Histoire de la photographie 
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La photographie est l’une des formes d’art les plus récentes et les plus intéressantes, couvrant tous les genres (et plus encore). Sa relation avec la réalité a donné naissance à un nouvel ensemble d’esthétiques, ainsi qu’à un débat permanent sur la question : La photographie est-elle un art ? Dans l’évolution de la photographie, la période la plus importante est sans aucun doute le dix-neuvième siècle. Voici un bref aperçu des principaux développements qui ont eu lieu au cours de cette période. Pour plus de détails sur les nombreux pionniers impliqués dans ces développements, voir : Photographes : Le XIXe siècle . Pour les photographes du 20e siècle, voir : Les plus grands photographes d’art (à partir de 1880).
Camera obscura
Si l’on fait un petit trou dans la moustiquaire ou le rideau d’une fenêtre dans une pièce sombre, une image inversée de la scène à l’extérieur de la fenêtre apparaît sur le mur d’en face.
La camera obscura ou chambre noire, dont l’invention est attribuée à Battista della Porta (1538-1615) et décrite en 1558 dans son ouvrage Magia Naturalis, était théoriquement connue de l’homme depuis des centaines d’années. Cependant, outre les Chinois, la camera obscura a été décrite, entre autres, par le savant arabe Alhazan (956-1038), le scientifique et philosophe Roger Bacon en 1267 et, comme on pouvait s’y attendre, Léonard de Vinci, qui en a donné une description précise au quinzième siècle.
Jusqu’au milieu du XVIIe siècle, la camera obscura occupait généralement une pièce de la maison, mais vers 1650, des versions portables plus petites sont apparues.
Au début du XIXe siècle, il existait trois types de camera obscura : La première était la chambre obscure susmentionnée, qui comportait souvent, comme amélioration supplémentaire, une lentille et un miroir placés de manière à ce que l’image de la scène extérieure soit affichée sur une table dans la chambre ; une autre variété était une sorte de tente portable avec une lentille et un miroir sur le dessus qui affichait l’image sur une surface horizontale, généralement - encore une fois - sur une table à l’intérieur de la tente ; et la dernière était une boîte camera obscura portable, bien qu’assez encombrante, qui reflétait l’image sur une table à l’intérieur de la tente
Ces camera obscura portables étaient utilisées par les vieux artisans aux XVIIe, XVIIIe et XIXe siècles pour aider à dessiner la perspective, et devinrent bien sûr plus tard une aide indispensable pour les inventeurs de la photographie, qui modifièrent la camera obscura en réduisant sa taille, et transformèrent son soufflet, ses lentilles et ses ouvertures en un appareil photo.
L’utilisation du nitrate d’argent
Certaines des premières expériences et tentatives réelles de photographie ont été réalisées à la fin du XVIIIe siècle par Thomas Wedgwood, fils du célèbre potier Josiah Wedgwood. Wedgwood, connu aujourd’hui non pas tant pour ses activités philanthropiques que comme pionnier de la photographie, a travaillé avec Humphry Davy pour réaliser des tirages de fougères, de dentelles et d’autres objets en les plaçant sur du papier blanc ou du cuir blanc, en les traitant avec du nitrate d’argent, puis en les exposant à la lumière directe du soleil.
En 1802, Wedgwood écrivit un livre «décrivant une méthode pour copier des images sur du verre et faire des profils au moyen de lumière sur du nitrate d’argent» avec des notes de Davy. Wedgwood et Davy n’ont cependant jamais réussi à trouver une méthode pour fixer l’image, bien que ce soit à ces deux hommes que revient le mérite d’avoir combiné pour la première fois les propriétés de la lumière et du nitrate d’argent.
Héliographe : la première photographie de Joseph Nicéphore Niépce
Sous l’impulsion de la demande croissante de photographies, en particulier de portraits, un certain nombre d’alternatives ont été essayées : en 1796, la lithographie a été inventée, la gravure sur bois a été relancée, et en réponse aux cris d’une classe moyenne en plein essor qui avait besoin de portraits bon marché - le portrait était auparavant le domaine des classes supérieures et un luxe onéreux - la silhouette est devenue populaire. En 1786, Gilles Louis Chrétien invente le physiognostrass . Il s’agit d’une machine extrêmement compliquée pour fabriquer des silhouettes, qui devient néanmoins populaire car elle permet d’imprimer des silhouettes en couleurs, comme des gravures sur une plaque de cuivre.
