Performance Art:
Caractéristiques, Histoire Automatique traduire

Cette nouvelle forme d’art contemporain, issue des Happenings et de l’Art Conceptuel et devenue la forme principale de l’art d’avant-garde à la fin des années 1960 et dans les années 1970, prend pour médium l’artiste lui-même : les œuvres d’art proprement dites sont les actions en direct de l’artiste.

Aujourd’hui populaire auprès d’un nombre croissant d’artistes postmodernes, l’art de la performance tend à être intensément théâtral, poussant souvent le jeu et le mouvement à des extrêmes d’expression et d’endurance inacceptables au théâtre. Les mots sont rarement mis en avant, tandis que la musique et divers bruits jouent souvent un rôle. Des représentations ont lieu dans plusieurs des meilleures galeries d’art contemporain du monde, ainsi que dans des centres traditionnels tels que le Metropolitan Museum of Art. L’une des plus célèbres représentantes de l’art contemporain de la performance est la Serbe Marina Abramović (née en 1946).

Caractéristiques

Bien que ce type d’art postmoderne ne soit pas facile à définir précisément, une caractéristique importante est l’exigence que l’artiste exécute ou exprime son «art» devant un public en direct. Par exemple, permettre au public de voir un assemblage ou une installation intéressants ne serait pas considéré comme une performance artistique, mais regarder l’artiste assembler cet assemblage ou cette installation le serait.

Sous réserve de cette condition, les artistes de la performance peuvent utiliser n’importe quelle discipline ou support dans leur travail, y compris la danse, la musique, la récitation, le mime, la mode, la conception théâtrale, le film, la jonglerie, le tumbling, la contre-force, l’escapologie, l’installation, l’art corporel et informatique (pour n’en citer que quelques-uns), ainsi que des genres plus traditionnels tels que la peinture, le dessin et la sculpture.

L’art de la performance peut être spontané et ponctuel, ou répété et sériel. Il peut s’agir d’un petit événement ou d’un spectacle public à grande échelle. Il peut se dérouler presque partout : dans des musées ou d’autres lieux d’art, dans des cafés et des bars, sur des places ou dans la rue.

Conformément aux traditions du mouvement anti-art Dada du début du XXe siècle et au style plus large du surréalisme, la frontière entre l’art de la performance et l’exhibitionnisme reste souvent délibérément mince. En raison de la nature éphémère du médium, les événements de performance sont souvent enregistrés sur des films et des vidéos, et ces enregistrements sont en fin de compte le principal moyen de diffusion de la performance auprès du grand public.

Certains historiens de l’art estiment que l’art de la performance est mieux compris comme un «art de la scène» tel que le théâtre, la danse ou la comédie, plutôt que comme une forme d’«art visuel» - d’autant plus que les «œuvres d’art» en question ne sont généralement pas prioritaires pour les artistes de la performance eux-mêmes.

Les origines et l’histoire de la performance

Bien qu’il remonte aux spectacles médiévaux des ménestrels de cour et des troubadours itinérants (voire aux spectacles oratoires de l’Antiquité classique), l’art de la performance moderne doit son existence aux activités de mouvements d’avant-garde tels que le Futurisme (c.1909-14) (c.1909-14). 1909-14.), Dada (1916-24), l’Automatisme surréaliste (1924-40), le Nouveau Réalisme (début des années 1960), Fluxus (années 1960), Néo-Dada (années 1960), le Body Art (à partir de 1960) et l’Art Féministe (à partir de 1970). Ces mouvements ont rejeté les conventions formalistes «» de l’art traditionnel, centrées sur le produit fini «(peinture, sculpture ou autre œuvre d’art), pour se concentrer sur le message «» ou le concept «» de l’œuvre.

Parmi les principaux participants à ces mouvements figurent l’activiste roumain Tristan Tzara (1896-1963) ; le soi-disant père de l’art conceptuel Marcel Duchamp (1887-1968) ; dadaïste solitaire Kurt Schwitters (1887-1948) et son assemblage «Merzbau» ; compositeur d’avant-garde John Cage (1912-1992), qui a créé la «silencieuse» Symphonie 4-33 ; Sol LeWitt (né en 1928), grand prêtre de l’art conceptuel ; Tristan Tzara (1896-1962), le soi-disant père de l’art conceptuel 1928), grand prêtre du conceptualisme et de son essai influent «Paragraphes sur l’art conceptuel» (1967) ; Allan Kaprow (né en 1927), adepte de l’assemblage et principal créateur de «Happenings». Des événements dramatiques, humoristiques ou irrévérencieux, à la limite de la performance, ont été consciemment ou inconsciemment mis en scène par tous ces hommes pour populariser leurs idées artistiques.

Le développement de l’art de la performance

L’impulsion immédiate pour le développement de l’art de la performance est venue d’une série de Happenings théâtraux mis en scène par Allan Kaprow et d’autres à New York à la fin des années 1950. En 1961 , Yves Klein (1928-1962) a présenté trois modèles nus, recouverts de sa peinture bleue caractéristique, qui se roulaient sur des feuilles de papier blanc. Il était également célèbre pour ses «sauts dans le vide». Pour plus de détails, voir L’art postmoderne d’Yves Klein (1956-62). Au début des années 1960, plusieurs autres artistes conceptuels américains, tels que Robert Morris (né en 1931) Bruce Nauman (né en 1941) et Dennis Oppenheim, ont commencé à incorporer la «performance» dans leur répertoire.

