Robert Campin: peintre religieux flamand Automatique traduire

L’un des meilleurs artistes de la Renaissance nordique, l’œuvre de ce peintre néerlandais, parfois également appelé Maître de Flemalle ou Maître de Mérode, s’articule autour de deux panneaux d’un triptyque (aujourd’hui à Francfort, Stadels Kunstinstitut) provenant du château de Flemalle, près de Liège.

Les tentatives pour établir l’identité du maître de Flemalle ont donné lieu à des disputes qui éclatent encore de temps à autre. Pendant de nombreuses années, trois peintres flamands ont été proposés - Rogier van der Weyden, Jacques Daret et Robert Kampen, mais les spécialistes estiment aujourd’hui que Kampen et le maître de Flemalle sont une seule et même personne, malgré l’absence de preuves concluantes. Campen était un peintre de Tournai, dans l’atelier duquel Rogier van der Weyden et Jacques Daret ont travaillé entre 1426 et 1432. Spécialiste de la peinture à l’huile, ainsi que de la détrempe, il est considéré comme l’un des grands innovateurs des Vieux Maîtres de la peinture flamande primitive .

Le retable dit Triptyque «Seylern» (Enterrement) (1410, Courtauld Institute Gallery) semble être l’œuvre la plus ancienne de l’artiste : il comprend Enterrement et Résurrection, le donateur étant agenouillé au pied du Calvaire. Il s’agit d’une composition complexe caractérisée par des silhouettes délicates, un gothique international très gracieux et une continuité des volumes soulignée par des plis lourds et massifs de draperies.

Peintures de Robert Kampen

Œuvre de maturité

L’originalité et la puissance de Robert Kampen sont particulièrement évidentes dans son œuvre de maturité. Le panneau représentant Le mauvais larron (Francfort, Stadel) est le fragment supérieur du panneau droit d’un grand triptyque consacré au sujet de L’abnégation, œuvre dont la forme est connue par une copie ancienne conservée à la Walker Art Gallery de Liverpool. Le personnage en croix est d’un réalisme brutal, avec ses muscles tendus et ses plaies effroyables. Le tout est souligné par le rythme staccato des contours qui se détachent sur le fond doré. L’expressivité est poussée jusqu’à la laideur, ce qui est évident dans les visages des deux autres personnages, qui sont d’autant plus frappants que le modelé puissant leur confère une qualité presque sculpturale.

Les deux panneaux de Flemalle ont un caractère similaire : les figures de la Vierge à l’Enfant et de Sainte Véronique sont placées sur une pelouse parsemée de fleurs symboliques et devant une toile damassée qui les isole dans un espace restreint. Il y a là une force expressive qui anime aussi la grisaille de la Trinité au revers du panneau de Sainte Véronique.

Dans les œuvres plus petites, la monumentalité cède tout naturellement le pas à la qualité de l’expression. Un tableau , panneau d’un triptyque d’un retable du Prado illustre la différence de genre. Les revers de «Saint Jacques le Majeur» et «Sainte Claire», exécutés selon la technique de la grisaille, évoquent des statues dans des niches, semblables aux figures plus grandes mais suggérant une méthode d’exécution plus raffinée. Le Mariage de la Vierge est représenté avec une richesse de détails caractéristique. L’œuvre est animée par les personnages, dont certains visages sont déformés dans des grimaces à la limite du grotesque.

Œuvres postérieures

Le goût pour l’anecdote ne se dément pas dans les œuvres ultérieures, mais ici les détails non pertinents sont écartés pour parvenir à une vision plus synthétique. La Nativité du musée de Dijon contient l’un des premiers paysages nordiques. Les personnages devant l’étable à l’arrière-plan ont été unifiés par l’art de la route sinueuse et la répartition uniforme de la lumière. Les arbres clairsemés le long de la route sont mis en valeur par une lumière blanche qui rappelle de manière inhabituelle les jours d’hiver dans les Pays-Bas, ce qui constitue un pas en avant décisif dans le nouveau réalisme.

La même vision sous-tend le Retable de Mérode (1425, New York, Cloisters), l’une des plus célèbres peintures religieuses de Kampen, réalisée à peu près en même temps que les fresques de Mazaccio dans la chapelle Brancacci. La scène montre un intérieur dont chaque détail est soigneusement analysé ; les objets quotidiens sont traités avec une perspicacité poétique, même si leur inclusion aurait de toute façon été justifiée par des raisons symboliques.