Mais la véritable percée a lieu en 1826, lorsque Joseph Nicéphore Niépce prend la première photographie au monde sur une plaque d’étain après une exposition de huit heures une vue de la fenêtre du grenier de sa maison près de Grasse. La photographie est née. En fait, Niépce a utilisé le mot héliographe pour décrire ce qu’il avait créé ; le mot «photographie» a été inventé par Sir John Herschel en 1839.
Niépce, qui expérimente le procédé photographique pendant plus de dix ans, est un inventeur passionné depuis son enfance. En 1807, il dépose avec son frère Claude le brevet du pireolophore, un moteur pour propulser un bateau, apparemment tombé dans l’oubli ; des expériences de lithographie suivent en 1813, puis en avril 1816. - les premières expériences photographiques.
Niépce utilisa du bitume de Judée dissous dans de l’huile de lavande, substance qui durcit et devient insoluble lorsqu’elle est exposée à une forte lumière. En appliquant une fine couche de ce mélange sur une plaque d’étain et en l’exposant à la lumière du soleil, on obtient une image positive.
Les parties non exposées à la lumière du soleil pouvaient être lavées avec un solvant composé d’huile de lavande et d’essence de térébenthine. A l’aide d’une camera obscura qu’il a conçue et fabriquée lui-même , Niépce a pu prendre la première photographie fixe de la nature au monde.
Développement du daguerréotype
Cependant, Niépce n’était qu’un des nombreux photographes expérimentaux. En 1837 - l’année de l’accession au trône de la reine Victoria - Louis Daguerre a réalisé le premier daguerréotype réussi . Daguerre est le collaborateur de Niépce jusqu’à la mort de ce dernier en 1833. Il poursuivit ensuite son travail en solitaire et fit connaître sa méthode en 1839.
La méthode de Daguerre consiste à sensibiliser à la vapeur d’iode une plaque de cuivre polie recouverte d’argent, à l’exposer dans une chambre, à la montrer à la vapeur de mercure et à fixer l’image obtenue avec une solution de sel de table. Peu après, l’astronome John Herschel, qui s’intéressait également à ce nouveau phénomène, suggéra d’utiliser non pas du sel mais du « hypo» ) thiosulfate de sodium) pour fixer l’image, et cette idée fut rapidement adoptée.
Une nouvelle amélioration est intervenue en 1840 lorsque le scientifique John Goddard a pu augmenter la vitesse de fabrication des plaques en utilisant non seulement de la vapeur d’iode mais aussi de la vapeur de bromure pour la sensibilisation. Au cours des deux années suivantes, le daguerréotypiste Antoine Claudet et le physicien Hippolyte Fizeau ont apporté quelques autres améliorations mineures au procédé du daguerréotype, mais après 1841, celui-ci est resté essentiellement le même.
Naturellement, le premier daguerréotype présentait des inconvénients : il était pratiquement impossible de faire des copies supplémentaires sur une plaque métallique solide, et l’image était «réfléchie» de sorte que sous certains angles, elle était presque invisible ; mais peut-être plus important encore, en raison du temps d’exposition très long nécessaire pour réaliser un daguerréotype - 15 à 30 minutes - il n’était possible de capturer que des scènes statiques, sans figures ni mouvements. Si une horloge, par exemple, apparaissait sur l’image, l’aiguille des heures serait visible, mais pas celle des minutes! En outre, la réalisation des daguerréotypes était un processus tellement complexe que seuls des photographes professionnels hautement qualifiés pouvaient les utiliser.
Par la suite, des tentatives fructueuses ont été faites pour améliorer les daguerréotypes. De meilleures lentilles ont été développées et, en 1840, Joseph Petzval a conçu une double lentille. La même année, John Goddard réduit le temps d’exposition à une minute, ce qui constitue un énorme progrès. Une image inversée était assez facilement corrigée en utilisant un prisme devant l’objectif.
