Gare Sainte-Lazare, Claude Monet:
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La description

Nom : Gare Sainte-Lazare (1877)
Artiste : Claude Monet (1840-1926)
Moyen : Peinture à l’huile sur toile
Genre : paysage urbain
Mouvement / Style : Voir Caractéristiques de l’impressionnisme
Lieu : Musée d’Orsay

Pour une interprétation d’autres images des 19e et 20e siècles, voir: Analyse des peintures modernes (1800-2000).

APPRÉCIATION D’ART
Pour l’analyse d’images
par artistes modernes comme
Claude Monet, voir:
Comment apprécier les peintures.

Dans sa forme la plus pure Impressionnisme français était préoccupé par le rendu précis de la lumière solaire et son effet sur la couleur de son environnement. Peintres impressionnistes donc dû se concentrer sur peinture en plein air – à la lumière du soleil – plutôt que de travailler en studio. Peinture de paysage impressionniste en particulier, nécessitait des croquis extérieurs spontanés et rapides, voire des travaux complets. Parmi les principaux défenseurs de la peinture en plein air, mentionnons Monet, Camille Pissarro (1830-1903) et Alfred Sisley (1839-1899), plus dans une moindre mesure Renoir (1839-1919). (Pour plus d’informations, voir: Impressionniste Claude Monet et Héritage de l’impressionnisme de Claude Monet.)

Monet a commencé sa merveilleuse série de peintures de la gare parisienne Gare Sainte-Lazare en 1876 et l’a achevée en 1878. Il avait déjà peint des variations sur un seul thème, mais il s’agissait de son premier effort systématique pour sonner les changements de lumière et de temps. de jour sur un sujet choisi. Au moins quatre des dix peintures environ ont été exécutées à peu près au même endroit sous le grand angle du toit de la gare, les autres à l’extérieur. Il s’intéressait aux diverses couleurs de la vapeur, à la fois bleu profond contre la chaleur du soleil comme dans ce cas ou sous une autre lumière contre l’obscurité, et bien sûr aussi sur tous les contrastes associés entre l’espace couvert et la ville au-delà. La manière dont il utilisait une peinture épaisse, mélangeant de nombreuses petites touches de couleurs vives, était particulièrement convaincante, conformément à la suggestion de puissance mécanique demandée par le sujet.

Il est possible que certains souvenirs de Turner’s Rain, Steam et Speed, qu’il avait vus au National Gallery de Londres six ans plus tôt, lui aient traversé l’esprit et aient suggéré le sujet. Jusqu’à présent, il s’est absorbé dans ce qu’il a peint pour que le spectateur éprouve toute la sensation d’être réellement sur place. Pourtant, le fait qu’il puisse peindre autant de versions n’indique pas un intérêt particulier pour les locomotives et le pouvoir de voler, mais plutôt les effets changeants de la lumière en termes de couleur qui rendent chaque version si différente des autres.

C’était le début de plusieurs séries de peintures – dans l’ensemble, une contribution remarquable à art moderne, comprenant des séries séparées sur la façade ouest de la cathédrale de Rouen, Hay Stacks, Water Lilies – dans lesquelles le sujet est devenu de moins en moins important et où la lumière / couleur est devenue leur raison d’être.

La gare de St-Lazare était le terminus de la voie ferrée parisienne qui desservait ce qu’on pourrait appeler maintenant le "pays de Monet". C’était la gare non seulement d’Argenteuil, mais aussi de la plupart des lieux de prédilection de Monet dans le nord de la France, notamment Le Havre, Chatou, Bougival, Louveciennes, Ville d’Avray, Bouen et Vernon (pour l’embranchement de Giverny).

Le sujet avait une fascination évidente pour un peintre passionné, et le fait qu’il ait peint douze tableaux en si peu de temps témoigne de son enthousiasme. Une autre raison de sa hâte était qu’il souhaitait inclure les peintures dans la quatrième exposition impressionniste et que la date de clôture était en avril. En l’occurrence, il n’a exposé que huit des douze. Une fois le groupe terminé, il semble avoir été épuisé de manière créative et n’a produit que quatre autres peintures cette année-là.

Voir: Expositions impressionnistes à Paris (1874-86) pour plus de détails sur les premiers spectacles.

Bien qu’il s’agisse d’une série de tableaux, ils ne sont pas, selon le mandat de Monet, une série, car ils montrent un certain nombre de points de vue différents sur la station plutôt qu’explorer l’effet changeant de la lumière sur le même point de vue. Les traitements varient du dessin à l’huile au travail fini en atelier, cette peinture ayant été réalisée sur place. Il a installé son stand de peinture de manière centrale sous la marquise, et la composition est brisée symétriquement à la fois par la grande forme du chariot à gauche et par le placement du moteur un peu à droite du centre de la marquise en poutres en fer. Le mouvement directionnel dans la composition est fourni par le mouvement de la figure de premier plan vers la droite. De nouveau, des couleurs complémentaires ont été utilisées pour se renforcer mutuellement, cette fois-ci la fumée mauve et le soleil jaune pâle qui brille, et le motif de fumée soigneusement construit est à la fois la clé de couleur et l’élément qui donne la vie et le rythme à l’œuvre. Le coup de pinceau n’est plus directionnel; c’est un dense empâtement posé avec une telle délicatesse que même la forme dure du moteur est adoucie pour donner une forme baignant à la vapeur. La lumière presque éthérée fait en sorte que les chiffres apparaissent davantage comme des points de mouvement que comme des personnes réelles qui s’occupent de leurs affaires. (Pour une idée des couleurs de Monet, voir: Palette de couleurs du 19ème siècle.)

Globalement, il s’agit d’une composition soigneusement construite qui évite une trop grande symétrie par de simples dispositifs d’équilibre et de placement. Bien que la verrière soit exactement centrale (reflétant la position de peinture de Monet), le moteur est un peu à gauche, et la forme volumineuse du chariot et la direction de la fumée du moteur continuent de mettre l’accent sur le côté gauche de la peinture. Le cadre du côté de la remise s’étend plus loin, tandis que le côté droit est laissé ouvert, rempli de lumière accentuée par les petites touches de couleur vive suggérant des figures et des objets. La chaleur générale de Couleur est accentuée par les zones flottantes de vapeur et de fumée aux teintes de blanc et de violet cobalt – à la fois excitantes et surprenantes. Comme monet La peinture développé, il est devenu de plus en plus important jusqu’à l’époque des dernières séries de jardins aquatiques, lorsque les profonds bleus et verts sont revenus, utilisés avec une maîtrise encore plus grande.

Explication d’autres peintures de Monet

NOTE: Pour l’histoire de l’impressionnisme français et du groupe d’artistes qui l’a créé, veuillez consulter notre série en 10 parties commençant par: Impressionnisme: origines, influences .

Remerciements
Nous remercions vivement Trewin Copplestone pour l’utilisation des documents de MONET (2002), une source essentielle pour tous ceux qui s’intéressent à Claude Monet et au mouvement impressionniste.