Le panneau de droite montre saint Joseph comme un simple charpentier travaillant dans son atelier qui donne sur la place de la ville. Sur son établi, parmi les objets habituels, se trouve une souricière. Le tableau «Vierge et cheminée» (Londres, N.H.) montre la Vierge allaitant l’Enfant, assise sur un banc près de la cheminée ; elle est protégée de la chaleur du feu par un écran d’osier qui forme une sorte d’auréole naturelle autour d’elle.

Le même goût pour les scènes intimes a conduit Flemalle à représenter la Vierge Marie assise et se prélassant au coin du feu avec l’Enfant nu sur ses genoux sur l’un des volets d’un petit diptyque conservé à l’Ermitage. Cette composition est associée à une représentation de la Trinité, conçue selon la formule parfois appelée «le Trône de Grâce» : Dieu le Père, assis sur son trône, tient le Christ mort dans ses bras, et la colombe du Saint-Esprit est posée sur l’épaule du Christ. Une autre version, plus ou moins de la même taille et sur le même sujet (Musée de Louvain), est probablement aussi d’un maître de Flemalle, ou du moins d’un membre de son atelier, mais elle est très abîmée. Toutes deux sont des variations sur le thème de la composition peinte au revers de la Sainte Véronique de Francfort.

Sur un petit panneau aujourd’hui conservé au musée d’Aix-en-Provence, Kampen a représenté, dans une composition à laquelle il revenait souvent, la Vierge à l’Enfant, assise sur un trône dans le ciel, les pieds posés sur un croissant de lune, conformément à la vision de l’Apocalypse. Ici, un moine s’agenouille sur le sol entre saint Pierre et saint Augustin.

Portrait

Plusieurs spécimens de l’art du portrait ont été attribués au maître de Flemalle. Il s’agit notamment d’une paire représentant un homme et une femme (Londres, National Gallery), un musicien (collection privée) et Robert de Masmin (deux versions, l’une à Berlin-Dalem, l’autre à Lugano, collection Thyssen). Ils frappent par l’attention portée aux visages et la précision des détails.

La dernière œuvre conservée, et la seule qui puisse être datée, est un triptyque dont il ne reste que les ailes (Prado). Commandé en 1438 par Heinrich Wehrle, chef provincial des moines franciscains de Cologne, il représente un donateur présenté par saint Jean l’Évangéliste à une figure de sainte Barbe assise en train de lire. Il s’agit d’une œuvre plus douce, moins agressive, au relief plus clair et plus fin, qui montre l’influence des contemporains de Kampen ainsi que d’artistes plus jeunes comme Jan van Eyck (1390-1441), déjà connu pour des œuvres telles que Retable de Gand (1425-32, cathédrale Saint-Bavon), et le complexe Portrait d’Arnolfini (1434, National Gallery, Londres). Voir également l’œuvre de Petrus Christus (c. 1410-1475), le plus important disciple de van Eyck.

La réputation

Les compositions du maître flamand Robert Campen étaient très respectées et souvent copiées. Certaines d’entre elles ne sont connues que par des copies. En voici quelques-unes : Vierge à l’Enfant dans l’abside, Messe de saint Grégoire, Adoration des Mages, Vengeance de Thomiris, Jaël tuant Sisara, Saint Luc peignant la Vierge, Madone avec Enfant avec saints et donateurs,   ; Crucifixion . Cet art puissant ne peut en aucun cas être attribué à l’œuvre de jeunesse de Rogier van der Weyden, à moins de supposer un changement d’esprit radical à un moment donné de sa vie. (Mais voir «La descente de croix de Weyden», 1435).

Ces œuvres ne tentent pas d’égaler la grâce et l’harmonie des lignes souples et équilibrées de Roger. Le maître de Flemalle est un artiste plasticien, toujours à la recherche de moyens d’expression plus puissants. Ses formes sont représentées dans des rythmes croisés qui excluent toute grâce réelle et prennent un aspect brut et rustique. Sa contribution est essentielle au développement de la peinture de panneaux néerlandaise au XVe siècle et à l’orientation de la peinture de la Renaissance du Nord .

Les peintures de Robert Kampen (maître de Flemalle) sont exposées dans certains des plus grands musées d’art du monde.