Le premier calotype de William Fox Talbot
Le 7 janvier 1839, Francis Arago lit à l’Académie des sciences de Paris un rapport préliminaire sur le procédé inventé par L.J.M. Daguerre. Mais les choses se passent aussi à Londres, indépendamment de la France, et le 30 janvier de la même année, la Royal Society de Londres entend Michael Faraday décrire le travail de William Fox Talbot, un acteur important de l’art victorien et l’un des plus grands artistes photographes du dix-neuvième siècle.
Talbot, répétant les expériences de Wedgwood et Davy, a trouvé un moyen de fixer partiellement une image photographique en la baignant dans une forte solution d’iode et de potassium, et a réussi à obtenir une photographie en 1835. Le négatif, bien que fortement décoloré, est toujours conservé au Science Museum de Londres.
Le nouveau procédé de Talbot, qui imprime sur du papier plutôt que sur du métal, est breveté en 1841 sous le nom de calotype . Le principal avantage de ce procédé par rapport au daguerréotype est qu’il permet de réaliser un nombre illimité de copies à partir d’un seul négatif. Il s’agit de la première application du principe négatif/positif à la photographie moderne.
En 1844, Talbot a publié «Le crayon de la nature», qui est l’un des livres de photographies illustrées les plus célèbres au monde. À l’intérieur du livre, l’éditeur a jugé bon de joindre un feuillet sur lequel est écrit ce qui suit : "Les planches du présent ouvrage sont exécutées à la lumière seule, sans l’aide du crayon de l’artiste". Chaque exemplaire «du Crayon de la nature» contient 34 gravures calotypiques. Celles-ci comprenaient de la dentelle, des fougères, des vues de l’architecture victorienne et des natures mortes. Voir aussi : L’art de l’illustration .
Les photographes les plus célèbres qui ont utilisé le procédé du calotype sont les associés David Octavius Hill et Robert Adamson. Hill était un portraitiste plutôt médiocre et lorsqu’en 1843, on lui demanda de faire le portrait d’une convention de protestants écossais à Canonmils, il décida d’utiliser un appareil photo pour s’aider dans la tâche difficile qui consistait à représenter près de cinq cents personnes sur une toile de cinq pieds sur douze. Avec l’aide d’Adamson, qui s’est occupé de l’aspect technique du projet, Hill a fait poser ses visiteurs, créant des portraits et des scènes de genre qui sont des exemples inégalés du processus de calotypie. Voir : La photographie est-elle un art ?
Malgré l’aide des photographies, il a fallu plus de 23 ans pour réaliser le portrait, alors qu’Adamson était décédé et que Hill s’était retiré de la photographie. Ironiquement, ce n’est pas la peinture qui a rendu Hill célèbre, mais les photographies qu’il a prises pour l’exécuter.
Le procédé de la plaque humide ou collodion
En Angleterre, comme en France, les procédés, les inventions et les améliorations se succèdent. En 1851, Frederick Scott Archer met au point le procédé de la plaque humide ou du collodion . Archer enduit les plaques négatives en verre de sels d’argent dans du collodion. Après exposition, encore à l’état brut, l’image est développée et utilisée pour fabriquer le négatif.
Le procédé au collodion d’Archer a été couronné de succès et constamment utilisé jusqu’en 1871, date à laquelle il a finalement été supplanté par le procédé de plaque sèche de Maddox. Jusqu’en 1890 environ, la plupart des tirages réalisés à partir de négatifs au collodion étaient des tirages à l’albumine, ainsi nommés parce que le papier photographique était d’abord enduit d’albumine, puis traité avec du sel et du nitrate d’argent et exposé jusqu’à ce que l’image apparaisse.
Étonnamment, malgré l’équipement encombrant et la dextérité manuelle requise par les utilisateurs de la plaque humide, celle-ci a été utilisée par des passionnés dans les environnements les plus difficiles, depuis les sommets des montagnes et les montgolfières jusqu’aux champs de bataille en Crimée et pendant la guerre de Sécession.
Ambrotypie
L’ambrotype, souvent confondu avec le daguerréotype, probablement en raison de la similitude de la monture et du boîtier, a été développé à partir du procédé de la plaque humide. Les ambrotypes étaient réalisés en décolorant les hautes lumières d’une plaque humide préparée avec du dichlorure de mercure et en peignant le verso en noir. Les ambrotypes étaient généralement montés dans de petits étuis ou des médaillons, mais parfois - surtout en Amérique - ils étaient accrochés au mur.