En Allemagne, l’art de la performance était connu sous le nom d’actionnisme, en partie influencé par les photographies de 1950 prises par Hans Namuth du peintre expressionniste abstrait Jackson Pollock (1915-1956) au travail dans son atelier exécutant son «action painting», bien que, à proprement parler, le terme actionnisme se réfère au groupe viennois Wiener Aktionismus, fondé en 1962. Les principaux membres de l’Aktionismus étaient Günter Brus (né en 1938), Hermann Nitsch (né en 1938) et Rudolf Schwarzkogler, dont les performances (Aktionen et Demonstrationen) - ostensiblement destinées à souligner la nature brutale de l’homme - comprenaient des exhibitions choquantes d’auto-torture et des rituels pseudo-religieux. Le caractère violent de la philosophie de l’art du groupe se reflète également dans les actions de l’artiste viennois Arnulf Rainer.

Les événements et happenings organisés par le mouvement Fluxus, fondé par le théoricien de l’art américano-lituanien George Maciunas (1931-1978), qui a vu le jour en Allemagne, puis s’est répandu en Europe et s’est établi à New York, ont été plus puissants dans les années 1960. L’un des membres les plus célèbres de Fluxus est l’artiste allemand Josef Beuys (1921-1986), professeur de sculpture à l’Académie d’art de Düsseldorf, dont l’une des œuvres est une performance insolite intitulée «Comment expliquer des peintures à un lièvre mort» (1965). Des festivals d’art contemporain de type Fluxus - qui impliquent tous des performances - sont organisés dans plusieurs capitales européennes ainsi qu’à New York.

Au Royaume-Uni, les principaux artistes de la performance étaient Stuart Brisley (né en 1933), Gilbert Proesch (né en 1943) et George Passmore (né en 1942) - plus connus sous le nom de Gilbert et George - un duo qui s’est réuni en 1969 à la St Martin’s School of Art de Londres et qui est devenu connu sous le nom de «Living Sculptures». L’idée était de se transformer en sculpture, effaçant ainsi leurs identités distinctes au profit de l’art.

Pour ce faire, ils sont devenus des chiffres interchangeables et ont même renoncé à leur nom de famille. Ils se peignent le visage, s’habillent à l’identique et mettent en scène des one-man-shows «», au cours desquels ils pantomisent un air populaire «Underneath the Arches». Après être passés par les écoles d’art britanniques, ils ont parcouru le continent, l’Amérique, le Japon, l’Australie et la Chine, élargissant ainsi leur gamme de «sculptures vivantes» avec une teinte distinctement «britannique». Le sujet de leur travail couvre le déclin des quartiers défavorisés, le culte de Margaret Thatcher, l’anti-royalisme et bien d’autres choses encore, généralement présentées d’une manière nerveuse et accompagnées d’une large gamme de produits d’art visuel, notamment des sculptures de cartes postales, des films, des vidéos et des installations. Le summum de la performance artistique, disent les critiques d’art, mais est-ce de l’art?

Les mouvements d’art contemporain les plus récents liés à «l’art de la performance» comprennent : l’art corporel (Marina Abramović), le mime (Marcel Marceau), y compris «les statues vivantes», et l’art féministe (Carolee Schneerman).

Autres artistes de la performance

D’autres artistes contemporains de premier plan qui ont incorporé l’art de la performance dans leur répertoire comprennent : Yayoi Kusama (née en 1929), une artiste japonaise controversée connue pour ses Happenings et son imagerie phallique ; Joan Jonas (née en 1936), connue pour ses vidéos de performance. 1936), connue pour ses performances vidéo ; Helio Oiticica (1937-1980), artiste expérimental brésilien et fondateur du Grupo Neoconcreto ; Rebecca Horn (née en 1944), connue pour ses installations qui incitent à la réflexion ; et les artistes corporels Marina Abramovic (née en 1946) et Chris Burden (né en 1946). Parmi les autres artistes, citons Laurie Anderson, Eric Bogosian, Chong Ping, Martha Clark, Ethyl Eichelberger, Karen Finley, Richard Foreman, Dan Graham, Holly Hughes, Suzanne Lacy, Tim Miller, Meredith Monk, Linda Montano, Yoko Ono, Rachel Rosenthal et Carolee Schneerman. Un autre artiste innovant est le musicien et peintre Nam June Paik (1932-2006), né en Corée, qui a commencé par des performances, puis a travaillé avec la vidéo et enfin avec des installations.

Comme plusieurs courants de l’art contemporain, la performance agit pour elle-même et selon ses propres priorités. S’apparentant parfois à un numéro de cirque, parfois drôle, offensif voire répugnant, il remet en question l’éthique conventionnelle et (surtout) l’idée que nous nous faisons de l’art ou de ce qu’il devrait être.