d’une pierre qu’aucun des autres artistes, allemands, anglais ou français, qui l’avaient précédé dans cette folle ascension n’avait pu atteindre. Une autre fois, "il fit le tour du tombeau de Caecilia Metella, tenant à peine sur l’étroit rebord de la corniche".

Ce ne sont que les préambules d’une aventure encore plus dangereuse. Il rencontre une jeune fille à Rome, en tombe amoureux et la demande en mariage contre l’avis de ses parents. Prévenus à temps, ses parents la placent dans un couvent. Goya, déterminé à récupérer sa fiancée, tente de s’introduire dans le couvent pour l’enlever. Il est capturé et remis à la police. L’enlèvement d’une nonne dans une église sacrée était une affaire sérieuse. Seule l’intervention de l’ambassadeur d’Espagne l’a sauvé.

Retour en Espagne

Après s’être calmé, ne serait-ce que temporairement, Goya abandonne sa quête impossible et retourne à Madrid. Là, ses frasques précédentes sont heureusement oubliées. Il retrouve son vieil ami Bayeu, découvre qu’il aime la sœur de ce dernier, l’épouse et s’installe. Ses années d’études sont terminées. Il doit maintenant penser à gagner sa vie. Une nouvelle fois , Mengs lui propose un travail. Cette fois, Goya accepte l’offre. Acceptant de suivre les instructions de son employeur allemand, il s’empare des figures mythologiques sans vie de cet artiste et leur insuffle l’esprit d’hommes et de femmes vivants.

À cette époque, Goya n’a encore rien fait qui puisse le confirmer comme l’un des véritables grands artistes du monde. Il était considéré comme un simple playboy au pinceau habile. Mais voilà qu’il apparaît devant un public ébahi comme un play-boy inspiré. Son imagination débordante, ses dessins audacieux, ses jeux de couleurs, son humour et son sens inné du drame ont suscité l’enthousiasme d’un traditionaliste aussi endurci que Mengs lui-même.

Quant aux connaisseurs madrilènes, qui cherchaient en vain des signes de renouveau dans leur art national, ils accueillirent l’œuvre de Goya par une ovation. Goya accepta cette reconnaissance publique de son génie avec la même assurance qu’il acceptait les sourires de ses senoritas. Goya n’a jamais souffert d’un excès de modestie, ni d’ailleurs d’un excès de vanité. Il reconnaissait simplement en lui une puissance supérieure. "À trente ans, écrit M. Charles Iriarte, il savait qu’il lui suffisait de prendre un pinceau pour devenir un grand peintre.

Goya est un peintre de genre

Pendant cinquante ans, il a travaillé avec son pinceau, faisant le bonheur de sa génération et enrichissant les générations suivantes. Il a commencé par la peinture de genre, racontant des histoires colorées sur les occupations variées des gens - des scènes vives, vibrantes, énergiques de pièces de théâtre, de processions, de corridas, de voleurs, de mascarades, de cour, de séduction, de danses, de banquets, de pique-niques, de promenades, de querelles, de réconciliations - en bref, tout le panorama de la vie espagnole du dix-huitième siècle.

Ces tableaux ne sont pas toujours irréprochables dans leur conception. Certains taureaux, et parfois les figures humaines, sont dessinés avec des proportions anatomiques exagérées. Mais ces exagérations sont toujours intentionnelles. Elles sont conçues pour produire un certain effet dramatique. En les regardant, on a l’impression que si la nature n’a pas créé de telles créatures, elle a dû les créer. Après tout, Goya est un peintre, pas un photographe. C’est un réaliste avec de l’imagination. Et son art est si vivant, si spiritualisé, si impétueux, qu’il déclenche une étincelle d’imagination sympathique chez le spectateur le plus léthargique.