Le procédé de la plaque humide, qui ne nécessite qu’un court temps d’exposition - généralement moins d’une minute - permet de réaliser un nombre illimité de copies et de populariser la photographie bon marché comme aucune méthode antérieure n’avait pu le faire.
En 1857, la carte de visite est arrivée de France en Angleterre, et les photographies bon marché coûtant quelques shillings se sont répandues.
Le procédé de la plaque sèche
La prochaine étape importante a été franchie en 1871 lorsque le médecin Richard Maddox a inventé le procédé de la plaque sèche, qui utilise une émulsion de produits chimiques sensibles dans la gélatine au lieu du collodion. Les plaques finies pouvaient être emballées et vendues, et le photographe était enfin libéré de la chambre noire itinérante. Les temps d’exposition sont encore réduits et l’appareil peut désormais être tenu à la main, plutôt que monté sur un trépied, ce qui permet de photographier des objets en mouvement. La photographie telle que nous la connaissons aujourd’hui est née.
Note : Le développement de la photographie dans les années 1860-70 a eu une influence significative sur les artistes impressionnistes travaillant en plein air, qui ont pu «capturer» les effets transitoires de la lumière dans la photographie.
La photographie au XXe siècle
La photographie du XXe siècle s’est développée à travers le photojournalisme et la photographie de mode, qui sont inextricablement liés aux médias et à la communication numérique. Les principaux praticiens du premier genre comprennent : Robert Capa, Larry Burroughs, Don McCullin, James Nachtwey et Steve McCurry. Parmi les plus grands photographes de mode du siècle, citons Cecil Beaton, Alexey Brodovitch, Irving Penn, Richard Avedon, Norman Parkinson, David LaChapelle, etc.
En général, parmi les plus importants artistes photographes du XXe siècle dont les photographies ont été exposées dans plusieurs des plus belles galeries d’art contemporain, on trouve les personnes suivantes :
Ansel Adams (1902-1984)
Connu pour ses photographies de paysages de l’Ouest américain.
Diane Arbus (1923-1971)
Photographe documentaire américaine photographiant des personnes marginalisées.
Eugène Atget (1857-1927)
Photographe français connu pour ses images architecturales de Paris. Un des fondateurs de la photographie documentaire en milieu urbain.
Richard Avedon (1923-2004)
Photographe américain de mode et de portrait.
David Bailey (né en 1938)
Icône des années 1960, connu pour ses photographies de mode et ses portraits.
Cecil Beaton (1904-1980)
Photographe de mode et de portrait extravagant.
Bernd et Hilla Becher (n. 1931/1934)
Couple allemand connu pour ses photographies d’architecture.
Bill Brandt (1904-1983)
Artiste polyvalent travaillant dans les domaines du portrait, du paysage, de la figure et de la photographie documentaire.
Brassai (1899-1984)
Artiste hongrois connu pour ses images de Paris dans les années 1930.
Larry Burrows (1926-1971)
Grand photographe de guerre britannique.
Robert Capa (1913-1954) (Endre Erno Friedman)
Photojournaliste de renommée mondiale, fondateur de l’agence Magnum.
Henri Cartier-Bresson (1908-2004)
Peut-être le représentant le plus éminent de la photographie de rue du 20e siècle.
Bruce Davidson (né en 1933)
Surtout connu pour ses photographies documentaires de la vie des gangs à Brooklyn et Harlem, et du système de métro de New York.
Patrick Demarchelier (né en 1943)
Photographe de mode des plus grands mannequins du monde.
Robert Deusneau (1912-1994)
Photojournaliste français connu pour sa photographie d’un couple s’embrassant à Paris.
Ken Domon (1909-1990)
Photographe documentaire japonais.
Robert Frank (né en 1924)
Connu pour son livre fondateur de 1958 «Americans».
Walker Evans (1903-1975)
Artiste objectiviste américain connu pour ses photographies de la Grande Dépression.
Nan Goldin (née en 1953)
Connue pour ses séries photographiques axées sur la vie de groupes socialement marginalisés.