Goya l’herboriste

Durant cette période de son art, Goya reconnaît un maître, Diego Velázquez (1599-1660). Il réalise une série d’eaux-fortes dans lesquelles il reproduit les meilleurs tableaux de Velázquez. Cependant, «reproduit» n’est pas le mot juste. Il serait plus juste de dire qu’il les a recréés. Car Goya n’a jamais été un imitateur. Comme Shakespeare, il a marqué de son empreinte originale toutes les idées qui venaient à l’esprit de sa personnalité universelle.

Dans les gravures que Goya publia en 1778, il ne fit aucune injustice à Vélasquez. Au contraire, il lui a rendu un grand service. C’est comme s’il avait emprunté une somme d’argent à un ami et qu’il la lui avait ensuite rendue avec les intérêts. Aujourd’hui, ces gravures ont une valeur incalculable. Elles ont également eu une influence énorme : le génie symboliste allemand Max Klinger (1857-1920) n’est qu’un des nombreux artistes inspirés par l’œuvre de Goya.

Outre les peintures de genre et les gravures, Goya exécute à la même époque deux peintures religieuses : «Le Christ en croix» et «Saint François prêchant». Ces peintures, bien que vives en couleur et en intention, sont inférieures à ses autres œuvres. En effet, Goya ne se sentait pas à l’aise dans ces sujets.

Sa nature n’était pas religieuse. Ces deux tableaux ont toutes les qualités artistiques sauf une : la révérence. Pour ses contemporains, cependant, les peintures religieuses de Goya étaient aussi satisfaisantes que ses autres peintures et gravures. Le public espagnol avait loué leurs mérites et n’avait pas prêté attention à leurs défauts. Il l’idolâtre désormais comme son artiste national et oblige l’Académie de Saint-Marc, malgré la jalousie de ses ministres, à l’admettre dans ses rangs. C’est ainsi que le 7 mai 1780, Goya est publiquement honoré du titre officiel «d’académicien au mérite».

Goya portraitiste

Après avoir prouvé sa maîtrise de la peinture de genre et de la gravure et sa capacité à susciter l’enthousiasme du public avec ses peintures religieuses, Goya se tourne vers une autre branche de l’art : le portrait. Le succès est au rendez-vous dès le début. Se faire peindre par Goya devient la mode, voire la passion, de l’époque.

Devenu l’un des peintres les plus célèbres d’Espagne, son atelier est assailli du matin au soir par des clients riches et nobles. Cela est d’autant plus surprenant qu’il ne flatte aucun de ses sujets. Il les peignait tels qu’ils étaient, avec toutes leurs imperfections physiques et tous leurs défauts moraux. «"Nous voici", disent-ils au spectateur, "une bande de vauriens aussi flagrants que vous ne voudrez jamais en voir»". Ceci est particulièrement visible dans deux portraits de Maya, dont le sujet est inconnu mais dont on pense qu’il s’agit de la duchesse d’Albe, et dans un portrait du roi Charles IV et de sa famille .

Portraits de Maya

Les deux Maya sont deux représentations de la même femme, dans la même pose et avec la même expression faciale. Dans l’une des peintures, elle est nue, tandis que dans l’autre, elle est vêtue d’un long vêtement transparent de fine soie blanche qui enveloppe étroitement tous les contours séduisants de son corps. (Certains contemporains ont supposé que Goya avait peint la Maya vêtue pour son mari et la Maya nue pour lui-même).

Dans les deux tableaux, elle est allongée sur un canapé, les bras croisés sous sa tête, qui est surélevée sur un coussin, et le corps tourné de trois quarts vers le spectateur. Le pied droit repose légèrement sur le pied gauche. Les courbes du corps, la volupté à demi endormie des yeux et le sourire séduisant et fin des lèvres semblent centrés sur une seule pensée : "Je veux être désirée".

Le tableau produit un effet étrange. Il attire et repousse en même temps. Il y a de la beauté dans sa laideur et de la laideur dans sa beauté. L’interprétation du double portrait est inscrite en toutes lettres à chaque ligne : "Quelles coquines vous êtes, vous les femmes mortelles…". Mais quelles misérables désirables!

Un portrait royal

Un autre portrait - «Le roi Charles et sa famille» - démontre encore le mépris de Goya pour le genre humain. Charles IV confère à Goya le titre de premier peintre. Mais Goya, comme le montre ce tableau, n’a pas conféré à Charles IV le titre de premier Espagnol. Les traits du roi et de la plupart des membres de sa famille sont d’une vulgarité extrême. Ils ressemblent à une famille d’ouvriers déguisés en habits royaux.

Le roi avec son nez crochu et son sourire suffisant ; la reine avec ses gros bras nus, son double menton et ses traits richement ornés gonflés dans une auréole de stupidité pompeuse ; les princes et princesses du sang, au nombre de douze, chacun avec un visage aussi innocent que le plus jeune d’entre eux - une image de la royauté en décadence. Et pourtant, le roi et la reine étaient fiers de ce tableau. Ils y voyaient ce qu’ils voulaient y voir : la grande famille impériale représentée dans des proportions colossales sur une toile de taille gigantesque. Comme Goya a dû sourire secrètement en regardant cette œuvre achevée - une couvée de misérables mortels, avec des corps de titans et des âmes de puces!

Nous disposons maintenant d’environ deux cents portraits que Goya est connu pour avoir peints. Presque tous les personnages célèbres de l’époque ont accepté, à un moment ou à un autre, de se faire immortaliser par cet infatigable réaliste du pinceau. Le résultat est un commentaire éloquent sur les folies et les caprices de l’Espagne du XVIIIe siècle. Mais ces portraits ne constituent qu’une petite partie des tableaux dans lesquels Goya dépeint la comédie humaine de son époque.

Un peintre réaliste de la société espagnole

Il dépeint la vie agitée de la ville dans les tableaux «Chanteur de rue aveugle», «Marché aux poteries» , Femme aux légumes, Coureurs sur échasses, Carnaval, Fête de mai à Madrid, Maison de fous et Corrida . Il immortalise les travaux et les joies des villageois dans «Blanchisseuse à la piscine», «Récolte des foins», «Attaque de diligence», Veuve au puits, Mariage au village, Porteurs d’eau, Danse au village, Poteau graissé et Saisons . Il dépeint les horreurs de la guerre - car, malgré son esprit exubérant, il déteste le commerce organisé du massacre - dans une série de satires dévastatrices telles que The Massacre of 1808, Forever the Same Savagery, Les lits de la mort, La pendaison, Le garrot (méthode espagnole de strangulation utilisant un collier de fer et une vis), Les morts ne racontent pas d’histoires, J’ai vu des horreurs, et Ils n’ont personne pour les aider . Durs, honnêtes, réalistes, poignants, ils dressent un réquisitoire contre l’inhumanité de l’homme envers l’homme. Mais le plus caractéristique, peut-être, de tous les tableaux de Goya sont ses célèbres Caprices .

Les Caprices de Goya

Ces caprices, exécutés à l’eau-forte et à l’aquarelle, sont sans équivalent avant et après Goya. C’est tout un monde vu à travers un miroir déformant, des représentations mi-réalistes, mi-fantastiques d’hommes-bêtes et de bêtes-hommes, des scènes dépeignant la prédation, l’hypocrisie, la cruauté, la superstition, la licence, le faste, la violence, la stupidité et le destin inévitable de la créature appelée homme, qui commence sa vie dans l’espoir et la termine dans le désastre.

L’une de ces œuvres, intitulée «Jusqu’à la mort», représente une vieille femme dont les mains et le visage sont déjà devenus squelettiques, jubilant dans le miroir, tirant un luxueux bonnet sur ses cheveux ébouriffés, sous le regard de ses assistants qui s’efforcent de dissimuler leurs ricanements derrière des paumes tendues.