Andreas Gursky (né en 1955)
Photographe postmoderniste allemand connu pour ses grandes «photographies d’architecture».
Raoul Hausmann (1886-1971)
Artiste dada berlinois, graveur, collagiste, connu pour ses photomontages.
John Hartfield (Helmut Herzfeld) (1891-1968)
Photographe dada allemand, connu pour ses photomontages.
Lewis Hine (1874-1940)
Photographe documentaire couvrant les conditions de travail dans les usines en Amérique.
David Hockney (né en 1937)
Artiste anglais connu pour ses collages au Polaroïd.
Nadav Kander (né en 1961)
Connu pour sa collection inhabituelle de photographies de la rivière Janste.
Yusuf Karsh (1908-2002)
Portraitiste formel arméno-canadien.
André Kertész (1894-1985)
Connu pour ses photographies de rue, ses portraits, ses paysages urbains, ses natures mortes et ses nus déformés.
Nick Knight (né en 1958)
Photographe de mode et de publicité intransigeant.
David LaChapelle (né en 1963)
Connu pour ses photos de mode postmodernes extravagantes.
Dorothea Lange (1895-1965)
Connue pour ses photographies de la Grande Dépression et de l’internement des Japonais en Amérique dans les années 1940.
Annie Leibovitz (née en 1949)
Photographe portraitiste contemporaine spécialisée dans les photographies de célébrités populaires telles que John Lennon et Yoko Ono, Demi Moore, Meryl Streep.
El Lissitzky (1890-1941)
Artiste constructiviste connu pour ses photographies de propagande politique.
Man Ray (1890-1976)
Important pionnier du pictorialisme . Photographe dada/surréaliste/mode, inventeur du Rayographe.
Robert Mapplethorpe (1946-1989)
Photographe new-yorkais culte des années 1980.
Don McCullin (né en 1935)
Photographe de guerre et documentaire britannique.
Steve McCurry (né en 1950)
Connu pour ses photographies pour National Geographic telles que «Afghan Girl».
James Nachtwey (né en 1948)
Photojournaliste américain connu pour ses images de catastrophes naturelles et d’origine humaine.
László Moholy-Nagy (1895-1946)
Hongrois Professeur au Bauhaus, connu pour ses photogrammes.
Hans Namuth (1915-1990)
Chroniqueur d’artistes américains au travail, comme Jackson Pollock.
Helmut Newton (1920-2004)
Photographe renommé de la haute couture et du nu féminin.
Norman Parkinson (1913-1990)
Connu pour ses portraits de nature et ses photos de mode.
Martin Parr (né en 1952)
Photographe de documentaires sociaux.
Irving Penn (1917-2009)
Photographe américain surtout connu pour ses images de mode.
Ben Shahn (1898-1969)
Artiste/photographe ; comme Lange et Evans, actif pendant la Grande Dépression.
Charles Sheeler (1883-1965)
Artiste et photographe américain connu pour ses photographies industrielles.
Cindy Sherman (née en 1954)
Photographe postmoderniste surtout connue pour ses autoportraits surréalistes.
Edward Steichen (1879-1973)
Membre fondateur de Photo-Secession, premier photographe de mode au monde ; plus tard, directeur de la photographie au Museum of Modern Art, New York .
Alfred Stieglitz (1864-1946)
Père de la photographie américaine. Membre fondateur de la Sécession photographique en 1902 et, avec Edward Steichen, l’un des fondateurs des Petites galeries de la Sécession photographique. Rédacteur et éditeur du magazine «Camera Work» (1902-17).
Paul Strand (1890-1976)
Photographe pionnier américain, fondateur de la Photo League.
Mario Testino (né en 1954)
Photographe de mode contemporain.
Roman Vishniac (1897-1990)
Chroniqueur de la culture juive en Europe.
Jeff Wall (né en 1946)
Spécialiste canadien de la photographie mise en scène.
Andy Warhol (1928-1987)
Pionnier du cinéma postmoderne et photographe.
Edward Weston (1886-1958)
Photographe américain, principal représentant du pictorialisme.
Garry Winogrand (1928-1984)
Célèbre photographe de rue des années 1960 et 1970.
Sur l’évolution des arts visuels ici : Histoire de l’art .
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