Dans une autre, au titre provocateur «La chasse aux dents», une femme effrayée, dans la lumière fantomatique de la lune, se faufile jusqu’à la potence et arrache les dents d’un criminel pendu. Son but? Utiliser ces dents comme amulette contre la maladie.

Un autre caprice, intitulé «Rise and Fall», dépeint l’impuissance de l’homme face au destin. Un géant aux jambes de bouc et au visage de diable vient d’attraper l’homme par les chevilles et de l’emporter vers le ciel. L’homme se réjouit de sa bonne fortune et de ses vêtements coûteux. Des flammes jaillissent de ses mains et de sa tête. Il est un roi parmi ses semblables! Dans son exaltation, il ne remarque pas, pauvre petit mortel, que d’autres hommes, comme lui, viennent d’être soulevés, pour ensuite s’effondrer tête baissée sur le sol. Ce Caprice pessimiste est accompagné du commentaire suivant : "Le destin est cruel pour ceux qui s’en occupent. Les efforts déployés pour atteindre le sommet sont gaspillés. On ne s’élève que pour tomber".

Et ainsi de suite. Les caprices de Goya sont comme l’Enfer de Dante. Mais à la différence de Dante, Goya ne dépeint pas la souffrance des morts, mais le tourment des vivants. Et, apparemment, Goya considérait l’enfer de la vie encore plus tragique que l’enfer de la mort.

Derniers jours en France

«Les Caprichos» de Goya ont fait de lui une persona non grata pour l’Inquisition. En effet, dans de nombreuses fantaisies, il s’en prend aux pratiques de cette institution périmée du Moyen-Âge. L’Espagne devient un lieu malsain pour la vie de Goya. C’est pourquoi, à l’âge de soixante-dix ans environ, ce jeune et vieux aventurier rassembla ses pinceaux et ses peintures et alla finir ses jours en exil dans la ville française de Bordeaux. Il y retrouve plusieurs de ses compatriotes réfugiés de la tyrannie du nouveau roi d’Espagne, Ferdinand VII .

Installé dans la colonie espagnole de Bordeaux, Goya se remet à peindre. Sa vue est désormais si faible qu’il est contraint de peindre à l’aide d’une loupe. Cependant, certaines des peintures qu’il a réalisées durant cette période, en particulier les miniatures peintes sur des morceaux d’ivoire, comptent parmi les trésors artistiques les plus rares au monde. Si sa vue affaiblie a résisté jusqu’à la fin, son ouïe s’est complètement effondrée. L’un de ses amis décrit comment il s’est assis à son clavecin, a joué un air espagnol et a tendu l’oreille vers l’instrument dans une vaine tentative de capter la chanson préférée de son pays natal.

Au début du printemps 1828, il envoie une lettre à son fils Xavier, qui lui a écrit de Madrid pour lui rendre visite. "Cher Xavier, écrit-il, je n’ai rien à dire, si ce n’est que j’éprouve une joie indicible à l’idée de te voir et que je suis malade. Dieu veuille que je vive pour être embrassé par vous. Ma joie sera alors complète. Adieu.

Le 16 avril, il entreprend son dernier voyage. Il est enterré discrètement à Bordeaux. Ce n’est qu’en 1900 que la dépouille du premier artiste espagnol exilé revient à Madrid. Enfin, il eut droit à de somptueuses funérailles. Son cercueil est porté par huit chevaux, orné de plumes dorées, et toute la population madrilène le regarde. Il est dommage que Goya n’ait pas eu le temps de peindre ce dernier caprice de son destin cynique. Il aurait pu être le plus grand de ses chefs-d’œuvre.

Analyser les œuvres des peintres romantiques comme Goya : Analyser la peinture moderne (1800-2000). Les œuvres de Goya sont visibles dans les meilleurs musées d’art du monde, en particulier le musée du Prado à Madrid.